En nuestro artículo «Arte abstracto: todo sobre el movimiento artístico no figurativo», exploramos el arte abstracto como concepto, como un movimiento artístico influyente y cómo interactuar con él. Aprendimos que «arte no figurativo» o «arte no objetivo» es un término colectivo para los movimientos artísticos del siglo XX que surgieron después de 1900.
El denominador común más significativo en las obras abstractas es el alejamiento de la naturaleza y los objetos reales como motivos, y, en consecuencia, la ruptura con los principios tradicionales del realismo clásico, profundamente arraigados en el ámbito académico.
Obra de arte abstracta y colorida de Steve Johnson @steve_j, vía Unsplash.com
En resumen: Los principios de los artistas abstractos se basan en el rechazo de toda representación. Se dice que su conciencia e impulso creativo están guiados puramente por la estética por sí misma.
Las raíces de la abstracción en el diseño pictórico se remontan incluso a la antigua Grecia, donde Platón ya expresó el impulso por el diseño no representacional utilizando formas y patrones geométricos.
Naturalmente, este tipo de arte creativo no ha permanecido inalterado en su forma original hasta nuestros días, sino que ha experimentado una evolución y un desarrollo naturales. Esto puede visualizarse como las ramificaciones de un árbol viejo con un tronco frondoso y raíces profundas.
A lo largo de las décadas y los siglos, han surgido numerosas subformas, variaciones, movimientos paralelos y contratendencias, todas ellas interconectadas y que a menudo se han influenciado mutuamente.
Por lo tanto, nos gustaría llevarles en un breve recorrido por las fases más importantes y formativas del arte abstracto, concreto y moderno . Siempre que sea posible, nos esforzaremos por destacar los puntos de inflexión, las conexiones y las relaciones causales más significativas para que puedan lograr una comprensión coherente.
Si después de leer nuestra última publicación sobre este tema te faltaron una o dos piezas del rompecabezas, puede que las encuentres aquí.
Empecemos desde el principio…
Pintura abstracta en la Edad de Piedra
Existe consenso entre los historiadores del arte en que el arte abstracto ya se utilizaba en forma de grabados prehistóricos hace unos 70.000 años.
Arte parietal en la cueva de El Castillo, Cantabria, España. Paleolítico superior. Fuente de la imagen: Gobierno de Cantabria, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Esto se evidencia, por ejemplo, en dos rocas grabadas con patrones geométricos abstractos, encontradas la cueva de Blombospinturas de la cueva de El Castillo, datadas entre 39.000 y 34.000 a. C.
Los símbolos abstractos también fueron la forma predominante del arte rupestre paleolítico y se encontraron en las excavaciones con una frecuencia aproximadamente dos veces mayor que las pinturas figurativas.
El realismo clásico hasta finales del siglo XIX
Casi hasta finales del siglo XIX, los principios y métodos de los artistas en pintura y escultura estuvieron fuertemente influenciados por las normas y doctrinas académicas.
Apartarse del modelo tradicional del realismo clásico fue mal visto y recibido con desdén. Las principales academias de arte de Europa se apropiaron del poder de interpretación y proclamaron que el deber primordial del arte era proporcionar una escena u objeto reconocible.
Representantes importantes del Romanticismo que influyeron en el arte abstracto:
Joseph Mallord William Turner (1775-1851): pintor, acuarelista y dibujante inglés. Posiblemente el artista visual más importante de Inglaterra durante el Romanticismo .expresionismo evolucionó hacia la abstracción.
Keelmen ondeando en carbones por la noche por William Turner Varios artistas [CC0], vía Wikimedia Commons
Tendencia hacia la abstracción en el Impresionismo
En el último cuarto del siglo XIX, la situación cambió gradualmente y el conservadurismo comenzó a resquebrajarse. Como primera fuerza subversiva, el arte impresionista (1870-1880) demostró que el estricto estilo académico de la pintura naturalista ya no era la única vía auténtica para crear arte significativo.
La paleta técnica de los impresionistas no era, en general, muy naturalista, si bien su arte solía derivar de forma clara y contundente del mundo real. Los movimientos intraimpresionistas del neoimpresionismo, el puntillismo y el postimpresionismo, destacaron de forma impresionante el poder del color.
se tiene en cuenta el uso del amarillo brillante en las obras de Vincent van Gogh , casi parece como si el artista estuviera capturando la luz misma en él.
Huerto en flor (1888) de Vincent van Gogh
Al observar de Claude Monet , los nenúfares, queda claro que incluso dentro de la era impresionista surgió una creciente tendencia hacia la abstracción.
Claude Monet – Nenúfares (1915)
Más tarde, en las primeras décadas del siglo XX, otras técnicas —como el uso estilístico del color, el abandono de la representación tridimensional y el recurso a formas geométricas simples— impulsarían la búsqueda de la abstracción y proporcionarían a sus artistas nuevas herramientas.
Representantes importantes del (Post)Impresionismo con influencia en el Arte Abstracto:
James McNeill Whistler (1834-1903) fue un pintor y grabador estadounidense afincado en el Reino Unido. Fue especialmente conocido por su pintura cromática semiabstracta.
