Kunsterziehung und das Kind – Ein Plädoyer von Brian Hawkeswood

Ich habe die Bücher gelesen, ihre Seiten in stillen Stunden unter dem Schein einer Lampe umgeblättert und die Theorien aufgenommen, die den akademischen Diskurs seit langem prägen. Einige dieser Theorien, das gestehe ich, enthalten Wahrheit – wie schwaches Sternenlicht, das aus einer fernen Vergangenheit zu uns gelangt.

Doch ich habe auch Jahr für Jahr vor dem spontanen und unverfälschten Theater von Kindern gesessen, die Kunst erschaffen. Ich habe ihre Hände beobachtet – zunächst unsicher, dann kühn, unwiderstehlich –, wie sie über Papier, Leinwand, Wände glitten. Ich habe ihren kleinen Stimmen zugehört, wie sie erfanden, protestierten, erklärten. Und ich bin zu einer Erkenntnis gelangt, wie sie nur Jahrzehnte inniger Erfahrung lehren können: nicht nur, wie Kinder lernen, Kunst zu machen, sondern schmerzlicher noch, wie sie darin scheitern.

Dieses Scheitern, so habe ich erkannt, entspringt nicht dem Kind, sondern der Welt der Erwachsenen: ihrer Blindheit, ihren abgestandenen Mythen, ihrer bequemen Weigerung, zu sehen. Erwachsene tragen mit ihren eingefahrenen Vorurteilen und den Erinnerungen an ihre eigenen künstlerischen Niederlagen eine Vorstellung von Kunst in die Welt hinaus, die so verarmt ist, dass sie die Kunsterziehung der nächsten Generation prägt – ja sogar sabotiert. Und am verheerendsten ist die Überzeugung, Kunst könne nicht wirklich gelehrt werden, man müsse entweder mit einer bereits entzündeten Flamme geboren sein oder für immer im Dunkeln tappen.

Doch ich muss darauf bestehen: Das ist nicht wahr.

Über die Pädagogik in der Kunst

Wie jede andere Disziplin besitzt auch die Kunst eine Pädagogik. Es gibt Struktur, Logik, Entwicklung – und es gibt das Staunen, doch ein Staunen, das mit Nahrung wächst. Ich habe die Ergebnisse in den Arbeiten von Kindern und Jugendlichen gesehen. Und ich habe ebenso oft das Gegenteil gesehen – jene, die allein umherirrten, immer dieselben stilisierten Bilder wiederholten, bis ihre Hände müde wurden, ihre Augen erloschen und sie schließlich der Lüge glaubten, ihnen fehle das Talent.

Ja, die meisten Kinder können Spuren auf Papier setzen, Formen erschaffen, die Gesichtern, Häusern oder Sonnen ähneln. Doch dies sind Nebenprodukte von Wahrnehmung und Bewegung, von Motorik und Nachahmung. Ohne Anleitung, ohne Einsicht in das Sehen – in das wirkliche Sehen – zeichnet das Kind nicht die Welt, sondern eine Kurzschrift von ihr. Eine Sonne in der Ecke. Ein Dreieck als Dach. Ein Strich mit einem Kreis darauf. Symbole einer Welt, die sie noch nicht gelernt haben zu beobachten.

Wenn das Kind nicht durch sinnvolle Unterweisung und die behutsame Entfaltung von Fähigkeiten lernt, bleibt es stehen. Es verharrt. Es wiederholt dieselben visuellen Formeln wie ein Kind, das niemals neue Wörter lernt. Und die Tragödie liegt nicht allein in dieser Wiederholung, sondern in dem Erwachsenen, der sie als „kreativ“ lobt. Denn auch der Erwachsene wurde einst zurückgelassen und erkennt im Entwicklungsstillstand des Kindes einen Spiegel seiner selbst.

Ich habe diese Kinder unterrichtet. Ich habe ihre Verwandlung erlebt. Nicht, weil sie „begabt“ gewesen wären, sondern weil sie unterrichtet wurden. Das sogenannte „begabte“ Kind ist nicht eines, das mit einem göttlichen Funken geboren wurde, sondern eines, das – bewusst oder zufällig – gelernt hat. Und Lernen ist im wahrsten Sinne niemals Magie.”

