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Ölmalerei – Die jahrhundertealte Technik der Meister
Die Technik der Ölmalerei, definiert durch das Malen mit Pigmenten mit trocknendem Öl als Bindemittel, geht ursprünglich auf das 7. Jahrhundert n. Chr. zurück und umfasst damit ein breites Spektrum bekannter Stilepochen und Kunstrichtungen. Unzählige berühmte Kunstwerke wurden mit dieser Technik geschaffen.
Buddhistische Künstler in Afghanistan malten die frühesten bekannten Exemplare von Ölgemälden. In Europa wurde die Technik ab dem 12. Jahrhundert von Künstlern verwendet.
Viele der berühmtesten Ölgemälde, die der westlichen Welt heute bekannt sind, wurden von europäischen Künstlern, einschließlich alter Meister, in den darauf folgenden Jahrhunderten geschaffen, um ihren buddhistischen Vorgängern zu folgen.
Die Geschichte der Ölmalerei in Europa
Es waren Künstler aus den Niederlanden, die als erste den Prozess der Ölmalerei in Europa übernahmen. Zahlreiche Beispielen finden sich in der frühen niederländischen Malerei.
Ölmalerei hat eine lange Geschichte in Europa Bildquelle: Depositphotos
Die Ölmalerei erforderte in diesen frühen Zeiten einen aufwändigen Prozess, denn traditionelle Öle (einschließlich Leinsamen-, Mohn-, Walnuss- und Distelöl) brauchten etwa 1-3 Wochen zum Trocknen. Öle wurden manchmal auch mit einem Harz gekocht, was zu einem glänzenden Lack führte.
So weit verbreitet die Technik der Ölmalerei auch wurde, auf dem Höhepunkt der Renaissance ersetzten viele berühmte Künstler in ganz Europa diese Technik durch die Temperamalerei.
Wertvolle Ölgemälde sind jedoch auch heute noch auf Auktionen sehr begehrt, und viele der berühmtesten Werke in Öl auf Leinwand werden in ungebrochenem Eifer von unzähligen Museumsbesuchern bestaunt.
Wenn Sie also Lust auf einen virtuellen Rundgang durch die berühmtesten und beliebtesten Ölgemälde der letzten Jahrhunderte haben, dann finden Sie nachfolgend die 100 populärsten Kunstwerke, die jemals mit Ölfarben gemalt wurden. Die meisten dieser berühmten Ölgemälde befinden sich im Original in Top-Museen auf der ganzen Welt.
Unsere Top 100
1. Mona Lisa von Leonardo da Vinci
Jahr: ca. 1503-06 | Medium: Öl auf Pappelplatte | Ort: Louvre-Museum, Paris
Der Besuchermagnet schlechthin im Louvre in Paris (ausgestellt sind etwa 6.000 Gemälde, 90 % der Besucher gehen aber direkt zur Mona Lisa). Leonardo da Vincis Meisterwerk der italienischen Renaissance ist vielleicht das berühmteste Ölgemäldeporträt überhaupt und auch unbestritten unsere Numero Uno.
Immerhin wurde es als „das bekannteste, meistbesuchte, am meisten beschriebene, am meisten besungene, am meisten parodierte Kunstwerk der Welt“ beschrieben. Die Mona Lisa wurde in Öl auf eine weiße lombardische Pappeltafel gemalt und ist unter anderem für den verwirrenden Ausdruck des Motivs (angeblich Lisa Gherardini, eine italienische Adlige), den atmosphärischen Illusionismus und ihre außergewöhnlich einzigartige Komposition bekannt.
Da das Gemälde von König Franz I. von Frankreich erworben wurde, ist es nun Eigentum Frankreichs und hängt seit 1797 im Louvre. Das vielleicht wertvollste Ölgemälde der Welt hält einen Rekord für die höchste bekannte Versicherungsbewertung in der Geschichte: 100 Millionen US-Dollar im Jahr 1962, was 660 Millionen US-Dollar im Jahr 2019 entspricht.
Jahr: 1889 | Medium: Öl auf Leinwand | Standort: Museum of Modern Art (MoMA), New York City
Vincent Van Goghs Sternennacht gilt als eines der bekanntesten Gemälde der westlichen Kunst und ist ein schillerndes Werk in Öl auf Leinwand, das derzeit im MoMA hängt.
