Un pequeño regalo de Navidad: conociendo a artistas de ángeles (Parte 2)

Parte 2 – 1476 a 2013

Hugo van der Goes

Nació alrededor de 1440 en Gante y murió en 1482 en el Monasterio de la Cruz, cerca de Bruselas.

El pintor flamenco Hugo van der Goes logró grandes cosas, aunque su vida duró poco más de cuatro décadas; se le considera uno de los principales maestros de la pintura flamenca antigua de la segunda mitad del siglo XV.

Hugo van der Goes aparece por primera vez en los registros históricos el 4 de mayo de 1467. Ese día, fue admitido como maestro en el "Gremio de Pintores Lucas " de Gante, con Justus van Gent registrado como su testigo y garante.

Los gremios de San Lucas eran las hermandades gremiales de las profesiones artísticas, que se desarrollaron principalmente en los Países Bajos durante el siglo XV. Cualquiera que deseara convertirse en maestro debía demostrar la ciudadanía de la ciudad correspondiente, a veces la propiedad de bienes y, por lo general, también su estado civil; sin embargo, nunca se menciona a una mujer llamada van der Goes.

Es posible que el pintor ya estuviera tan integrado en una hermandad religiosa en aquella época que el requisito del matrimonio resultara superfluo; o quizá tuviera esposa entonces, de quien no se conserva ningún registro hasta nuestros días. En cualquier caso, la inscripción como maestro era un gran honor y, además, un requisito indispensable para ocupar cargos gremiales políticos y económicos de mayor jerarquía.

Por lo tanto, Hugo van der Goes ya era pintor activo antes de su admisión en el gremio, pero no se ha conservado ninguna prueba de obras anteriores del maestro recién nombrado.

La pertenencia al gremio pronto dio sus frutos; en 1468 Hugo van der Goes recibió el encargo de la decoración festiva de la ciudad de Brujas para la celebración de la boda de Carlos el Temerario con Margarita de York, trabajando junto con el maestro del gremio Jacques Daret de Tornai y otros artistas del gremio.

Desde 1474 hasta el otoño de 1476, Hugo van der Goes ocupó el cargo de decano del gremio de pintores. Ya en 1475 ingresó en el Monasterio de la Cruz de los Agustinos, cerca de Bruselas, pero no abandonó su labor como pintor siendo fraile agustino ; se tiene constancia de una visita del futuro emperador Maximiliano al monasterio, quien le encargó varias pinturas.

Sabemos, gracias a estos relatos, que Hugo van der Goes alcanzó la fama en vida y que sus obras fueron muy apreciadas. Todas las obras que se conservan fueron encargadas por ciudadanos adinerados o miembros de la nobleza.

De la época dorada de la carrera del maestro, en la década de 1470, han sobrevivido varias obras magníficas: el "Retablo de Monforte" , el "Retablo de Hipólito" , una "Muerte de la Virgen" y un "Retablo de María" , el "Tríptico Portinari" , el "Díptico de Viena" y una "Adoración de los Pastores" .

No obstante, el maestro se retiró del centro de la sociedad al monasterio; se documenta un intento de suicidio durante un viaje a Colonia en 1481; después de regresar al monasterio, renunció a todos los privilegios y ventajas y murió en 1482 por causas desconocidas; se sospecha que enloqueció debido a su éxito artístico.

Los Ángeles del 24 de diciembre son un detalle del Retablo Portinari , creado entre 1475 y 1478; el tríptico se puede ver actualmente en la Galería Uffizi de Florencia.

Pietro Perugino

Nació en Città della Pieve (Perugia) entre 1446 y 1452 y murió en Fontignano, cerca de Città della Pieve, en 1523.

“Il Perugino” (“el de Perugia”) en realidad se llamaba Pietro Vannucci ; su padre, Cristoforo Vannucci, era uno de los hombres más ricos de la zona.

Pietro Perugino probablemente comenzó a estudiar pintura en talleres locales, quizás con Bartolomeo Caporali o Fiorenzo di Lorenzo. En algún momento entre 1466/1470 y 1479, fue a Florencia al taller de Andrea del Verrocchio se formó junto a Leonardo da Vinci , Domenico Ghirlandaio , Lorenzo di Credi , Filippino Lippi

Esta información (sin fechas más precisas) puede obtenerse del relato de su biógrafo Giorgio Vasari, quien también afirma que Verrocchio estudió el arte de la perspectiva con Piero della Francesca . Se dice que su aprendizaje con Verrocchio finalizó en 1492, ya que consta como miembro del gremio de pintores a partir de ese año.

Perugino ya era conocido entre sus contemporáneos mucho antes; en 1481 creó “Consegna delle chiavi a Pietro” (“Cristo da las llaves a Pedro”), una poderosa parte de 3,35 × 5,50 m del ciclo de frescos murales de la Capilla Sixtina del Vaticano.

Los pintores más renombrados de Italia en aquella época colaboraron en este ciclo de frescos «Cristo» se considera la obra más famosa de Perugino. La profundidad de perspectiva de la pintura impresionó enormemente a sus contemporáneos, y esta obra lo convirtió en el pintor más célebre del país.

