L'impressionismo nelle arti visive: caratteristiche, artisti, dipinti famosi

L'impressionismo nacque in Francia tra il 1860 e il 1870 , per poi diffondersi in gran parte d'Europa negli anni 1890.

L'impressionismo raggiunse il suo apice tra il 1863 e il 1883. Già prima di questo periodo, era stato influenzato dalle sue figure di spicco, Claude Monet, Édouard Manet ed Edgar Degas . L'impressionismo esercitò una forte influenza sui movimenti artistici e molti artisti rimasero fedeli ai suoi principi anche durante il espressionista .

Scoprite con noi la bellezza dell'Impressionismo, un movimento artistico rivoluzionario caratterizzato dalla rappresentazione di impressioni fugaci e dal gioco di luci e colori.

Artisti come Claude Monet, Paul Cézanne, Edgar Degas, Berthe Morisot e Pierre-Auguste Renoir hanno creato dipinti affascinanti in questo periodo stilistico delle arti visive , catturando la bellezza della vita quotidiana e della natura. 

Impressionismo: una breve introduzione

L'impressionismo fu un movimento artistico rivoluzionario del XIX secolo che inaugurò una nuova era nella pittura. Gli impressionisti non volevano solo rappresentare la realtà esteriore, ma soprattutto le impressioni e gli stati d'animo che provavano osservando un soggetto. La luce e il colore giocarono un ruolo centrale in questo processo.

Il termine Impressionismo, inteso come stile artistico, deriva dalla parola francese "impression", che significa "impressione". Il movimento artistico prese il nome dal dipinto di Claude Monet "Impressione, sole nascente", presentato alla prima mostra del nuovo movimento a Parigi nel 1874.

Un critico d'arte dell'epoca usò il titolo in modo beffardo per descrivere l'intero stile, ma furono gli artisti stessi ad adottare il termine per il loro movimento. L'Impressionismo viene generalmente collocato tra il 1860 e il 1920.

La particolarità di questo movimento artistico risiedeva nel fatto che gli artisti iniziarono a osservare consapevolmente la propria percezione. Parallelamente all'avvento della fotografia, la rappresentazione meticolosa dei motivi perse importanza.

Riconobbero che i contorni degli oggetti sono creati dalla coscienza individuale. In realtà, l'occhio percepisce principalmente colori e forme: i contorni sono mere interpretazioni. Gli impressionisti si sforzarono di tornare alla "pura percezione" e di rappresentare la realtà nella sua forma più pura.

I pittori impressionisti erano affascinati dagli effetti della luce. Per riprodurre la luce naturale nei loro dipinti, svilupparono una nuova tecnica che utilizzava piccoli tratti e punti. Ciò conferiva alle loro opere una particolare leggerezza e dinamicità.

Gli impressionisti lavoravano principalmente all'aperto o nei loro studi per sfruttare al meglio la luce mutevole. Alcuni artisti dipingevano lo stesso soggetto in diversi momenti della giornata o nelle diverse stagioni per catturarne le variazioni. Per raggiungere questo obiettivo, svilupparono nuove tecniche di pittura al fine di contorni più morbidi .

Riconobbero che la percezione cambia rapidamente da un momento all'altro e che è impossibile catturare appieno un singolo istante. Pertanto, utilizzarono uno stile pittorico rapido per registrare le loro impressioni prima che andassero perse. Gli Impressionisti davano valore alla pura osservazione, senza interpretazione o costruzione.

Con questi punti focali e queste caratteristiche, l'Impressionismo è diventato il punto di partenza della pittura moderna.

I motivi tipici della loro arte includevano paesaggi e scene di viali con dame elegantemente vestite, nonché raffigurazioni di ballerine e donne intente alla toeletta. Spesso incorporavano anche motivi tratti dalla vita quotidiana, come la vita cittadina parigina.

Una delle mostre più famose di questo periodo fu la Terza Esposizione Internazionale d'Arte di Parigi del 1877. In quell'occasione, le opere degli impressionisti furono presentate al pubblico per la prima volta. Fu un passo che rivoluzionò il mondo dell'arte e spianò la strada al successo dell'Impressionismo.

Auguste Rodin è considerato una figura di spicco dell'Impressionismo nella scultura. Questo stile artistico è caratterizzato, soprattutto nelle sculture , da una superficie inquieta e materica . In fotografia, l'Impressionismo è più comunemente noto come Pittorialismo .

