Pablo Picasso: Maestro del Cubismo – Biografía, Obra y Vida

Pablo Picasso (1881–1973) fue un artista españolconocido por su pintura, grabado y escultura.

El artista andaluz está considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX y creó un total de aproximadamente 50.000 obras de arte (incluidas más de 15.000 pinturas).

Picasso nació en Málaga , hijo del pintor José Ruiz Blasco y su esposa María Picasso y López. A partir de 1901, adoptó el apellido de su madre, ya que ella era italiana, como nombre artístico. Le gustaba especialmente este nombre por sus dos sonidos de "S"; le resultaba armonioso.

Cuando se considera la diversidad de expresiones artísticas en la obra de Picasso, rápidamente se hace evidente que el pintor español fue un artista extraordinario.

Aunque su obra en su conjunto es enorme, Picasso nunca dejó de lado el cuidado meticuloso en ninguna de sus obras: para el cuadro «Las señoritas de Aviñón» (marzo-julio de 1907, en el MoMA), realizó la impresionante cifra de 809 estudios preliminares. Esta pintura, sin embargo, es una obra muy especial, pieza clave del modernismo clásico considerada

Este artículo ofrece un panorama de la turbulenta vida de Picasso, su obra artística y su biografía. Profundicemos juntos en el mundo de uno de los artistas más importantes de todos los tiempos.

Perfil y breve biografía

Perfil – Datos clave

Los datos más importantes sobre el artista que hoy en día es celebrado mundialmente:

Breve biografía

Pablo Ruiz nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, hijo de un profesor de arte. Posteriormente adoptó el apellido materno, Picasso, y creció en Barcelona, ​​donde demostró su talento artístico desde muy joven.

A los 14 años, ingresó en la Academia La Llotja de Barcelona, ​​donde su padre posteriormente trabajó como profesor de dibujo. Pablo Picasso también estudió brevemente en la Real Academia de San Fernando de Madrid.

A principios del siglo XX, viajó entre Francia y España antes de establecerse definitivamente en París en 1904. En la Ciudad del Amor, experimentó con diferentes estilos y desarrolló sus propias obras distintivas.

El marchante de arte Ambroise Vollard organizó una exposición de obras del artista español en su galería de París. Estas obras se conocen como el Periodo Azul . Durante este tiempo, Picasso creó principalmente pinturas melancólicas, cuyos profundos tonos azules dieron nombre a esta fase artística. El Periodo Rosa , por otro lado, que abarcó desde 1905 hasta 1907, se caracteriza por una atmósfera mucho más alegre y abarca temas relacionados con el mundo del circo.

En 1907, Picasso pintó la revolucionaria obra "Las señoritas de Aviñón", que introdujo un nuevo estilo: el cubismo.

Los meses siguientes estuvieron marcados por una intensa colaboración con su estrecho colaborador Georges Braque, quien compartía la admiración de Picasso por el arte de Paul Cézanne. Juntos desarrollaron el cubismo analítico, en el que los colores y las formas se descomponen en fragmentos geométricos.

Otra innovación revolucionaria de Picasso fue la introducción del collage, en el que integró materiales como trozos de tela, periódicos o anuncios publicitarios en sus pinturas. A partir de entonces, Picasso cambió frecuentemente de estilo y experimentó con la pintura, la escultura y elementos surrealistas.

Pablo Picasso conoció a la elegante Olga Khokhlova mientras trabajaba en el diseño de escenografía y vestuario para los Ballets Rusos. A partir de 1917, ella fue su modelo y, posteriormente, su esposa. El año anterior, ya había diseñado el vestuario y la escenografía para otro ballet.

Pablo Picasso atravesó una etapa estilísticamente diversa, inspirándose en el cubismo, la tradición clásica y los motivos clásicos. Aunque participó en una importante exposición surrealista en 1925, no se le considera parte del movimiento, ya que se inspiró principalmente en su entorno real. Por lo tanto, sus pinturas no reflejan los mundos oníricos ni los ámbitos difusos del subconsciente característicos del surrealismo.

A partir de 1934, Picasso exploró repetidamente el tema de la tauromaquia y en 1937 creó el importante cuadro Guernica, que critica la guerra. Esta obra se considera hoy una pieza clave del arte del siglo XX, inspirada en la destrucción de una ciudad española por los bombarderos alemanes durante la Guerra Civil Española.