Se dice que Pietro Perugino mantuvo posteriormente estudios en Perugia y Florencia, donde se cree que inició una especie de producción en masa, principalmente de imágenes populares de la Virgen María. Sin embargo, esto no le impidió crear obras de arte inolvidables.

La «Crucifixión de Jesús» sobre la entrada interior de la Capilla de la Porciúncula (oficialmente Santa Maria degli Angeli) en Asís. Esta capilla es famosa porque Francesco Bernardone (más conocido como San Francisco o Francisco de Asís) murió allí el 3 de octubre de 1226; sus compañeros fundaron posteriormente la Orden Franciscana.

Entre 1489 y 1493, Perugino creó la "Visión de San Bernardo ", de 1493 a 1497 trabajó en una "Crucifixión" en Santa Maria Maddalena dei Pazzi en Florencia, entre 1496 y 1500 realizó un políptico en San Pietro en Perugia (ahora las partes están distribuidas entre museos en las ciudades francesas de Nantes, Rouen y Lyon y en el Vaticano), y de 1497 a 1500 frescos en el Collegio del Cambio en Perugia.

Perugino es considerado hoy en día el maestro más importante de la escuela umbra de pintura renacentista . Quizás un logro aún mayor sea que transmitió sus conocimientos al legendario Rafael , considerado el mejor pintor de todos los tiempos hasta bien entrado el siglo XIX.

La influencia de Perugino es claramente evidente en la obra temprana del joven Rafael. El ángel del 20 de diciembre es el Arcángel Miguel de la "Asunción de la Virgen con cuatro santos ", creada en 1500 para la iglesia del monasterio de Vallombrosa, que ahora se encuentra en la Galería Uffizi de Florencia.

Maestro de la leyenda de Úrsula de Colonia

(o Maestro de Colonia de la Leyenda de Úrsula) es solo un seudónimo.

de este pintor del gótico tardío de la Antigua Escuela de Colonia, que trabajó en Colonia entre 1480 (1489/90) y 1510/15. No todas las representaciones de la leyenda de Santa Úrsula del ciclo de Úrsula que creó para la iglesia de San Severino de Colonia han sobrevivido. El maestro dedicó al menos 19 pinturas a la leyenda de Úrsula, algunas de las cuales fueron destruidas durante la Segunda Guerra Mundial y otras se han perdido. Las que han sobrevivido se encuentran ahora dispersas en diversos museos de Europa.

Dado que su obra muestra una estrecha relación con la pintura holandesa de la época, es posible que el maestro fuera originario de allí o, al menos, que trabajara en los Países Bajos durante un período considerable. Su presencia en Colonia es segura, sin embargo, gracias a las obras de la iglesia de San Severino, razón por la cual ocho de sus obras se encuentran actualmente en el Museo Wallraf-Richartz de Colonia. Además, un retablo alado, parte de un retablo mariano, también se atribuye a este maestro; actualmente se encuentra en la Gemäldegalerie Alte Meister (Galería de Pinturas de Maestros Antiguos) de las Staatliche Kunstsammlungen Dresden (Colecciones Estatales de Arte de Dresde) .

El Maestro de la Leyenda de Úrsula de Colonia recibe este nombre porque no es el único maestro que pintó escenas de la Leyenda de Úrsula que se conservan y son dignas de preservación, pero cuyo nombre permanece desconocido. Un maestro de Brujas también se dedicó al tema de Santa Úrsula, conocido hoy como el Maestro de la Leyenda de Úrsula de Brujas, el Maestro Flamenco de la Leyenda de Úrsula.

Este pintor gótico tardío de Flandes pintó retablos que representan la leyenda de Úrsula para el Convento de las Hermanas Negras en Brujas ya en 1485 (fecha que se puede determinar gracias a las imágenes de la entonces ciudad de Brujas que aparecen al fondo).

Aunque Santa Úrsula con Colonia que con Brujas: la princesa británica había consagrado su vida a Cristo y, sin embargo, debía casarse con un rey pagano. Pidió una prórroga de tres años, se embarcó en un viaje por mar y tuvo una visión en Colonia en la que un ángel le ordenó peregrinar a Roma (y profetizó su martirio).

Úrsula obedece y, en su viaje de regreso, pasa de nuevo por Colonia, que ahora está sitiada por los hunos. Sus compañeras son asesinadas, y ella misma debe convertirse en la esposa del jefe huno. Cuando se niega, él la mata. Un grave error: entonces aparecen once mil ángeles y derrotan a los hunos. En agradecimiento, los ciudadanos de Colonia construyen una iglesia en honor a Santa Úrsula y la convierten en la patrona de la ciudad .

El Ángel del 22 de diciembre, la "Aparición del Ángel", pertenece al ciclo de Úrsula creado alrededor de 1500 por el Maestro de Colonia y se puede ver Museo Wallraf-Richartz

Domenico Beccafumi

Nació alrededor de 1486 cerca de Siena, presumiblemente en Montaperti (ahora parte de Castelnuovo Berardenga), y murió el 18 de mayo de 1551 en Siena.

Otro artista con varios nombres: Domenico nació como Domenico di Pace, hijo del campesino Giacomo di Pace. Este trabajaba para Lorenzo Beccafumi, y su hijo también entró a su servicio. Beccafumi reconoció el talento artístico del niño desde temprana edad, lo adoptó y lo envió a Siena para que se formara.