Claude Monet – un importante pintor francés, osciló entre el naturalismo y la abstracción en sus pinturas después de 1890.
Vincent van Gogh – Pintor y dibujante holandés; se le considera uno de los fundadores de la pintura moderna.
Paul Gauguin fue un influyente pintor francés. Su obra postimpresionista influyó fuertemente en los Nabis y el Simbolismo; fue cofundador del Sintetismo y se convirtió en un pionero del Expresionismo .
Henri de Toulouse-Lautrec – Pintor y artista gráfico francés del movimiento postimpresionista
Paul Cézanne (1839-1906) – Pintor francés cuya obra se asocia con diversos estilos. Buscó constantemente renovar los métodos tradicionales de composición basándose en los principios impresionistas. Sus bodegones y paisajes se consideran importantes puntos de partida para la abstracción.
Paul Sérusier (1864-1927) – Pintor postimpresionista francés. Fundador del grupo artístico simbolista Nabis y fuertemente influenciado por Gauguin.
Movimiento Art Nouveau/Art Nouveau
El desarrollo del arte abstracto también estuvo influenciado por el movimiento Art Nouveau (alrededor de 1890-1914). Entre los movimientos artísticos asociados al Art Nouveau se incluyen el estilo reformista (siguiente al movimiento reformista) y el estilo de la Secesión (siguiente a la Secesión de Viena).
El término Jugendstil (Art Nouveau) fue acuñado por Georg Hirth en Múnich a finales de 1895, a través de una revista cultural ilustrada llamada «Jugend» (Juventud). Este movimiento artístico puede entenderse como una reacción, principalmente de jóvenes artistas y artesanos, contra el historicismo retrógrado de la época. También sirvió como crítica a la percibida falta de alma de la industrialización de principios del siglo XX.
Sin embargo, fue el término francés Art Nouveau el que prevaleció internacionalmente. Este tuvo su origen en la galería La Maison de l'Art Nouveau, que el marchante de arte hamburgués Siegfried Bing había abierto en París a finales del siglo XIX.
Las características típicas del Art Nouveau incluyen, por un lado, líneas largas y curvas que toman como modelo las formas orgánicas de las plantas, pero también ornamentos geométricos planos y lineales con tendencia al diseño asimétrico.
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El representante más importante del movimiento Art Nouveau es el niño prodigio vienés Gustav Klimt .
Gustav Klimt – Paisaje de jardín italiano (1913)
Ya se pueden apreciar fuertes tendencias simbolistas en "Las muchachas" del representante del Art Nouveau, Gustav Klimt.
Del expresionismo alemán a la piedra angular de la pintura
El uso del color y la forma fue de suma importancia para el desarrollo del arte abstracto. El impresionismo allanó el camino para un mayor uso del color como recurso estilístico, pero fue el expresionismo alemán el que lo convirtió en un pilar indispensable de la pintura.
El libro de Wassily Kandinsky,«De lo espiritual en el arte» (1911), se convirtió en una obra fundamental de la pintura abstracta. Kandinsky padecía sinestesia, lo que explica su inusual sensibilidad al color. No solo veía los colores, sino que también los oía (percepción bisensorial). En cierto modo, vivió una fusión entre las artes visuales y la música .
No es de extrañar, pues, que el efecto emocional de la forma, la línea y, sobre todo, el color en la pintura le fascinara tanto y moldeara toda su obra.
Al igual que muchos otros artistas abstractos, Kandinsky creía que la música encarnaba el arte abstracto en su sentido más puro, con su capacidad de ser expresiva sin representar el mundo real. Kandinsky se refería a sus obras como "composiciones".
Al mismo tiempo, sin embargo, advirtió repetidamente que el deseo de abstracción no debía utilizarse como mera decoración, sin comprometer la seriedad del arte.
De todas las artes, la pintura abstracta es la más difícil. Requiere saber dibujar bien, tener un marcado sentido de la composición y el color, y ser un verdadero poeta. Esto último es esencial.
El expresionismo alemán se caracteriza por su paleta de colores saturados y la correspondencia entre los colores y las emociones humanas. En general, experimentar con el color y evocar emociones fue un interés primordial para los artistas abstractos.
La mayoría de los expresionistas alemanes, como Ernst Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Max Ernst, Alexei Jawlensky, Oskar Kokoschka, Franz Marc, August Macke y Max Beckmann, no fueron pintores abstractos en sentido estricto.
Sin embargo, su vibrante paleta —junto con los escritos teóricos de Kandinsky— alarmó y alentó a otros artistas con una inclinación más abstracta a perseguir esta línea con toda su fuerza.
August Macke – Jardín Zoológico I. 1912
Generalmente se acepta que artistas como Piet Mondrian, Wassily Kandinsky y Kazimir Malevich fueron fundamentales para el establecimiento del arte abstracto. Sin embargo, algunas de las primeras obras conocidas provienen de la pionera artista Hilma af Klint . Inicialmente, creó obras figurativas tradicionales, pero sus pinturas radicales surgieron de su interés por el espiritualismo.
