Movimenti chiave dell'arte astratta e i loro artisti più importanti

Nel nostro articolo "Arte astratta - Tutto sul movimento dell'arte non figurativa", abbiamo esplorato l'arte astratta come concetto, come movimento artistico influente e come rapportarsi ad essa. Abbiamo appreso che "arte non figurativa" o "arte non oggettiva" è un termine collettivo che indica i movimenti artistici del XX secolo emersi dopo il 1900.

Il denominatore comune più significativo nelle opere astratte è l'allontanamento dalla natura e dagli oggetti reali come motivi e, di conseguenza, la rottura con i principi tradizionali del realismo classico, profondamente radicati nell'accademia.

In breve: i principi degli artisti astratti si basano sul rifiuto di qualsiasi rappresentazione. Si dice che la loro coscienza e il loro impulso creativo siano guidati esclusivamente dall'estetica fine a se stessa.

Le radici dell'astrazione nel design pittorico risalgono addirittura all'antica Grecia, dove già Platone espresse l'esigenza di un design non figurativo utilizzando forme e motivi geometrici.

Naturalmente, questo tipo di arte creativa non è rimasto immutato nella sua forma originale fino ad oggi, ma ha subito un'evoluzione e uno sviluppo naturali. Questo può essere visualizzato come la ramificazione di un vecchio albero con un tronco fiero e radici profonde.

Nel corso dei decenni e dei secoli sono emerse numerose sottoforme, varianti, movimenti paralleli e controtendenze, tutti interconnessi e spesso interconnessi tra loro.

Pertanto, vorremmo accompagnarvi in ​​un breve viaggio attraverso le fasi più importanti e formative dell'arte astratta, concreta e moderna . Ove possibile, ci impegniamo a evidenziare i punti di svolta significativi, le connessioni e i rapporti causali, affinché possiate acquisire una comprensione coerente.

Se dopo aver letto il nostro ultimo post su questo argomento ti sono sfuggiti uno o due pezzi del puzzle, potresti trovarli qui.

Cominciamo dall'inizio..

Pittura astratta nell'età della pietra

Tra gli storici dell'arte vi è un consenso sul fatto che l'arte astratta fosse già utilizzata sotto forma di incisioni preistoriche circa 70.000 anni fa.

Ne sono una prova, ad esempio, due massi incisi con motivi geometrici astratti, ritrovati nella grotta di Blombos in Sudafrica. Poi, decine di migliaia di anni dopo, sono stati scoperti i punti rossastri astratti e le impronte di mani nelle pitture della grotta di El Castillo risalenti al periodo compreso tra il 39.000 e il 34.000 a.C.

Anche i simboli astratti costituivano la forma predominante di arte rupestre paleolitica e venivano rinvenuti negli scavi con una frequenza circa doppia rispetto ai dipinti figurativi.

Realismo classico fino alla fine del XIX secolo

Fino quasi alla fine del XIX secolo, i principi e i metodi degli artisti nella pittura e nella scultura furono fortemente influenzati dagli standard e dalle dottrine accademiche.

Ogni allontanamento dal modello tradizionale del realismo classico era disapprovato e accolto con disprezzo. Le principali accademie d'arte europee si appropriarono del potere interpretativo e proclamarono che il dovere supremo dell'arte era quello di fornire una scena o un oggetto riconoscibile.

Importanti rappresentanti del Romanticismo che hanno influenzato l'arte astratta:

• Joseph Mallord William Turner (1775-1851): pittore, acquerellista e disegnatore inglese. Probabilmente il più importante artista visivo in Inghilterra durante l' epoca d'avanguardia espressionismo si è evoluto nell'astrazione.

Tendenza all'astrazione nell'Impressionismo

Nell'ultimo quarto del XIX secolo, la situazione iniziò a cambiare gradualmente e il corsetto conservatore cominciò a incrinarsi. Come prima forza sovversiva, l'arte impressionista (1870-1880) dimostrò che il rigoroso stile accademico della pittura naturalistica non era più l'unico modo autentico per creare arte significativa.

La tavolozza tecnica degli impressionisti non era generalmente molto naturalistica, sebbene l'arte impressionista rimanesse di solito saldamente e chiaramente derivata dal mondo reale. Le correnti interne all'impressionismo, come il neoimpressionismo puntinista e il postimpressionismo, misero in luce in modo impressionante la potenza del colore.

si osserva l'uso del giallo brillante nelle opere di Vincent van Gogh, sembra quasi che l'artista catturi la luce stessa attraverso questo colore.

Osservando di Claude Monet, dedicata alle ninfee, diventa chiaro che anche nell'epoca impressionista si stava affermando una tendenza crescente verso l'astrazione.