Ein Kind hockt auf dem Boden, umgeben von der heiligen Stille des Morgenlichts, den Wachsmalstift in der Hand. Vor ihm ein großes Blatt Papier – größer, so scheint es, als sein eigener Körper. Und darauf ein erster Strich: zitternd, unsicher, doch erfüllt von geheimer Lebenskraft. Dann ein weiterer Strich und noch einer – Bögen und Schleifen, Farbexplosionen wie kleine Feuerwerke der Hand.

Der Erwachsene, bewegt von Zuneigung oder Neugier, nimmt vielleicht einen Stift auf und zeichnet ein oder zwei Linien daneben, einen kaum merklichen Impuls. Das Kind antwortet darauf – nicht allein durch Nachahmung, sondern indem es in die geheimnisvolle Freude eintritt, Form aus dem Nichts zu erschaffen. Das Blatt wird zu einem Feld der Möglichkeiten. Und in diesem Augenblick beginnt etwas.

Von kinästhetischen Träumereien zur Wiederholung von Formen

Howard Gardner erinnert uns in Artful Scribbles daran, dass die frühesten Gesten keine Darstellungen, sondern Rhythmen sind – kinästhetische Träumereien, körperliche Akte. Das Kind versucht nicht, die Welt abzubilden; es bewohnt sie durch Bewegung. Druck, Geschwindigkeit, Richtung: Das sind die unbewussten physikalischen Gesetze seiner jungen Vorstellungskraft. Kritzeleien werden zu Spiralen, Spiralen zu Kreisen, und das Kind beginnt – begierig, den Zauber zu wiederholen – eine Verbindung zwischen seiner inneren Energie und der Spur zu erkennen, die sie hinterlässt.

Dann erfolgt ein Wandel: Das Kind erkennt Muster. Es beginnt, Formen zu wiederholen. Es weist ihnen Bedeutung zu. Ein Kreis wird zu einem Gesicht, zwei Linien zu einem Haus, eine gezackte Kante zu einem Berg. Und so entsteht, was Gardner die „symbolische Phase“ nennt. Zwischen dem vierten und siebten Lebensjahr erwirbt das Kind ein Vokabular – nicht aus Wörtern, sondern aus Bildern. Seine Werke werden zu Beschwörungen von Bedeutung: Das ist Mama, das ist die Sonne, das bin ich.

Doch dies sind keine Porträts; sie sind Embleme, heraldische Zeichen von Identität und Geschichte.

Und wie reich diese Bilder sind! Sie sprechen mit der Offenheit von Träumen. Ein Mädchen mit Schuhen, die über dem Boden schweben. Ein Baum mit Herzen statt Blättern. Eine Familie ohne Münder, aber mit riesigen Augen. Oft wird die Zeichnung von einer Erzählung begleitet – einer Geschichte voller atemloser Freude oder stiller Beharrlichkeit – und das Bild wird zu einer Art Theater, zu einer Bühne für Erinnerung und Erfindung.

Doch – und hierin liegt die Traurigkeit – ich habe allzu oft gesehen, wie dieser symbolische Reichtum in Wiederholung zerfällt. Ein Regenbogen zum siebenundfünfzigsten Mal. Eine Sonne in der oberen Ecke jeder Seite. Ein Haus mit drei quadratischen Fenstern und keinem Innenraum. Das sind nicht die Produkte kreativer Freiheit, sondern ihrer Erschöpfung. Das Kind zeichnet so, weil ihm niemand etwas anderes gezeigt hat. Es steckt in einer visuellen Echokammer fest und wiederholt ein Vokabular, das nicht mehr wächst.

Und der Erwachsene sieht dies, lächelt und sagt: „Wie kreativ!“

Über Gardner hinaus: Kunst sollte wahrhaftig gelehrt werden

Hier trenne ich mich von Gardner. Er hat Recht, wenn er die Entwicklungsstufen beschreibt; sie sind real genug. Doch er wagt nie, ganz auszusprechen, was ich sagen muss: dass Kunst gelehrt werden kann. Nicht aufgezwungen, nicht zu Leblosigkeit gedrillt – sondern offenbart, wie eine Sprache, die jeder lernen kann. Wie Lesen, wie Musik, wie Geometrie. Das Kind muss nicht in Symbolen gefangen bleiben. Es kann behutsam und imaginativ in die Welt der Beobachtung geführt werden.

