Pablo Picasso: Maestro del Cubismo – Biografia, opere e vita

Pablo Picasso (1881–1973) è stato un artista spagnolonoto per i suoi dipinti, le sue opere grafiche e le sue sculture.

L' artista andaluso è considerato uno dei più importanti artisti del XX secolo e ha creato un totale di circa 50.000 opere d'arte (di cui oltre 15.000 dipinti).

Picasso nacque a Malaga , figlio del pittore José Ruiz Blasco e di sua moglie Maria Picasso y Lopez. Dal 1901 in poi, adottò il cognome della madre, essendo lei italiana, come nome d'arte. Gli piaceva particolarmente questo nome per via dei due suoni "S"; gli sembrava armonioso.

Considerando la diversità delle espressioni artistiche presenti nell'opera di Picasso, diventa subito evidente che il pittore spagnolo era un artista straordinario.

Nonostante la vastità della sua opera complessiva, Picasso non ha mai lesinato sulla meticolosità in nessuna singola opera: per il dipinto "Les Demoiselles d'Avignon" (marzo-luglio 1907 al MoMA), realizzò ben 809 studi preliminari. Quest'opera, tuttavia, è davvero speciale ed è considerata anche un'opera chiave del Modernismo classico

Questo articolo offre una panoramica della vita turbolenta di Picasso, della sua opera artistica e della sua biografia. Immergiamoci insieme nel mondo di uno degli artisti più importanti di tutti i tempi.

Profilo e breve biografia

Profilo – Fatti chiave

I fatti più importanti sull'artista oggi celebrato in tutto il mondo:

Breve biografia

Pablo Ruiz nacque il 25 ottobre 1881 a Malaga, figlio di un insegnante d'arte. In seguito adottò il cognome della madre, Picasso, e crebbe a Barcellona, ​​dove mostrò il suo talento artistico fin da piccolo.

All'età di 14 anni fu ammesso all'Accademia La Llotja di Barcellona, ​​dove suo padre lavorò in seguito come insegnante di disegno. Pablo Picasso studiò anche brevemente alla Reale Accademia di San Fernando a Madrid.

Agli inizi del XX secolo si spostò tra la Francia e la Spagna prima di stabilirsi definitivamente a Parigi nel 1904. Nella città dell'amore sperimentò stili diversi e sviluppò opere proprie e distintive.

Il mercante d'arte Ambroise Vollard organizzò una mostra di opere dell'artista spagnolo nella sua galleria parigina. Queste opere sono oggi note come il Periodo Blu . Durante questo periodo, Picasso realizzò principalmente dipinti malinconici, le cui intense tonalità di blu diedero il nome a questa fase artistica. Il Periodo Rosa , invece, che durò dal 1905 al 1907, è caratterizzato da un'atmosfera molto più allegra e comprende temi legati al mondo del circo.

Nel 1907, Picasso dipinse l'opera rivoluzionaria "Les Demoiselles d'Avignon", che introdusse un nuovo stile: il Cubismo.

I mesi successivi furono caratterizzati da un'intensa collaborazione con il suo stretto collaboratore Georges Braque, che condivideva l'ammirazione di Picasso per l'arte di Paul Cézanne. Insieme svilupparono il Cubismo analitico, in cui colori e forme sono scomposti in frammenti geometrici.

Un'altra innovazione rivoluzionaria di Picasso fu l'introduzione del collage, con cui integrò nei suoi dipinti materiali come pezzi di stoffa, giornali o pubblicità. Da quel momento in poi, Picasso cambiò spesso stile e sperimentò con la pittura, la scultura e elementi surrealisti.

Pablo Picasso conobbe la graziosa Olga Khokhlova mentre lavorava alle scenografie e ai costumi per i Balletti Russi. Dal 1917 in poi, lei fu la sua modella e in seguito sua moglie. L'anno precedente, aveva già disegnato i costumi e le scenografie per un altro balletto.