In seguito, nei primi decenni del XX secolo, ulteriori tecniche – come l'uso stilistico del colore, l'abbandono della rappresentazione tridimensionale e il ricorso a forme geometriche semplici – avrebbero alimentato la ricerca dell'astrazione e fornito ai suoi artisti nuovi strumenti.

Importanti rappresentanti del (postimpressionismo) con influenza sull'arte astratta:

• James McNeill Whistler (1834-1903) è stato un pittore e incisore britannico residente negli Stati Uniti. Era particolarmente noto per i suoi dipinti semi-astratti a colori.
• Claude Monet – un importante pittore francese, che dopo il 1890 ha oscillato tra naturalismo e astrazione nei suoi dipinti.
• Vincent van Gogh – pittore e disegnatore olandese; è considerato uno dei fondatori della pittura moderna.
• Paul Gauguin – un influente pittore francese. La sua opera post-impressionista ha influenzato profondamente i Nabis e il Simbolismo; è stato cofondatore del Sintetismo e pioniere dell'Espressionismo.
• Henri de Toulouse-Lautrec – pittore e grafico francese del movimento post-impressionista
• Paul Cézanne (1839-1906) è stato un pittore francese la cui opera è associata a diverse correnti artistiche. Si è costantemente impegnato a rinnovare i metodi di composizione tradizionali basandosi sui principi impressionisti. Le sue nature morte e i suoi paesaggi sono considerati punti di partenza fondamentali per l'astrazione.
• Paul Serusier (1864-1927) – Pittore post-impressionista francese. Fondatore del gruppo di artisti simbolisti Nabis e fortemente influenzato da Gauguin.

Movimento Art Nouveau/Art Nouveau

Lo sviluppo dell'arte astratta fu influenzato anche dal movimento Art Nouveau (circa 1890-1914). Tra i movimenti artistici associati all'Art Nouveau si annoverano lo stile Reform (successivo al movimento di riforma) e lo stile Secession (successivo alla Secessione viennese).

Il termine Jugendstil (Art Nouveau) fu coniato da Georg Hirth a Monaco di Baviera alla fine del 1895, attraverso una rivista culturale illustrata intitolata "Jugend" (Gioventù). Questo movimento artistico può essere inteso come una reazione, principalmente da parte di giovani artisti e artigiani, contro lo storicismo retrogrado dell'epoca. Servì anche come critica alla percepita mancanza di anima dell'industrializzazione dei primi del Novecento.

Tuttavia, fu il termine francese Art Nouveaua prevalere a livello internazionale. Esso trae origine dalla galleria La Maison de l'Art Nouveau, che il mercante d'arte di Amburgo Siegfried Bing aveva aperto a Parigi alla fine del XIX secolo.

Tra i tratti tipici dell'Art Nouveau rientrano, da un lato, le linee lunghe e curve che prendono a modello le forme organiche delle piante, ma anche gli ornamenti geometrici piatti e lineari con una tendenza al design asimmetrico.

Il rappresentante più importante del movimento Art Nouveau è il giovane talento viennese Gustav Klimt .

Dall'espressionismo tedesco alla pietra angolare della pittura

L'uso del colore e della forma fu di fondamentale importanza per lo sviluppo dell'arte astratta. L'Impressionismo aprì la strada a un maggiore utilizzo del colore come strumento stilistico, ma fu l'Espressionismo tedesco a renderlo un pilastro imprescindibile della pittura.

Il libro di Wassily Kandinsky "Lo spirituale nell'arte" (1911) divenne un'opera fondamentale della pittura astratta. Kandinsky soffriva di sinestesia, il che spiega la sua insolita sensibilità al colore. Non solo vedeva i colori, ma li udiva anche (percezione bisensoriale). In un certo senso, viveva una fusione tra arte visiva e musica.

Non c'è da stupirsi, quindi, che l'effetto emotivo della forma, della linea e soprattutto del colore nella pittura lo affascinasse così profondamente e avrebbe plasmato tutta la sua opera.

Come molti altri artisti astratti, Kandinsky credeva che la musica incarnasse l'arte astratta nella sua accezione più pura, con la sua capacità di essere espressiva senza rappresentare il mondo reale. Kandinsky chiamava le sue opere "composizioni".

Allo stesso tempo, però, egli ha ripetutamente avvertito che il desiderio di astrazione non dovrebbe essere utilizzato per mera decorazione, senza compromettere la serietà dell'arte.

Di tutte le arti, la pittura astratta è la più difficile. Richiede saper disegnare bene, uno spiccato senso della composizione e del colore, e una vera poesia. Quest'ultima è essenziale

È stato citato Kandinsky.

L'Espressionismo tedesco è caratterizzato da una tavolozza di colori saturi e dalla corrispondenza dei colori alle emozioni umane. In generale, sperimentare con il colore ed evocare emozioni era un interesse primario degli artisti astratti.