I pittorialisti furono i primi a sperimentare con la fotografia a colori e ad apprezzare le immagini sfocate. Uno dei fotografi più importanti dell'Impressionismo intorno al 1900 fu Heinrich Kühn (1866-1944), che visse a Vienna.

Se desideri saperne di più sull'Impressionismo, continua a leggere! Nelle sezioni seguenti approfondiremo e analizzeremo più da vicino le caratteristiche, gli artisti e le opere più famose dell'Impressionismo.

Precursori e pionieri

I pittori romantici Eugène Delacroix, John Constable, William Turner e Richard Parkes Bonington , così come gli artisti della Scuola di Barbizon e i pittori di Honfleur, furono importanti precursori dell'Impressionismo. Charles-François Daubigny fu descritto come il leader di una "scuola impressionista", sebbene i suoi schemi compositivi fossero ancora accademici e classici. Ciononostante, espose al Salon alcuni bozzetti di paesaggio, il che lo rende un precursore dell'Impressionismo.

Già nel XVIII secolo, l'Inghilterra dimostrò una maggiore apertura verso la pittura di paesaggio rispetto alla Francia. Questo entusiasmo fu probabilmente influenzato dal giardino paesaggistico inglese, che somigliava a un ambiente naturale, nonché dai primi processi di industrializzazione.

Artisti come Constable, Turner e Richard Parkes Bonington si sforzarono nelle loro opere di combinare accuratezza scientifica (vedi gli studi sulle nuvole di Constable) con atmosfera e atmosfera. I motivi che si dissolvono gradualmente in nuvole di colore nei dipinti di William Turner, in particolare, esemplificano questa idea. L'attenzione del pittore era rivolta alla cattura dell'effetto del paesaggio e alla sua raffigurazione con abilità e precisione.

John Constable lavorò principalmente nel Suffolk e nei dintorni di Londra. Traeva ispirazione dal realismo dettagliato, dalle sottili sfumature di colore, dalla luminosità e dai motivi sobri della pittura paesaggistica olandese del XVII secolo. A partire dagli anni Venti dell'Ottocento, le sue opere divennero note anche a Parigi, dove nel 1824 vinse la medaglia d'oro al Salon per il suo dipinto "Carro di fieno"

I pittori della Scuola di Barbizon, come Camille Corot e Jean-François Daubigny, raffiguravano la foresta di Barbizon, la vita rurale e gli animali nei loro paesaggi. Jean-François Daubigny era particolarmente noto per i suoi paesaggi suggestivi, simili a schizzi.

Gustave Courbet si concentrò sui paesaggi forestali e rocciosi del Giura, utilizzando la pittura a olio come mezzo espressivo e influenzando i futuri impressionisti. Questi, a loro volta, trassero ispirazione da pittori barocchi come Frans Hals e Diego Velázquez.

La Scuola di Honfleur, sulla Côte de Grâce, era composta principalmente dagli artisti Eugène Boudin e Johan Barthold Jongkind. Boudin visse una vita modesta a Honfleur e fu il primo insegnante di Monet. I suoi dipinti sono caratterizzati da paesaggi marini e di spiaggia, nonché dall'ammirazione di Corot per le loro "bellezze meteorologiche".

Dettagli sulla denominazione dell'Impressionismo

L'impressionismo deve il suo nome – come accennato all'inizio – a una critica devastante mossa da Louis Leroy durante la prima mostra collettiva dei pittori in seguito noti come "impressionisti", nel 1874.

Gli artisti avevano organizzato la mostra autonomamente nello studio parigino di Nadar, non essendo stati ammessi al Salon. L'iniziativa dei 30 artisti espositori si chiamava "Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs, graveurs", che significa qualcosa come Società degli Artisti Indipendenti.

Il critico d'arte Louis Leroy coniò il termine Impressionismo ampliando il titolo dell'opera di Claude Monet "Impression: Soleil levant" (1872) in un termine di gruppo e di stile.

Il predominio del termine Impressionismo fu facilitato, non da ultimo, dal fatto che gli artisti stessi non riuscirono a trovare un nome proprio per il loro movimento. Il termine "Impressione" descrive la percezione soggettiva del mondo prima che inizi un'elaborazione razionale delle impressioni sensoriali. Questa definizione era già consolidata nel discorso estetico.