El espiritismo era un movimiento muy popular en los círculos artísticos y literarios de la época, que sostenía la creencia de que era posible comunicarse con los espíritus de los difuntos. Junto con otras cuatro mujeres, conocidas posteriormente como «Las Cinco », Klint realizaba sesiones de espiritismo y meditaba. A través de estas prácticas, se convenció de que un espíritu llamado Amaliel le había encargado pintar cuadros para decorar un templo.
La artista relató que Amaliel guio su mano y trabajó con inmensa devoción, creando un total de 193 pinturas para este proyecto en 1915. Consciente de la naturaleza radical de su obra, Klint la mantuvo en secreto y estipuló que no podría hacerse pública hasta 20 años después de su muerte.
A pesar de esta normativa, su obra no recibió atención hasta 1986 y ahora finalmente está siendo debidamente apreciada: la exposición de Klint en 2019 en el Museo Guggenheim de Nueva York fue la exposición más visitada en la historia de la institución hasta ese momento.
Los diez más grandes, n.° 7, edad adulta, grupo IV, 1907 de Hilma af Klint
El estilo paralelo de vanguardia parisina del fauvismo (1905-08) solo enfatizó marginalmente el efecto del color, por ejemplo con obras como “Estudio Rojo” (1911, MoMA, NY) de Henri Matisse .
Aquí también, el rechazo de la perspectiva tridimensional es una característica definitoria. El fauvismo representa los objetos con colores intensos y arbitrarios.
Henri Matisse fue posiblemente el fauvista más famoso, y obras como «La raya verde» (1905) aún se citan como ejemplos paradigmáticos del estilo característico de este movimiento artístico. La obra es un retrato de su esposa con piel verde y amarilla sobre un fondo multicolor. Entre los pintores órficos más destacados se encuentra Robert Delaunay , cuyas obras «Ventanas simultáneas a la ciudad» (1912) y «El primer disco» (1912-1913) constan de múltiples manchas o segmentos de diferentes colores. Georgia O'Keeffe es conocida por sus coloridas pinturas abstractas de flores, de encuadre cerrado.
Junto a Matisse, Marlow Moss una artista que abrazó claramente la abstracción durante este período. El crítico Charles Darwent, en The Guardian , la describió como «una fiel seguidora» de Mondrian. Si bien algunos la consideran una imitadora del padre del neoplasticismo, también podría argumentarse que la influencia fue recíproca. Sus obras posteriores al redescubrimiento de Mondrian muestran su influencia, pero fue Moss quien incorporó por primera vez líneas dobles a sus obras con efecto de rejilla en 1931.
Un año después, Mondrian siguió este enfoque y creó «Composición con doble línea y amarillo» . Prácticamente olvidada en la historia del arte abstracto, la obra de Moss ha experimentado, merecidamente, un cierto renacimiento en los últimos años.
Cubismo y la disolución de la profundidad de campo y la perspectiva
El nacimiento del cubismo (1908-1914) puede considerarse una reacción directa a la belleza decorativa y la estética del impresionismo. Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963) desarrollaron este nuevo estilo en varias etapas con esta conciencia.
La obra semiabstracta de Picasso "Las señoritas de Avignon" de 1907 (ahora en el MoMA de Nueva York) todavía formaba parte de la primera fase del prototipo del cubismo.
Les demoiselles d'Avignon de Pablo Picasso Dario Mastromattei [CC BY-SA], vía Wikimedia Commons
La fase final del Cubismo Sintético se caracterizó por una mayor orientación hacia el collage. Su concepto básico se basaba en la evolución desde el arte visualmente atractivo pero trivial del Impresionismo hacia una forma de arte más intelectual. El objetivo principal de los cubistas era explorar nuevos métodos para representar la realidad.
Una característica distintiva de las obras cubistas fue la disolución del método académico de representación de la realidad mediante el uso de la perspectiva lineal (profundidad) para lograr el efecto tridimensional habitual de una pintura.
Por el contrario, los cubistas lo mantenían todo en un plano bidimensional, sobre el cual disponían diferentes "vistas" del mismo objeto.
Aunque la mayoría de las obras cubistas todavía se originan en objetos o escenas con referencias al mundo real y, por lo tanto, no pueden considerarse completamente abstractas, el rechazo del movimiento a la perspectiva tradicional socavó por completo el realismo natural en el arte, abriendo así de par en par la puerta a la abstracción pura.
Representantes importantes del cubismo que influyeron en el arte abstracto:
Francis Picabia (1879-1953) – Pintor francés con influencia en el cubismo, el dadaísmo y el surrealismo.
Carlo Carrà (1881-1966) – Conocido por sus primeras pinturas cubistas y futuristas.
Albert Gleizes (1881-1953) – Pintor cubista, coautor de Du Cubisme, el primer libro encuadernado sobre el cubismo.
Jean Metzinger (1883-1957) – se inspiró en el cubismo analítico; publicó “Du Cubisme” junto con Albert Gleizes.
Roger de la Fresnaye (1885-1925) – Utiliza la simplicidad geométrica del cubismo para realizar afirmaciones concretas con motivación política.
Juan Gris (1887-1927) – Pintor español y principal teórico del cubismo
Constantin Brancusi (1876-1957) – un escultor abstracto de inspiración cubista, también estuvo influenciado por el arte africano y oriental.