La maggior parte degli espressionisti tedeschi, come Ernst Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Max Ernst, Alexei Jawlensky, Oskar Kokoschka, Franz Marc, August Macke e Max Beckmann , non erano pittori astratti in senso stretto.

Tuttavia, la loro tavolozza vibrante, insieme agli scritti teorici di Kandinsky, allarmò e incoraggiò altri artisti con un'inclinazione più astratta a perseguire questo obiettivo con tutte le sue forze.

È opinione diffusa che artisti come Piet Mondrian, Wassily Kandinsky e Kazimir Malevich abbiano avuto un ruolo fondamentale nella nascita dell'arte astratta. Tuttavia, alcune delle prime opere conosciute risalgono alla pionieristica Hilma af Klint. Inizialmente, realizzò opere figurative tradizionali, ma i suoi dipinti radicali nacquero dal suo interesse per lo spiritualismo.

Lo spiritismo era un movimento estremamente popolare all'epoca negli ambienti artistici e letterari, che sosteneva la convinzione della possibilità di comunicare con gli spiriti dei defunti. Insieme a un gruppo di altre quattro donne, in seguito note come "Le Cinque ", Klint condusse sedute spiritiche e praticò la meditazione. Attraverso queste pratiche, si convinse che uno spirito di nome Amaliel le avesse commissionato la realizzazione di dipinti per decorare un tempio.

L'artista ha raccontato che Amaliel guidò la sua mano e lavorò con immensa devozione, realizzando un totale di 193 dipinti per questo progetto entro il 1915. Consapevole della natura radicale del suo lavoro, Klint lo avvolse nel segreto e stabilì che non potesse essere reso pubblico prima di 20 anni dalla sua morte.

Nonostante questa regolamentazione, il suo lavoro ha ricevuto attenzione solo nel 1986 e ora finalmente viene apprezzato a dovere: la mostra di Klint del 2019 al Guggenheim Museum di New York è stata la mostra più visitata nella storia dell'istituzione fino a quel momento.

Fauvismo

Lo stile parallelo dell'avanguardia parigina del Fauvismo (1905-08) enfatizzava solo marginalmente l'effetto del colore, ad esempio con opere come "Studio rosso" (1911, MoMA, New York) di Henri Matisse.

Anche qui, il rifiuto della prospettiva tridimensionale è una caratteristica distintiva. Il fauvismo raffigura gli oggetti con colori intensi e arbitrari.

Henri Matisse è stato probabilmente il più famoso esponente del Fauvismo, e opere come "La striscia verde" (1905) sono ancora citate come esempi emblematici dello stile caratteristico di questo movimento artistico. L'opera è un ritratto di sua moglie con la pelle verde e gialla su uno sfondo multicolore. Tra i pittori orfisti più famosi si annovera Robert Delaunay, le cui opere "Finestre simultanee sulla città" (1912) e "Il primo disco" (1912-1913) sono composte da molteplici macchie o segmenti di colori diversi. Georgia O'Keeffe è nota per i suoi dipinti astratti di fiori, colorati e dai contorni ravvicinati.

Insieme a Matisse, Marlow Moss un'artista che abbracciò chiaramente l'astrazione in questo periodo. Il critico Charles Darwent, scrivendo sul Guardian , la descrisse come "una fedele seguace" di Mondrian. Sebbene alcuni la considerino un'imitatrice del padre del Neoplasticismo, si potrebbe anche sostenere che l'influenza fosse reciproca. Le sue opere del periodo successivo alla riscoperta di Mondrian mostrano la sua influenza, ma fu Moss la prima a incorporare le doppie linee nelle sue opere a griglia nel 1931.

Un anno dopo, Mondrian seguì questo approccio e creò "Composizione con doppia linea e giallo". In gran parte dimenticata nella storia dell'arte astratta, l'opera di Moss ha giustamente conosciuto una sorta di rinascita negli ultimi anni.

Cubismo e la dissoluzione della profondità di campo e della prospettiva

La nascita del Cubismo (1908-1914) può essere vista come una reazione diretta alla bellezza decorativa e all'estetica dell'Impressionismo. Pablo Picasso (1881-1973) e Georges Braque (1882-1963) svilupparono questo nuovo stile in diverse fasi, consapevoli di tale esigenza.

L'opera semi-astratta di Picasso "Les Demoiselles d'Avignon" del 1907 (ora al MoMA di New York) faceva ancora parte della prima fase del prototipo del Cubismo.

Il passo successivo fu il Cubismo analitico (si veda "Nudo che scende le scale n. 2" del 1912 di Marcel Duchamp (1887-1968)).