Ich habe Kinder im Alter von sieben Jahren gelehrt, zu sehen – nicht bloß zu schauen, sondern wirklich zu sehen. Zu zeichnen, was vor ihnen liegt. Zu erkennen, dass der Strand nicht gelb ist, der Baum nicht einfach grün. Dass ein Ball kein Kreis ist, sondern eine Kugel, mit Schatten und Glanz. Dass Licht Textur besitzt. Dass der Raum Tiefe hat. Ich stellte einen Kartonrahmen vor das Fenster und sagte: „Jetzt schaut.“ Und als sie es taten – wirklich taten –, veränderte sich die Welt.

Jener Augenblick, in dem ein Kind die Welt nicht mehr als Symbol, sondern als Gegenwart wahrnimmt – als Form, als Licht, als Oberfläche und Gestalt –, gleicht einer zweiten Geburt. Und er ist kein Wunder. Er ist Pädagogik.

Vom Beginn der Ordnung über visuelle Codes und Darstellungsregeln

Mit etwa sieben Jahren schleicht sich noch etwas anderes ein – nicht mit Bosheit, nicht mit Lärm, sondern mit einer stillen, mechanischen Beharrlichkeit: Ordnung. Das Kind beginnt, Bilder so aufzubauen, wie Sprache Sätze bildet. Eine Sonne befindet sich immer in der oberen rechten Ecke, gehorsam wie das Satzzeichen am Ende einer Zeile. Bäume wachsen symmetrisch zu beiden Seiten eines Hauses, das eher einem Emblem gleicht als einem wirklichen Ort. Ein blauer Streifen oben auf der Seite ist der Himmel; ein grüner Streifen unten ist das Gras; und dazwischen schrumpft die Welt zu einem Korridor der Wiederholung.

Dies ist es, was die Theoretiker die schematische Phase nennen, und mit Recht. Das Kind entwickelt Systeme – visuelle Codes, Regeln der Darstellung. In ihrer Beständigkeit liegt etwas Liebenswertes, ja sogar Geniales. Sie versuchen, das visuelle Chaos der Welt durch Symbole zu ordnen, die beherrschbar sind. Doch Beherrschung ohne Anleitung wird zur Nachahmung. Und Nachahmung wird mit der Zeit zu einer Form der Langeweile.

In meinem Klassenzimmer habe ich es gesehen: eine Müdigkeit der Erfindungskraft. Ein Mädchen, gelangweilt von Regenbögen, zeichnet sie dennoch wieder. Ein Junge, ermüdet von Fußballspielern im Profil, zeichnet immer denselben erneut. Die Linie wird spröde; die Seite entleert sich ihres Geistes. Diese Kinder haben ihre „Kreativität“ nicht verloren – sie wurden von ihrer Bildung verlassen. Niemand hat ihnen die Tür geöffnet, durch die sie hindurchgehen könnten. Das Haus der Kindheit ist klein geworden, und sie sind ihm entwachsen. Doch niemand hat ihnen den Schlüssel zum nächsten Haus gegeben.

Hier kehrt der Mythos des angeborenen Talents wie eine Seuche zurück. „Er ist begabt“, sagt jemand. „Sie hat es einfach.“ Doch was bedeutet das? Nichts weiter als dies: dass manche Kinder zufällig oder instinktiv entdecken, was eigentlich allen hätte gelehrt werden sollen. Ein begabtes Kind ist ein gelehrtes Kind. Gelehrt durch Bücher, durch Eltern, durch bloße Beharrlichkeit oder Zufall. Sie haben gelernt, was andere ebenfalls hätten lernen können.

Die Versäumnisse der Erwachsenen

Und dennoch hält die Welt der Erwachsenen am romantischen Mythos des „Natürlichen“ fest. Und indem sie dies tut, entschuldigt sie ihre eigenen Versäumnisse. Wenn Kunst nicht gelehrt werden kann, warum sollte man sie finanzieren? Warum Lehrer ausbilden? Warum ordentliche Lehrpläne entwerfen? Jede Strichfigur genügt. Jeder ungeschulte „Kreative“ reicht aus. Und so ernennen Schulen Unqualifizierte, Gleichgültige, Unvorbereitete – und wundern sich anschließend, warum das Fach nicht gedeiht.

Ich habe es erlebt – Jahr für Jahr. Die Administratoren, die Kunst auf Klebestifte und Glitzer reduzieren, die glauben, ein Kind, das auf der Rückseite einer Leinwand malt, sei Innovation. Die Schulleiter, die fragen: „Warum nicht die andere Seite benutzen?“, begreifen nicht die Heiligkeit der Oberfläche und der Absicht. Das sind Menschen, die selbst niemals über die schematische Phase hinausgelangt sind. Ihre Augen haben nie gelernt, zu sehen. Ihr Geist hat nie gelernt, zu zeichnen.

