Arte – Definizione e significato – Cos’è l’arte? Il concetto di arte e il suo scopo nella società

Un saggio su estetica, teoria dell'arte, codici giuridici e rivoluzione dell'intelligenza artificiale.

Chiunque abbia mai vagato senza meta per gli imponenti corridoi di un grande museo conosce fin troppo bene questo momento. Ci si ferma di colpo, lo sguardo si posa su un oggetto – che sia un dipinto di grandi dimensioni, una scultura elaborata o magari un semplice oggetto di uso quotidiano apparentemente banale – e inevitabilmente sorge spontanea la domanda: è arte? O è piuttosto kitsch?

Quando si riflette sul significato più profondo di un'opera d'arte, è facile per gli spettatori perdere di vista il soggetto principale. Anche la semplice osservazione di un singolo dipinto può risultare travolgente, soprattutto se si dedica troppo tempo ed energie ad approfondire la storia nascosta dietro l'opera e la biografia dell'artista. L'arte spesso presenta una tale moltitudine di dettagli che richiedono costantemente attenzione e il cui significato complesso necessita di essere esplorato.

Quando ci si confronta seriamente con questo vasto, e a volte intimidatorio, campo per la prima volta, i pensieri di solito ruotano attorno a domande fondamentali:

• Che cosa si intende esattamente con il termine "arte"?
• È arte? O è kitsch?
• Quali sono i diversi tipi di arte?
• In definitiva, qual è il loro significato più profondo nella nostra società?
• Cos'è arte e cosa non lo è? Dove si trova il confine invisibile, spesso oggetto di accesi dibattiti, tra ciò che è arte e ciò che non dovrebbe essere considerato tale?

Quando si sente la parola "arte", si pensa istintivamente a dipinti e disegni, che appartengono alle belle arti. A queste rientrano anche la fotografia, la scultura, l'architettura e l'artigianato. Il teatro, la danza e il cinema, a loro volta, fanno parte delle arti performative. Anche la musica e la letteratura rientrano nel campo dell'arte

Oltre alle cosiddette belle arti e alle relative considerazioni storico-culturali, esistono anche livelli di riflessione giuridici e filosofici, che analizzeremo nel corso di questo articolo.

Questi interrogativi e tentativi di classificazione sono centrali anche per noi, come redazione di Kunstplaza. In questo articolo li approfondiamo. Il nostro percorso intellettuale ci conduce nel cuore della teoria dell'arte e verso diverse prospettive sul concetto di arte.

Per una classificazione del concetto di arte in forma audiovisiva che sia al contempo divertente e scientificamente fondata, consigliamo il contributo di Ralph Casper in Quarks Dimension:

In questo articolo, Caspers cita un esempio frequente e spesso citato del 1917: all'epoca, l'artista Marcel Duchamp scalpore presentando un orinatoio comune, prodotto industrialmente, come oggetto di una mostra a New York. 

Sebbene la sua provocatoria "opera d'arte" sia stata inizialmente respinta dalla critica, ora ha trovato il suo posto indiscusso in un museo d'arte. Nel suo video, Casper illustra in modo impressionante come sia nata un'opera d'arte da questo banale oggetto di uso quotidiano.

Ma per comprendere appieno questo salto intellettuale, dobbiamo partire dall'inizio…

Definizione ed etimologia: il fondamento del concetto di arte

La definizione di arte. Quando una mente critica intraprende un viaggio intellettuale nelle profondità della teoria dell'arte ed esplora le diverse prospettive sul concetto di arte, è naturale iniziare con una definizione generale della parola stessa.

Da un punto di vista etimologico , il dizionario Oxford ci fornisce un primo, solido punto di riferimento.

Uno sguardo più ampio all'enciclopedia Wikipedia apre nuovi orizzonti:

"Il termine arte, nel suo senso più ampio, si riferisce a qualsiasi attività sviluppata che si basi su conoscenza, pratica, percezione, immaginazione e intuizione (ad esempio, l'arte della guarigione, l'arte dell'oratoria).".

In senso più stretto, si riferisce ai risultati di un'attività umana deliberata che non sono chiaramente definiti da una funzione. L'arte è un prodotto culturale umano, il risultato di un processo creativo.