Raymond Duchamp-Villon (1876-1918) – utilizó herramientas cubistas para representar el movimiento
Jacques Lipchitz (1891-1973) – importante escultor franco-estadounidense del siglo XX.
Orfismo
Este estilo de pintura abstracta de principios del siglo XX también se cubismo órfico y tenía como objetivo combinar la composición cubista con el color y la música.
El término se derivó del mítico cantante y lirero Orfeo y fue moldeado significativamente por Guillaume Apollinaire en 1912 después de las obras de gran intensidad cromática de Robert Delaunay .
Robert Delaunay – Ritmo, alegría de vivir
El orfismo se caracteriza más por brillantes manchas de color que por objetos figurativos. Ante todo, las formas circulares en colores vibrantes son los rasgos más destacados de este movimiento artístico .
Representantes importantes del vorticismo:
Robert Delaunay – Pintor francés de vanguardia que también escribió obras teóricas sobre arte
Franz Kupka – Pintor checo. El color siempre desempeñó un papel crucial en la obra de Kupka.
Vorticismo
El vorticismo (1913-14) fue un movimiento artístico británico de preguerra que también estuvo fuertemente influenciado por la terminología cubista. El término deriva de la palabra latina "vortex", que significa "tormenta" o "remolino "
Fundado por Percy Wyndham Lewis (1882-1957), el vorticismo se concibió explícitamente como una contribución específicamente inglesa al modernismo. Al igual que el cubismo, se posicionó como un contraconcepto a las representaciones realistas en el arte. Además, el vorticismo cualquier imperativo moral e insistió en la autonomía de la obra de arte.
Representantes importantes del vorticismo:
Richard Aldington – Escritor inglés y editor de la revista de vanguardia "The egoist".
Malcolm Arbuthnot – es considerado el inventor de la “Vortografía”.
Lawrence Atkinson – artista, músico y poeta inglés
Jessica Dismorr – pintora inglesa y una de las dos únicas mujeres activas en el movimiento vorticista.
Henri Gaudier-Brzeska - escultor francés
Cuthbert Hamilton – artista británico
Wyndham Lewis – Escritor y pintor británico, cofundador de Vorticism y editor de la revista Blast.
Ezra Pound , poeta estadounidense, es considerado uno de los representantes más destacados del modernismo literario.
William Roberts – Pintor británico del cubismo y cofundador del vorticismo
Helen Saunders – pintora inglesa
Edward Wadsworth – Pintor británico que se inspiró en el futurismo y el cubismo para desarrollar el arte geométrico hasta la abstracción.
Futurismo
El futurista (1909-13) fue fundado en gran medida por Marinetti se expresó en la obra artística de Gino Severini (1883-1966) y Giacomo Balla
Este movimiento también recibió la influencia del cubismo y, a su vez, inspiró a numerosos pintores con su énfasis en el movimiento y la tecnología. En escultura, el futurismo tuvo el mayor impacto en el desarrollo del arte cinético e influyó en escultores abstractos como Naum Gabo (1890-1977) y Alexander Calder (1898-1976).
Tubismo
Casi simultáneamente, surgió otro movimiento artístico relacionado. En conexión con el arte de Fernand Léger (1881-1955), ya no se podía hablar de cubismo, sino de tubismo (arte del tubo) .
En este enfoque, se utilizaron elementos cilíndricos y esféricos en lugar de los elementos planos y superpuestos del cubismo. Esto dio como resultado numerosas pinturas con motivos mecánicos que reflejaban la visión futurista de Léger sobre la tecnología.
El suprematismo ruso da lugar a nuevas formas geométricas
El movimiento ruso de arte abstracto se conoce como Suprematismo . Fue nombrado y fundado en 1915 por su figura principal, Kazimir Malevich (1878-1935), como una expresión de la superioridad de los sentimientos y las percepciones sensoriales en el arte.
Sin duda influenciado por Kandinsky, Malevich creó una serie de destacadas pinturas abstractas de vanguardia caracterizadas por bloques rectangulares monocromáticos sobre fondo blanco. De este modo, enfatizó la bidimensionalidad de la forma en la obra artística. En este sentido, probablemente se adelantó décadas a su tiempo.
«El cuadrado negro» (1915) de Kazimir Malevich, impresión planográfica sobre papel
Consideraba el suprematismo como sucesor de la pintura de iconos tradicional de la Iglesia ortodoxa rusa, de estilo bizantino de la antigüedad. En 1927, su teoría suprematista quedó oficialmente plasmada por escrito en su libro titulado «El mundo no objetivo» .
Constructivismo y rayonismo
Vladimir Tatlin (1885-1953) es considerado el principal impulsor de la fundación del constructivismo . Lyubov Popova (1889-1924), junto con Alexander Rodchenko (1891-1956), también fueron cofundadores. Esta escuela se centró en el espacio, los nuevos materiales, las formas tridimensionales y la conexión entre ciencia y arte. Lyubov Popova fue, además, una figura clave del movimiento suprematista.