Allí estudió con el artista Mechero, de renombre regional, razón por la cual sus contemporáneos supuestamente lo llamaban "il Mecherino" , el pequeño Mechero (otros creen que este apodo deriva de su baja estatura).

En 1509/1510, Domenico Beccafumi fue a Roma para estudiar las últimas novedades en pintura; en Siena eran más conservadores y trabajaban según principios tradicionales.

En Roma, Domenico pudo estudiar las innovaciones revolucionarias: Rafael y sus alumnos habían comenzado en 1508 con las “Stanze” (stanza italiana = habitación), la decoración pintada de los cuatro apartamentos papales en el segundo piso del Palacio Apostólico, encargada por el Papa Julio II, que continuó bajo el Papa León X hasta 1524.

Al mismo tiempo, Miguel Ángel en los frescos del techo de la Capilla Sixtina que estudió obras antiguas y pinturas de pintores florentinos del Renacimiento

Beccafumi regresó a Siena con bastante rapidez, donde recibió varios encargos públicos; en 1513, por ejemplo, pintó frescos para la capilla del hospital municipal de Siena, Santa Maria della Scala, que representan el "Encuentro de Joaquín y Ana" .

También se documentan varias obras para clientes privados, como los frescos de la fachada del Palazzo Borghesi. Sin embargo, solo se conservan los bocetos preliminares de ambos encargos; otras obras tempranas de Beccafumi, de sus inicios en Siena o de su época en Roma, no han sobrevivido.

Solo hacia finales de esta década se documentan mejor los encargos de Beccafumi: en 1519 Beccafumi recibió "el encargo de su vida", la decoración del suelo de mármol de la catedral de Siena, en la que estuvo ocupado hasta su muerte.

Desde entonces, Beccafumi continuó trabajando para el municipio de Siena y para clientes privados, también principalmente en Siena; nunca se convirtió en un "pintor de celebridades" muy solicitado (pintor de la corte en alguna de las cortes principescas italianas), y los encargos de otras partes de Italia, como el que recibió en 1540 del almirante Andrea Doria en Génova, fueron raros.

La mayor parte de las obras conservadas de Beccafumi pueden admirarse en Siena; un retablo ( «Moisés rompiendo las tablas de la ley» ) de 1537 se encuentra en la Catedral de Pisa; dos de sus «Sagradas Familias» pueden admirarse en Florencia, en la Galería Uffizi y en el Palacio Pitti; la «Virgen con el Niño Jesús y el Niño Juan» adorna el Palacio Barberini en Roma.

A Beccafumi se le acusa de no haber aprovechado mucho su estancia en Roma, a diferencia de otros artistas sieneses. Mientras que Il Sodoma y Baldassare Peruzzi , por ejemplo, asimilaron todos los matices de los principales artistas de la época durante su permanencia en Roma, el estilo pictórico de Beccafumi permaneció provinciano.

Beccafumi quizás sintiera un profundo apego a su tierra natal, pero sin duda fue un artista que desarrolló una creatividad independiente y, en ocasiones, idiosincrásica. Tal vez optó conscientemente por mantenerse en gran medida al margen de la corriente manierista imperante, como lo demuestra la singular excentricidad y los detalles, a veces oníricos y emotivos, que caracterizan su obra.

Sus representaciones también difieren en tono de las obras, a menudo muy coloridas, de los maestros clásicos romanos. Beccafumi prefiere colores delicados y de aspecto muy natural, emplea una línea no necesariamente lineal y precisa, sino más bien ligeramente irregular, le gusta envolver sus cuadros en una ligera bruma y pinta transiciones suaves, en contraste con la nitidez y definición de las pinturas de los maestros de moda de su época.

Además, era muy versátil; no solo pintaba, sino que también experimentaba con diversas técnicas de grabado en madera, trabajaba como escultor (estatua ecuestre del emperador Carlos V, esculturas de ángeles en la catedral de Siena) y era un ilustrador activo de manuscritos .

El ángel del 17 de diciembre pertenece a la "Anunciación" que Domenico Beccafumi creó en 1545/1546 para la iglesia de San Martino en Siena.

Tiziano

Probablemente nació entre 1488 y 1490 (o alrededor de 1477) en Pieve di Cadore cerca de Belluno (República de Venecia) y murió en Venecia en 1576.

Tiziano en realidad se llamaba Tiziano Vecellio, o durante su vida se le conocía como "Tiziano da Cadore" (de Cadore) por su lugar de nacimiento, o también como "el sol entre las estrellas"; su talento le granjeó un nombre desde muy joven.

Para las generaciones posteriores, el pintor es considerado un representante destacado de la pintura veneciana del siglo XVI y uno de los principales maestros del Alto Renacimiento italiano en general; "Tiziano" es suficiente para que el amante del arte sepa de quién se trata.

Tiziano Vecellio era el mayor de cuatro hijos de una familia adinerada de la baja nobleza; su padre, Gregorio, era el clérigo principal del castillo de Pieve, y su abuelo ocupaba un puesto destacado en la administración de la ciudad.

Está documentado que el talento del pequeño Tiziano y de su hermano Francesco se detectó a temprana edad; a los nueve años, Tiziano fue enviado a Venecia con un tío que debía encontrarle un aprendizaje artístico.