Nel XIX secolo, il termine "Impression" – così come "Pochade" – veniva utilizzato per schizzi veloci che catturavano una prima, immediata impressione del soggetto. Al contrario, "Étude" una rappresentazione più lenta e precisa del soggetto.

Monet trasformò lo schizzo in un'opera d'arte presentandolo in mostre. Il critico d'arte Leroy considerò l' opera abbozzata come una visione ingenuache l'artista non aveva ancora trasformato in una forma ordinata e razionale.

Ancora oggi circola la voce che i dipinti impressionisti siano stati creati spontaneamente.

Già nel 1877, il critico Frédéric Chevalier osservò giustamente che l'impressione di spontaneità creata dagli impressionisti derivava dalla loro rozza tecnica. La prospettiva apparentemente casuale delle loro opere era, in realtà, espressione di una disomogeneità indotta deliberatamente.

Influenze chiave sullo sviluppo dell'Impressionismo

La maggior parte dei padri fondatori dell'Impressionismo aveva poco più di vent'anni, con l'eccezione di Pissarro, che ne aveva già trenta, ed era in fase di sviluppo del proprio stile. Monet sviluppò un particolare interesse per i pittori innovativi Eugène Boudin e Johan Barthold Jongkind, che catturavano gli effetti fugaci del mare e del cielo con le loro tecniche pittoriche intense dal punto di vista cromatico e strutturalmente differenziate.

Insieme ai suoi compagni di studio a Gleyre, Monet adottò il metodo di Boudin di dipingere esclusivamente all'aperto – la pittura en plein air (dal francese: en plein air: "all'aria aperta") – osservando direttamente la scena reale, anziché completare un dipinto basandosi su schizzi in studio. Dopo la chiusura dello studio di Gleyre nel 1864, Monet, Renoir, Sisley e Bazille si trasferirono temporaneamente nella foresta di Fontainebleau, dove si dedicarono alla pittura en plein air.

La foresta di Fontainebleau aveva già attratto altri artisti, tra cui Théodore Rousseau e Jean-François Millet, i quali sottolineavano come l'arte dovesse riflettere la realtà della vita quotidiana.

Lo studio di Gleyre e gli studenti dell'Académie Suisse si ispiravano tutti al celebre artista Édouard Manet , il quale a sua volta seguiva l'esempio del pittore realista Gustave Courbet e raffigurava temi moderni in modo oggettivo. Nell'arte di Manet, i soggetti tradizionali passavano in secondo piano a favore degli eventi e delle circostanze attuali del suo tempo, mentre l'attenzione era focalizzata sulla manipolazione deliberata del colore, del tono e della texture, fine a se stessa per l'artista.

Il motivo divenne un mezzo per composizioni artistiche di campiture di colore piatte e pennellate precise, riducendo al minimo la profondità prospettica. Ciò pose l'attenzione sui motivi superficiali e sulle relazioni all'interno del dipinto, piuttosto che sull'illusorio spazio tridimensionale.

Pissarro e gli artisti più giovani incontrarono Manet e Degas al Café Guerbois intorno al 1866.

La rottura dei tabù da parte degli impressionisti

Non solo la tecnica artistica, ma anche la scelta dei soggetti dei dipinti furono oggetto di critica. Improvvisamente, vennero presentate rappresentazioni realistiche della vita, che al pubblico apparvero inaccurate e superficiali.

Alcuni soggetti erano considerati immorali e scandalosi perché trattavano argomenti tabù, come ad esempio "La colazione sull'erba" del 1863. Gli impressionisti incontrarono scarsa comprensione per il loro stile pittorico tra i collezionisti d'arte e i salotti parigini, il che li spinse a organizzare mostre autonome.

Gustave Courbet presentò le sue opere “Sepoltura a Ornans” (1858) e “Lo studio” (1863) nel suo “Padiglione del Realismo”. Anche le opere di Manet, Whistler, Cézanne e Pissarro non riuscirono a ottenere riconoscimento al Salon. Quando la giuria accettò solo un terzo delle 5.000 opere presentate al Salon nel 1863, ciò provocò un grande clamore e costrinse l'imperatore Napoleone III a intervenire.