Otro interesante movimiento artístico ruso que creó un nuevo tipo de pintura fue el rayonismo (o luchismo). Este movimiento abarcó los años 1912-1914 y fue iniciado Mikhail Larionov (1881-1964) y Natalya Goncharova
Entre los escultores abstractos fuertemente influenciados por ideas suprematistas/constructivistas se encontraban Sophie Taeuber-Arp (1889-1943) y Naum Gabo (1890-1977).
Las influencias de De Stijl
De Stijl fue originalmente un grupo holandés de pintores, arquitectos y diseñadores. El nombre rápidamente adquirió mayor reconocimiento a través de la fundación de una asociación de artistas y una revista holandesa de diseño y estética.
Esto condujo rápidamente al desarrollo de un movimiento artístico de vanguardia dedicado principalmente a la abstracción geométrica. Theo Van Doesburg (1883-1931) es considerado el padre fundador de De Stijl y también asumió su liderazgo.
El protagonista indiscutible del movimiento fue Piet Mondrian (1872-1944), conocido por su serie de sencillas cuadrículas rectangulares que solo contenían negro, blanco y colores primarios. Con sus cuadrículas planas, intentó plasmar físicamente el concepto de infinito.
Piet Mondrian – Boom A
Los conceptos de De Stijl tuvieron un impacto no solo en las bellas artes y la arquitectura, sino también en el diseño de muebles y otros objetos cotidianos, hasta nuestros días.
Neoplasticismo y Elementarismo
Él denominó a este estilo Neoplasticismo (Nieuwe Beelding). Como uno de los pioneros más influyentes del arte concreto entre 1920 y 1944, desarrolló su preciso estilo geométrico como un contrapunto consciente al caos emocional y la incertidumbre general de la primera mitad del siglo XX.
Junto con el grupo abstracto Cercle et Carre (1929-31) y el Grupo de Abstracción-Creación, trasladó su lugar de trabajo a Nueva York en 1938.
neoplasticismo , el elementalismo durante su período creativo .
En 1930 también acuñó el término "Arte Concreto" . Desafortunadamente, murió en 1931, pero sus ideas fueron continuadas no solo por estudiantes de la escuela de diseño Bauhaus, sino también por el grupo Creación Abstracta liderado por el artista belga Georges Vantongerloo , el pintor francés Jean Helion y Auguste Herbin .
Otros miembros del grupo incluían a abstraccionistas europeos como Jean Arp (1886-1966), Naum Gabo (1890-1977), El Lissitzky (1890-1941), Antoine Pevsner (1886-1962) y Barbara Hepworth (1903-1975), así como Ben Nicholson (1894-1982).
El arquitecto, escultor y diseñador suizo ex-Bauhaus Max Bill (1908-94) fue otro partidario que hizo una contribución significativa a la promoción del género en Suiza, Italia, Argentina y Brasil.
Surrealismo y abstracción orgánica
La abstracción orgánica es otra subcategoría del arte abstracto. De igual modo, el surrealismo, que surgió paralelamente al concretismo geométrico, con su imaginería cuasi naturalista, está estrechamente relacionado con la abstracción.
Los grandes referentes de estos estilos de abstracción biomórfica/orgánica fueron Jean Arp y Joan Miró , ninguno de los cuales recurrió a la técnica del automatismo.
Su compañero surrealista Salvador Dalí (1904-89) también creó algunas pinturas extraordinarias como "La persistencia de la memoria" (1931, MoMA, NY) y "Construcción blanda con frijoles hervidos" (1936, Museo de Arte de Filadelfia).
Jean Arp fue también un escultor sumamente prolífico, especializado en la abstracción orgánica. Los escultores ingleses Henry Moore (1898-1986) y Barbara Hepworth (1903-1975) siguieron su ejemplo en este sentido.
Posteriormente, varios artistas abstractos europeos buscaron refugio en América, donde se encontraron con una nueva generación de pintores abstractos nativos a los que influyeron.
Entre estos influyentes emigrantes se encontraban pintores como Hans Hofmann (1880-1966), Max Ernst (1891-1976), Andre Masson (1896-1987), Arshile Gorky (1904-1948), Yves Tangy (1900-1955) y otros.
A pesar de la controversia que rodeó la feria de armas de Nueva York de 1913, la metrópolis estadounidense desarrolló un fuerte interés por la abstracción. El mundialmente famoso Museo de Arte Moderno (MoMA) se fundó en 1929, y el Museo de Pintura No Objetiva (posteriormente rebautizado como Museo Samuel R. Guggenheim) en 1939.
Menos geometría, más color: expresionismo abstracto
Aunque los artistas europeos de la posguerra mantuvieron su interés por el arte abstracto a través del "Salon des Realités Nouvelles" de París, el centro del arte moderno se trasladó a Nueva York a partir de 1945.
A partir de entonces, la vanguardia estuvo representada allí por la Escuela de Nueva York de Expresionismo Abstracto . Este movimiento surgió de la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial.
La pintura expresionista abstracta sigue estando definida de forma algo vaga, y nunca existió un programa coherente y postulado para ella. Por lo tanto, el término se aplica a menudo de forma engañosa y confusa a artistas que no eran ni verdaderamente abstractos ni expresionistas .