L'opera d'arte di solito nasce al termine di questo processo, ma dall'epoca moderna può anche essere il processo stesso. Coloro che praticano l'arte in senso stretto sono chiamati artisti

Il DWDS – il Dizionario Digitale della Lingua Tedesca – ci fornisce anche una panoramica informativa dei significati :

1. Riflessione delle molteplici relazioni tra l'uomo e il suo ambiente attraverso la modellazione creativa delle cose e dei processi della realtà mediante mezzi sensibilmente percepibili e le opere così create, in particolare nella pittura, nella scultura, nella poesia e nella musica
2. l'abilità, la capacità acquisita, la competenza in un campo particolare
3. [termine storicamente sviluppato]
4. Qualcosa creato artificialmente e non coltivato naturalmente

Una considerazione più ampia del concetto di arte nel suo contesto storico

Per secoli, l'approccio degli storici dell'arte è stato caratterizzato da una gerarchia rigida, quasi dogmatica. Per lungo tempo, l' arte dell'antichità è stata considerata l'arte assoluta e autorevole a cui tutti i movimenti e le epoche successive dovevano inevitabilmente orientarsi. Si ricercava sempre una perfezione formale, che nella sua forma più pura rimane in definitiva irraggiungibile, con dipinti e sculture utilizzati per esprimere il più alto livello di idealizzazione.

Le “Belle Arti” e le loro forme di espressione

A partire dall'Illuminismo 1650 al 1800), si è affermata una concezione dell'arte che comprendeva principalmente le diverse forme di espressione delle cosiddette "belle arti" .

Ciò include soprattutto:

• Belle arti con i generi classici della pittura e della grafica, della scultura, dell'architettura e numerose forme minori, nonché, a partire dal XIX secolo, le arti applicate o artigianato, area di confine con le arti applicate.
• Musica con le principali discipline della composizione e dell'interpretazione nella musica vocale e strumentale
• Letteratura con i principali generi di epica, dramma, poesia lirica e saggistica
• Arti performative con le principali discipline del teatro, della danza e del cinema
• L'opera come unione di tutte le arti: musica, arti performative (recitazione), arti visive (scenografia), letteratura (poesia)

Durante i profondi cambiamenti socio-culturali dell'Illuminismo, dipinti e libri divennero gradualmente accessibili a una fetta molto più ampia della popolazione. Spettacoli musicali, di danza e teatrali iniziarono ad affascinare il pubblico in luoghi appositamente allestiti, spesso dotati di palcoscenici tecnicamente sofisticati.

La letteratura si è progressivamente emancipata come campo indipendente all'interno e a fianco dell'arte, influenzata in modo significativo da figure letterarie come William Shakespeare, Johann Wolfgang von Goethe e Friedrich Schiller. Tuttavia, tutti questi elenchi di categorizzazioni classiche non pretendono di essere esaustivi, poiché nell'era moderna sono emerse innumerevoli nuove forme d'arte, tra cui la fotografia, la radiodiffusione e Internet.

Verso l'astrazione nella modernità

Nel corso del XIX secolo, nelle arti visive iniziò un graduale allontanamento dalle rappresentazioni idealizzate. Ciò portò a uno sviluppo dinamico che gradualmente si avvicinò all'astrazione, con colore e linea sempre più distaccati dall'oggetto concreto.

Durante questo periodo, l'opera d'arte si sviluppò sempre più in qualcosa di indipendente e autonomo, nell'arte per l'arte, con la libertà artistica considerata un principio centrale. Movimenti come l'Impressionismo, l'Espressionismo e il Surrealismo ebbero un'influenza formativa sulla pittura dal 1880 al 1920.

Anche se l'arte astratta potrebbe non essere immediatamente comprensibile a molti spettatori a prima vista, si è comunque assicurata un posto di rilievo e un'enorme importanza nel mondo dell'arte contemporanea. Questo sviluppo ha determinato un profondo cambiamento di prospettiva nella storia dell'arte: l'arte non può più essere ordinata gerarchicamente. Nessuna epoca è intrinsecamente superiore a un'altra e nessuna opera o stile dovrebbe essere sminuito, poiché tutti scaturiscono da intenzioni artistiche ben precise.

Negli anni '20, il regista teatrale Erwin Piscator e il drammaturgo Bertolt Brecht fecero un tentativo entusiasmante di rifunzionalizzare l'arte inventando il teatro epico, .

Concetti nel postmodernismo

Oggi, nell'ambito del postmodernismo, l'arte è generalmente intesa come qualsiasi attività o creazione umana realizzata con uno scopo comunicativo o estetico. Esprime un'idea, un sentimento o, più in generale, una specifica visione del mondo. L'arte è una componente fondamentale della nostra cultura e, nelle sue molteplici forme, riflette solitamente le condizioni economiche e sociali.