Prima dell'inaugurazione, visitò la mostra ed esaminò tutte le opere rifiutate. L'imperatore decretò che agli artisti "rifiutati" dovesse essere dedicata una mostra al Palais de l'Industrie: il Salon des Refusés [Salone dei Rifiutati]. Tuttavia, molti artisti si rifiutarono di partecipare per timore di essere respinti.

Napoleone III attenuò il verdetto della giuria consentendo l'esposizione delle opere respinte. Il presidente della giuria, il conte Nieuwerkerke, le affisse nel Salon des Refusés, sperando nella disapprovazione del pubblico. Circa 40.000 visitatori poterono ammirare, tra le altre opere, "Le Déjeuner sur l'herbe" e "Symphony in White, No. 1: The White Girl" (1861) di James McNeill Whistler, entrambe opere che suscitarono scandalo.

Sebbene non ci furono altre edizioni del Salon des Refusés, questo evento minò significativamente il predominio del Salon e dell'Académie. Negli anni successivi, sempre più artisti si unirono per formare associazioni espositive autogestite (ad esempio, la Société des Artistes Indépendants, fondata nel 1884 e importante per il Neoimpressionismo; il Salon d'Automne, fondato nel 1903 e importante per le prime presentazioni del Fauvismo e del Cubismo).

Dopo diversi anni, gli impressionisti raggiunsero il successo. Le classi intellettuali, in particolare, apprezzarono e acquisirono le opere impressioniste, il che portò alla diffusione capillare dell'impressionismo.

Mostre, gruppi e associazioni importanti

Negli anni Sessanta dell'Ottocento, le opere della maggior parte degli artisti d'avanguardia venivano accettate al Salon , la mostra pubblica annuale patrocinata dallo Stato a Parigi. Tuttavia, verso la fine del decennio, iniziarono a essere regolarmente respinte. Gli artisti si resero conto dell'ingiustizia del sistema di selezione del Salon e degli svantaggi che i dipinti di dimensioni più ridotte, come i loro, subivano alle mostre del Salon.

Era previsto di organizzare una mostra separata, ma la guerra franco-prussiana (1870-71) interruppe questi piani. Frédéric Bazille, che guidava l'iniziativa, fu ucciso in combattimento.

Alla fine del 1873, i colloqui ripresero e venne fondata la Société Anonyme Coopérative d'Artistes-Peintres, Sculpteurs etc. Tra i suoi membri figuravano Monet, Renoir, Sisley, Pissarro, Degas e Morisot, un altro artista d'avanguardia presentato al gruppo da Manet. L'obiettivo del collettivo era quello di organizzare mostre, vendere opere d'arte e pubblicare una rivista.

La Société Anonyme scelse deliberatamente un nome che non rimandasse a una particolare scuola d'arte. Per la sua prima mostra, nel 1874, i soci invitarono un'ampia varietà di artisti provenienti dalla loro cerchia. Sebbene Manet scelse di non partecipare, circa 30 artisti accettarono l'invito, dando vita a una presentazione eterogenea di stili e tecniche diverse.

Alcuni critici lodarono gli sforzi del gruppo per distinguersi dalla corrente principale, ma la maggioranza non fu convinta dalle opere e scrisse critiche severe. Il dipinto di Monet del 1872 "Impressione, sole nascente" valse al gruppo il soprannome dispregiativo di "Impressionisti", coniato dal giornalista Louis Leroy sulla rivista satirica Le Charivari nel 1874.

Dal punto di vista finanziario, la mostra non ebbe successo e alla fine portò allo scioglimento della Société Anonyme.

Negli anni successivi, alcuni degli artisti che fondarono la Société Anonyme tra il 1876 e il 1886 organizzarono altre sette mostre. La partecipazione fu variabile, con alcuni artisti, tra cui Cézanne e Guillaumin, che esitarono fin da subito. Durante la preparazione di ciascuna mostra, sorsero disaccordi tra i gruppi riguardo all'uso del termine "Impressionismo" e alla conseguente unità stilistica, il che portò a discussioni particolarmente accese durante le ultime tre esposizioni.

Nel corso degli anni di mostre, i partecipanti hanno sviluppato uno stile personale e individuale, ma sono tutti accomunati dai principi di libertà dalla tecnologia, da un approccio personale e non convenzionale ai temi e dalla rappresentazione accurata della natura.