En general, describe una forma de pintura abstracta (no figurativa, no naturalista) en la que el color prima sobre la forma. Y esta última ya no es geométrica.
Las primeras obras de este estilo solían ocupar grandes lienzos, cuyo tamaño imponente buscaba abrumar al espectador y transportarlo a otro mundo. La preocupación de los expresionistas abstractos por los efectos visuales, en particular el impacto del color, reflejaba su objetivo principal: la inclusión y exploración de las emociones humanas fundamentales.
Entre sus iconos se encontraban sin duda los grandes artistas Jackson Pollock (1912-56), Mark Rothko (1903-70), Willem De Kooning (1904-97), Clyfford Still (1904-80), Barnett Newman (1905-70) y Adolph Gottlieb (1903-74).
A principios de la década de 1940, Pollock revolucionó la pintura con sus obras completamente abstractas, colocando los lienzos en el suelo y vertiendo y limpiando la pintura. Esta técnica dio como resultado composiciones densas sin un foco central y desafió los conceptos artísticos tradicionales. Sus obras reflejaban no solo su toque personal a través de huellas de manos y pies, sino también la naturaleza dinámica de su proceso creativo, lo que lo posicionó como un artista performativo.
El enfoque de Pollock enfatizaba la inmediatez del gesto artístico, convirtiéndolo en una figura clave del expresionismo abstracto. Inspirado por el surrealismo y el psicoanálisis junguiano, sus pinturas ofrecían profundas reflexiones sobre sus emociones y reflejaban la vida moderna.
“Number IIA” (1948) de Jackson Pollock, Editions Pierre D'Harville (con licencia de J. Pollock/SOFAM Belgique)
Mark Rothko también se esforzó por expresar profundas emociones humanas mediante el uso innovador del color y la forma. En sus primeras obras, combinó formas reconocibles con fuentes de inspiración mitológicas y biológicas antes de sustituirlas por intensas capas de color. Estas finas capas de pintura crean un movimiento palpitante y una atmósfera que envuelve al espectador.
Las obras de Rothko sitúan al espectador en la intersección entre el mundo físico y el trascendente, y él eligió deliberadamente los números como títulos para evitar connotaciones personales. Su objetivo era propiciar experiencias espirituales y atemporales, y fomentar un diálogo íntimo entre la obra y el espectador. La importancia que Rothko le dio al color como medio de expresión ha tenido una influencia perdurable en el desarrollo del arte abstracto.
Reproducción enmarcada del cuadro "Verde y rojo sobre naranja" de Mark Rothko.
La siguiente generación incluyó a pintores como Robert Motherwell . El nombre del movimiento fue consolidado por Robert Coates, quien trabajó como crítico de arte para The New Yorker.
Entre las derivaciones del expresionismo abstracto se incluyen la "pintura de acción" y la "pintura de campos de color" de Rothko, así como el algo extraño "impresionismo abstracto" de Philip Guston (1913-80).
Pintura de acción, pintura de campos de color y compañía.
Posteriormente, bajo el paraguas de la abstracción postpictórica, el expresionismo abstracto, como una suerte de tendencia antigestualista, dio origen a diversos estilos individuales. Entre ellos se incluyen: la pintura de bordes definidos , la pintura de salpicaduras de color , el Movimiento del Color de Washington , la abstracción lírica estadounidense y el lienzo con formas .
El expresionismo abstracto también provocó reacciones vanguardistas en varios artistas, como Cy Twombly (1928-2011), cuyos bocetos caligráficos son en parte dibujo y en parte grafiti . Otro ejemplo es el escultor abstracto californiano Mark Di Suvero , conocido por sus esculturas de hierro y acero de gran formato.
Arte informal, tachismo y el grupo CoBrA
Mientras que el expresionismo abstracto dominó el período de posguerra al otro lado del Atlántico, a finales de la década de 1940 surgió en el viejo continente un nuevo movimiento artístico llamado Arte Informal o Arte Informal.
Aunque se la considera una versión europea del expresionismo abstracto, en realidad fue un movimiento paraguas con varias subvariantes.
Esto incluía el tachismo , un estilo de pintura abstracta caracterizado por manchas y salpicaduras de color. Considerado la respuesta francesa a los movimientos artísticos estadounidenses, este submovimiento alcanzó prominencia y reconocimiento principalmente gracias al artista vanguardista estadounidense Mark Tobey (1890-1976). Su estilo pictórico caligráfico incluso anticipó el de Pollock.
Entre los miembros importantes del Tachismo se encontraban Jean Fautrier (1898-1964), Georges Mathieu (1921-2012), Pierre Soulages (nacido en 1919) y la artista portuguesa Maria Helena Vieira da Silva (1908-92), así como el expresionista abstracto estadounidense Sam Francis (1923-94).
El grupo de vanguardia CoBrA también practicó el estilo gestual o de "pintura de acción" del expresionismo abstracto estadounidense. CoBrA fue fundado por pintores, escultores y artistas gráficos del grupo danés "Host", el grupo holandés "Reflex" y el Grupo Surrealista Revolucionario belga.