Pablo Picasso attraversò una fase stilisticamente eterogenea, ispirandosi al Cubismo, alla tradizione classica e a motivi classici. Sebbene abbia partecipato a un'importante mostra surrealista nel 1925, non è considerato parte del movimento, poiché traeva ispirazione principalmente dall'ambiente reale che lo circondava. I suoi dipinti, quindi, non riflettono i mondi onirici e i regni diffusi del subconscio tipici del Surrealismo.

Dal 1934 in poi, Picasso esplorò ripetutamente il tema della corrida e nel 1937 creò l'importante dipinto Guernica, che critica la guerra. Quest'opera è oggi considerata un'opera chiave dell'arte del XX secolo, ispirata alla distruzione di una città spagnola da parte dei bombardamenti tedeschi durante la guerra civile spagnola.

Sostenitore del governo repubblicano, Picasso combatté contro il generale Francisco Franco e non fece mai più ritorno in Spagna dopo la vittoria.

Dal 1943 in poi, il pittore spagnolo ebbe una relazione con l'artista francese Françoise Gilot .

Negli anni successivi, Picasso utilizzò la litografia come tecnica grafica preferita e sperimentò anche vetrate e ceramiche. La sua seconda moglie, Jacqueline Roque, divenne la sua modella più frequentemente ritratta.

A differenza di molti altri artisti, Pablo rimase a Parigi durante l'occupazione tedesca. Dal 1946 fino alla sua morte, avvenuta nel 1973, visse principalmente nel sud della Francia, dove continuò a realizzare una vasta gamma di opere, tra cui dipinti, sculture, incisioni e ceramiche.

Pablo Ruiz y Picasso fu colpito da un infarto a Mougins, vicino a Cannes, nel 1973, a seguito del quale presumibilmente morì (altre fonti indicano un'embolia polmonare come causa del decesso). La sua eredità vive nel Museo Picasso di Barcellona, ​​fondato nel 1963, che gestisce la maggior parte del suo patrimonio. Inoltre, il Musée Picasso di Parigi è stato inaugurato postumo nel 1985

Nel corso della sua vita, l'appassionato pittore ebbe diverse relazioni con donne che spesso fungevano sia da muse artistiche che da amanti. Fu padre di quattro figli.

Pablo Picasso – Vita e opere in dettaglio

1881-1896: Infanzia e primi anni

L'artista del secolo proveniva da una famiglia in cui il padre, José Ruiz Blasco, era professore d'arte e la madre si chiamava Maria Picasso López.

Già all'età di 10 anni, dimostrò un talento eccezionale per il disegno e divenne allievo del padre dopo il trasferimento della famiglia a La Coruña nel 1891. Da quel momento in poi, iniziò a sperimentare con ciò che aveva appreso e a sviluppare nuove forme di espressione.

La sua abilità superò rapidamente quella del padre grazie al suo approccio esplorativo. A La Coruña, il padre lo sostenne nell'esposizione delle sue prime opere quando Pablo aveva solo 13 anni, a testimonianza del suo talento e del suo successo.

Nell'autunno del 1895, la famiglia si trasferì a Barcellona e Pablo si iscrisse all'accademia d'arte locale (La Llotja), dove suo padre lavorava come professore di disegno. La famiglia nutriva grandi speranze che il figlio avrebbe avuto successo come pittore accademico.

1897-1898: Primi riconoscimenti e ulteriore formazione artistica a Madrid

Nel 1897, la futura fama di Pablo in Spagna sembrava ormai assicurata: il suo dipinto "Scienza e Carità" , per il quale suo padre aveva posato come modello, ricevette una menzione d'onore alla Mostra di Belle Arti di Madrid

La giovane capitale spagnola sembrava essere la prossima tappa per l'artista emergente Pablo Ruiz, che aspirava al riconoscimento e voleva soddisfare le aspettative della sua famiglia.