Como partidario del gobierno republicano, Picasso luchó contra el general Francisco Franco y nunca regresó a España después de su victoria.

A partir de 1943, el pintor español mantuvo una relación sentimental con la artista francesa Françoise Gilot .

En los años siguientes, Picasso utilizó la litografía como su técnica gráfica predilecta y también experimentó con vidrieras y cerámica. Su segunda esposa, Jacqueline Roque, se convirtió en su modelo más retratada.

A diferencia de muchos artistas, Pablo permaneció en París durante la ocupación alemana. Desde 1946 hasta su muerte en 1973, vivió principalmente en el sur de Francia, donde continuó creando una amplia gama de obras de arte, incluyendo pinturas, esculturas, grabados y cerámica.

Pablo Ruiz y Picasso sufrió un infarto en Mougins, cerca de Cannes, en 1973, del que presumiblemente falleció (otras fuentes citan una embolia pulmonar como causa de muerte). Su legado perdura el Museo Picasso se inauguró póstumamente en 1985 Museo Picasso de París

A lo largo de su vida, el apasionado pintor mantuvo diversas relaciones con mujeres que a menudo le sirvieron de musas artísticas y amantes. Fue padre de cuatro hijos.

Pablo Picasso – Vida y obra en detalle

1881-1896: Infancia y primeros años

El artista del siglo provenía de una familia en la que su padre, José Ruiz Blasco, era profesor de arte y su madre se llamaba María Picasso López.

Incluso a los 10 años, demostró un talento excepcional para el dibujo y se convirtió en alumno de su padre después de que la familia se mudara a A Coruña en 1891. A partir de ese momento, comenzó a experimentar con lo aprendido y a desarrollar nuevas formas de expresión.

Su habilidad superó rápidamente la de su padre gracias a su enfoque exploratorio. En A Coruña, su padre lo apoyó en la exposición de sus primeras obras cuando Pablo tenía tan solo 13 años, una prueba de su talento y éxito.

En otoño de 1895, la familia se trasladó a Barcelona, ​​y Pablo se matriculó en la academia de arte de la ciudad (La Llotja), donde su padre trabajaba como profesor de dibujo. La familia tenía grandes esperanzas de que su hijo triunfara como pintor académico.

1897-1898: Primeros honores y mayor formación artística en Madrid

En 1897, la posterior fama de Pablo en España parecía asegurada; su cuadro "Ciencia y Caridad"en la Exposición de Bellas Artes de Madrid recibió una mención honorífica

La joven capital de España parecía ser el siguiente paso para el prometedor artista Pablo Ruiz, quien aspiraba al reconocimiento y quería cumplir con las expectativas de su familia.

En otoño de 1897, partió hacia Madrid y se matriculó en la prestigiosa Real Academia de San Fernando . Sin embargo, la enseñanza allí le resultó improductiva y, en cambio, dedicó cada vez más tiempo a observar la vida que le rodeaba: en cafés, en la calle, en burdeles y, sobre todo, en el Museo del Prado, donde la pintura española descubrió

Escribió con entusiasmo:

El museo de arte es precioso. Velázquez es de primera; El Greco creó unas cabezas magníficas, pero Murillo no me convence con todas sus obras

Las obras de estos famosos maestros, así como las de otros, inspiraron a Picasso en diversos momentos a lo largo de su dilatada carrera. Por ejemplo, en 1898, en el Museo del Prado, copió obras de Goya (un retrato del torero Pepe Illo y un dibujo para uno de los Caprichos que representa a una Celestina [alcahueta] revisando las medias de una joven Maja).

Estos personajes reaparecen más tarde en la obra tardía de Pablo Picasso: Pepe Illo aparece en una serie de grabados al aguafuerte (1957) y Celestina se convierte en una especie de autorretrato voyeurista, particularmente en la serie de grabados conocida como Suite 347 (1968).

El pintor enfermó en la primavera de 1898 y pasó la mayor parte del resto del año recuperándose en el pueblo catalán de Horta de Ebro, acompañado por su amigo Manuel Pallarès de Barcelona.