Il gruppo degli impressionisti si sciolse all'inizio degli anni 1880, poiché ogni artista perseguì sempre più i propri interessi e principi estetici. Nonostante la loro breve esistenza, gli impressionisti furono all'avanguardia di una rivoluzione nella storia dell'arte , ponendo le basi tecniche per artisti come Cézanne, Gauguin, Georges Seurat e Vincent van Gogh , nonché per il movimento post-impressionista.

L'impressionismo ha offerto agli artisti successivi della pittura occidentale la possibilità di discostarsi dalle tecniche e dagli approcci tradizionali ai soggetti.

Caratteristiche e peculiarità – Come riconoscere i dipinti impressionisti?

Tipiche dell'Impressionismo sono le composizioni aperte e leggere, create attraverso pennellate visibili ma delicate. Particolare importanza è attribuita alla resa accurata della luce nelle sue mutevoli qualità.

Lo stile pittorico impressionista rende la natura comprensibile e afferrabile, ma non con il consueto metodo naturalistico, bensì con una tecnica che sembra dissolvere i contorni.

Impressionismo: colori vibranti

L'impressionismo era caratterizzato da requisiti tecnici quali colori sinteticiconservati in tubetti di latta, cavalletti portatili, tele pretrattate e ombrellini. Questi ultimi servivano non solo a proteggere dalla luce solare, ma anche a preservare la luminosità intrinseca dei colori.

L'invenzione dei colori sintetici permise ai pittori di dipingere direttamente all'aperto. L'impressionismo si caratterizzò soprattutto per i suoi colori brillanti e vivaci .

A differenza del Realismo e della pittura Salon, i colori scuri furono evitati. Al loro posto, si usarono più frequentemente il giallo cromo, i toni arancioni e rosa, il verde e il blu oltremare. Anche la percentuale di biacca, utilizzata per schiarire i colori, aumentò.

Pennellate sciolte e applicazione spontanea della vernice

Lo stile pittorico degli impressionisti è distintivo e spesso riconoscibile per la pennellata. Rispetto alle pennellate morbide e appena percettibili dei dipinti romantici e realisti, gli impressionisti utilizzavano una pennellata più libera e audace .

Spesso utilizzavano pennellate più corte e accostavano colori con sfumature diverse.

Sulla tela, i colori venivano mescolati il ​​meno possibile per il contrasto simultaneo e farli apparire più vibranti. Un'altra tecnica utilizzata dagli artisti impressionisti per enfatizzare la vivacità dei colori era dipingere su una tela bianca.

Composizione dell'immagine e prospettiva

Nell'Impressionismo, la definizione dettagliata di un dipinto non era fondamentale. L'attenzione si concentrava invece su pennellate sciolte e visibili, che offuscavano la chiarezza delle forme.

Ciò consentiva di distinguere gli elementi più importanti da quelli meno importanti, come accadeva nella pittura realista e romantica. I pittori impressionisti abbandonarono anche la prospettiva tridimensionale e la rappresentazione della perfezione e della simmetria che erano state popolari nei periodi precedenti

Per gli artisti dell'Impressionismo la sfida era quella di rappresentare il mondo così come appariva loro realmente.

Essi riconobbero la bellezza nelle imperfezioni e nei cambiamenti momentanei del mondo che ci circonda.
Per perseguire questo approccio, tra i pittori impressionisti si diffuse una nuova pratica: la pittura en plein air, ovvero la pittura all'aperto, sul luogo dell'evento.

Monet e altri artisti scoprirono che dipingendo immersi nella natura circostante, potevano catturare meglio un singolo, imperfetto istante. In questo modo, riuscirono a raggiungere una comprensione più intima del mondo.

Scelta di motivi e temi nei dipinti impressionisti

Oltre alla forma artistica, percepita come rivoluzionaria, lo studio della vita moderna era anche una preoccupazione centrale per gli impressionisti , come aveva a suo tempo auspicato Charles Baudelaire.

La loro gamma tematica comprendeva paesaggi, ritratti, figure umane e nature morte, ed erano uniti non solo dallo stile pittorico, ma anche dal rifiuto di soggetti storici o letterari . Gli artisti si sentivano quindi legati tra loro sotto molti aspetti.

Spesso, le attività ricreative della ricca borghesia, da cui proveniva la maggior parte degli impressionisti, fungevano da soggetto per le loro opere.

Ciò includeva luoghi di intrattenimento, teatri d'opera (con ballerini e palchi), i vivaci viali di Parigi, barche a vela e a remi, nonché vacanze estive sulla terraferma e al mare.