Il concetto stesso di arte è ormai fluido, di rilevanza globale e si presta costantemente a nuove interpretazioni: si è evoluto a tal punto da non poter essere arrestato. La nostra concezione contemporanea dell'arte riflette il presente, ma partecipa attivamente anche agli sviluppi sociali e culturali. Traducendo emozioni e idee complesse in rappresentazioni visive e rendendole visibili agli altri, l'arte non è un semplice specchio passivo, ma contribuisce attivamente a plasmare la nostra realtà.

Questo crea un dialogo vivace tra l'opera d'arte e il pubblico, portando a una comprensione più profonda dei contesti storici e sociali. Un esempio notevole di questa dinamica è la Pop Art degli anni '60 che, utilizzando il linguaggio dei mass media e della pubblicità contemporanea, rifletteva in modo incisivo l'emergente cultura consumistica e il ritmo frenetico della società moderna. Nel corso della storia, gli artisti hanno continuamente evoluto i loro approcci creativi e i loro mezzi espressivi per commentare il proprio tempo.

Contesto filosofico: da Platone al postmodernismo

A questo punto, entra inevitabilmente in gioco la filosofia dell'arte. Cosa pensavano i più grandi pensatori della storia del lavoro creativo?

1. Secondo Platone, l'arte consisteva semplicemente nella realizzazione manuale di una copia di un oggetto, la quale a sua volta rappresentava una copia dell'idea dell'oggetto stesso, visibile solo ai filosofi.
2. A differenza di Platone, che la considerava una copia di una copia preesistente, Aristotele l'emergere di qualcosa di nuovo: "Attraverso l'arte si creano tutte quelle cose la cui forma esisteva già nella mente".
3. Benedetto Croce considerava l'opera d'arte come una forma di intuizione lirica che si dispiega nella mente ed è nettamente distinta dalla sua realizzazione e attuazione materiale.
4. Kant, d'altro canto, era fermamente convinto che l'arte sia definita da una moltitudine di caratteristiche formali e chiaramente riconoscibili. Queste caratteristiche possono essere individuate attraverso specifiche facoltà intellettuali come il gusto e l'estetica, e quindi suscitano piacere.

Queste valutazioni e definizioni profondamente diverse, da Platone a Kant, dimostrano in modo impressionante che il concetto di arte ha sempre evocato forti emozioni, suscita inevitabilmente grande interesse ed è indissolubilmente legato a noi esseri umani, poiché influenza enormemente la nostra percezione della realtà.

La prospettiva giuridica: lo Stato ha il diritto di definire l'arte?

Abbandoniamo la torre d'avorio filosofica e guardiamo alla fredda realtà dei codici legali. Al di là della mera spiegazione delle parole, è essenziale sapere che gli artisti e le loro opere creative godono della cosiddetta libertà artistica in Germania e in molti altri paesi occidentali . In Germania, questo è un diritto fondamentale esplicitamente tutelato dalla Costituzione (articolo 5, paragrafo 3, frase 1 della Legge fondamentale) .

È interessante notare come diverse definizioni di arte coesistano nella dottrina giuridica. La valutazione legale di un'opera dipende in modo significativo dalla specifica definizione applicata e da come essa viene infine interpretata. Fondamentalmente, siamo ovviamente liberi di designare come arte qualsiasi cosa consideriamo tale basandoci esclusivamente sulla nostra opinione individuale, anche se questa non possiede una validità oggettiva e universale. Tuttavia, lo Stato non ha esplicitamente l'autorità di definire l'arte in modo definitivo.

In una democrazia vitale, non deve esistere alcuna autorità statale che decida dall'alto cosa si possa considerare arte, quali forme d'arte siano socialmente accettabili o quale livello di qualità debbano raggiungere.

Tuttavia, per ragioni legali, la magistratura non può evitare di utilizzare una determinata definizione operativa al fine di consentire effettivamente l'esercizio della libertà artistica in tribunale.

Da questa necessità giuridica sono scaturiti diversi concetti fondamentali:

a) Concetto formale dell'arte

Secondo la definizione formale di arte, qualsiasi cosa può essere considerata arte se può essere assegnata a una specifica forma d'arte. Esempi includono pittura, scultura e teatro. Anche le forme ibride rientrano in questa categoria.

b) Concetto materiale dell'arte

La Corte Costituzionale Federale (BVerfG) ha definito il concetto di arte in termini di contenuto. Secondo questa definizione, l'arte è considerata il processo creativo in cui le impressioni, le esperienze e le percezioni dell'artista vengono visualizzate direttamente attraverso uno specifico linguaggio formale.