Entre sus artistas se encontraban, a la vanguardia, Asger Jorn (1914-73), el escritor belga Christian Dotremont (1922-79), Pierre Alechinsky , Karel Appel (1921-2006) y Pol Bury (1922-2005), quien más tarde, sin embargo, abandonó la pintura para dedicarse a investigar esculturas cinéticas.
Arte óptico mediante ilusión óptica: así nació el Op Art.
Uno de los estilos más distintivos y quizás visualmente memorables de pintura abstracta geométrica de los tiempos modernos fue el movimiento Op Art .
Su característica definitoria era la manipulación del ojo mediante formas y patrones geométricos complejos, a menudo monocromáticos, que lo estimulaban a percibir colores y formas que en realidad no estaban presentes. Podrían describirse como imágenes ingeniosamente dispuestas que creaban ilusiones ópticas deliberadamente.
Entre los miembros más destacados de este movimiento se encontraban el pintor y artista gráfico húngaro Victor Vasarely (1908-1997) y la pintora inglesa Bridget Riley . El movimiento desapareció nuevamente a principios de la década de 1970 tras un breve período de popularidad.
El capítulo final (por ahora): el posmodernismo
El posmodernismo, también como artecontemporáneo , se sitúa generalmente a principios de la década de 1960. A partir de este punto de inflexión, el arte contemporáneo tiende a fragmentarse en numerosas escuelas más pequeñas, regionales o incluso locales.
Según los historiadores del arte, esto puede deberse a que la actitud predominante de los movimientos artísticos contemporáneos era la de mirar con recelo los grandes estilos de principios del siglo XX.
Una excepción a esta tendencia es la escuela minimalista , que logró establecer un estilo de abstracción geométrica fundamentalmente nuevo de manera sostenible.
Este estilo se ejemplifica particularmente en artistas posmodernos como los escultores Donald Judd (1928-94), Sol LeWitt (1928-2007), Robert Morris y Walter de Maria . Otro escultor minimalista importante es Richard Serra .
Donald Judd – Bloques de hormigón
Entre los pintores abstractos más conocidos asociados MinimalismoAd Reinhardt (1913-67), Frank Stella y el pintor irlandés-estadounidense Sean Scully, cuyas formas rectangulares de color parecen imitar las formas monumentales de las estructuras prehistóricas.
Otros representantes importantes del minimalismo:
Morris Louis (1912-62) – Minimalista estadounidense, exploró la técnica de la tinción por inmersión con Helen Frankenthaler.
Agnes Martin (1912-2004) – Pintora minimalista, conocida por sus cuadrículas a lápiz sobre fondo monocromático.
Kenneth Noland – Pintor minimalista con una estrecha relación con la pintura de bordes duros.
Cy Twombly (1928-2011) – Pintor minimalista, conocido por sus obras caligráficas.
Helen Frankenthaler – Pintora minimalista, desarrolló la técnica de tinción por inmersión
Robert Ryman – Pintor minimalista estadounidense, conocido por sus composiciones monocromáticas blancas.
Jo Baer – Pintora y artista gráfica estadounidense. Se la considera una importante representante del minimalismo.
Ellsworth Kelly fue un pintor y escultor estadounidense. Con sus composiciones, Kelly trascendió el concepto de la imagen rectangular. Fue una figura clave en la pintura de campos de color y el estilo Hard Edge.
Robert Mangold – pintor estadounidense
Brice Marden – un artista estadounidense al que se puede asociar, entre otras cosas, con el minimalismo.
Además de la escultura y la pintura, la escuela del minimalismo también se abrió paso en la arquitectura y el diseño, con un éxito .
El neoexpresionismo como última etapa iterativa
Entre las corrientes más recientes del arte moderno se encuentra el neoexpresionismo. Este fue, en parte, una reacción contra la austeridad del minimalismo y, sobre todo, un movimiento figurativo que surgió a principios de la década de 1980.
Sin embargo, entre sus seguidores también hubo algunos pintores abstractos destacados, como el inglés Howard Hodgkin y los artistas alemanes Georg Baselitz y Anselm Kiefer .
Entre los artistas abstractos de renombre internacional de este período se encuentra el escultor británico y ganador del Premio Turner, Anish Kapoor , conocido por sus obras de gran formato realizadas en piedra en bruto, metal fundido y acero inoxidable.
Numerosos pintores y escultores contemporáneos se pueden encontrar, por ejemplo, en el corazón de la metrópolis artística y cultural de Dresde. La galería autogestionada "Abstract Moments" de Dresde, fundada en 2005 por un grupo de artistas, se ha convertido en un referente del arte abstracto en Alemania.
La página web de los artistas no solo presenta al óleo y acrílico en su portafolio en constante crecimiento, sino también gráficos, fotografías y esculturas .
Entre los artistas que actualmente forman parte de la galería se encuentran:
André Mimor
Andy Larrett
Alejandro Rojo
Annette Freymut
Andreas Garbe
Bozena Ossowski
C. David Schwartz
Christiane Middendorf
Dirk Hille
Frank Lorenz
Frank-Ole Haake
Gia Hung
Hans-Jürgen Gorenflo
Holger Mühlbauer-Gardemin
Ilona Schmidt
Jean-Jacques Piezanowski
Jo Zipfel
Julio Fernández
Klaus Boekhoff
Koroush Namazi
Lina Roth
Maciej Cieśla
Manuela Rathje
Maja Kühne
Martina Rick
maya
Rey Rafael
Stefan Petrunov
Torsten Peter
Uwe Fehrmann
¿Y qué sigue?