Es wurde 1889 gemalt und zeigt den Blick des postimpressionistischen Malers aus seinem Sanatoriumszimmer (mit einem fiktiven Dorf darunter) in Saint-Rémy-de-Provence, Frankreich. Während Van Gogh mehrere Gemälde dieser besonderen Ansicht geschaffen hat, ist The Starry Night das einzige nächtliche. Es gilt als Opus Magnum des Künstlers – sein Meisterwerk.
Jahr: 1907-1908 | Medium: Öl und Blatt auf Leinwand | Ort: Belvedere, Wien
Gustav Klimt war ein österreichischer Maler und wurde dem Symbolismus und Jugendstil zugerechnet. Er schuf den Kuss zwischen 1907 und 1908. Kunstexperten glauben, dass dies der Höhepunkt von Klimts „Goldener Periode“ war.
Dieses schimmernde Stück wurde mit Öl auf Leinwand gemalt, aber Klimt fügte Blattgold, Silber und Platin hinzu, um es glänzen zu lassen. Das Werk zeigt zwei sich umarmende Liebende (daher der ursprüngliche Name Liebespaar), geschmückt mit Gewändern im Jugendstil.
Heute hängt dieses berühmte Ölgemälde im barocken Gebäudekomplex Belvedere in Wien, Österreich. Es gilt als Meisterwerk der Wiener Erbfolge (eine Wiener Version des Jugendstils) und ist Klimts berühmtestes Werk.
4. Mädchen mit dem Perlenohrgehänge von Johannes Vermeer
Jahr: ca. 1665 | Medium: Öl auf Leinwand | Ort: Mauritshuis, Den Haag
Der niederländische Maler des Goldenen Zeitalters, Johannes Vermeer, malte um 1665 das Mädchen mit dem Perlenohrring, ein Porträt in Öl auf Leinwand.
Während es in den letzten Jahrhunderten unterschiedliche Namen hatte, nahm es seinen heutigen Titel im 20. Jahrhundert nach dem Ohrring an, den das Mädchen auf dem Gemälde trug (sie trägt übrigens auch ein exotisches Kleid und einen orientalischen Turban).
Heute hängt das Werk im Mauritshuis, einem Kunstmuseum in Den Haag, Niederlande, und war im Laufe der Zeit ein beliebtes Thema in der Literatur (einschließlich in Tracy Chevaliers Roman „Girl with a Pearl Earring“ von 1999, eine fiktive Geschichte über die Entstehung des Werks).
Jahr: 1937 | Medium: Öl auf Leinwand | Standort: Museo Reina Sofía, Madrid
Der berühmte spanische Künstler Pablo Picasso malte 1937 während des spanischen Bürgerkriegs eines seiner bekanntesten Werke, Guernica.
Dieses schwarz-weiße Werk in Öl auf Leinwand zeigt leidende Menschen und Tiere inmitten chaotischer Gewalt. Picasso malte es in seinem Haus in Paris, nachdem Nazideutschland und das faschistische Italien Guernica, eine Stadt im Baskenland in Spanien, bombardiert hatten. Die Bombardierung wurde von spanischen Nationalisten der damaligen Zeit beantragt.
Guernicas schockierende Darstellung der Gräueltaten des Krieges machte es zu dem, was Kunstkritiker als eines der einflussreichsten Antikriegsgemälde der Geschichte bezeichnen, das dem spanischen Bürgerkrieg die notwendige Aufmerksamkeit geschenkt hat.
Das riesige Gemälde ist 3,49 Meter hoch und 7,76 Meter breit und zeigt deutlich ein aufgespießtes Pferd, eine schreiende Frau, Flammen, einen Stier und Zerstückelung. Heute hängt das Gemälde im Kunstmuseum des 20. Jahrhunderts, dem Museo Reina Sofía, in Madrid, Spanien.
Rembrandt van Rijns Gemälde „Die Nachtwache“ von 1642, auch Milizkompanie des II. Bezirks unter dem Kommando von Hauptmann Frans Banninck Cocq genannt, ist eines der bekanntesten Werke in der Sammlung des Rijksmuseums in Amsterdam.