1899-1901: Influenciado por el ambiente artístico de Barcelona

Cuando Picasso regresó a Barcelona , su vida había cambiado drásticamente: se había fortalecido, había aprendido a vivir solo en el campo y ahora hablaba catalán. Pero, sobre todo, había decidido abandonar la escuela de arte y rechazar los planes que su familia tenía para su futuro.

Incluso prefería el apellido de su madre y solía firmar sus obras como PR Picasso. A finales de 1901, había abandonado por completo el apellido Ruiz.

En Barcelona se movió en un círculo de artistas y escritores catalanesque centraban su atención en París.

Eran sus amigos del Café Els Quatre Gats («Los Cuatro Gatos»), llamado así por el famoso Chat Noir («Gato Negro») de París. Picasso realizó allí su primera exposición en Barcelona en febrero de 1900, y le siguieron otras, en las que presentó más de 50 retratos (realizados con diversas técnicas).

Además, había un cuadro oscuro y evocador de "modernista"llamado "Últimos Momentos" (que posteriormente fue repintado), que representa a un sacerdote visitando el lecho de una mujer moribunda.

Esta obra fue aceptada para representar a España en la Exposición Universal de París. Ansioso por ver su propia obra en persona y experimentar París de primera mano, Pablo Picasso, junto con su compañero de estudio, el catalán Carlos Casagemas (1880-1901), se dispuso a conquistar, al menos en parte, Montmartre, si no todo París.

1900-1901: El descubrimiento de París y la pérdida de un amigo fiel

Uno de los descubrimientos artísticos más significativos que Picasso realizó durante su viaje a París (octubre-diciembre) fue el uso de colores vibrantes. No se trataba de los colores apagados de la paleta española ni del negro de los pañuelos de las mujeres españolas, sino de tonalidades brillantes, como las que Vincent van Gogh se encuentran

Utilizando diversos medios como el carboncillo, los pasteles, la acuarela y el óleo, Picasso plasmó la vida parisina (Los amantes en la calle, 1900). En la obra «Moulin de la Galette» (1900), rindió homenaje a artistas franceses como Henri de Toulouse-Lautrec , así como al artista suizo Théophile Alexandre Steinlen y a su compatriota Ramón Casas catalán

Tras un breve periodo de apenas dos meses, acompañó a Casagemas, quien se encontraba desesperado por una relación amorosa fallida, de regreso a España. En Málaga, Picasso intentó en vano animar a su amigo y finalmente decidió viajar a Madrid. Allí encontró un puesto como editor de arte en la recién fundada revista «Arte Joven».

Casagemas regresó a París, intentó dispararle a la mujer que amaba, luego se suicidó y murió. Las consecuencias para Pablo fueron significativas: no se trataba solo de que había perdido a su amigo leal y podría sentirse culpable por haberlo abandonado.

Aún más decisivo fue el hecho de que se inspiró en esta experiencia emocional y en el material recopilado, lo que produciría la poderosa expresividad de las obras de su llamado Período Azul.

Unos meses más tarde, en 1901, Picasso pintó dos retratos del difunto Casagemas, así como dos escenas de dolientes y un conjuro. En 1903, el propio Casagemas fue retratado como artista en el misterioso cuadro "La Vie" .

1901-1904: El período azul de Pablo Picasso

comenzó Periodo Azul , durante el cual Pablo Picasso conoció a otros artistas con quienes discutió sobre su obra. En aquel entonces ya vivía en Montmartre, París, y se rodeó de poetas, pintores y escritores, entre ellos Max Jacob y Juan Gris (un importante representante del cubismo junto con Georges Braque), así como Guillaume Apollinaire, Gertrude Stein y Henri Matisse.

Entre 1901 y mediados de 1904, Picasso viajó entre Barcelona y París. Durante este tiempo, el azul fue el color dominante en sus pinturas. Transportaba materiales para su obra de un lugar a otro.

Un ejemplo de ello son sus visitas a la prisión femenina de Saint-Lazare en París entre 1901 y 1902, que le proporcionaron modelos gratuitas y temas fascinantes (La sopa, 1902).