Como se suele decir, el futuro ya ha comenzado. En este sentido, el mundo del arte moderno seguirá evolucionando, dando lugar a nuevos e importantes movimientos, estilos y corrientes artísticas. Miremos hacia ellos con la mente abierta.
Arte abstracto de nuestra galería en línea
En nuestra galería de arte virtual, también tienes la oportunidad de adquirir obras de arte abstractas únicas y coloridas, directamente del artista o de la galería asociada.
Cada una de estas pinturas fue creada con pasión y una habilidad excepcional por un artista talentoso. Explora la diversidad de las formas artísticas más abstractas y déjate inspirar por imágenes que narran tu historia personal.
Sumérgete en un mundo lleno de inspiración creativa con nuestra amplia gama de exquisitas obras maestras abstractas.
Fuentes, apoyo de expertos e información adicional
Literatura:
Ingo F. Walther. Karl Ruhrberg : Arte del siglo XX: Pintura , ISBN-13: 978-3836541145
Charles Harrison, Francis Frascina, Gill Perry : Primitivismo, cubismo, abstracción: principios del siglo XX , ISBN-13: 978-0300055160
Peter Gay:Modernismo: La atracción de la herejía, ISBN-13: 978-0393052053
Ellen G. Landau : Lectura del expresionismo abstracto: contexto y crítica, ISBN-13: 978-0300106138
Margit Rowell : Joan Miró: Escritos y entrevistas selectas, ISBN-13: 978-0306804854
James E. Breslin : Mark Rothko: Una biografía, ISBN-13: 978-0226074061
Hans Werner Holzwarth:arte moderno. Del Impresionismo al Presente , ISBN-13: 978-3836555364
Barbara Hess:Expresionismo abstracto: Serie breve – Géneros , ISBN-13: 978-3822829677
Lance Esplund : El arte de mirar: Cómo leer el arte moderno y contemporáneo , ISBN-13: 978-0465094660
Wassily Kandinsky:De lo espiritual en el arte , ISBN-13: 978-1721770373
Alfred J. Barr, Jr.:Cubismo y arte abstracto (Nueva York, 1936). 248 páginas. 223 ilustraciones. Escrito por el Museo de Arte Moderno como guía y catálogo para la exposición de la primavera de 1936.
Internet:
Galería Tate:Breve historia del arte abstracto con Turner, Mondrian y más , https://www.tate.org.uk/art/brief-history-abstract-art-turner-mondrian-and-more
Daniel Birnbaum / Artforum: Universal Pictures – El arte de Hilma af Klint, https://www.artforum.com/features/universal-pictures-the-art-of-hilma-af-klint-214627/
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Propietaria y directora general de Kunstplaza. Publicista, editora y bloguera apasionada en los ámbitos del arte, el diseño y la creatividad desde 2011. Licenciada en diseño web (2008). Ha perfeccionado sus técnicas creativas mediante cursos de dibujo a mano alzada, pintura expresiva y teatro/actuación. Posee un profundo conocimiento del mercado del arte, fruto de años de investigación periodística y numerosas colaboraciones con figuras e instituciones clave del sector artístico y cultural.
Como cualquier otra área de estudio, el arte contiene una gran cantidad de terminología, expresiones, abreviaturas y palabras extranjeras específicas de la materia.
En esta sección, nos gustaría presentarles algunos de los términos más importantes y comunes que se utilizan a lo largo del tiempo.
aprenderá y profundizará en su comprensión de una amplia gama de información, definiciones, términos litúrgicos, notas, términos técnicos comunes y sus abreviaturas, así como conceptos de teoría del arte, historia del arte
En el arte, los artistas y las obras de arte se clasifican en períodos estilísticos . Estos se basan en características comunes de las obras de arte y los productos culturales de una época determinada.
La división en épocas sirve como herramienta para estructurar y clasificar obras y artistas dentro de un marco temporal y un acontecimiento histórico-cultural.
El conocimiento de los periodos artísticos desempeña un papel fundamental, especialmente en el comercio del arte , así como en la teoría del arte y el análisis de la imagen clásica.
En esta sección del blog de arte, nos gustaría ayudarle a comprender mejor estas épocas, estilos y movimientos.
Estilos y movimientos artísticos
El estilo artístico o estilo de las obras de arte se refiere a la expresión uniforme de las obras de arte y productos culturales de una época, un artista o grupo de artistas, un movimiento artístico o una escuela de arte.
Se trata de una herramienta para clasificar y sistematizar la diversidad del arte. Señala similitudes que difieren de otras.
El término está relacionado temáticamente con el período artístico , pero no se limita a un período de tiempo específico y, por lo tanto, es mucho más amplio.
En esta sección, nos gustaría ayudarle a comprender mejor los estilos y movimientos artísticos.
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