Und wenn sie einem wirklichen Künstler-Lehrer begegnen, erkennen sie oft nicht, was sie vor sich haben. Oder schlimmer noch: Sie erkennen es. Und sie fürchten es. Denn die Gegenwart echten Wissens wirft einen langen Schatten auf ihre Unwissenheit. Und ihre Antwort darauf ist fast immer bürokratische Gewalt: ausgrenzen, verdrängen, verspotten, entfernen. Ich habe dies gesehen. Ich habe es erlebt.

Und die Kinder zahlen den Preis.

Die Tragödie besteht nicht darin, dass Kinder nicht gut zeichnen können. Die Tragödie besteht darin, dass ihnen nicht gezeigt wird, wie es geht. Dass ihre Neugier mit Talent verwechselt wird und ihre Müdigkeit mit dessen Mangel. Dass ihre Regenbogenzeichnungen noch „kreativ“ genannt werden, lange nachdem sie ihrer selbst überdrüssig geworden sind. Dass niemand sagt: „Komm, schau dir die Welt an. So sieht man sie. So beginnt man von Neuem.“

Die Jugend als Land des Zweifelns

Mit der Jugend betritt das Kind – sofern es noch zeichnet – ein neues Land. Es ist das Land des Zweifels.”

Hier sind die Linien schärfer, das Auge kritischer und der Geist weniger sicher seiner selbst. Der Jugendliche zeichnet nicht länger, um zu erzählen, sondern um zu messen, um die Genauigkeit dessen zu prüfen, was er sieht, gegen das beharrliche Gewicht dessen, was er ausdrücken möchte. In früheren Jahren konnte eine Figur freudig ohne Schwerkraft schweben; nun besteht der Wunsch, sie im Raum zu verankern und als realistisch darzustellen. Der Himmel, einst ein blauer Streifen, soll nun Tiefe gewinnen; der Baum, früher ein grüner Lutscher, soll nun Äste, Texturen und Schatten besitzen.

Doch niemand hat ihnen gezeigt, wie.

Also hören sie auf. Oder sie entschuldigen sich bereits für ihre Versuche, bevor der Bleistift überhaupt das Papier berührt. „Ich kann nicht zeichnen“, sagen sie mit abgewandtem Blick, als würden sie einen Fehler ihres innersten Wesens gestehen. Was sie eigentlich meinen, ist: „Mir wurde nie beigebracht, zu sehen.“ Und so versinkt ihre ungeschulte Wahrnehmung in Schweigen.

Was wir in dieser Phase „Realismus“ nennen, ist oft kein Ziel, sondern ein Schlachtfeld. Es ist der Ort, an dem die intuitiven Symbole der Kindheit auf die wahrgenommene Welt treffen – und verlieren. Die Zeichnung scheitert nicht, weil dem Kind die Vorstellungskraft fehlt, sondern weil die Hand nicht gelernt hat, dem Auge zu dienen. Und so geben sie den Versuch auf. Oder schlimmer noch: Sie zeichnen weiterhin das, was sie mit neun Jahren zeichneten, weil sie niemals einen anderen Weg gelernt haben.

Doch es ist nicht zu spät.

Es ist nie zu spät für die eigene künstlerische Sprache

Mit richtiger Unterweisung – strukturiert, bewusst und offenen Herzens – kann dieser Moment zu etwas Verwandelndem werden. Ich habe es in meinem Unterricht erlebt: das Erstaunen im Gesicht eines Sechzehnjährigen, wenn er zum ersten Mal sieht, wie sich ein Schatten um eine Form legt, und versteht, wie man ihn nachzeichnet. Den Augenblick, in dem ein Schüler erkennt, dass ein Gesicht kein Symbol ist, sondern ein Feld aus Licht, Tonwert und Struktur. Diese Offenbarung ist nicht bloß technisch. Sie ist emotional. Sie ist der Beginn eines Ausdrucks mit Substanz.