La fase finale del Cubismo Sintetico era significativamente più orientata al collage. Il suo concetto di base si basava sull'evoluzione dall'arte visivamente accattivante ma banale dell'Impressionismo a una forma d'arte più intellettuale. L'obiettivo principale dei cubisti era esplorare nuovi metodi per rappresentare la realtà.

Una caratteristica delle opere cubiste fu la dissoluzione del metodo accademico di rappresentazione della realtà attraverso l'uso della prospettiva lineare (profondità) per ottenere il consueto effetto tridimensionale di un dipinto.

Al contrario, i cubisti mantenevano tutto su un piano bidimensionale e piatto, sul quale disponevano diverse "viste" dello stesso oggetto.

Sebbene la maggior parte delle opere cubiste traggano ancora origine da oggetti o scene con riferimenti al mondo reale e pertanto non possano essere considerate completamente astratte, il rifiuto della prospettiva tradizionale da parte del movimento minò completamente il realismo naturale nell'arte, spalancando così le porte alla pura astrazione.

Importanti rappresentanti del cubismo che hanno influenzato l'arte astratta:

• Francis Picabia (1879-1953) – Pittore francese che ha influenzato il Cubismo, il Dadaismo e il Surrealismo.
• Carlo Carrà (1881-1966) – Noto per i suoi primi dipinti cubisti e futuristi.
• Albert Gleizes (1881-1953) – Pittore cubista, coautore di Du Cubisme, il primo libro rilegato sul Cubismo.
• Jean Metzinger (1883-1957) si ispirò al Cubismo analitico; pubblicò “Du Cubisme” insieme ad Albert Gleizes.
• Roger de la Fresnaye (1885-1925) – Utilizza la semplicità geometrica del Cubismo per formulare dichiarazioni concrete e politicamente motivate.
• Juan Gris (1887-1927) – Pittore spagnolo e principale teorico del Cubismo
• Constantin Brancusi (1876-1957), scultore astratto di ispirazione cubista, fu influenzato anche dall'arte africana e orientale.
• Raymond Duchamp-Villon (1876-1918) – utilizzò strumenti cubisti per rappresentare il movimento
• Jacques Lipchitz (1891-1973) – importante scultore franco-americano del XX secolo.

Orfismo

Questo stile di pittura astratta dei primi del Novecento, chiamato anche Cubismo Orfico , mirava a combinare la composizione cubista con il colore e la musica.

Il termine deriva dal mitico cantore e suonatore di lira Orfeo e fu significativamente plasmato da Guillaume Apollinaire nel 1912, ispirandosi alle opere ricche di colore di Robert Delaunay.

L'orfismo . si caratterizza più per vivaci macchie di colore che per oggetti figurativi. Soprattutto, le forme circolari dai colori brillanti sono l'elemento più caratteristico di questo movimento artistico

Importanti rappresentanti del Vorticismo:

• Robert Delaunay – pittore francese d'avanguardia che ha anche scritto opere teoriche sull'arte
• Franz Kupka – pittore ceco. Il colore ha sempre rivestito un ruolo cruciale per Kupka.

Vorticismo

Il vorticismo fortemente influenzato anche dalla terminologia cubista. Il termine deriva dalla parola latina "vortex", che significa "tempesta" o "mulino".

Fondato da Percy Wyndham Lewis (1882-1957), il Vorticismo si considerava esplicitamente un contributo specificamente inglese al modernismo. Analogamente al Cubismo, si poneva come un concetto alternativo alle rappresentazioni realistiche nell'arte. Inoltre, il Vorticismo qualsiasi imperativo morale e insisteva sull'autonomia dell'opera d'arte.

Importanti rappresentanti del Vorticismo:

• Richard Aldington – scrittore inglese e direttore della rivista d'avanguardia "The Egoist".
• Malcolm Arbuthnot è considerato l'inventore della "vortografia".
• Lawrence Atkinson – artista, musicista e poeta inglese
• Jessica Dismorr – pittrice inglese e una delle sole due donne attive nel movimento vorticista.
• Henri Gaudier-Brzeska - scultore francese
• Cuthbert Hamilton – artista britannico
• Wyndham Lewis – scrittore e pittore britannico, cofondatore del vorticismo e direttore della rivista Blast.
• Ezra Pound , poeta americano, è considerato uno dei rappresentanti più importanti del modernismo letterario.
• William Roberts – pittore britannico del Cubismo e cofondatore del Vorticismo
• Helen Saunders – pittrice inglese
• Edward Wadsworth – pittore britannico che, ispirandosi al Futurismo e al Cubismo, sviluppò l'arte geometrica fino all'astrazione.