Anche la moda, gli ippodromi, i giardini e i parchi soggetti dei dipinti impressionisti.

Poiché era considerato sconveniente per le donne dell'alta società frequentare i caffè, le pittrici impressioniste si dedicarono principalmente alla sfera domestica e a temi femminili come la maternità e i ritratti di familiari .

influenze giapponesi

Il contenuto dei dipinti impressionisti forse non era rivoluzionario, ma la composizione lo era certamente. I confini tra figure e sfondo si sfumavano, facendo apparire le figure più come parte di un quadro più ampio che come soggetto principale.

Le scene apparivano come catturate in un singolo istante – un'istantanea – e non in posa. Questo approccio innovativo coincise con l'avvento della fotografia e si ispirò alle stampe artistiche giapponesi Ukiyo-e.

Lo stile Ukiyo-e utilizzava scorci e asimmetrie per evocare movimento e azione in una scena. Per gli artisti impressionisti, questa tecnica orientale divenne uno strumento cruciale nella scoperta di un nuovo stile pittorico moderno.

L'impressionismo in Germania

I Macchiaioli furono un gruppo di artisti italiani che si stabilirono in Toscana nella seconda metà del XIX secolo. Attivi più di dieci anni prima degli impressionisti francesi, furono influenzati da diversi pittori dell'Ottocento, come Camille Corot, Gustave Courbet e la Scuola di Barbizon.

Trassero particolare ispirazione dalle visite a Parigi, in particolare dall'Esposizione Universale del 1855. Le loro opere comprendono scene di battaglia del Risorgimento, motivi militari, nonché paesaggi e scene di vita contadina e borghese.

Sono noti soprattutto per i loro piccoli dipinti, simili a schizzi, che hanno valso loro il soprannome di "Macchia" (il termine si riferisce alle composizioni cromatiche abbozzate). Il dipinto di Giovanni Fattori "La Rotonda dei Bagni Palmieri".

Importanti artisti impressionisti italiani:

• Giuseppe Abbati (1836–1868)
• Odoardo Borrani (1833–1905)
• Guglielmo Ciardi (1842-1917)
• Giovanni Fattori (1825–1908)
• Pietro Fragiacomo (1856-1922)
• Eugenio Gignous (1850–1906)
• Silvestro Lega (1826–1895)
• Giuseppe de Nittis (1846–1884)
• Andrea Pavanello (1842–1906)
• Daniele Ranzoni (1843–1889)
• Raffaello Sernesi (1838–1866)
• Telemaco Signorini (1835–1901)

L'impressionismo in Spagna

L'impressionismo, movimento artistico importato dalla Francia, si rifletté in Spagna a partire dal 1880 circa, e soprattutto dal 1900 in poi. Uno dei più importanti rappresentanti dell'impressionismo spagnolo è senza dubbio Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923), originario di Valencia. Le sue opere sono caratterizzate da scene costiere luminose, che catturano momenti spontanei di svago.

Ma non solo Sorolla, bensì anche artisti come Eliseo Meifren y Priog, Santiago Rusigñol y Prat e Joaquín Mir Trixet, contribuirono in modo significativo al fascino dell'Impressionismo spagnolo con i loro dipinti di giardini e scene di genere. La diversità di stili e motivi all'interno di questo movimento riflette la vitalità artistica e la creatività di quest'epoca.

Importanti pittori impressionisti spagnoli:

• Aureliano de Beruete (1845-1912)
• Francisco Domingo (1842-1920)
• Maria Fortuny (1838–1874)
• Francisco Gimeno Arasa (1858-1927)
• Carlos de Haes (1826–1898)
• Joaquim Mir (1873–1940)
• Ignacio Pinazo (1849–1916)
• Dario de Regoyos Valdes (1857-1913)
• Martín Rico y Ortega (1833-1908)
• Joaquín Sorolla (1863-1923)

L'impressionismo in Gran Bretagna

Lo stretto legame tra gli artisti francesi e quelli residenti in Gran Bretagna ha svolto un ruolo cruciale nella diffusione dell'impressionismo francese oltre la Manica. James McNeill Whistler e John Singer Sargent. La loro influenza è stata determinante per lo sviluppo dell'impressionismo britannico.