Nell'autunno del 1897, partì per Madrid e si iscrisse alla prestigiosa Accademia Reale di San Fernando . Tuttavia, trovò l'insegnamento improduttivo e dedicò sempre più tempo all'osservazione della vita intorno a sé: nei caffè, per strada, nei bordelli e soprattutto al Museo del Prado , dove scoprì la pittura spagnola

Scrisse con entusiasmo:

Il museo d'arte è bellissimo. Velázquez è di prim'ordine; El Greco ha creato delle teste magnifiche, ma Murillo non mi convince con tutte le sue opere

Le opere di questi celebri maestri, così come di altri, ispirarono Picasso in diversi momenti della sua lunga carriera. Ad esempio, nel 1898 al Prado copiò opere di Goya (un ritratto del torero Pepe Illo e un disegno per uno dei Caprichos raffigurante una Celestina [una mezzana] che controlla le calze di una giovane Maja).

Questi personaggi riappaiono più tardi nelle opere tarde di Pablo Picasso: Pepe Illo appare in una serie di acqueforti (1957) e Celestina diventa una sorta di autoritratto voyeuristico, in particolare nella serie di acqueforti nota come Suite 347 (1968).

Il pittore si ammalò nella primavera del 1898 e trascorse la maggior parte del resto dell'anno in convalescenza nel villaggio catalano di Horta de Ebro, accompagnato dall'amico Manuel Pallarès di Barcellona.

1899-1901: Influenzato dall'ambiente artistico di Barcellona

Quando Picasso tornò a Barcellona , la sua vita era cambiata radicalmente: era diventato più forte, aveva imparato a vivere da solo in campagna e ora parlava catalano. Ma soprattutto, aveva deciso di lasciare la scuola d'arte e di rifiutare i progetti che la sua famiglia aveva per il suo futuro.

Preferiva addirittura il cognome della madre e firmava solitamente le sue opere con P.R. Picasso. Alla fine del 1901, aveva già abbandonato completamente il cognome Ruiz.

A Barcellona frequentò una cerchia di artisti e scrittori catalaniche concentravano la loro attenzione su Parigi.

Questi erano i suoi amici del Café Els Quatre Gats ("I Quattro Gatti"), che prendeva il nome dal Chat Noir ("Gatto Nero") parigino. Picasso tenne lì la sua prima mostra a Barcellona nel febbraio del 1900, e ne seguirono altre, con oltre 50 ritratti (realizzati con diverse tecniche).

Inoltre, era presente un dipinto cupo e suggestivo in "modernista"intitolato "Ultimi momenti" (successivamente ricoperto da un altro strato di pittura), che raffigurava un prete in visita al capezzale di una donna morente.

Quest'opera fu accettata per il contributo spagnolo all'Esposizione Universale di Parigi. Desideroso di vedere di persona la propria opera e di vivere Parigi in prima persona, Pablo Picasso, insieme al suo collega di studio, il catalano Carlos Casagemas (1880-1901), si mise in viaggio – almeno per conquistare una parte di Montmartre, se non tutta Parigi.

1900-1901: La scoperta di Parigi e la perdita di un amico fedele

Una delle scoperte artistiche più significative fatte da Picasso durante il suo viaggio a Parigi (ottobre-dicembre) fu l' uso di colori vivaci . Non si trattava dei colori spenti della tavolozza spagnola o del nero dei foulard delle donne spagnole, bensì di tonalità brillanti, come quelle che si ritrovavano nelle opere di Vincent van Gogh , o nelle nuove mode e in una città che celebrava l'Esposizione Universale

Utilizzando diverse tecniche come carboncino, pastelli, acquerello e olio, Picasso immortalò la vita parigina ( Gli amanti in strada , 1900). Nell'opera "Moulin de la Galette" (1900), rese omaggio ad artisti francesi come Henri de Toulouse-Lautrec , nonché all'artista svizzero Théophile Alexandre Steinlen e al suo connazionale catalano Ramon Casas

Dopo un breve periodo di soli due mesi, accompagnò Casagemas, disperato per la fine di una relazione amorosa, nel suo ritorno in Spagna. A Malaga, Picasso cercò invano di risollevare il morale dell'amico e alla fine decise di proseguire per Madrid. Lì trovò un impiego come redattore artistico presso la neonata rivista "Arte Joven".