Sus representaciones de la gente de la calle de Barcelona reflejaban estas visitas: mendigos ciegos o solitarios y náufragos en los años 1902-1903 (Mujer agachada, 1902; La comida del ciego, 1903; Viejo judío y un niño, 1903).

también la maternidad preocupaba a Picasso en aquella época, ya que a las mujeres se les permitía tener a sus hijos lactantes con ellas en prisión. En su búsqueda de material para expresar temas tradicionales de la historia del arte de forma contemporánea, se inspiró en esta situación (la posibilidad de que las mujeres tuvieran a sus hijos lactantes con ellas en prisión).

1904-1906: Traslado a París y Período Rosa

En la primavera de 1904, Pablo Picasso tomó finalmente la decisión de trasladarse definitivamente a París, y su obra refleja un cambio de mentalidad y, en particular, una reacción a diferentes corrientes intelectuales y artísticas.

El circo ambulante y las piruetas se convirtieron en un tema recurrente en su obra, compartiendo con un nuevo e importante amigo, Guillaume Apollinaire. Tanto para el poeta como para el pintor, estos artistas itinerantes sin raíces ("Niña haciendo equilibrio sobre una pelota", 1905; "El actor", 1905) se convirtieron en una especie de alusión a la posición del artista en la sociedad moderna.

Picasso hizo explícitamente esta identificación en "Familia de saltimbanquis" (1905), donde él asume el papel de Arlequín y Apollinaire es el hombre fuerte (según su amigo común, el escritor André Salmon).

Las circunstancias personales de Picasso también cambiaron cuando Fernande Olivier se convirtió en su amante a finales de 1904. Su presencia inspiró muchas obras en los años previos al cubismo, en particular durante su viaje a Gosol en 1906 (Mujer con panes).

Sorprendentemente, el color nunca fue algo que le resultara fácil al talentoso pintor, por lo que regresó a una paleta generalmente más española (es decir, monocromática).

Los tonos del Periodo Azul fueron reemplazados en el Periodo Rosa, desde finales de 1904 hasta 1906, por los de la cerámica, la carne y la tierra misma (El harén, 1906). Picasso parece haber trabajado con el color para aproximarse a la forma escultórica, particularmente en 1906 (Dos desnudos; El tocador).

Su retrato de Gertrude Stein (1906) y un autorretrato con paleta (1906) muestran esta evolución, así como la influencia de su descubrimiento de la escultura ibérica arcaica.

1906-1909: Mucho revuelo sobre Les Demoiselles d'Avignon

En 1906, Pablo Picasso comenzó a trabajar en una obra controvertida titulada «Las señoritas de Aviñón»,caracterizada por su representación violenta del cuerpo femenino y la pintura de los rostros con aspecto de máscara. Si bien se enmarcaba en la tradición artística, fue percibida como un ataque directo, ya que las mujeres eran prostitutas y desafiaban las convenciones.

Picasso mantuvo el cuadro fuera de la vista del público durante varios años, a pesar de que ya contaba con coleccionistas. En 1908, sustituyó las rayas de influencia africana y las cabezas con aspecto de máscara por una nueva técnica, elementos de las obras de Cézanne habían incorporado.

Las pinturas de Picasso de 1909, en particular, exhibían el espacio plano y las pinceladas características que habían descubierto en la obra de Cézanne. Los bodegones se convirtieron en un tema importante para Picasso, inspirado por Cézanne. Entre las cabezas cubistas de Fernande se encontraban la escultura "Cabeza de mujer" (1909) y varias pinturas relacionadas, como "Mujer con peras" (1909).

1909-1912: La invención del cubismo

Picasso y Braque trabajaron estrechamente juntos en los años siguientes (1909-1912); esta fue la única ocasión en la que Picasso colaboró ​​de esta manera con otro artista.

Juntos desarrollaron lo que se conoce como cubismo analítico. Las primeras pinturas cubistas a menudo fueron malinterpretadas por críticos y espectadores, ya que arte geométrico simplemente se las consideraba

Sin embargo, los propios pintores estaban convencidos de que sus obras representaban una nueva forma de realidad , que se diferenciaba del estilo tradicional del Renacimiento , en particular por la renuncia a la perspectiva y las ilusiones.

Por ejemplo, en sus lienzos mostraban simultáneamente diferentes vistas de un objeto para transmitir más información de la que hubiera sido posible en una única representación limitada e ilusoria.