O per dirla in un altro modo:

L'arte è l'espressione libera e creativa in cui l'artista esprime direttamente le proprie impressioni, esperienze e percezioni attraverso un linguaggio formale specifico

c) Concetto aperto dell'arte

Secondo la visione prevalente, si dovrebbe utilizzare un concetto flessibile di arte. Questo concetto aperto definisce la caratteristica distintiva di un'espressione artistica come la sua capacità, basata sul suo messaggio diversificato, di rivelare continuamente significati di più ampia portata attraverso un'interpretazione continua.

Ciò si traduce in una trasmissione di informazioni praticamente inesauribile e articolata in più fasi.

d) Dottrina del riconoscimento da parte di terzi

Di conseguenza, l'arte comprende ciò che un osservatore esterno e informato definirebbe tale.

Nuovi orizzonti grazie all'intelligenza artificiale (IA): quando le macchine dipingono e gli algoritmi sognano

Questo quadro giuridico e filosofico sta attualmente affrontando una prova storica. I recenti sviluppi, quasi esponenziali, delle tecnologie digitali e dell'intelligenza artificiale (IA) stanno plasmando in modo significativo il panorama dell'arte contemporanea e mettendo radicalmente in discussione il nostro intero concetto di arte contemporanea.

Il fiorente campo dell'arte digitale, con i suoi mondi 3D di realtà aumentata e virtuale, installazioni video e sonore immersive e letteratura elettronica – dalla poesia computerizzata ai romanzi per cellulari fino agli e-book ampliati – apporta continuamente idee nuove, a volte radicali, al postmodernismo. Queste nuove forme riflettono la continua esplorazione dei confini della produzione artistica e una chiara dichiarazione sul progresso tecnologico. Rappresentano una sfida costante a ripensare ed espandere continuamente la nostra comprensione tradizionale dell'arte e della creatività, e offrono una prospettiva avvincente sul futuro dell'espressione artistica.

La questione se l'intelligenza artificiale possa creare vera arte è piuttosto controversa

La questione del livello di originalità nel design creativo, così come quella del diritto d'autore, ancora di essere chiarita in relazione alla produzione artistica da parte di macchine e algoritmi.

Secondo il dizionario Duden è un atto di progettazione creativa. Ciò non esclude l'uso di algoritmi, soprattutto considerando che Aristotele fornì una definizione esaustiva del termine oltre 2000 anni fa:

L'arte completa ciò che la natura non può realizzare, oppure la imita

Sottolineando chiaramente l'importanza dell'imitazione come attività artistica, il poliedrico scienziato greco confuta una delle principali argomentazioni contro l'arte generativa basata sull'intelligenza artificiale , ovvero l'accusa automatica che le macchine non siano realmente creative, ma si limitino a imitare ostinatamente stili già appresi.

Le definizioni comuni, quindi, non escludono intrinsecamente la possibilità che anche le macchine possano produrre opere creative. Inoltre, è sorprendente constatare che oggi i consumatori d'arte spesso non sono più in grado di distinguere la sottile differenza tra "create dall'uomo, "create dalla macchina" e ibride, ammesso che si consideri tale distinzione necessaria.

Come percepisce l'arte l'intelligenza artificiale generativa? Un esperimento di visualizzazione

Un esperimento entusiasmante illustra l'incredibile potenziale dell'estetica generata automaticamente: l'utilizzo dello strumento di intelligenza artificiale generativa "Neuroflash". Inserendo semplicemente il testo "una visualizzazione della definizione stessa di arte da un punto di vista estetico, formale e filosofico, astratto, surrealista, fantastico, aperto" nel generatore di immagini, sono state create tre immagini che, in quanto visualizzazioni di un concetto così astratto, offrono un livello di dettaglio davvero fenomenale. Questa profondità si rivela pienamente allo spettatore solo dopo un'osservazione prolungata e intensa.

Studi innovativi sull'interrelazione tra intelligenza artificiale e belle arti

Che questo nuovo fenomeno non sia discusso solo negli studi alla moda e nelle sezioni artistiche, ma sia da tempo oggetto di rigorose ricerche, è dimostrato dallo studio "AI and Visual Arts", pubblicato nel giugno 2024 e realizzato da Goldmedia GmbH per conto della Fondazione Kunstfonds e della Copyright Initiative. Lo studio fornisce un'analisi giornalistica approfondita della portata di questo cambiamento percepita dagli artisti.