Futurismo

italiano futurista(1909-1913) fu in gran parte fondato da Marinetti (1876-1944) e Gino Severini (1883-1966) e Giacomo Balla si espresse

Questo movimento fu influenzato anche dal Cubismo e, a sua volta, ispirò numerosi pittori con la sua enfasi sul movimento e sulla tecnologia. Nella scultura, il Futurismo ebbe il maggiore impatto sullo sviluppo dell'arte cinetica e influenzò scultori astratti come Naum Gabo (1890-1977) e Alexander Calder (1898-1976).

Tubismo

Quasi contemporaneamente, emerse un altro movimento artistico affine. In relazione all'arte di Fernand Léger (1881-1955), non si poteva più parlare di Cubismo, ma di Tubismo (arte dei tubi).

Con questo approccio, elementi cilindrici e sferici vennero utilizzati al posto degli elementi piatti e sovrapposti del Cubismo. Ciò diede vita a numerosi dipinti con motivi simili a macchine, che riflettevano la fede futuristica di Léger nella tecnologia.

Il suprematismo russo porta a nuove forme geometriche

Il movimento russo per l'arte astratta è noto come Suprematismo . Fu fondato nel 1915 dal suo leader Kazimir Malevich (1878-1935) come espressione della superiorità dei sentimenti e delle percezioni sensoriali nell'arte.

Indubbiamente influenzato da Kandinsky, Malevich creò una serie di straordinari dipinti astratti d'avanguardia caratterizzati da blocchi rettangolari monocromi su sfondo bianco. In questo modo, enfatizzò la piattezza delle forme nelle opere artistiche. In questo senso, era probabilmente decenni avanti rispetto ai suoi tempi.

nel suo libro intitolato "Il mondo non oggettivo" ufficialmente formalizzata

Costruttivismo e raggismo

Vladimir Tatlin (1885-1953) è considerato la figura più importante nella fondazione del Costruttivismo,. Lyubov Popova (1889-1924) e Alexander Rodchenko (1891-1956). Questa scuola si concentrava sullo spazio, sui nuovi materiali, sulle forme tridimensionali e sul legame tra scienza e arte. Lyubov Popova fu anche un membro di spicco del movimento suprematista.

Un altro interessante movimento artistico russo che diede vita a un nuovo tipo di pittura fu il Raggismo (o Luchismo). Questo movimento si sviluppò tra il 1912 e il 1914 e fu Mikhail Larionov (1881-1964) e Natalya Goncharova avviato

Tra gli scultori astratti fortemente influenzati dalle idee suprematiste/costruttiviste si annoverano Sophie Taeuber-Arp (1889-1943) e Naum Gabo (1890-1977).

Le influenze di De Stijl

De Stijl era originariamente un gruppo olandese di pittori, architetti e designer. Il nome acquisì rapidamente maggiore notorietà grazie alla fondazione di un'associazione di artisti e di una rivista olandese di design ed estetica.

Ciò portò rapidamente allo sviluppo di un movimento artistico d'avanguardia dedicato principalmente all'astrazione geometrica. Theo Van Doesburg (1883-1931) è considerato il padre fondatore di De Stijl e ne assunse anche la guida.

Il protagonista indiscusso del movimento fu però Piet Mondrian (1872-1944), noto per la sua serie di semplici griglie rettangolari composte unicamente da nero, bianco e colori primari. Con le sue griglie piatte, tentò di creare fisicamente il concetto di infinito.

I concetti di De Stijl hanno avuto un impatto non solo sulle belle arti e sull'architettura, ma anche sul design di mobili e altri oggetti di uso quotidiano, fino ai giorni nostri.

Neoplasticismo ed Elementarismo

Chiamò questo stile Neoplasticismo (Nieuwe Beelding). Come uno dei pionieri più influenti dell'arte concreta tra il 1920 e il 1944, sviluppò il suo preciso stile geometrico come contrappunto consapevole al caos emotivo e all'incertezza generale della prima metà del XX secolo.

Insieme al gruppo astratto Cercle et Carre (1929-31) e al Gruppo Abstraction-Creation, nel 1938 trasferì il suo luogo di lavoro a New York.

Con grande piacere dei suoi contemporanei, Van Doesburg non era molto dogmatico e, nel corso del suo periodo creativo, introdusse una forma più rilassata di , l' Elementarismoneoplasticismo

Nel 1930 coniò anche il termine "Arte Concreta". Purtroppo morì nel 1931, ma le sue idee furono portate avanti non solo dagli studenti della scuola di design Bauhaus, ma anche dal gruppo Abstraction Creation guidato dall'artista belga Georges Vantongerloo, dal pittore francese Jean Helion e da Auguste Herbin .

Tra gli altri membri del gruppo figuravano astrattisti europei come Jean Arp (1886-1966), Naum Gabo (1890-1977), El Lissitzky (1890-1941), Antoine Pevsner (1886-1962) e Barbara Hepworth (1903-1975), nonché Ben Nicholson (1894-1982).