Casagemas tornò a Parigi, tentò di sparare alla donna che amava, poi puntò la pistola contro se stesso e morì. Le conseguenze per Pablo furono significative: non si trattava solo della perdita del suo fedele amico e del possibile senso di colpa per averlo abbandonato.

Ancora più importante fu il fatto che egli trasse ispirazione da questa esperienza emotiva e dal materiale raccolto, che avrebbe prodotto la potente espressività delle opere del suo cosiddetto Periodo Blu.

Alcuni mesi dopo, nel 1901, Picasso dipinse due ritratti del defunto Casagemas, oltre a due scene di lutto e un incantesimo. Nel 1903, lo stesso Casagemas fu raffigurato come artista nel misterioso dipinto "La Vie" .

1901-1904: Il periodo blu di Pablo Picasso

iniziò Periodo Blu , durante il quale Pablo Picasso conobbe altri artisti con i quali discusse del loro lavoro. Già all'epoca viveva a Montmartre, a Parigi, e si circondò di poeti, pittori e scrittori, tra cui Max Jacob e Juan Gris (un importante rappresentante del Cubismo insieme a Georges Braque), nonché di Guillaume Apollinaire, Gertrude Stein e Henri Matisse.

Tra il 1901 e la metà del 1904, Picasso si spostò tra Barcellona e Parigi. In questo periodo, il blu era il colore dominante nei suoi dipinti. Trasportava i materiali per le sue opere da un luogo all'altro.

Un esempio di ciò sono le sue visite al carcere femminile di Saint-Lazare a Parigi tra il 1901 e il 1902, che gli fornirono modelle gratuite e soggetti affascinanti (La zuppa, 1902).

Le sue raffigurazioni dei senzatetto di Barcellona riflettevano queste visite: mendicanti ciechi o solitari e naufraghi negli anni 1902-1903 (Donna accovacciata, 1902; Pasto del cieco, 1903; Vecchio ebreo e ragazzo, 1903).

anche maternità , poiché alle donne era permesso tenere con sé in prigione i figli che allattavano. Nella sua ricerca di spunti per esprimere temi tradizionali della storia dell'arte in chiave contemporanea, si ispirò proprio a questo (il permesso concesso alle donne di tenere con sé i figli che allattavano in prigione).

1904-1906: Trasferimento a Parigi e periodo rosa

Nella primavera del 1904 Pablo Picasso prese finalmente la decisione di trasferirsi definitivamente a Parigi e la sua opera riflette un cambiamento di mentalità e, in particolare, una reazione a diverse correnti intellettuali e artistiche.

Il circo itinerante e le acrobazie divennero un tema che condivise con un nuovo e importante amico, Guillaume Apollinaire. Sia per il poeta che per il pittore, questi artisti itineranti senza radici ("Ragazza in equilibrio su una palla", 1905; "L'attore", 1905) divennero una sorta di allusione alla posizione dell'artista nella società moderna.

Picasso espresse esplicitamente questa identificazione ne "La famiglia dei saltimbanchi" (1905), dove assume il ruolo di Arlecchino e Apollinaire quello dell'uomo forte (secondo il loro amico comune, lo scrittore André Salmon).

Anche la vita personale di Picasso cambiò quando Fernande Olivier divenne la sua amante alla fine del 1904. La sua presenza ispirò molte opere negli anni precedenti al Cubismo, in particolare durante il suo viaggio a Gosol nel 1906 (Donna con pagnotte di pane).

Sorprendentemente, il colore non fu mai una cosa facile per questo talentuoso pittore, e così tornò a una tavolozza generalmente più spagnola (vale a dire monocromatica).