La dottoressa Karin Lingl, rinomata esperta del settore e direttrice generale della Fondazione Kunstfonds, contestualizza con precisione questi risultati empirici. Sottolinea come un gran numero di artisti visivi stia attualmente sperimentando intensamente l'intelligenza artificiale come mezzo completamente nuovo. Ciononostante, si percepisce un palpabile disagio nel settore creativo: per lungo tempo è mancato un database affidabile per valutare chi accede a quali opere e in che misura l'intelligenza artificiale trasformerà il mercato, le realtà lavorative e i futuri redditi degli artisti.

Lo studio auspica un quadro di riferimento sociale e sottolinea la necessità di affrontare le dinamiche tecnologiche in modo giuridicamente e culturalmente appropriato

Un'ulteriore prospettiva, più approfondita, proveniente dal campo delle scienze applicate, è offerta dal Prof. Dr. Oliver Bendel, Professore di Informatica Aziendale, Etica dell'Informazione ed Etica delle Macchine presso l' Università di Scienze Applicate della Svizzera Nordoccidentale (FHNW). Nella sua analisi interdisciplinare del concetto di arte, egli sottolinea come l'arte sia sempre creata artificialmente dagli esseri umani all'interno di un contesto culturale, assolvendo una funzione sociale in una dimensione estetica.

Anche quando la macchina genera l'output, l'artefatto, la struttura o il processo rimangono profondamente radicati nel quadro culturale ed etico definito dall'uomo.

L'algoritmo può guidare il pennello, ma la scintilla concettuale ha comunque origine dall'intelletto umano

Lo studio "Compass: Artificial Intelligence and Competence 2023" del JFF – Institute for Media Education in Research and Practice documenta anche la misura in cui questa trasformazione rappresenta una sfida per la nostra società. Dimostra in modo impressionante che la maggior parte degli utenti trova ancora estremamente difficile riconoscere la vera creatività nei sistemi di intelligenza artificiale. Le concezioni dell'intelligenza artificiale oscillano tra una vaga utopia e una distopia. Pertanto, sono necessari nuovi approcci non solo in ambito giuridico, ma soprattutto nell'educazione ai media, per rendere il concetto di arte comprensibile alla società nell'era degli algoritmi.

Elenco delle fonti:

Letteratura:

• Il Grande Dizionario di Oxford, Terza Edizione, Cornelsen Publishing, ISBN-10: 0194406067
• Michael Hauskeller: Che cos'è l'arte?: Posizioni estetiche da Platone a Danto, ISBN-10: 3406657095
• Reinold Schmücker: Cos'è l'arte? Una Fondazione, Klostermann Serie Rossa, Volume 70, ISBN-10: 3465041976
• Stefan Jordan / Jürgen Müller: Concetti fondamentali di storia dell'arte (Reclam's Universal Library), ISBN-10: 3150195594
• Susanna Partsch: Introduzione allo studio della storia dell'arte, ISBN-10: 3150143020
• Hildegard Kretschmer: Lessico di simboli e attributi nell'arte: 800 voci, ISBN-10: 9783150195666
   

Sito web:

• Kraatz Academy – Capire il diritto in modo semplice: Cos'è l'arte e cosa non lo è?, https://akademie-kraatz.de/de/was-ist-kunst-und-was-nicht.htm
• DWDS – il dizionario digitale della lingua tedesca, https://www.dwds.de/
• Leggi su Internet: Articolo 5 della Legge fondamentale – Disposizioni individuali, https://www.gesetze-im-internet.de/gg/art_5.html
• Wikipedia: Arte
• Dott.ssa Karin Lingl / Fondazione Kunstfonds, kunstfonds.de
• Bendel, Oliver. AI Art. Contributo al Gabler Business Dictionary. Springer Gabler, Wiesbaden 2026, wirtschaftslexikon.gabler.de/definition/ki-kunst-177543
• Cousseran, Laura/Lauber, Achim/Herrmann, Simon/Brüggen, Niels (2023). Compass: Intelligenza Artificiale e Competenza 2023.Atteggiamenti, Azioni e Sviluppo delle Competenze nel Contesto dell'IA. Pubblicato da JFF – Istituto per la Formazione Mediale nella Ricerca e nella Pratica. Monaco: kopaed.