, ex membro del Bauhaus, Max Bill fu un altro sostenitore che diede un contributo significativo alla promozione del genere in Svizzera, Italia, Argentina e Brasile.

Surrealismo e astrazione organica

L'astrazione organica è un'altra sottocategoria dell'arte astratta. Allo stesso modo, il Surrealismo, nato parallelamente al concretismo geometrico, con il suo immaginario quasi naturalistico, è un parente stretto dell'astrazione.

I grandi modelli di riferimento di questi stili di astrazione biomorfica/organica furono Jean Arp e Joan Miró, nessuno dei quali si affidava alla tecnica dell'automatismo.

il suo collega surrealista Salvador Dalí (1904-89) realizzò dipinti straordinari come "La persistenza della memoria" (1931, MoMA, New York) e "Costruzione morbida con fagioli bolliti" (1936, Philadelphia Museum of Art).

Jean Arp fu anche uno scultore estremamente prolifico, specializzato nell'astrazione organica. Gli scultori inglesi Henry Moore (1898-1986) e Barbara Hepworth (1903-1975) seguirono il suo esempio in questo senso.

In seguito, diversi artisti astratti europei cercarono rifugio in America, dove incontrarono e influenzarono una nuova generazione di pittori astratti autoctoni.

Tra questi influenti emigranti figuravano pittori come Hans Hofmann (1880-1966), Max Ernst (1891-1976), André Masson (1896-1987), Arshile Gorky (1904-1948), Yves Tangy (1900-1955) e altri.

Nonostante le controversie sorte in occasione della fiera delle armi di New York del 1913, la metropoli americana sviluppò un forte interesse per l'astrazione. Il celebre Museum of Modern Art (MoMA) fu fondato nel 1929, e il Museum of Non-Objective Painting (successivamente ribattezzato Samuel R. Guggenheim Museum) nel 1939.

Meno geometria, più colore – espressionismo astratto

Sebbene gli artisti europei del dopoguerra abbiano mantenuto il loro interesse per l'arte astratta attraverso il "Salon des Realités Nouvelles" di Parigi, il centro dell'arte moderna si era spostato a New York a partire dal 1945.

Da allora in poi, l'avanguardia fu rappresentata dalla New York School of Abstract Expressionism , un movimento nato dalla Grande Depressione e dalla Seconda Guerra Mondiale.

La pittura espressionista astratta rimane alquanto vagamente definita e non ha mai avuto un programma coerente e postulato. Pertanto, il termine viene spesso applicato in modo fuorviante e confuso ad artisti che non erano né veramente astratti né espressionisti .

In generale, descrive una forma di pittura astratta (non figurativa, non naturalistica) in cui il colore ha la precedenza sulla forma. E quest'ultima non è più geometrica.

Le prime opere in questo stile occupavano in genere grandi tele, le cui dimensioni miravano a sopraffare l'osservatore e a trasportarlo in un mondo parallelo. L'attenzione degli Espressionisti Astratti per gli effetti visivi, in particolare l'impatto del colore, rifletteva il loro obiettivo primario: l'inclusione e l'esplorazione delle emozioni umane fondamentali.

Tra le loro icone figuravano senza dubbio i grandi artisti Jackson Pollock (1912-56), Mark Rothko (1903-70), Willem De Kooning (1904-97), Clyfford Still (1904-80), Barnett Newman (1905-70) e Adolph Gottlieb (1903-74).

Nei primi anni '40, Pollock rivoluzionò la pittura con le sue opere completamente astratte, disponendo le tele sul pavimento e versando e asciugando il colore. Questa tecnica dava vita a composizioni dense, prive di un focus centrale, e sfidava i concetti artistici tradizionali. Le sue opere riflettevano non solo il suo tocco personale, attraverso impronte di piedi e mani, ma anche la natura dinamica del suo processo creativo, che lo posizionava come un performer.

L'approccio di Pollock enfatizzava l'immediatezza del gesto artistico, rendendolo una figura chiave dell'Espressionismo Astratto. Ispirati dal movimento surrealista e dalla psicoanalisi junghiana, i suoi dipinti offrivano una profonda intuizione delle sue emozioni e riflettevano la vita moderna.

Mark Rothko si è anche sforzato di esprimere profonde emozioni umane attraverso un uso innovativo del colore e delle forme. Nelle sue prime opere, ha combinato forme riconoscibili con fonti di ispirazione mitologiche e biologiche, prima di sostituirle con intensi strati di colore. Questi sottili strati di pittura creano un movimento pulsante e un'atmosfera che avvolge lo spettatore.