Tiziano y Francesco se formaron inicialmente con el mosaicista Sebastiano Zuccato, quien posteriormente los introdujo en los talleres de los pintores más renombrados de Venecia. Durante su aprendizaje en los talleres de Gentile y Giovanni Bellini, Tiziano conoció a otros pintores, entre ellos Giorgione .

Un golpe de suerte para el entonces muy jovencísimo Tiziano: en 1507, el ya bastante conocido Giorgione recibió un encargo de la ciudad de Venecia para diseñar los frescos exteriores del Fondaco dei Tedeschi (Bolsa Alemana), que acababa de ser reconstruido tras un incendio.

El «Arte Moderna» plasmado aquí, muy elogiado por sus contemporáneos , supuso el gran salto profesional de Tiziano; con tan solo 17 años, ya era un artista muy solicitado.

Gentile Bellini en 1507 , Giorgione, quien se había convertido en su rival, murió en 1510, Tiziano abrió su propio taller en Venecia en 1513, y la muerte de Giovanni Bellini en 1516 lo liberó del último rival de peso de la escuela veneciana. Desde esta posición favorable, Tiziano se consolidó como un artista de renombre mundial, manteniéndose como el maestro indiscutible de la pintura veneciana en el ámbito cultural de la época durante los siguientes sesenta años.

Al comienzo de su segunda década, Tiziano obtuvo varios privilegios municipales que, entre otras cosas, le permitieron completar obras de sus famosos maestros, como el cuadro de Bellini en la Gran Sala del Consejo de Venecia. También negoció ventajosos contratos con la ciudad de Venecia, asegurándose un salario fijo y la exención de impuestos a cambio de la obligación de pintar retratos de todos los dogos por un precio fijo.

Su ascenso fue imparable; Tiziano retrató a las figuras prominentes de su tiempo y realizó obras por encargo para ellas, se casó en 1525, se mudó a lo que probablemente era el distrito más prestigioso de Venecia en aquel entonces, y en 1533 fue nombrado pintor de la corte por el emperador Carlos V y elevado a la nobleza (se dice que Tiziano ya había pintado dos retratos muy halagadores del emperador).

Desde 1542, el papa Pablo III deseaba ver a Tiziano en Roma, quien para entonces había alcanzado tal renombre que no consideró necesario aceptar la invitación hasta 1545. En 1548 y 1550, Tiziano acompañó al emperador Carlos V y a su hijo Felipe II a las Dietas Imperiales de Augsburgo, y durante los últimos años de su vida, hasta 1576, trabajó principalmente para el emperador Felipe II. Tiziano falleció a una edad avanzada en 1576 a causa de la peste, siendo probablemente el pintor más exitoso que ha dado la historia veneciana.

La "carrera" de Tiziano recuerda mucho a la de un protegido de la élite actual, con apoyo desde su nacimiento, acceso a la educación adecuada y a los círculos correctos, incluso "métodos de marketing modernos" como la firma que realza el valor de sus pinturas y la producción en masa de grabados, y la suerte (si es que se puede llamar así a la muerte oportuna de sus rivales) sin duda también jugó un papel importante.

Pero el talento (independiente del nacimiento) y el desarrollo ulterior de sus propias habilidades contribuyeron al éxito de Tiziano: fue un pintor versátil, especialmente para su época, que a menudo se limitaba a temas religiosos; también pintó retratos, paisajes y motivos mitológicos , e incluso abordó temas de amor terrenal.

Inventó un uso característico y distintivo del color para su obra, fue uno de los primeros pintores en Italia en utilizar pinturas al óleo modernas y encontró su propio estilo escultórico, moldeado por su infancia en los Dolomitas, a través de varias convulsiones y crisis.

El ángel del 1 de diciembre es el “Ángel de la Anunciación” la “Resurrección de Cristo” creado entre 1520 y 1522 para la iglesia de San Nazzaro e Celso en Brescia.

Campeón bávaro

Se nombra al artista desconocido que pintó la “Anunciación a María” sobre madera alrededor de 1500 en un tamaño de 107 × 80,5 cm en el estilo gótico tardío.

No sabemos nada del artista; no nos dejó ni su nombre ni las fechas de su nacimiento y muerte, pero muchos símbolos en su cuadro nos dicen algo: El ángel que le presenta a María la maceta de flores es el Arcángel Gabriel, el ángel de la resurrección, la gracia y la Anunciación, cuando aparece como un ser femenino en el arte cristiano.

Cuando Gabriel se representa con forma masculina, se le considera un mensajero de Dios capaz de interpretar visiones. Según la tradición cristiana y judía, también es el líder de los querubines (seres alados, híbridos de forma animal y humana, que cumplen funciones protectoras o sirven a Dios) y de los serafines (ángeles con seis alas que revolotean alrededor del trono de Dios, proclamando «Santo, santo, santo»). Gabriel —también conocido como Ibril, Dshabril o Abrail— desempeña un papel fundamental en el islam como transmisor de revelaciones al profeta Mahoma.

La vasija presentada por el ángel de la Anunciación contiene lirios blancos, símbolo del amor puro y virginal en el cristianismo. El maestro no ha pintado lirios blancos cualquiera, sino la especie «Lilium candidum», del género botánico de los lirios, el lirio de la Virgen.