Nel periodo rosa, dalla fine del 1904 al 1906, le tonalità del Periodo Blu furono sostituite da quelle della ceramica, della carne e della terra stessa (L'harem, 1906). Picasso sembra aver lavorato con il colore per avvicinarsi alla forma scultorea, in particolare nel 1906 (Due nudi; La toilette).

Il suo ritratto di Gertrude Stein (1906) e un autoritratto con tavolozza (1906) mostrano questa evoluzione, così come l'influenza della sua scoperta della scultura arcaica iberica.

1906-1909: Molto clamore su Les Demoiselles d'Avignon

Nel 1906, Pablo Picasso iniziò a lavorare a un'opera controversa intitolata "Les Demoiselles d'Avignon",caratterizzata dalla rappresentazione violenta del corpo femminile e dalla pittura dei volti simile a maschere. Pur affondando le sue radici nella tradizione storico-artistica, fu percepita come un attacco diretto, poiché le donne raffigurate erano prostitute e sfidavano le convenzioni.

Picasso tenne il dipinto lontano dagli occhi del pubblico per diversi anni, nonostante avesse già dei collezionisti. Nel 1908, sostituì le strisce di ispirazione africana e le teste simili a maschere con una nuova tecnica, elementi delle opere di Cézanne avevano integrato nel dipinto.

In particolare, i dipinti di Picasso del 1909 mostravano la bidimensionalità e le pennellate caratteristiche che aveva individuato nell'opera di Cézanne. le nature morte divennero un tema importante per Picasso, ispirato da Cézanne. Tra le teste cubiste di Fernande si annoverano la scultura "Testa di donna" (1909) e diversi dipinti correlati, come "Donna con pere" (1909).

1909-1912: L'invenzione del cubismo

Picasso e Braque lavorarono a stretto contatto negli anni successivi (1909-1912): questa fu l'unica occasione in cui Picasso collaborò in questo modo con un altro artista.

Insieme svilupparono quello che è noto come Cubismo analitico . I primi dipinti cubisti venivano spesso fraintesi da critici e spettatori, poiché erano considerati semplicemente arte geometrica

Gli stessi pittori, tuttavia, erano convinti che le loro opere rappresentassero una nuova forma di realtà , diversa dallo stile tradizionale rinascimentale , soprattutto per la rinuncia alla prospettiva e alle illusioni.

Ad esempio, sulle loro tele mostravano simultaneamente diverse viste di un oggetto, per trasmettere più informazioni di quante sarebbero state possibili in un'unica rappresentazione limitata e illusoria.

Per Kahnweiler – gallerista, storico dell'arte e studioso franco-tedesco vissuto all'epoca di Picasso – il Cubismo era un metodo per aprire le forme chiuse. Invece di imitare illusionisticamente gli oggetti, questi venivano "riprodotti".

Apollinaire paragonò questo processo analitico di frammentazione di oggetti, spazio, luce e ombra e colore a una dissezione chirurgica.

Picasso applicò questo tipo di analisi a partire dal 1909, in particolare nei paesaggidipinti durante un viaggio in Spagna nell'estate di quell'anno (Fabbrica a Horta de Ebro). Seguì una serie di ritratti ermetici nel 1910 (Ambroise Vollard; Daniel-Henry Kahnweiler); nei suoi dipinti del 1911-1912, le figure sono spesso sedute davanti a strumenti musicali (Il fisarmonicista, 1911).

Qui, l'artista fonde figure, oggetti e spazio in modo irrequieto. La tavolozza è ancora una volta limitata a toni monocromatici di ocra, marrone e grigio.

Picasso, come molti dei suoi amici ormai leggendari, viveva all'epoca nella residenza per artisti Bateau-Lavoir ; c'era molto fermento: il banchetto che Picasso aveva organizzato per Henri Rousseau fece parlare di sé per molto tempo, e Picasso e Apollinaire furono accusati di aver rubato la Gioconda

Né Braque né Picasso intendevano abbracciare appieno l'astrazione nelle loro opere cubiste. Tuttavia, accettarono tacitamente incongruenze come punti di vista, assi e fonti di luce diversi all'interno della stessa immagine. Inoltre, la combinazione di elementi astratti e figurativi sullo stesso piano portò entrambi gli artisti a riesaminare il significato di elementi bidimensionali come le didascalie dei giornali.