Un pioniere in questo campo fu il pittore Walter Sickert, che visitò per la prima volta lo studio di Degas nel 1883 e ne trasse grande ispirazione. La fondazione del New English Art Club nel 1885, con la partecipazione di John Singer Sargent, Stanhope Forbes e Thomas Cooper Gotch, fornì una piattaforma ad artisti come Sickert, Philip Wilson Steer, Frederick Brown, Theodore Roussel e Bernhard Sickert per presentare le proprie opere a un pubblico più ampio.

Tuttavia, una controversia sulla direzione del NEAC portò gli "Impressionisti londinesi" ad abbandonare il gruppo e a presentare invece una propria mostra alla Goupil Gallery Questi sviluppi contribuirono in modo significativo all'affermazione e al riconoscimento dell'Impressionismo britannico.

Importanti pittori impressionisti della Gran Bretagna:

• Giorgio Clausen (1852–1944)
• Wynford Dewhurst (1864-1941)
• Augusto Edwin John (1878–1961)
• Henry Herbert La Thangue (1859–1926)
• John Lavery (1856–1941)
• William Orpen (1878–1931)
• William MacTaggart (1835–1910)
• Philip Wilson Steer (1860–1942)
• James Abbott McNeill Whistler (1834–1903)

L'impressionismo in Russia

In Russia, l'impressionismo è associato a una moltitudine di artisti di talento, tra cui nomi famosi come Ilya Repin, Isaac Levitane soprattutto Valentin Serov e Konstantin Korovin. Fu a partire dagli anni Ottanta dell'Ottocento che gli artisti russi, che ampliarono la loro formazione viaggiando in Europa occidentale, in particolare in Italia e Francia – Parigi compresa – iniziarono a essere sempre più affascinati dalle influenze dell'impressionismo.

Questo nuovo movimento artistico era caratterizzato da una sorprendente applicazione del colore e dall'uso di tonalità più chiare. Tuttavia, a differenza di altri paesi, l'Impressionismo in Russia intorno al 1900 era solo uno dei diversi stili possibili. La tradizione della pittura storica e di genere con un approccio realistico-simbolista, così come una rappresentazione lirica dei paesaggi, continuava a essere coltivata.

Tuttavia, soprattutto a partire dal 1890, in Russia si sviluppò un'appassionata passione per i paesaggi rurali baciati dal sole, che avrebbe dovuto contribuire a rafforzare e consolidare l'identità nazionale.

Importanti pittori impressionisti russi:

• Lev Samoilovich Bakst (1866-1924)
• Aleksandr Nikolaevič Benua (1870-1960)
• Konstantin Ivanovic Gorbatov (1876-1945)
• Igor Emmanuilovich Grabar (1871-1960)
• Konstantin Alekseevich Korovin (1861-1939)
• Isacco Il'ic Levitan (1860-1910)
• Vladimir Yegorovich Makovsky (1846–1920)
• Vasilij Grigorevich Perov (1834–1882)
• Vasilij Dmitrievič Polenov (1844–1927)
• Illarion Mikhailovich Pryanishnikov (1840–1894)
• Valentin Aleksandrovic Serov (1865-1911)
• Konstantin Andreevich Somov (1869-1939)
• Vasilij Wassiljewitsch Vereščagin (1842–1904)
• Sergei Arsenevich Vinogradov (1869-1938)

La fine dell'impressionismo

Nel corso del tempo, gli Impressionisti si sforzarono sempre più di realizzare dipinti dal valore duraturo, e artisti come Renoir, Cézanne e i Puntinisti riuscirono a raggiungere questo obiettivo utilizzando varie tecniche. Ciò divenne evidente all'ottava mostra degli Impressionisti nel 1886.

Paul Cézanne si ritirò nel sud della Francia e si dedicò a Montaigne-Sainte-Victoire e a macchie di colore sempre più astratte. Anche Pierre-Auguste Renoir espresse dubbi sull'Impressionismo, stanco di rincorrere attimi fugaci. Anelava a un'arte di qualità duratura ed eterna, che potesse essere nuovamente esposta nei musei.

Ispirato dai grandi maestri italiani e da Jean-Auguste-Dominique Ingres, Renoir rifletté questa influenza nei suoi dipinti neoclassici a partire dal 1887. Un ulteriore sviluppo dell'Impressionismo fu intrapreso da Claude Monet, che iniziò a dipingere serie di opere già nel 1876.