Para Kahnweiler , galerista germano-francés, historiador del arte y escritor erudito de la época de Picasso, el cubismo era un método para abrir formas cerradas. En lugar de imitar objetos de forma ilusionista, estos se "reproducían".

Apollinaire comparó este proceso analítico de fragmentación de objetos, espacio, luz y sombra y color con una disección quirúrgica.

Picasso aplicó este tipo de análisis a partir de 1909, y en particular en los paisajesque pintó durante un viaje a España en el verano de ese año (Fábrica en Horta de Ebro). En 1910 le siguió una serie de retratos herméticos (Ambroise Vollard; Daniel-Henry Kahnweiler); en sus pinturas de 1911-1912, las figuras suelen sentarse frente a instrumentos musicales (El acordeonista, 1911).

Aquí, el artista fusionó figuras, objetos y espacio de forma inquieta. La paleta se limitó, una vez más, a tonos monocromáticos de ocre, marrón y gris.

Picasso, al igual que muchos de sus ahora legendarios amigos, vivía en la residencia de artistas Bateau-Lavoiren aquella época; había mucha actividad: el banquete que Picasso ofreció a Henri Rousseau fue la comidilla de la ciudad durante mucho tiempo, y Picasso y Apollinaire fueron acusados Mona Lisa ​​de robar

Ni Braque ni Picasso pretendieron abrazar plenamente la abstracción en sus obras cubistas. Sin embargo, aceptaron tácitamente inconsistencias como diferentes puntos de vista, ejes y fuentes de luz dentro de la misma imagen. Además, la combinación de elementos abstractos y figurativos en un mismo plano llevó a ambos artistas a reexaminar el significado de elementos bidimensionales como los pies de foto de los periódicos.

Un ejemplo de esto es el título de la canción "Ma Jolie",que podría referirse a eventos ajenos al cuadro o a elementos compositivos dentro de la propia pintura. La inclusión de texto generó la fuerte impresión de que las pinturas cubistas podían interpretarse desde el plano pictórico, en lugar de (como es tradicional) sumergirse en ellas.

Además, la manipulación de la forma de la imagen por parte de los cubistas (por ejemplo, utilizando un óvalo) redefinió el borde de la obra de arte y enfatizó que en una pintura cubista el lienzo representa el espacio real.

las obras de Picasso fueron ganando reconocimiento internacional gradualmente; atrajeron la atención en Alemania en 1910 y en Estados Unidos en 1911. Tras un período de inactividad artística durante la Primera Guerra Mundial, se embarcó en una incursión, tanto artística como de otro tipo, en el ballet, que culminó con su matrimonio, momento en el que abandonó su estilo de vida bohemio.

1912-1915: Cubismo sintético: el nacimiento del collage

A partir de 1912, Picasso y Braque comenzaron a añadir papel real (papier collé) y otros materiales (collage) a sus lienzos.

De este modo, desarrollaron aún más el concepto cubista de la obra de arte como un objeto independiente y construido. Durante la fase sintética , entre 1912 y 1914, se reintrodujeron los colores, al tiempo que se utilizaban con frecuencia materiales industriales como arena o papel pintado impreso.

Los bodegones y, ocasionalmente, las cabezas fueron los motivos principales de ambos artistas. En las obras de Picasso, diversas referencias se fusionan en sus composiciones sintéticas: curvasque aluden tanto a guitarras como a orejas.

Esto introduce un elemento lúdico en sus obras, característico de muchas de ellas (por ejemplo, «Estudiante con pipa», 1913). Estas referencias sugieren que una cosa se transforma en otra.

Un ejemplo de ello es la obra “Vaso de absenta” (1914; seis versiones). Consta en parte de una escultura (fundición en bronce), en parte de un collage (un colador de azúcar de plata real está soldado en la parte superior) y en parte de una pintura (pinceladas neoimpresionistas cubren áreas blancas).

Pero esta obra no es escultura, ni collage, ni pintura; tiene capas que remiten a la bidimensionalidad, aunque el objeto sea en realidad tridimensional. La obra, por lo tanto, oscila entre la realidad y la ilusión.