Un esempio di ciò è il titolo della canzone "Ma Jolie",che potrebbe riferirsi a eventi esterni al dipinto o a elementi compositivi interni al dipinto stesso. L'inclusione del testo creava la forte impressione che i dipinti cubisti potessero essere letti dalla superficie pittorica piuttosto che (come avviene tradizionalmente) immergendosi in essi.

Inoltre, la manipolazione della forma dell'immagine da parte dei cubisti, ad esempio mediante l'uso di un ovale, ridefinì il bordo dell'opera d'arte e sottolineò che in un dipinto cubista la tela rappresenta lo spazio reale.

le opere di Picasso ottennero gradualmente riconoscimento internazionale; attirarono l'attenzione in Germania nel 1910 e negli Stati Uniti nel 1911. Dopo un periodo di inattività artistica durante la prima guerra mondiale, si imbarcò in un'avventura – sia artistica che non – nel mondo del balletto, che culminò nel suo matrimonio, momento in cui abbandonò il suo stile di vita bohémien.

1912-1915: Cubismo sintetico – La nascita del collage

Dal 1912 in poi, Picasso e Braque iniziarono ad applicare vera carta (papier collé) e altri materiali (collage) alle loro tele.

In tal modo, svilupparono ulteriormente il concetto cubista di opera d'arte come oggetto indipendente e costruito. Durante la fase sintetica , dal 1912 al 1914, furono reintrodotti i colori, mentre si faceva spesso uso di materiali industriali come la sabbia o la carta da parati stampata.

Le nature morte e, occasionalmente, i volti erano i motivi principali di entrambi gli artisti. Nelle opere di Picasso, vari riferimenti si fondono nelle sue composizioni sintetiche: curveche alludono sia alle chitarre che alle orecchie.

Ciò introduce un elemento ludico nelle sue opere, caratteristico di molte di esse (ad esempio, "Studente con la pipa", 1913). Questi riferimenti suggeriscono che una cosa si trasforma in un'altra.

Un esempio di ciò è l'opera "Bicchiere di assenzio" (1914; sei versioni). Essa consiste in parte di una scultura (fusione in bronzo), in parte di un collage (un vero setaccio per zucchero in argento è saldato sulla parte superiore) e in parte di un dipinto (pennellate neoimpressioniste ricoprono le aree bianche).

Ma quest'opera non è né scultura, né collage, né pittura; presenta strati che rimandano alla bidimensionalità, anche se l'oggetto è in realtà tridimensionale. L'opera d'arte si muove quindi tra realtà e illusione.

Nel 1915, la vita di Picasso prese nuovamente una svolta decisiva, e con essa la direzione della sua arte. Alla fine dell'anno, la sua amata Eva morì, e il dipinto "Arlecchino" (1915), al quale aveva lavorato durante la sua malattia, testimonia il suo dolore. Raffigura un artista metà Arlecchino e metà Pierrot davanti a un cavalletto con una tela incompiuta su uno sfondo nero.

1915-1917: Prima guerra mondiale, avanguardia e parata

La cerchia che gravitava attorno al cubista fu sconvolta dalla Prima Guerra Mondiale. Mentre Apollinaire, Braque e altri partirono per il fronte, la maggior parte dei connazionali spagnoli di Picasso fece ritorno in patria, in un paese neutrale. Picasso rimase in Francia e nel 1916 strinse amicizia con il compositore Erik Satie, entrando così a far parte di un nuovo circolo d'avanguardia che rimase attivo anche durante la guerra.