Und wenn dies geschieht, wenn der junge Künstler beginnt, Wahrnehmung mit Können zu verbinden, ereignet sich etwas Bemerkenswertes. Er begegnet der Vision seiner Kindheit erneut – nicht als Erinnerung, sondern als Material. Der symbolische Reichtum, die Erzählungen, die visuelle Poesie – all dies kehrt zurück, nun gefiltert durch ein erwachtes Auge und eine disziplinierte Hand. Das ist die Reife künstlerischer Sprache: nicht die Aufgabe der Kindheit, sondern ihre Übersetzung.

Gardner, bei aller Brillanz, scheitert an dieser Stelle. Er behauptet, die begabtesten Künstler seien jene, die die Vision des Kindes bewahren, und darin hat er Recht. Doch er erkennt nicht, dass dieses Bewahren nichts Mystisches ist – es ist pädagogisch. Es wird gelernt.

Die Rückkehr zur poetischen Vision ist keine Regression, sondern ein Aufstieg: die Symbole der Kindheit, erneut sichtbar gemacht durch Können. Der Traum, erinnert und artikuliert.”

Doch ohne Bildung gibt es keinen Aufstieg. Nur Wiederholung. Nur die Wüste eines unentwickelten Stils, in der Talent als Schicksal missverstanden und Scheitern für Wahrheit gehalten wird.

Ich sage es noch einmal: Kunst kann gelehrt werden. Kunst muss gelehrt werden.

Denn es ist nicht nur die Hand, die lernt, sondern auch der Geist, das Auge und das Selbst. Kunstunterricht ist Unterricht im Sehen – nicht nur der Oberfläche der Dinge, sondern ihrer Struktur, ihrer Beziehungen, ihres Wesens. Und daraus erwächst nicht nur die Fähigkeit, Kunst zu schaffen, sondern auch die Fähigkeit, die Welt mit einer großzügigeren Seele zu betrachten.

Und was ist mit dem Erwachsenen, dem dies niemals zuteilwurde? Er trägt dieses Schweigen in sich. Er betrachtet die Zeichnungen seiner Kinder mit Stolz, gewiss, aber auch mit einer leisen Panik. Er weiß nicht, was er mit ihnen anfangen soll. Er ermutigt, er lobt, aber er führt nicht. Denn auch er wurde niemals geführt. Er weiß nicht, dass Kunst nicht mit Inspiration beginnt, sondern mit Aufmerksamkeit – und dass Aufmerksamkeit etwas ist, das gelehrt, kultiviert und verfeinert wird.

Und so setzt sich der Kreislauf fort. Der Erwachsene, der nicht zeichnen kann, wird zum Administrator, der das Zeichnen nicht wertschätzen kann. Der Lehrer, der niemals unterrichtet wurde, wird zu jenem, der nichts lehrt. Und wenn jemand erscheint, der lehren kann, der wirklich weiß, dann schreckt das System zurück. Es ist einfacher, den Mythos des „Begabten“ aufrechtzuerhalten, als das Ausmaß institutionellen Versagens einzugestehen.

Und so bleibt es einigen wenigen überlassen – jenen, die beharren, die glauben, die mit eigenen Augen gesehen haben, was geschieht, wenn einem Kind beigebracht wird, zu sehen. Wir werden oft als Idealisten abgetan. Doch das sind wir nicht. Wir sind Realisten im tiefsten Sinne. Wir haben die Wirklichkeit der Verwandlung erlebt.

Schlussmeditation: Eine Erklärung von Engagement, Kritik und Hoffnung

Lassen wir nun die Metaphern beiseite.

Treten wir hervor aus dem Traum vom farbigen Kreidestaub und sagen wir klar und deutlich, was gesagt werden muss: Das Versagen der Kunsterziehung ist kein geringfügiges Versäumnis – es ist eine Katastrophe des Geistes. Und es ist eine stille Katastrophe, jene Art, die nicht in einem einzigen Augenblick geschieht, sondern über Jahrzehnte hinweg. Sie geschieht, wenn wir zulassen, dass eine Generation heranwächst im Glauben, Sehen sei keine Fähigkeit, Zeichnen keine Sprache und Kunst das Gebiet einer auserwählten Minderheit. Sie geschieht in jedem Klassenzimmer, in dem niemand dem Kind beibringt, zu beobachten, zu formen, die visuelle Welt zu verstehen.