Ein weiteres berühmtes Ölgemälde auf Leinwand des niederländischen Goldenen Zeitalters. Die Nachtwache ist beliebt wegen ihrer imposanten Größe, der Verwendung des Tenebrismus (der dramatischen Abstimmung von Licht und Schatten) durch den Künstler und der Darstellung von Bewegung.
Rembrandt lenkt den Betrachter durch die Beherrschung von Sonnenlicht und Schatten auf seine wichtigsten Bildmotive: die beiden Männer in der Mitte und die Frau mit einem Huhn dahinter in der linken Mitte.
Jahr: 1872 | Medium: Öl auf Leinwand | Ort: Musée Marmottan Monet, Paris
Der französische impressionistische Maler Claude Monets schuf dieses verträumte Werk. Der Sonnenaufgang von 1872 wurde erstmals auf der Ausstellung der Impressionisten in Paris im April 1874 gezeigt. Dieses Ölgemälde auf Leinwand soll auch der Namensgeber der impressionistischen Bewegung gewesen sein.
Mit einer wunderschönen Kombination aus Grau-, Orange- und Rosatönen porträtiert Monet den Hafen von Le Havre, seiner Heimatstadt im Nordwesten Frankreichs.
Heute hängt „Impression, Sunrise“ im Musée Marmottan Monet in Paris, Frankreich.
Jahr: 1930 | Medium: Öl auf Biberkarton | Ort: Art Institute of Chicago
Grant Woods American Gothic, ein ikonisches Werk der amerikanischen Regionalistenbewegung, wurde 1930 während der Weltwirtschaftskrise in Amerika gemalt.
Das Gemälde, das derzeit Teil der Sammlung des Art Institute of Chicago ist, zeigt einen Bauern, der neben seiner Tochter steht (obwohl sie oft fälschlicherweise für seine Frau gehalten wird).
Nach dem Baustil des Hauses im Hintergrund American Gothic genannt, ist es eines der bekanntesten Gemälde der amerikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts. Es erlangte bald auf der ganzen Welt große Bekanntheit und wird oft in der amerikanischen Populärkultur parodiert.
Das Werk wurde erstmals 2016 und 2017 außerhalb der Vereinigten Staaten im Musée de l’Orangerie in Paris und der Royal Academy of Arts in London ausgestellt.
9. Die Beständigkeit der Erinnerung von Salvador Dalí
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Jahr: 1931 | Medium: Öl auf Leinwand | Standort: Museum of Modern Art (MoMA), New York City
Der spanische Maler Salvador Dalí schuf 1931 sein weltberühmtes Oeuvre „The Persistence of Memory“. Das surrealistische Kunstwerk wurde schnell zu einem der wichtigsten Werke der surrealistischen Bewegung.
Seit seiner Entstehung wurde es zahlreiche Male in der Popkultur erwähnt, insbesondere aufgrund seiner auffälligsten Merkmale – der „schmelzenden“ Taschenuhren.
Diese weichen, schmelzenden Gegenstände unterstützen die Theorie des Künstlers von „Weichheit“ und „Härte“, die er intensiv erforschte und die zu dieser Zeit für seine Werke von zentraler Bedeutung war.
Während einige glaubten, dass The Persistence of Memory Dalís Ansicht von Albert Einsteins spezieller Relativitätstheorie darstellt, war es laut dem Künstler selbst „die surrealistische Wahrnehmung eines Camemberts, der in der Sonne schmilzt“.
10. Christus im Sturm am See von Galiläa von Rembrandt van Rijn
Jahr: 1633 | Medium: Öl auf Leinwand | Maße: 160 cm × 128 cm | Stilepoche: Barock | Standort: unbekannt
Ein weiteres Werk des berühmten Ölmalers und niederländischen Meisters Rembrandt. The Storm on the Sea of Galilee, wurde 1633 geschaffen.
Dieses Werk zeigt die Jünger Christi in einem Fischerboot auf hoher See, wie sie in einem Sturm kämpfen und die Kontrolle über ihr Schiff verloren haben.
Ein Jünger erbricht sich über Bord, ein anderer starrt den Betrachter direkt an, während er sich an seiner Mütze festhält. Hierbei handelt es sich um ein Selbstporträt von Rembrandt selbst.
Lediglich Christus wird gezeigt, wie er seinen Sinn für Ruhe bewahrt. Die Szene stammt aus einer biblischen Geschichte von Christus, der den Sturm beruhigt, aus dem vierten Kapitel des Markusevangeliums.