Il giovane poeta Jean Cocteau si autoproclamò leader di questo gruppo di talentuosi frequentatori del Café de la Rotonde . L'idea di Cocteau di mettere in scena uno spettacolo teatrale in tempo di guerra, in collaborazione con i Ballets Russes di Serge Diaghilev, portò alla creazione di "Parade", un'opera che narra di uno spettacolo circense con immagini del nuovo secolo, come grattacieli e aeroplani.

Per la musica, Cocteau si rivolse a Satie, e per le scenografie e i costumi a Picasso. I lavori iniziarono nel 1917 e, sebbene Picasso non amasse viaggiare, accettò di recarsi a Roma con Cocteau per raggiungere Diaghilev e il coreografo Léonide Massine.

Fu in quest'occasione che Picasso conobbe la sua futura moglie, Olga Khokhlova, tra le ballerine. "Parade" debuttò nel maggio del 1917 al Théâtre du Châtelet di Parigi e fu interpretata come un tentativo di minare la solidarietà della cultura francese.

Satie sembrava essere il bersaglio principale degli insulti, in parte a causa dell'inclusione di eliche di aerei e macchine da scrivere nella partitura. Picasso disarmò il pubblico con il contrasto tra il sipario fondamentalmente realistico e le impressionanti costruzioni cubiste sintetiche dei personaggi del balletto, in particolare del direttore del baraccone.

1917-1924: Il nuovo mediterraneismo

I dipinti e i disegni di Picasso risalenti alla tarda adolescenza appaiono spesso sorprendentemente realistici se confrontati con le sue prime opere cubiste, talvolta create in parallelo (come "Passeig de Colom", 1917).

In seguito ai suoi viaggi in Italia e al suo ritorno a Barcellona nel 1917, un nuovo spirito mediterraneo emerse nella sua opera , in particolare attraverso l'uso di forme e tecniche di disegno classiche.

Questa influenza fu rafforzata dal suo consapevole confronto con J.-A.-D. Ingres (ad esempio, nei ritratti a matita di Max Jacob e Ambroise Vollard realizzati da Picasso ), nonché con il compianto Pierre-Auguste Renoir . Persino le sue opere cubiste ne risentirono.

Divenne un pittore affermato, rappresentato in tutto il mondo da due mercanti d'arte dal 1918 in poi. In quell'anno, Picasso ruppe definitivamente con i cubisti, sperimentando vari stili fino al 1924.

Attraverso una rappresentazione più precisa di superfici, forme e colori, l'artista conferì ai suoi dipinti cubisti un'espressione classica. Ciò è chiaramente visibile nella natura morta "San Raffaello" (1919) o nelle due versioni de "I tre musicisti" (1921).

L'unico figlio di Picasso con Olga, Paulo, nacque nel 1921. Grazie alla sua ritrovata fama di beniamino della società, Picasso continuò la sua collaborazione con i Ballets Russes. In questo periodo, Picasso disegnò i costumi per Il cappello a tre punte di Manuel de Falla (1919), Pulcinella di Igor Stravinsky (1920), Cuadro Flamenco di de Falla (1921) e il balletto Mercure in Soirées de Paris Kompanie di Satie (1924).

André Breton descrisse i disegni di Picasso per questo balletto come "tragici giocattoli per adulti" creati nello spirito del Surrealismo

1924-1935: Influenze surrealiste

Sebbene Picasso non sia mai diventato un membro ufficiale del gruppo, ebbe stretti legami con il più importante movimento letterario e artistico tra le due guerre mondiali, il Surrealismo. L'establishment surrealista, incluso il suo principale propagandista André Breton, lo rivendicò come uno dei suoi, e l'arte di Picasso acquisì una nuova dimensione grazie al contatto con i suoi amici surrealisti, soprattutto gli scrittori.

Molti elementi approvati dall'ambiente ufficiale erano già radicati nell'opera di Picasso fin da Les Demoiselles. La creazione di mostri, ad esempio, poteva certamente essere percepita nelle inquietanti giustapposizioni e nei contorni frammentati della figura umana nelle opere cubiste; Breton indicò in particolare La strana donna in camicia (1913).