La sua prima opera di questo genere – il dipinto della stazione ferroviaria di St.-Lazare a Parigi – fu presentata già nel 1877 alla terza mostra impressionista. Negli anni Ottanta dell'Ottocento intraprese numerosi viaggi e sviluppò ulteriormente il concetto di pittura seriale, che dimostrò nei primi anni Novanta dell'Ottocento a Giverny e con i suoi dipinti della facciata della Cattedrale di Rouen.

Cosa è rimasto? L'eredità degli impressionisti

Nel mondo occidentale, le reazioni, le critiche e le reinterpretazioni dell'Impressionismo hanno influenzato in modo significativo molti movimenti artistici moderni. L'ethos dell'Impressionismo non ha solo plasmato le arti visive, ma ha avuto anche un impatto duraturo sulla musica e sulla letteratura.

In musica, si cercò di creare atmosfere o stati d'animo, un'abitudine particolarmente diffusa nella Francia di fine Ottocento. Scrittori e poeti francesi, a loro volta, riflettevano l'Impressionismo attraverso variazioni sintattiche e prose frammentarie.

Oggi, le opere degli artisti impressionisti sono molto ricercate sul mercato dell'arte, suscitando notevole interesse da parte di collezionisti privati ​​e istituzioni pubbliche. Sotheby's ha venduto *Meules* di Monet per 110,8 milioni di dollari, stabilendo un nuovo record per l'artista. Nello stesso anno, il Musée d'Orsay di Parigi ha ospitato una retrospettiva delle opere di Berthe Morisot, una delle principali pittrici impressioniste.

Opere impressioniste possono essere ammirate in numerose e rinomate istituzioni pubbliche di tutto il mondo, tra cui il Musée Marmottan Monet di Parigi, il Metropolitan Museum of Art di New York, la National Gallery di Londra, il Musée d'Orsay di Parigi, il Museum of Fine Arts di Boston e il Museo Statale dell'Ermitage di San Pietroburgo.

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Dotato di ampie illustrazioni, il libro presenta opere di Manet, Monet, Renoir e altri importanti impressionisti, corredate da dettagli biografici e contesto storico.

“Pittura impressionista. 1860-1920”, di Ingo F. Walther

Sebbene l'Impressionismo sia un movimento artistico diffuso che ha prodotto numerose opere, molti aspetti rimangono inesplorati. Questo libro è dedicato proprio a queste aree inesplorate, concentrandosi su artisti trascurati come Berthe Morisot, Lucien Pissarro e Gustave Caillebotte.

Inoltre, getta luce sulla pittura impressionista oltre i confini francesi, offrendo una visione completa di questo genere artistico. Con analisi approfondite e nuove scoperte, quest'opera colma un'importante lacuna nella ricerca impressionista e invita il lettore a scoprire la diversità e la bellezza di questo movimento artistico in un modo completamente nuovo.

“Impressionismo” di Karin H. Grimme

Questo affascinante sguardo al mondo dell'Impressionismo ci immerge nei capolavori di alcuni degli artisti più importanti del loro tempo. Accanto a figure di fama mondiale come Edgar Degas, Claude Monet, Auguste Renoir, Berthe Morisot e Camille Pissarro, anche artisti meno noti ma altrettanto talentuosi sono al centro dell'attenzione.

Personalità come Marie Bracquemond, Medardo Rosso e Fritz von Uhde meritano senza dubbio di essere riconosciute per il loro lavoro.

Dal suo lancio nel 1985, la collana Basic Art è diventata una risorsa indispensabile per gli amanti dell'arte e i creativi di tutto il mondo. Con contenuti eccezionali e un'ampia gamma di artisti, si è affermata come la collana di libri d'arte più venduta di tutti i tempi.

“Impressionismo: la collezione Hasso Plattner” di Ortrud Westheider

Non esiste una collezione paragonabile che possa presentare la pittura paesaggistica impressionista in modo così completo e convincente nel suo sviluppo e nella sua iconografia come quella raccolta da Hasso Plattner negli ultimi decenni. Gli oltre 100 dipinti sono ora esposti in modo permanente al Museo Barberini di Potsdam, da lui fondato.

Ortrud Westheider, direttrice del Museo Barberini, utilizza questa collezione per guidare il pubblico attraverso la storia dell'impressionismo francese.