Cuando Gabriel anuncia el nacimiento de Jesús a María, el lirio de la Virgen es su atributo, que lleva consigo, como se aprecia en esta pintura del maestro bávaro. También puede llevar —como en este caso— un pergamino, una trompeta, o su dedo índice alzado puede indicar la Anunciación.

Otro símbolo que nos presenta el maestro bávaro es el pájaro enjaulado . Simboliza el poder del pensamiento, que eleva el alma dentro del cuerpo, permitiéndole expandirse y posibilitando que la humanidad reflexione con profundidad. El ángel del 16 de diciembre anuncia el nacimiento de Jesús a la Madre de Dios en la «Anunciación a María», pintura que puede contemplarse hoy en el Kunsthaus Zürich.

Rembrandt

Nació el 15 de julio de 1606 en Leiden y murió el 4 de octubre de 1669 en Ámsterdam.

Rembrandt es el primer nombre de uno de los artistas barrocos holandeses más famosos e importantes Rembrandt Harmenszoon van Rijn , que nació en 1606 como el octavo de nueve hijos del molinero Harmen Gerritszoon van Rijn y la hija del panadero Neeltgen Willemsdochter van Zuytbrouck y vivió durante la época de la famosa pintora barroca italiana Artemisia Gentileschi .

Después de la escuela primaria y la escuela de latín, con lecciones de historia bíblica, lectura de los clásicos y retórica, Rembrandt se matriculó en la facultad de filosofía de la Universidad de Leiden en 1620, pero interrumpió sus estudios poco después para dedicarse a la pintura.

Rembrandt se convirtió en alumno del pintor de historia de Leiden, Jacob Isaacsz van Swanenburgh , quien, formado en Italia, le enseñó los fundamentos de la pintura y sus propias especializaciones entre 1620 y 1624: pintura arquitectónica y representaciones escénicas del infierno; se dice que los fuegos infernales pintados durante esta formación son los responsables del dominio de Rembrandt en la representación de la luz y la sombra en sus pinturas.

Posteriormente, Rembrandt realizó un aprendizaje de seis meses con el famoso pintor de historia Pieter Lastman en Ámsterdam, experiencia que, según se dice, influyó en él más profundamente que sus años con van Swanenburgh. La pintura de historia era considerada entonces el género pictórico más elevado, y Lastman introdujo a su alumno en el tema a fondo.

Tras un éxito duradero, Rembrandt abrió su primer estudio en Leiden en 1625 y pronto atrajo la atención con su pintura. Tanta, de hecho, que a finales de 1628 el secretario del estatúder de las Provincias Unidas (precursor de los Países Bajos modernos) comenzó a apoyar al artista y a conseguirle encargos. En 1629 y 1630, Rembrandt incluso logró vender pinturas al rey de Inglaterra.

Posteriormente, en 1631, Rembrandt abandonó su estudio de Leiden y se trasladó a Ámsterdam, donde utilizó las ganancias de los retratos reales para acceder al prestigioso taller del marchante de arte Hendrick van Uylenburgh. En este taller, que prosperó principalmente gracias a la copia y restauración de obras, Rembrandt pronto consiguió encargos de retratos de acaudalados comerciantes. El gobernador Federico Enrique, a través de su secretario, adquirió pinturas y le encargó un ciclo de la Pasión. Para 1632, Rembrandt ya había pintado treinta cuadros y gozaba de una buena situación económica, a la edad de veintiséis años.

A Rembrandt todavía le faltaban algunos requisitos previos para ser admitido en el Gremio de Ámsterdam (una condición para la independencia en la ciudad), que se cumplieron en los años siguientes, desde trabajar en el taller de otro maestro hasta contraer matrimonio; Rembrandt llevó a cabo esto último en 1634, convenientemente con la sobrina de su marchante de arte e hija de un rico patricio, y en el mismo año se unió al Gremio de San Lucas.

El ángel del 12 de diciembre fue creado por Rembrandt, “Jacob lucha con el ángel” de 1659; el destino posterior de Rembrandt se describe en el texto sobre el ángel del 15 de diciembre.

Rembrandt

Había sido admitido en el Gremio de San Lucas en 1634 y, por lo tanto, parecía haber asegurado su futuro; su ascenso se describe en el texto que acompaña a la imagen del calendario del 12 de diciembre, y continúa de la siguiente manera:

Como maestro independiente, Rembrandt pudo entonces tomar estudiantes y aprendices, formarlos y tenerlos a su cargo. Continuó pintando y vendiendo sus obras, y poco después se mudó a su propia casa con su esposa. Esto ocurrió en 1635. Además de su labor como artista, Rembrandt también comenzó a comerciar con obras de arte y a coleccionar una amplia variedad de tesoros históricos y científicos, plantas raras, animales y objetos exóticos (artículos valiosos procedentes de tierras lejanas).

Lo que inicialmente parece la trayectoria de manual de un nuevo rico insaciable continuó de una manera bastante típica para una persona así: en 1638, Rembrandt había dilapidado la herencia de su esposa, de unos 40.000 florines.

Tal vez ambos cónyuges eran derrochadores; en cualquier caso, fue Saskia Rembrandt quien fue reprendida por sus familiares por extravagancia, tras lo cual Rembrandt demandó a los familiares de su esposa por difamación.