Inoltre, l'idea di fondo del Cubismo sintetico, quella di leggere una cosa per un'altra, sembrava allinearsi con l'immaginario onirico dei Surrealisti.

Ciò che Picasso apprese dal movimento surrealista furono nuovi temi – soprattutto erotici – nonché un'intensificazione degli elementi inquietantigià presenti nella sua opera.

Le numerose variazioni sul tema delle bagnanti, con le loro forme apertamente sessuali e distorte (serie Dinard, 1929), dimostrano chiaramente l'influenza del Surrealismo. In altre opere, l'effetto della distorsione sulle emozioni dello spettatore può essere interpretato anche come appagante, il che corrisponde agli obiettivi psicologici del Surrealismo. I disegni e i dipinti della Crocifissione (1930-35) ne sono un buon esempio.

Negli anni Trenta, Picasso, come molti artisti surrealisti, giocò spesso con l'idea di metamorfosi. Ad esempio, l'immagine del Minotauro, il mostro della mitologia greca – metà toro e metà uomo – tradizionalmente visto come l'incarnazione della lotta tra uomo e bestia, diventa nell'opera di Picasso non solo un'allusione a quest'idea, ma anche una sorta di autoritratto.

In questo periodo, anche il suo matrimonio iniziò a vacillare; Picasso a volte aveva due amanti contemporaneamente, le quali, a suo parere, "avrebbero dovuto risolvere la loro rivalità tra di loro".in quel periodo legame tra sessualità e creatività artistica: un tema che lo avrebbe occupato fino alla fine della sua vita.

Infine, Picasso trovò la sua personale e singolare forma di Surrealismo, che espresse principalmente attraverso la poesia . Nel 1935 iniziò a scrivere poesie e, nell'arco di un anno, dal febbraio 1935 alla primavera del 1936, abbandonò praticamente la pittura.

Le sue raccolte di poesie furono pubblicate sia su Cahiers d'Art (1935) che su La Gaceta de Arte (1936 a Tenerife). Qualche anno dopo, scrisse l'opera teatrale surrealista “Le Désir attrapé par la queue” (1941; Desiderio intrappolato dalla coda).

Prima, però, venne la guerra civile spagnola (1936-1939), che scosse profondamente Picasso e che diede origine al celebre dipinto Guernica .

Subito dopo scoppiò la Seconda Guerra Mondiale; durante questo periodo Picasso rimase a Parigi. Nel 1945, l'isolamento terminò e Picasso si trasferì nel sud della Francia, dove realizzò le sue ultime opere in vari luoghi.

Questo include anche la colomba della pace , che tutti conosciamo e che lui disegnò nel 1949 per un manifesto del Congresso Mondiale per la Pace di Parigi.

Opere di Pablo Picasso nella nostra galleria online:

Una retrospettiva completa dell'opera del maestro cubista:

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Elenco delle fonti e bibliografia

libri

• Karmel, Pepe: Picasso e l'invenzione del cubismo. New Haven: Yale University Press, 2003.
• Léal, Brigitte, Christine Piot e Marie-Laure Bernadac: The Ultimate Picasso. New York: Abrams, 2003.
• Olivier, Fernande: Amare Picasso. Il diario privato di Fernande Olivier. A cura di Marilyn McCully. New York: Abrams, 2001.
• Richardson, John: Una vita di Picasso. 2 voll. . New York: Random House, 1991-96.

Internet

• Britannica: Pablo Picasso, https://www.britannica.com/biography/Pablo-Picasso/Cubism
• James Voorhies: Pablo Picasso (1881–1973), Dipartimento di pittura europea, The Metropolitan Museum of Art, https://www.metmuseum.org/toah/hd/pica/hd_pica.htm
• NEUMEISTER – Casa d'aste d'arte di Monaco: Pablo Picasso, https://www.neumeister.com/kunstwerksuche/kuenstler/3729/0/