En 1915, la vida de Picasso dio un giro decisivo, y con ella, la dirección de su arte. A finales de ese año, falleció su amada Eva, y el cuadro "Arlequín" (1915), en el que trabajó durante su enfermedad, da testimonio de su dolor. Representa a un artista, mitad Arlequín, mitad Pierrot, frente a un caballete con un lienzo sin terminar sobre un fondo negro.

1915-1917: Primera Guerra Mundial, Vanguardia y Desfile

El círculo que rodeaba al cubismo se desintegró con la Primera Guerra Mundial. Mientras Apollinaire, Braque y otros partían al frente, la mayoría de los compatriotas españoles de Picasso regresaron a su patria neutral. Picasso permaneció en Francia y en 1916 entabló amistad con el compositor Erik Satie, lo que lo introdujo en un nuevo círculo de vanguardia que se mantuvo activo incluso durante la guerra.

El joven poeta Jean Cocteau se autoproclamó líder de este talentoso grupo de personas que frecuentaban el Café de la Rotonde . La idea de Cocteau de realizar una representación teatral en tiempos de guerra, en colaboración con los Ballets Rusos de Serge Diaghilev, dio lugar a la creación de "Parade", una obra sobre un espectáculo circense que incorporaba imágenes del nuevo siglo, como rascacielos y aviones.

Para la música, Cocteau recurrió a Satie, y para la escenografía y el vestuario, a Picasso. Las obras comenzaron en 1917, y aunque a Picasso no le gustaba viajar, aceptó ir a Roma con Cocteau para unirse a Diaghilev y al coreógrafo Léonide Massine.

Fue en esta ocasión cuando Picasso conoció a su futura esposa, Olga Khokhlova, entre las bailarinas. "Parade" se estrenó en mayo de 1917 en el Théâtre du Châtelet de París y fue vista como un intento de socavar la solidaridad de la cultura francesa.

Satie parecía ser el blanco principal de los insultos, en parte por la inclusión de hélices de avión y máquinas de escribir en la partitura. Picasso desarmó al público con el contraste entre el telón, fundamentalmente realista, y las impresionantes construcciones cubistas sintéticas de los personajes del ballet, especialmente del director de la función.

1917-1924: El nuevo mediterraneismo

Las pinturas y dibujos de Picasso de finales de su adolescencia a menudo parecen sorprendentemente realistas en contraste con sus obras cubistas anteriores, que a veces fueron creadas en paralelo (como "Passeig de Colom", 1917).

Tras sus viajes a Italia surgió en su obra nuevo espíritu mediterráneo, particularmente a través del uso de formas clásicas y técnicas de dibujo.

Esto se vio reforzado por su compromiso consciente con J.-A.-D. Ingres (por ejemplo, en los retratos que Picasso hizo de Max Jacob y Ambroise Vollard), así como con el difunto Pierre-Auguste Renoir. Incluso su obra cubista se vio influenciada.

Se convirtió en un pintor consagrado, representado mundialmente por dos marchantes de arte a partir de 1918. Ese año, Picasso rompió definitivamente con el cubismo, experimentando con diversos estilos hasta 1924.

Mediante una representación más precisa de superficies, formas y colores, el artista dotó a sus pinturas cubistas de una expresión clásica. Esto se aprecia claramente en la naturaleza muerta «San Rafael» (1919) o en las dos versiones de «Tres músicos» (1921).

Paulo, el único hijo de Picasso con Olga, nació en 1921. Gracias a su recién adquirida reputación como figura destacada de la alta sociedad, Picasso continuó su colaboración con los Ballets Rusos. Durante este tiempo, diseñó el vestuario para El sombrero de tres picos (1919), Pulcinella de Igor Stravinsky de Falla Cuadro Flamenco (1921) y el ballet Mercure de Satie en Soirées de Paris Kompanie (1924).

André Breton describió los diseños de Picasso para este ballet como "juguetes trágicos para adultos",con el espíritu del surrealismo creados

1924-1935: Influencias surrealistas

Aunque Picasso nunca fue miembro oficial del grupo, mantuvo estrechos vínculos con el movimiento literario y artístico más importante del período entre las dos guerras mundiales: el surrealismo. El establishment surrealista, incluido su principal propagandista, André Breton, lo reivindicó como uno de los suyos, y el arte de Picasso adquirió una nueva dimensión gracias al contacto con sus amigos surrealistas, especialmente con los escritores.