Tal vez reclamando una compensación por el dolor y el sufrimiento, Rembrandt compró en cualquier caso una nueva casa el 5 de enero de 1639, una verdadera casa grande en la ciudad, para la cual también obtuvo un préstamo que debía pagarse en cinco o seis años.

El camino a la ruina, iniciado por la extravagancia y los préstamos para la gran propiedad, se aceleró con una tragedia tras otra: el primer hijo de Rembrandt apenas había sobrevivido unos meses en 1635; el año de la demanda por difamación, su primera hija murió poco después de nacer; en 1640, no solo murió la segunda hija de Rembrandt poco después de su bautizo, sino que un mes después falleció también su madre. En 1641 nació su hijo Titus, pero en junio de 1642 murió su madre, Saskia, esposa de Rembrandt.

Durante el período previo a la muerte de Saskia, Rembrandt había logrado mantener un alto nivel de productividad a pesar de todas sus pérdidas; la muerte de su esposa fue ahora un golpe demasiado duro, y su actividad artística disminuyó significativamente. A esto se sumó la preocupación por su hijo pequeño, que implicó la contratación de dos niñeras, las relaciones sentimentales de Rembrandt con ellas, las consiguientes disputas entre las mujeres y los trámites legales relacionados con la pensión alimenticia y la herencia.

Finalmente, Rembrandt no pudo pagar sus préstamos y tuvo que pedir aún más dinero prestado; poco antes de declararse insolvente en 1656, transfirió su casa a su hijo, pero ni siquiera la subasta de su casa y colecciones fue suficiente para saldar las deudas.

Rembrandt tuvo que mudarse a un barrio pobre, donde llevó una vida aislada durante cuatro años. Esta vida mejoró brevemente en 1660 cuando su hijo y su madre adoptiva lo contrataron en su taller de arte. Rembrandt pudo establecer contactos comerciales, aceptar encargos e impartir clases. Su madre adoptiva falleció en 1663, y en 1668 su hijo Titus murió a la temprana edad de 27 años. Rembrandt lo siguió poco más de un año después.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn fue un artista brillante, célebre y bien remunerado por sus contemporáneos, y venerado por la posteridad como uno de los artistas más importantes de todos los tiempos. Vivió en una época dorada, un período de florecimiento económico, artístico y político. Trabajó diligentemente durante gran parte de su vida, creando cientos de pinturas que alcanzan precios elevados; sin embargo, acabó empobreciéndose debido a un consumo irresponsable y a un préstamo garantizado únicamente con sus ingresos futuros.

El Ángel del 15 de diciembre fue creado por Rembrandt en 1626; es el ángel del cuadro "El profeta Balaam y el asno" .

Semyon Fedorovich Ushakov

Nació en Moscú alrededor de 1626 y murió allí el 25 de junio de 1686.

Semyon o Simon Ushakov fue un renombrado pintor de iconos ruso . No se sabe nada de su vida hasta que asumió un cargo de autoridad. Semyon Fedorovich Ushakov sirvió al Estado ruso como artista y, como director del taller de iconos de la Armería del Kremlin, fue un artista muy conocido y respetado.

Los artistas que crearon arte para los zares y gobernantes supremos rusos no obtenían fama personal; creaban iconos (imágenes religiosas de las iglesias orientales, especialmente las ortodoxas) en nombre de sus gobernantes, quienes debían recibir apoyo religioso, y arte secular para la gloria de sus gobernantes.

Muchas de las obras de Ssemyon Ushakov nos son, por lo tanto, desconocidas; sin embargo, se dice que su principal área de trabajo y su maestría radicaban en la creación de iconos.

Ssemyon Ushakov, por ejemplo, participó en la magnífica decoración de la Catedral de la Asunción (Catedral de la Asunción) en el Monasterio de la Trinidad y San Sergio en Serguiev Posad (1930-1991, Zagorsk). El zar Iván el Terrible inició la construcción de esta catedral en honor a la Madre de Dios en 1559, y fue terminada en 1585 bajo el reinado de su hijo Fiódor.

Fue construida siguiendo el modelo de la Catedral de la Asunción en el Kremlin de Moscú, la iglesia más grande del Kremlin (y hoy el edificio más antiguo completamente conservado de Moscú); la Laura de la Trinidad, ubicada a unos 70 km al noreste de Moscú, fue fundada alrededor de 1340 por San Sergio de Radonezh y desde entonces ha sido uno de los centros religiosos más importantes de la Iglesia Ortodoxa Rusa.

La magistral decoración del interior de la catedral se inició en 1684; el pintor de la corte, Simon Ushakov, participó en la elaboración del iconostasio de cinco niveles . Un iconostasio es un muro adornado con iconos y con puertas que comunican la nave con el presbiterio; el iconostasio de la Catedral de la Asunción estaba concebido para tener 76 iconos.

Los dos magníficos iconos de un iconostasio de madera dorada, conservados en la iglesia de la Trinidad de Nikitniki en el distrito de Kitai-Gorod de Moscú, también se atribuyen a Simon Fyodorovich Ushakov.