Sie geschieht, wenn wir diese Vernachlässigung „Freiheit“ nennen. Sie geschieht, wenn wir Nachlässigkeit mit Respekt verwechseln.
In der Mathematik tun wir dies nicht. Wir geben einem Kind nicht wahllos einen Taschenrechner und sagen: „Drücke dein numerisches Selbst aus.“ Wir sagen einem Kind nicht, es solle Grammatik allein durch Inspiration entdecken. Wir lehren. Wir führen. Wir geben ihnen die Werkzeuge der Kultur, in der sie leben. Warum also verlassen wir sie gerade in der Kunst?

Weil wir selbst verlassen wurden.

Und hierin liegt die Tragödie, die sich wiederholt wie eine beschädigte Schleife im Filmstreifen der öffentlichen Bildung. Die Administratoren, die Bildungspolitiker, die Schulleiter – auch sie waren einst Kinder, mit Zeichnungen, die nie gefördert wurden, mit Händen, die nach Farbe griffen und scheitern gelassen wurden. Sie tragen diese Scham still in sich. Sie halten sie für natürlich. Sie glauben der Lüge, sie hätten „kein Talent“. Und so erschaffen sie Systeme, die dieses innere Schweigen widerspiegeln.

Kunst wird zu einem dekorativen Fach. Zu einer Nebensache. Zu einem Schmuckstück. Zu einem Nachgedanken.

Und doch – ich habe das Gegenteil gesehen. Ich habe erlebt, was geschieht, wenn Kindern beigebracht wird, zu sehen, zu zeichnen, eine visuelle Sprache aufzubauen. Ich habe beobachtet, wie sich Verwandlung in Echtzeit vollzieht: Der zusammengesunkene Körper richtet sich auf, wenn das Selbstvertrauen zurückkehrt; die stumpfen Augen werden wach, wenn die Welt wieder Struktur gewinnt. Nicht alle werden Künstler. Das ist nicht der Punkt. Aber sie alle werden Zeugen – ihrer eigenen Wahrnehmung, ihrer eigenen Geschichten, ihres eigenen Wertes.

Denn Kunst ist kein Luxus. Sie ist ein menschliches Erbe.

Und wir, die wir sie lehren, tragen eine gewaltige Verantwortung. Nicht bloß darin, Pinsel auszuteilen, sondern Kinder in eine Weise des In-der-Welt-Seins zu führen, die wahrnehmender, artikulierter und empathischer ist. Wir lehren nicht nur das Zeichnen – wir lehren das Sehen. Wir lehren nicht nur Farbe – wir lehren Nuance. Wir lehren Gegenwärtigkeit. Wir lehren Reflexion. Wir lehren Fürsorge.

Darum sage ich dies nun so klar, wie ich nur kann:

Kunst muss gelehrt werden.
Kunst kann gelehrt werden.

Und jene, die etwas anderes behaupten, verstehen nicht, was Lehren bedeutet.

Zu denen, die die Schlüssel zu den Lehrplänen besitzen, zu denen, die ernennen und entlassen, zu denen, die verspotten, was sie nicht begreifen – zu euch sage ich: Eure Unwissenheit ist nicht harmlos. Ihr zerstört, was ihr nicht erkennt. Ihr erzieht Generationen von Kindern zum Schweigen.
Und zu jenen, die zum Schweigen gebracht wurden – Schülern, Lehrern, Eltern – sage ich: Sprecht.

Sprecht durch den Bleistift, den Pinsel, die Linie, den Ton. Sprecht durch die Zeichnungen eurer Kinder. Sprecht gegen die Systeme, die dieses tief menschliche Geburtsrecht zu einem bloßen Restposten des Unterrichts degradiert haben. Sprecht durch eure Praxis. Sprecht durch euren Widerstand. Sprecht durch eure Kunst.

Denn es ist nicht zu spät.
Es ist niemals zu spät, sehen zu lernen.
Und niemals zu spät, anderen beizubringen, zu sehen.

Und wenn wir die Welt erst einmal klar sehen – ihr Licht, ihre Komplexität, ihre schattigen Winkel –, dann können wir nicht anders, als sie mit größerer Sorgfalt neu zu gestalten.
Das ist es, was Kunst lehrt. Und deshalb müssen wir Kunst lehren.

Konsultation: Gardner, Howard – Artful Scribbles: The Significance of Children’s Drawings. New York: Basic Books, 1980. English.

Ein grundlegender Text, der die psychologischen und entwicklungsbezogenen Dimensionen der frühen Zeichnungen von Kindern und die Entstehung des symbolischen Denkens im visuellen Ausdruck untersucht.

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