Le opere di Rothko pongono l'osservatore in un'interfaccia tra il mondo fisico e quello trascendente, e l'artista scelse deliberatamente i numeri come titoli per evitare associazioni personali. Il suo obiettivo era quello di facilitare esperienze senza tempo e spirituali e di promuovere un dialogo intimo tra opera d'arte e spettatore. L'attenzione di Rothko al colore come mezzo di espressione ha avuto un impatto duraturo sullo sviluppo dell'arte astratta.

La generazione successiva incluse pittori come Robert Motherwell. Il nome del movimento fu consolidato da Robert Coates, che lavorava come critico d'arte per il New Yorker.

Tra le derivazioni dell'Espressionismo astratto si annoverano l'"Action Painting" di Rothko la "Color Field Painting" , nonché il singolare "Impressionismo astratto" di Philip Guston (1913-80).

Action painting, pittura a campi di colore e compagnia bella.

In seguito, sotto l'egida dell'astrazione post-pittorica, l'espressionismo astratto, come una sorta di tendenza anti-gestualista, diede origine a una serie di stili individuali. Tra questi: la pittura hard-edge, la pittura color splash, il Washington Color Movement, l'astrazione lirica americana e la tela sagomata.

L'Espressionismo astratto ha suscitato reazioni d'avanguardia anche in altri artisti, tra cui Cy Twombly (1928-2011), i cui schizzi calligrafici sono in parte disegni e in parte graffiti . Un altro esempio è lo scultore astratto californiano Mark Di Suvero, noto per le sue sculture di grandi dimensioni in ferro e acciaio.

Arte informale, Tachismo e il gruppo CoBrA

Mentre dall'altra parte dell'Atlantico l'Espressionismo astratto dominava il periodo postbellico, alla fine degli anni '40 nel vecchio continente emerse un nuovo movimento artistico chiamato Arte Informale o Arte Informale.

Sebbene fosse considerato una versione europea dell'espressionismo astratto, in realtà era un movimento generale con diverse sottovarianti.

Tra questi rientrava il Tachisme, uno stile di pittura astratta caratterizzato da macchie e schizzi di colore. Proclamato come la risposta francese ai movimenti artistici americani, questo sotto-movimento fu portato alla ribalta e al riconoscimento principalmente dall'artista d'avanguardia americano Mark Tobey (1890-1976). Il suo stile pittorico calligrafico anticipò persino quello di Pollock.

Tra i membri più importanti del movimento Tachisme figurano Jean Fautrier (1898-1964), Georges Mathieu (1921-2012), Pierre Soulages (nato nel 1919) e l'artista portoghese Maria Helena Vieira da Silva (1908-92), nonché l'espressionista astratto americano Sam Francis (1923-94).

Anche il gruppo d'avanguardia CoBrA praticava lo stile gestuale o "action painting" dell'Espressionismo astratto americano. CoBrA fu fondato da pittori, scultori e grafici del gruppo danese "Host", del gruppo olandese "Reflex" e del Gruppo Surrealista Rivoluzionario Belga.

Tra i loro artisti figuravano, in prima linea, Asger Jorn (1914-73), lo scrittore belga Christian Dotremont (1922-79), Pierre Alechinsky, Karel Appel (1921-2006) e Pol Bury (1922-2005), che in seguito, tuttavia, abbandonò la pittura per dedicarsi alla ricerca sulle sculture cinetiche.

Arte ottica attraverso l'illusione ottica: nasce l'Op Art

Uno degli stili di pittura astratta geometrica più distintivi e forse visivamente memorabili dei tempi moderni è stato il movimento Op Art.

La loro caratteristica distintiva era la manipolazione dell'occhio attraverso forme e motivi geometrici complessi, spesso monocromatici, che lo stimolavano a percepire colori e forme inesistenti. Si potrebbero descrivere come immagini sapientemente disposte che creavano deliberatamente illusioni ottiche.

Tra i principali esponenti di questo movimento figuravano il pittore e grafico ungherese Victor Vasarely (1908-97) e la pittrice inglese Bridget Riley. Il movimento scomparve nuovamente all'inizio degli anni '70, dopo un breve periodo di popolarità.

Il capitolo (per ora) finale – Il postmodernismo

Il postmodernismo, noto anche arte, contemporanea viene generalmente collocato nel periodo a partire dagli anni '60.
Da questo punto di svolta in poi, l'arte contemporanea tende a frammentarsi in numerose scuole più piccole, regionali o persino locali.

Secondo gli storici dell'arte, ciò potrebbe essere dovuto al fatto che l'atteggiamento prevalente nei movimenti artistici contemporanei era quello di guardare con sospetto i grandi stili dell'inizio del XX secolo.