Ssemyon Ushakov volvió a ser noticia en Moscú recientemente cuando, en la primavera/verano de 2012, el Palacio Facetado del Kremlin de Moscú (la parte más antigua del Gran Palacio del Kremlin, el edificio secular más antiguo de Moscú) fue restaurado a su forma original; el interior fue restaurado basándose en las descripciones realizadas por el pintor de iconos en el siglo XVII.

Ssemyon Fedorovich Ushakov creó el Ángel del 19 de diciembre, el Arcángel Gabriel, como un icono ruso ; data del segundo tercio del siglo XVII.

Un artista ruso desconocido

Nos dejó un icono de San Nicolás.

No sabemos absolutamente nada de este artista, ya que la obra representa a San Nicolás y, al tratarse de un icono, es evidente que se trata de la imagen de un santo de la Iglesia Ortodoxa. Esta forma particular de veneración mediante imágenes de santos pintadas sobre tablas de madera es una forma de culto propia de la Iglesia Ortodoxa. La elección de San Nicolás como tema de un icono también es típica de la Iglesia Ortodoxa.

En la historia de la Iglesia, existen dos santos Nicolás. El obispo Nicolás de Myra nació alrededor del año 270/280 cerca de Myra, al este de Rodas (actual Demre, Antalya, Turquía), y falleció allí en el 345/351. El obispo Nicolás de Pinara fue abad del monasterio de Sion, cerca de Myra, y ejerció como obispo en Pinara durante los últimos cinco años de su vida; se desconoce su fecha de nacimiento y murió en el 564.

Ambos santos Nicolás están, por lo tanto, estrechamente vinculados a la ciudad de Mira y fueron venerados como santos en la Iglesia ortodoxa griega ya en el siglo VI. Desde entonces, Mira ha sido lugar de peregrinación para la Iglesia ortodoxa, y San Nicolás es también un motivo popular en las iglesias ortodoxas orientales; probablemente se le representa con más frecuencia que a cualquier otro santo en los iconos.

San Nicolás se reconoce por sus atributos. Viste las vestiduras de un obispo ortodoxo, lleva sobre los hombros una tira de brocado adornada con cruces llamada omophorion y sostiene un libro en la mano. El estilo de la obra —témpera al huevo aplicada sobre madera, adornada con un halo de plata y con un marco y fondo de lámina de plata— indica que este icono fue creado hace aproximadamente 350 años, alrededor de 1665.

En Occidente, San Nicolás también es venerado, principalmente como obispo de Mira, hasta tal punto que sus reliquias fueron robadas de Mira por mercaderes italianos. Esto ocurrió en 1078, y a partir de 1087 se construyó una iglesia alrededor de las reliquias robadas: la Basílica de San Nicolás en Bari , que hoy atrae a unos 200.000 peregrinos al año.

San Nicolás no solo es venerado como santo por haber sido obispo, sino que muchas leyendas rodean a Nicolás de Myra: se dice que salvó a personas inocentes de la muerte, rescató a las hijas de un deudor de ser vendidas a la prostitución y les dio tres pepitas de oro como dote, devolvió la vida a jóvenes que habían sido asesinados y salados por posaderos enfurecidos, multiplicó mágicamente el trigo para salvar al pueblo de Myra del hambre, curó a los enfermos, salvó a niños de ahogarse y expulsó demonios de pozos envenenados.

Se decía simplemente que Nicolás de Sion/Pinara era amigable y caritativo; ambos santos se fusionaron en una sola figura de gran benefactor.

San Nicolás de Mira murió el 6 de diciembre de 343; más tarde su día festivo se convirtió en nuestro Día de San Nicolás, en el que San Nicolás, en recuerdo de las pepitas de oro para las hijas pobres, llena regalos

Un artista ruso desconocido creó el Ángel del 6 de diciembre, el icono de San Nicolás .

William Blake

Nació en Londres el 28 de noviembre de 1757 y murió allí el 12 de agosto de 1827.

William Blake nació en el seno de una familia acomodada, propiedad de un comerciante de medias, y recibió educación en casa por parte de su madre, Catherine Wright Armitage Blake. Se dice que tenía un temperamento tan testarudo que sus padres no se atrevieron a enviarlo a la escuela.

Parecía igualmente inadecuado para una profesión normal y servil, razón por la cual fue matriculado en una escuela de dibujo a la edad de diez años. Era una de las escuelas de dibujo más importantes de Londres y evidentemente la adecuada para William Blake; a partir de 1772 completó un aprendizaje como grabador, y a partir de 1779 se convirtió en estudiante de la Real Academia de las Artes .

En realidad, su ingreso en la Real Academia debería haberle garantizado una exitosa carrera como pintor de historia, pero Blake se enemistó con el presidente de la Academia, Sir Joshua Reynolds, un retratista más comprometido con la tradición que con la originalidad, y así se esfumaron sus esperanzas de una gran carrera.

Encontró a la mujer adecuada para ello, Catherine Boucher, que provenía de orígenes humildes, y con quien se casó en 1783. Catherine ni siquiera sabía leer, pero estaba dotada de una gran curiosidad, aprendió de su marido y se educó a sí misma.

Después de un tiempo, se convirtió en una valiosa ayuda para Blake, quien abrió una imprenta en 1784; se superaron algunas dificultades relacionadas con la falta de hijos de la pareja, y se dice que el matrimonio, que duró hasta la muerte de Blake (más de 40 años), fue una unión excepcionalmente feliz y fructífera.