Muchos elementos avalados por el círculo oficial ya estaban arraigados en la obra de Picasso desde Las señoritas. La creación de monstruos, por ejemplo, podía percibirse sin duda en las inquietantes yuxtaposiciones y los contornos fracturados de la figura humana en las obras cubistas; Breton destacó en particular La extraña mujer con camisa (1913).

Además, la idea subyacente del cubismo sintético, leer una cosa por otra, parecía alinearse con la imaginería onírica de los surrealistas.

Lo que Picasso obtuvo del movimiento surrealista fueron nuevos temas , especialmente eróticos , así como una intensificación de elementos perturbadoresque ya estaban presentes en su obra.

Las numerosas variaciones sobre el tema de los bañistas, con sus formas abiertamente sexuales y distorsionadas (serie Dinard, 1929), demuestran claramente la influencia del surrealismo. En otras obras, el efecto de la distorsión en las emociones del espectador también puede interpretarse como gratificante, lo que se corresponde con los objetivos psicológicos del surrealismo. Los dibujos y pinturas de la Crucifixión (1930-1935) son un buen ejemplo de ello.

En la década de 1930, Picasso, al igual que muchos escritores surrealistas, jugaba a menudo con la idea de la metamorfosis. Por ejemplo, la imagen del Minotauro, el monstruo de la mitología griega —mitad toro y mitad hombre—, tradicionalmente visto como la encarnación de la lucha entre el hombre y la bestia, se convierte en la obra de Picasso no solo en una alusión a esta idea, sino también en una especie de autorretrato.

Por esta época, su matrimonio también empezó a tambalearse; Picasso a veces tenía dos amantes a la vez, quienes, en su opinión, "deberían resolver su rivalidad entre ellos".durante este periodo, conexión entre la sexualidad y la creatividad artística un tema que lo ocuparía hasta el final de su vida.

Finalmente, Picasso encontró su propia forma singular de surrealismo, que expresó principalmente a través de la poesía . En 1935, comenzó a escribir poemas y, en el plazo de un año, desde febrero de 1935 hasta la primavera de 1936, Picasso prácticamente abandonó la pintura.

Sus poemarios fueron publicados en Cahiers d'Art (1935) y La Gaceta de Arte (1936 en Tenerife). Unos años más tarde, escribió la obra de teatro surrealista «Le Désir attrapé par la queue» (1941; El deseo atrapado por la cola).

Sin embargo, antes llegó la Guerra Civil Española (1936-1939), que conmocionó a Picasso y dio como resultado el famoso cuadro Guernica .

Inmediatamente después llegó la Segunda Guerra Mundial; durante este tiempo, Picasso permaneció en París. En 1945, el aislamiento terminó y Picasso se dirigió al sur de Francia, donde creó su obra tardía en diversos lugares.

Esto incluye también la paloma de la paz , que todos conocemos y que él diseñó en 1949 para un cartel del Congreso Mundial por la Paz en París.

Obras de Pablo Picasso en nuestra galería online:

Una retrospectiva completa de la obra del maestro cubista:

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Lista de fuentes y bibliografía

libros

• Karmel, Pepe: Picasso y la invención del cubismo. New Haven: Yale University Press, 2003.
• Léal, Brigitte, Christine Piot y Marie-Laure Bernadac: El Picasso definitivo. Nueva York: Abrams, 2003.
• Olivier, Fernande: Amando a Picasso: El diario privado de Fernande Olivier. Editado por Marilyn McCully. Nueva York: Abrams, 2001.
• Richardson, John: Una vida de Picasso. 2 vols. Nueva York: Random House, 1991-96.

Internet

• Britannica: Pablo Picasso, https://www.britannica.com/biography/Pablo-Picasso/Cubism
• James Voorhies: Pablo Picasso (1881–1973), Departamento de Pintura Europea, Museo Metropolitano de Arte, https://www.metmuseum.org/toah/hd/pica/hd_pica.htm
• NEUMEISTER – Casa de subastas de arte de Múnich: Pablo Picasso, https://www.neumeister.com/kunstwerksuche/kuenstler/3729/0/