Der Sturm auf dem See Galiläa, bekannt als Rembrandts einzige Meereslandschaft, hing zuletzt im Isabella Stewart Gardner Museum in Boston, war aber eines von 13 Werken, die 1990 aus dem Museum gestohlen wurden. Sein Verbleib ist bis heute unbekannt.
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Jahr: 1903-04 | Medium: Öl auf Holz | Ort: Art Institute of Chicago
Eines der früheren und berühmtesten Werke von Pablo Picasso ist The Old Guitarist, ein Öl-auf-Tafel-Gemälde, das zwischen 1903 und 1904 entstand. Das Werk zeigt einen alten, blinden, ausgemergelten Musiker, der sich über seine Gitarre in den Straßen von Barcelona beugt.
Picasso wurde zu dieser Zeit von den Bewegungen der Moderne, des Impressionismus, des Postimpressionismus und des Symbolismus beeinflusst. Er lebte zu dieser Schaffenszeit selbst in schlechten Verhältnissen. Währenddessen beging sein lieber Freund Selbstmord, was Picassos Blaue Periode markierte.
Eine interessante Tatsache bei diesem berühmten Gemälde ist, dass, wie Röntgenaufnahmen gezeigt haben, 3 verschiedene Figuren hinter dem alten Gitarristen versteckt sind. Heute können Zuschauer dieses Meisterwerk im Art Institute of Chicago bestaunen.
12. Schwertlilien von Vincent van Gogh
Jahr: 1889 | Medium: Öl auf Leinwand | Maße: 71 cm x 93 cm | Stilepoche: Post Impressionismus | Standort: J. Paul Getty Museum, Los Angeles
Ein weiteres berühmtes Ölgemälde des niederländischen Künstlers Vincent van Gogh, gemalt im Mai 1889. Dies ist eines von mehreren Werken in einer Serie, die ebenfalls in der Anstalt Saint Paul-de-Mausole in Saint-Rémy-de-Provence geschaffen wurden.
Das schöne Werk entstand nur ein Jahr vor van Goghs Tod im Jahr 1890. Die Schwertlilien, die er malte, befanden sich im Krankenhausgarten, und es wurde angenommen, dass der Stil dieser Serie von japanischen Ukiyo-e-Holzschnitten beeinflusst wurde, wie in vielen von Van Goghs zu sehen ist.
Das Gemälde wird wegen seiner Weichheit und Leichtigkeit geliebt und ist „voller Luft und Leben“, wie van Goghs Bruder Theo es beschrieb.
Heute ist das Werk im J. Paul Getty Museum in Los Angeles, Kalifornien, zu sehen.
Jahr: 1656 | Medium: Öl auf Leinwand | Maße: 3,18 m x 2,76 m | Stilepoche: Barock| Standort: Museo del Prado, Madrid
Der spanische Maler und führende Künstler des spanischen Goldenen Zeitalters, Diego Velázquez, malte 1656 sein ikonisches Werk Las Meninas.
Es ist vor allem für seine Komplexität bekannt, da dieses auf Leinwand geschaffene Ölgemälde die Beziehung zwischen Realität und Illusion sowie die zwischen Betrachter und den gezeigten Motiven in Frage stellt. Las Meninas eines der am meisten analysierten Werke der westlichen Malerei.
Obwohl seine Bedeutung weithin umstritten ist, zeigt Las Meninas laut dem spanischen Kunsthistoriker F.J. Sánchez Cantón die Hauptkammer des königlichen Alcazar von Madrid während der Regierungszeit des spanischen Königs Philipp IV.
Die gezeigten Figuren sind Mitglieder des spanischen Hofes – Infantin Margaret Theresa, sowie ihre Ehrendamen, Anstandsdamen, Leibwächter, zwei Zwerge und ein Hund. Im Zentrum steht Velázquez selbst, der den Betrachter direkt ansieht und auf einer großen Leinwand malt. Im Hintergrund sollen die Figuren des Königs und der Königin stehen.
Bis in die heutige Zeit bleibt Las Meninas eines der wichtigsten Gemälde der westlichen Kunst und wurde als Repräsentation der Theologie in der Malerei beschrieben, zuerst vom Barockmaler Luca Giordano und von vielen weiteren nach ihm.