La vida profesional de William Blake fue menos exitosa por la falta de apoyo de los círculos adecuados; trabajó como impresor, grabador e ilustrador hasta su muerte, pobre y desconocido para la élite del mundo del arte. Sin embargo, contó con amigos y benefactores que lo ayudaron a superar los peores momentos de dificultades económicas proporcionándole encargos.

Solo muy tarde en su vida Blake experimentó que una nueva generación de artistas comenzaba a apreciar su obra; a partir de 1818 aproximadamente, la carrera de manual de un hombre muy talentoso que resultaba incómodo e incomprendido por los pensadores pomposos tomó lentamente un giro positivo.

Estos jóvenes artistas tenían buen ojo para el talento, aunque se adelantara a su tiempo, y estas fueron las obras altamente innovadoras de William Blake, que fueron descubiertas por los prerrafaelitas a mediados del siglo XIX y que ahora gozaban de un amplio reconocimiento: el pintor se adelantó casi un siglo a su tiempo.

Desde entonces, ha mantenido su popularidad tanto en la alta cultura como en la cultura popular. Las pinturas y grabados de este excepcional artista, su obra poética y sus ideas como místico de la naturaleza han sido objeto de continuos redescubrimientos. William Blake poseía numerosos talentos notables; por ejemplo, inventó el grabado en relieve y dio rienda suelta a su desbordante imaginación en visiones que transformó en poemas y pinturas.

La lista de escritores, compositores clásicos, compositores de jazz, músicos de rock, músicos de pop y directores que fueron decisivamente influenciados en su trabajo por William Blake es legendaria, y no parece que esta lista vaya a terminar pronto.

William Blake creó el ángel del 21 de diciembre, el "Arcángel Rafael con Adán y Eva" , en 1808.

Inga Schnekenburger

Nació como Ingrid Hübler el 28 de junio de 1949 en Winsen an der Luhe y murió el 20 de noviembre de 2013 en Tenerife.

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Inga Schnekenburger (entonces Ingrid Hübler) ganó premios en concursos creativos desde muy joven, estudió en la Escuela de Artes Aplicadas de Hamburgo de 1967 a 1968; su primera exposición individual fue en Geesthacht en 1969, y completó su formación como diseñadora gráfica en 1971.

Se casó con Artur Kaesmacher en 1969, y sus hijos nacieron en 1971 y 1973; de 1976 a 1980 estudió arte, artesanía, pedagogía, psicología y filosofía en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Lüneburg y aprobó su primer examen estatal para la enseñanza de arte y artesanía en 1980.

En 1977 se divorció de Artur Kaesmacher y comenzó a trabajar como profesora de arte en el centro de educación para adultos de Lüneburg, seguida de formación docente y exámenes, desde 1986 impartió clases como profesora de arte en la escuela secundaria y desde 1989 obtuvo una plaza docente en la Universidad de Ciencias Aplicadas del Noreste de Baja Sajonia para la formación en creatividad.

Durante este tiempo, Ingrid Hübler organizó cinco exposiciones individuales, dos colectivas y una retrospectiva, y fundó una escuela de arte. En 1991, se despidió de Baja Sajonia con una exposición en el Städtisches Glockenhaus de Lüneburg y se trasladó a Donaueschingen, en Baden-Württemberg.

Allí dirigió la Escuela Municipal de Arte Juvenil hasta finales de enero de 1992 y se casó con el artista Willi Schnekenburger. Posteriormente, impartió clases de formación en creatividad en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Furtwangen hasta 1997 y participó en numerosas exposiciones hasta 2001.

Múltiples apariciones en las Semanas Internacionales de la Cerámica en Hüfingen, una “cruz de espejos” en Munich, acuarelas, objetos y cerámicas, algunas en colaboración con Willi Schnekenburger, en la Exposición Estatal de Jardines de Bad Dürrheim, en Koblenz, Asbach, Furtwangen, Lohmar, Schwerin, Düsseldorf, Meiningen, Berlín y Hochfelden en Alsacia, Francia.

Mientras tanto, la pintura, el arte objetual y la cerámica de Inga Schnekenburger se sumaron a la transición al mundo digital: en 1995, "Pictures about I Ching – Bilder zum I Ching" su primera presentación en Internet; de 1997 a 1998, la artista se formó como desarrolladora multimedia; en 1998, Willi e Inga Schnekenburger fundaron onlinekunst.de, plataforma dedicada al arte y la cultura en Internet, donde desde entonces se han llevado a cabo numerosas exposiciones y proyectos artísticos.

Aunque actualmente el sitio no recibe mantenimiento (a fecha de diciembre de 2014) tras el fallecimiento de Inga Schnekenburger en 2013, merece la pena visitarlo; el proyecto artístico computergarten.de, por ejemplo, también se inició en 1998 y ha crecido a lo largo de muchos años, y hoy en día contiene una gran cantidad de arte digital y fotografía digital artística.

Inga Schnekenburger nos legó los ángeles del 2, 4 y 9 de diciembre, el "Ángel de Juan" , "El tiempo avanza" y "Ángel de la guarda" , bellas ilustraciones por ordenador y acuarelas.