Un'eccezione a questa tendenza è la scuola del Minimalismo, che è riuscita a stabilire uno stile fondamentalmente nuovo di astrazione geometrica in modo sostenibile.

Ne sono un esempio particolare artisti postmoderni come gli scultori Donald Judd (1928-94), Sol LeWitt (1928-2007), Robert Morris e Walter de Maria . Un altro importante scultore minimalista è Richard Serra.

Tra i pittori astratti più noti associati al Ad Minimalismo figurano Reinhardt (1913-67), Frank Stella e il pittore irlandese-americano Sean Scully, le cui forme rettangolari di colore sembrano imitare le forme monumentali delle strutture preistoriche.

Altri importanti rappresentanti del minimalismo:

• Morris Louis (1912-62) – artista minimalista americano, esplorò la tecnica della tintura a immersione con Helen Frankenthaler
• Agnes Martin (1912-2004) – Pittrice minimalista, nota per le sue griglie a matita su sfondo monocromatico.
• Kenneth Noland – Pittore minimalista con uno stretto legame con la pittura Hard Edge
• Cy Twombly (1928-2011) – Pittore minimalista, noto per le sue opere calligrafiche.
• Helen Frankenthaler – pittrice minimalista, ha sviluppato la tecnica Soak-Stain
• Robert Ryman – pittore minimalista americano, noto per le sue composizioni monocromatiche bianche.
• Jo Baer è una pittrice e grafica statunitense, considerata un'importante esponente del Minimalismo.
• Ellsworth Kelly – pittore e scultore americano. Kelly ha trasceso il concetto di quadro rettangolare con le sue composizioni. È stato una figura di spicco della pittura Color Field e dell'Hard Edge.
• Robert Mangold – pittore americano
• Brice Marden è un artista americano che può essere associato, tra le altre cose, al minimalismo.

Oltre alla scultura e alla pittura, la scuola del minimalismo si è fatta strada anche nell'architettura e nel design, riscuotendo un successo.

Il neoespressionismo come ultima fase di iterazione

Tra gli sviluppi più recenti dell'arte moderna spicca il Neoespressionismo. Nato in parte come reazione all'austerità del Minimalismo , questo movimento figurativo si affermò all'inizio degli anni Ottanta.

Tuttavia, tra i seguaci figuravano anche alcuni pittori astratti di spicco, tra cui l'inglese Howard Hodgkin e gli artisti tedeschi Georg Baselitz e Anselm Kiefer.

Tra gli artisti astratti di fama internazionale di questo periodo spicca lo scultore britannico Anish Kapoor , noto per le sue opere di grandi dimensioni realizzate in pietra grezza, metallo fuso e acciaio inossidabile.

Artisti astratti contemporanei

Numerosi pittori e scultori contemporanei si possono trovare, ad esempio, nel cuore della metropoli artistica e culturale di Dresda. La galleria "Abstract Moments" di Dresda, fondata nel 2005 da un gruppo di artisti, è diventata un punto di riferimento per l'arte astratta in Germania.

Il sito web degli artisti presenta, ad olio nel suo portfolio in continua espansione, non solo dipinti sculture.

Tra gli artisti attuali della galleria figurano, tra gli altri:

• André Mimor
• Andy Larrett
• Alejandro Rojo
• Annette Freymuth
• Andreas Garbe
• Bozena Ossowski
• C. David Schwartz
• Christiane Middendorf
• Dirk Hille
• Frank Lorenz
• Frank-Ole Haake
• Gia Hung
• Hans-Jürgen Gorenflo
• Holger Mühlbauer-Gardemin
• Ilona Schmidt
• Jean-Jacques Piezanowski
• Jo Zipfel
• Julio Fernández
• Klaus Boekhoff
• Koroush Namazi
• Lina Roth
• Maciej Cieśla
• Manuela Rathje
• Maja Kühne
• Martina Rick
• maya
• Raffaello Re
• Stefan Petrunov
• Torsten Peter
• Uwe Fehrmann

E poi cosa succederà?

Il futuro è già iniziato, come si dice. In questo senso, il mondo dell'arte moderna continuerà a evolversi, dando vita a nuovi e significativi movimenti, stili e direzioni artistiche. Guardiamo a loro con una mente aperta.

Arte astratta dalla nostra galleria online

Nella nostra galleria d'arte virtuale avrete anche la possibilità di acquistare opere d'arte astratte uniche e colorate, direttamente dall'artista o dal nostro partner nella galleria.

Ognuno di questi dipinti è stato creato con passione e abilità eccezionali da un artista di talento. Esplora la diversità delle forme artistiche più diverse nella loro espressione più astratta e lasciati ispirare da immagini che raccontano la tua storia personale.

Immergiti in un mondo ricco di ispirazione creativa con la nostra vasta gamma di squisiti capolavori astratti.