Das Werk hängt derzeit in seiner ganzen Pracht in einem eigenen Raum im Museo del Prado in Madrid, Spanien.
14. „Die Geburt der Venus“ (La nascita di Venere) von Sandro Botticelli
Jahr: ca. 1485 | Medium: Tempera | Originalgröße: 180 x 280 cm | Stilepoche: Italienische Renaissance | Standort: Galleria degli Uffizi Florence Italy
Das Gemälde von Sandro Botticelli (1445-1510) zeigt die Geburt der Göttin Venus, die am Festland der Insel Zypern ankommt, gezeugt in einer Meeresmuschel, die von den Brisen geschoben wird: Zephyr und vielleicht Aura.
Die Göttin wird von einer jungen Dame empfangen, die in einigen Fällen als eine der Grazien oder als Hora des Frühlings anerkannt wird, und sie hält ein Tuch bereit, um die Venus zu bedecken.
Die Römer setzten ihre Göttin der Liebe, Venus, mit der griechischen Aphrodite gleich, die der Sage nach aus Meerschaum geboren wurde, nachdem Kronos seinen Vater Uranos entmannt und den Phallus in die See geworfen hatte.
Für die Italiener hatte Venus als Mutter des Aeneas, dem Stammvater der Römer, neben Mars, dem Vater von Romulus und Remus, deren Mutter Aeneas’ Linie entstammte, als Beleg für den göttlichen Ursprung ihres Volkes eine besondere Bedeutung.
15. „The Cafe Terrace on the Place du Forum, Arles“ von Vincent van Gogh
Jahr: 1888 | Medium: Öl auf Leinwand | Größe: 81 x 65.5 cm | Stilepoche: Post-Impressionismus | Standort: Kroller-Mueller Museum Otterlo, Niederlande
Café Terrace ist ein Ölgemälde aus dem Jahr 1888 des berühmten holländischen Künstlers Vincent van Gogh. Es wird oft The Cafe Terrace am Place du Forum genannt.
Als es ursprünglich 1891 ausgestellt wurde, trug es den Titel Coffeehouse at Night.
Bal du moulin de la Galette ist ein Gemälde des französischen Künstlers Pierre-Auguste Renoir aus dem Jahr 1876. Es befindet sich im Musée d’Orsay in Paris und ist eines der bekanntesten Werke des Impressionismus.
Das Kunstwerk zeigt einen Sonntagabend in der ersten Moulin de la Galette von Montmartre in Paris.
17. „Die Erschaffung Adams“ (Creation of Adam) von Michelangelo Buonarroti
Jahr: 1510 | Deckenfresko der Sixtinischen Kapelle
Die Erschaffung Adams ist ohne Zweifel eines jener Werke, das die Betrachter tief beeindruckt hinterlässt. Keine große Überraschung, denn hier wird uns eine überwältigende Vision von Gott gezeigt.
Wenngleich es sich hier beim Original um kein Ölgemälde, sondern ein Deckenfresko handelt, wird das Motiv sehr häufig als Ölgemälde repliziert.
Es zeigt, wie Gott Adam aus den Überresten der Erde geschaffen hat. Auf dem Bild sieht man links Adam, der fast entspannt auf dem Boden liegt. Michelangelo soll Adam in dieser Haltung gemalt haben, um zu zeigen, dass Gott ihm noch kein Leben eingehaucht hat.
Untersuchungen eines Neuromediziners zufolge soll die Darstellung Gottes, mit seinen Helfern und dem roten Tuch, dem Querschnitt des menschlichen Gehirns entsprechen. Dies sollte wahrscheinlich die Einheit von Geist und Körper widerspiegeln.
Typisch für die Arbeiten von Michelangelo ist die Verwendung von Körpern, die muskulös sind, sowie das Malen von Figuren, die wie Skulpturen wirken. Dazu trug wohl der Umstand bei, dass Michelangelo zuallererst Bildhauer war.
18. „Napoleon überquert die Alpen / Napoleon Crossing the Alps“ von Jacques Louis David
Jahr: 1803 | Medium: Öl auf Leinwand | Größe: 2,6 m x 2,21 m | Stilepoche: Klassizismus, Neoklassizismus | Standort: Schloss von Versailles
Zwischen 1801 und 1805 malte der französische Künstler Jacques-Louis David eine Serie von fünf Öl-auf-Leinwand-Pferdeporträts des großen Heerführers Napoleon Bonaparte.
Das Gemälde, das vom König von Spanien in Auftrag gegeben wurde, zeigt eine stark romantisierte Version von Napoleons tatsächlicher Alpenüberquerung über den Großen St. Bernhard im Mai 1800, kurz vor seinem Sieg gegen die Österreicher im Zweiten Koalitionskrieg (1799-1802).
Die Darstellung eines Herrschers zu Pferde basiert dabei auf einer langen Tradition, die auf das antike, kaiserliche Rom zurückgeht. Das Fehlen militärischer Aspekte in diesem Bild soll dem Zweck dienen, Napoleon als einen souveränen Denker und Strategen darzustellen, der seine Siege mit dem Geist und nicht der Waffe erringt.
Ob es sich bei dem Auftraggeber um Napoleon selbst handelte, ist umstritten.
Es ist nichtsdestotrotz zu einer der am häufigsten nachgedruckten Abbildungen Napoleons geworden.
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Jahr: 1907 | Medium: Öl auf Leinwand | Größe: 243,9 × 233,7 cm | Stilepoche: Kubismus | Standort: Museum of Modern Art, NY
Ein berühmtes Ölgemälde des spanischen Künstlers Pablo Picasso, das 1907 fertiggestellt wurde. Das Gemälde, das Teil der ständigen Sammlung des Museum of Modern Art ist, zeigt fünf nackte weibliche Prostituierte in einem Bordell in Barcelonas Carrer d’Avinyó (Calle de Avión [es]).
Keine der Figuren ist konventionell weiblich, und jede wird auf beunruhigend verdrehte und maskenhafte Weise dargestellt.
Das Ölgemälde des spanischen Jahrhundertkünstlers wird als Wendepunkt in der Geschichte der abendländischen Malerei angesehen und leitete zugleich den sich ankündigenden Kubismus ein.
20. „Der Wanderer über dem Nebelmeer“ (The Wanderer above the Sea of Fog) von Caspar David Friedrich
Jahr: 1818 | Medium: Ölfarbe | Größe: 95 cm x 75 cm | Stilepoche: Deutsche Romantik | Standort: Hamburger Kunsthalle
Wanderer über dem Nebelmeer ist ein Gemälde von Caspar David Friedrich, einem deutschen Romantiker, das 1818 gemalt wurde. Es gilt als eines der größten Werke der Romantik und eines ihrer emblematischsten Werke. Das Kunstwerk ist in der Hamburger Kunsthalle in Hamburg zu sehen.
Der Wanderer in Rückenansicht als zentrales Bildmotiv steht auf einem Felsgipfel mit dem Blick auf eine nebelbedeckte Gebirgslandschaft. Seine dunkelblonden Haare wehen im Wind. Die gesamte Körperhaltung wirkt trotz der gefährlichen Lage ausgeglichen, souverän und ruhig.
Im Mittel- und Hintergrund des Gemäldes sehen wir eine gestaffelte Berglandschaft, die von mehreren Nebelbänken durchzogen wird.
Im Hintergrund sehen wir auf der linken Seite des Gemäldes hinter Nebelbänken einen hohen Kegelberg. Auf der rechten Seite ist ein kleinerer Tafelberg zu sehen. Bei ihm handelt es sich wahrscheinlich um den Zirkelstein, einer Felsformation der Sächsischen Schweiz.
Caspar David Friedrich schafft es durch seine vielschichtige Staffelung der verschiedenen Gebirge und Nebelstreifen den Eindruck einer nahezu unendlichen Weite zu erzeugen. Wir sehen die grenzenlose Weite der Natur, wie sie von dem Wanderer gesehen wird, als ob wir hinter ihm stehen.
21. Die zwei Schwestern, Auf der Terrasse (The Two Sisters, On the Terrace, 1881) von Pierre Auguste Renoir
Jahr: 1881 | Medium: Öl auf Leinwand | Maße: 100,5 x 81 cm | Stilepoche: Post Impressionismus | Standort: Art Institute of Chicago, USA
Der Titel „zwei schwestern“ ( Französisch : les deux sœurs ) wurde dem Ölgemälde von Renoir selbst gegeben. Den Beinamen „auf der Terrasse“ ( Französisch : Sur la terrasse ) erhielt das Bild dann von seinem ersten Besitzer Paul Durand-Ruel.
Renoir arbeitete an dem Gemälde auf der Terrasse des Maison Fournaise, einem Restaurant auf einer Seine-Insel in Chatou, einem Vorort von Paris.
Das Gemälde zeigt eine junge Frau und ihre jüngere Schwester, die draußen mit einem kleinen Korb mit Wollknäueln sitzen. Über den Geländern der Terrasse kann man Gebüsch und Laub mit der Seine dahinter sehen.
Jeanne Darlot ( 1863—1914 ), eine zukünftige Schauspielerin, zu jener Zeit erst zarte 18 Jahre alt, posierte als „die ältere Schwester“. Es ist nicht bekannt, wer sich als „jüngere Schwester“ zur Verfügung stellte. Es wird jedoch angegeben, dass die beiden Modelle nicht wirklich verwandt waren.
Renoir begann im April 1881 mit der Arbeit an dem Gemälde und im Juli desselben Jahres wurde es vom Kunsthändler Paul Durand-Ruel für 1.500 Franken gekauft.
Das Gemälde wurde erstmals auf der 7. Impressionistischen Ausstellung im Frühjahr 1882 der Öffentlichkeit zugänglich gemacht . Im Jahre 1883 wurde bekannt, dass es in die Sammlung von Charles Ephrussi übergegangen war. 1892 kehrte das Gemälde wieder zurück in die Sammlung der Durand-Ruel-Familie.
22. Arrangement in Grau und Schwarz Nr. 1 (Porträt der Mutter des Künstlers) von James Abbott McNeill Whistler
Jahr: 1871 | Medium: Öl auf Leinwand | Maße: 144,3 × 162,4 cm | Stilepoche: Amerikanischer Realismus | Standort: Musée d’Orsay, Paris
Der umgangssprachliche Name des Werkes „Whistler’s Mother“ wurde dieser Öl-auf-Leinwand-Arbeit zur Vereinfachung verpasst. Der ursprüngliche Titel „Arrangement in Grey and Black No. 1 (Portrait of the Artists Mother)“ von James Abbott McNeil Whistler war für die meisten Betrachter doch etwas zu unhandlich.
Tatsächlich handelt es sich bei dem Motiv um Anna McNeil Whistler, Whistlers Mutter, die für dieses Meisterwerk posierte, als sie 1871 mit ihrem Sohn in London lebte.
Der amerikanische Maler hat nicht nur seine Mutter gemalt, sondern gleichzeitig ein ans Abstrakte grenzendes Bild. Grau- und Schwarztöne beherrschen das Gemälde ebenso wie Rechtecke in verschiedenen Ausformungen: links eine Gardine, rechts davon ein Bild mit schwarzem Rahmen und hellem Passepartout, und am rechten Bildrand ist ein angeschnittenes Bild zu sehen, ebenfalls mit schwarzem Rahmen.
Während es sich um ein ikonisches Exemplar amerikanischer Kunst handelt (es wird auch viktorianische Mona Lisa genannt), schmückt Whistlers Mutter heute das Musée d’Orsay in Paris. Das Ölgemälde wurde erstmals 1891 von den kunstverliebten Franzosen erworben.
Es bleibt eines der berühmtesten Gemälde eines amerikanischen Künstlers außerhalb der USA.
23. Seerosen (Water Lilies, 1906) von Claude Monet
Jahr: 1906 | Medium: Öl auf Leinwand | Maße: 89,9 × 94,1 cm | Stilepoche: Impressionismus | Standort: Art Institute of Chicago, IL, USA
„Seerosen“ wurde 1906 von Claude Monet im Stil des Impressionismus geschaffen. Dieses berühmte Kunstwerk von Claude Monet folgt dem typischen naturalistischen Thema des Impressionisten.
Monet malte mehrmals das gleiche Bild, aber jeden Tag sahen die Seerosen anders aus, die Details sowie die Beleuchtung und die Pinselstriche sind sehr unterschiedlich, was jedes Seerosengemälde wiederum einzigartig macht.
Claude Monet sagte einmal, sein Garten sei seine Leidenschaft. Er hatte einen Teich in seinem Hinterhof mit einer japanischen Brücke, die über das Wasser führte, was einen perfekten Ort für ihn schuf, um seine berühmten Kreationen zu schaffen.
In seiner ersten Seerosenserie (1897–99) malte Monet die Teichumgebung mit ihren Pflanzen, Brücken und Bäumen, die sauber durch einen festen Horizont getrennt waren. Mit der Zeit beschäftigte sich der Künstler immer weniger mit dem konventionellen Bildraum. Bis zum Gemälde Seerosen, das aus seiner dritten Werkgruppe stammt, hatte er ganz auf die Horizontlinie verzichtet.
Auf dieser räumlich mehrdeutigen Leinwand blickte der Künstler nach unten und konzentrierte sich ausschließlich auf die Oberfläche des Teichs mit seiner Vegetationsgruppe, die inmitten der Reflexion von Himmel und Bäumen schwebte.
Der Maler verwendete übrigens nicht viele erdige Farben wie Braun und Erdtöne. Er konzentrierte sich hauptsächlich auf kühle Töne wie Blau und Grün, um eine beruhigende und entspannende Stimmung zu vermittelt. Ganz so, wie er sich fühlte, als er in seinem Garten verweilte.
24. Die Tanzklasse (The Dance Class) von Edgar Degas
Jahr: 1874 | Medium: Öl auf Leinwand | Maße: 85 x 75 cm | Stilepoche: Impressionismus | Standort: Musée d’Orsay, Paris
Als dieses Werk und seine Variationen Mitte der 1870er entstanden, waren sie, mal abgesehen von Historiengemälden, Degas‘ ehrgeizigste figürliche Kompositionen.
Etwa zweiundzwanzig Frauen, Ballerinen und ihre Mütter, verharren in Warteposition, während eine Tänzerin eine Attitude für ihre Prüfung ausführt. Jules Perrot, einer der bekanntesten Tänzer und Ballettmeister Europas, gibt die ausgedachte Tanzstunde in einem Probenraum in der alten Pariser Oper, die kurz zuvor abgebrannt war.
Das Gemälde war 1872 vom Opernsänger und Kunstsammler Jean-Baptiste Faure in Auftrag gegeben worden. Es war nur einer von ganz seltenen Aufträgen, die Degas jemals annahm. Er arbeitete zwei Jahre mit Unterbrechungen daran, bevor er es schließlich vollendete.
25. Ein Sonntag auf La Grande Jatte (A Sunday on La Grande Jatte) von Georges Seurat
Jahr: 1884 | Medium: Öl auf Leinwand | Maße: 207,6 × 308 cm | Stilepoche: Pointilismus, Neoimpressionismus | Standort: Art Institute of Chicago, USA
Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte ist das berühmteste Werk des französischen Malers Georges Seurat. Es zeigt Pariser Bürger, die sich in einem Park entlang der Seine ausruhen und unterhalten.
Das Werk wurde berühmt für die verwendete pointillistische Technik, eine Malweise, an deren Entwicklung Seurat maßgeblich beteiligt war. Pointillismus beinhaltet die Verwendung kleiner Farbpunkte, die in Mustern aufgetragen werden, um ein Bild zu erzeugen.
Seurat war erst 26 Jahre alt, als er dieses Werk zum ersten Mal auf der achten jährlichen und letzten Impressionistenausstellung im Jahr 1886 einem öffentlichen Publikum zeigte.
In Umfang, Technik und Komposition erschien es als bewusste Provokation an seine ersten Vertreter, wie Renoir und Monet. Es änderte augenblicklich den Kurs der Avantgarde-Malerei und leitete eine neue Kunstrichtung ein, die „Neoimpressionismus“ getauft wurde.
Seurat starb im Alter von 31 Jahren. Er schuf andere ehrgeizige Leinwände, aber La Grande Jatte ist sein Opus Magnum geblieben. Obwohl das Bild in den drei Jahrzehnten nach seinem Tod im Jahr 1891 nur selten zu sehen war, wurde seine Sichtbarkeit 1924 dramatisch erhöht, als Frederic Clay Bartlett das Bild kaufte und es dem Art Institute of Chicago als Leihgabe übergab.
Seitdem hängt es dort und wurde zu einer Ikone und einem der bekanntesten Gemälde der Kunstwelt.
Lernen Sie unsere Plätze 26 bis 50 im nächsten Teil dieser Beitragsreihe kennen…
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