En nuestro artículo "Arte Abstracto: Todo sobre el Movimiento de Arte No Representativo", exploramos el arte abstracto como concepto, un movimiento artístico influyente y cómo interactuar con él. Aprendimos que "arte no representativo" o "arte no objetivo" es un término colectivo que designa los movimientos artísticos del siglo XX que surgieron después de 1900.
El denominador común más significativo en las obras abstractas es el alejamiento de la naturaleza y de los objetos reales como motivos y, en consecuencia, la ruptura con los principios tradicionales, académicamente arraigados, del realismo clásico.
Obra de arte abstracta colorida de Steve Johnson @steve_j, vía Unsplash.com
En resumen: Los principios de los artistas abstractos se basan en el rechazo a cualquier representación. Se dice que su conciencia y su impulso creativo están impulsados exclusivamente por la estética en sí misma.
Las raíces de la abstracción en el diseño pictórico se remontan incluso a la antigua Grecia, donde Platón ya expresó la necesidad de un diseño no representativo utilizando formas y patrones geométricos.
Naturalmente, este tipo de arte creativo no ha permanecido inalterado en su forma original hasta nuestros días, sino que ha experimentado una evolución y desarrollo natural. Esto puede visualizarse como la ramificación de un árbol viejo con un tronco orgulloso y raíces profundas.
A lo largo de décadas y siglos, han surgido numerosas subformas, variaciones, movimientos paralelos y contratendencias, todas ellas interconectadas y a menudo polinizadas entre sí.
Por lo tanto, nos gustaría guiarle en un breve recorrido por las fases más importantes y formativas del arte abstracto, concreto y moderno . Siempre que sea posible, nos esforzamos por destacar los puntos de inflexión, las conexiones y las relaciones causales significativas para que pueda obtener una comprensión coherente.
Si después de leer nuestra última publicación sobre este tema te faltaban una o dos piezas del rompecabezas, es posible que las encuentres aquí.
Existe consenso entre los historiadores del arte respecto a que el arte abstracto ya se utilizaba en forma de grabados prehistóricos hace unos 70.000 años.
Arte parietal en la cueva de El Castillo, Cantabria, España. Paleolítico superior. Fuente de la imagen: Gobierno de Cantabria, CC BY 3.0, vía Wikimedia Commons
Prueba de ello son, por ejemplo, dos rocas grabadas con patrones geométricos abstractos halladas en la cueva de Blombos , Sudáfrica. Decenas de miles de años después, se descubrieron los puntos rojizos abstractos y las plantillas de manos en las pinturas de la cueva de El Castillo que datan del 39 000 al 34 000 a. C.
Los símbolos abstractos también fueron la forma predominante del arte rupestre paleolítico y se encontraron en las excavaciones aproximadamente el doble de veces que las pinturas figurativas.
El realismo clásico hasta finales del siglo XIX
Casi hasta finales del siglo XIX, los principios y métodos de los artistas en la pintura y la escultura estuvieron fuertemente influenciados por los estándares y doctrinas académicas.
Una desviación del modelo tradicional del realismo clásico fue mal vista y recibida con desprecio. Las principales academias de arte europeas se apropiaron del poder de interpretación y proclamaron que el deber primordial del arte era proporcionar una escena u objeto reconocible.
Representantes importantes del Romanticismo con influencia en el arte abstracto:
Joseph Mallord William Turner (1775-1851): pintor, acuarelista y dibujante inglés. Posiblemente el artista visual más importante de Inglaterra durante el Romanticismoexpresionismo vanguardista evolucionó hacia la abstracción.
Hombres de quilla flotando en brasas por la noche, de William Turner, varios artistas [CC0], vía Wikimedia Commons
Tendencia hacia la abstracción en el impresionismo
En el último cuarto del siglo XIX, la situación cambió gradualmente y el corsé conservador comenzó a resquebrajarse. Como primera fuerza subversiva, el arte impresionista (1870-1880) demostró que el estricto estilo académico de la pintura naturalista ya no era la única forma auténtica de crear arte significativo.
La paleta técnica de los impresionistas no era, por lo general, muy naturalista, aunque el arte impresionista solía derivarse firme y claramente del mundo real. Los movimientos intraimpresionistas del puntillismo neoimpresionista y el postimpresionismo resaltaron de forma impresionante el poder del color.
uno piensa en el uso del amarillo brillante en las obras de Vincent van Gogh , casi parece como si el artista estuviera capturando la luz misma en ellas.
Más tarde, en las primeras décadas del siglo XX, otras técnicas –como el uso estilístico del color, el abandono de la representación tridimensional y el recurso a formas geométricas simples– impulsarían la búsqueda de la abstracción y proporcionarían nuevas herramientas a sus artistas.
Representantes importantes del (post)impresionismo con influencia en el arte abstracto:
James McNeill Whistler (1834-1903) fue un pintor y grabador estadounidense residente en Gran Bretaña. Fue especialmente conocido por sus pinturas a color semiabstractas.
Claude Monet , importante pintor francés, osciló entre el naturalismo y la abstracción en sus pinturas después de 1890.
Vincent van Gogh – Pintor y dibujante holandés, considerado uno de los fundadores de la pintura moderna.
Paul Gauguin fue un influyente pintor francés. Su obra postimpresionista influyó profundamente en los nabis y el simbolismo; fue cofundador del sintetismo y pionero del expresionismo .
Henri de Toulouse-Lautrec – pintor y artista gráfico francés del movimiento postimpresionista
Paul Cézanne (1839-1906) – Pintor francés cuya obra se asocia con diversos estilos. Buscó constantemente renovar los métodos tradicionales de composición basados en los principios impresionistas. Sus naturalezas muertas y paisajes se consideran importantes puntos de partida para la abstracción.
Paul Sérusier (1864-1927) – Pintor postimpresionista francés. Fundador del grupo de artistas simbolistas Nabis y fuertemente influenciado por Gauguin.
Movimiento Art Nouveau/Art Nouveau
El desarrollo del arte abstracto también se vio influenciado por el movimiento Art Nouveau (alrededor de 1890-1914). Entre los movimientos artísticos asociados con el Art Nouveau se encuentran el Estilo Reforma (que siguió al movimiento Reformista) y el Estilo Secesión (que siguió a la Secesión de Viena).
El término Jugendstil (Art Nouveau) fue acuñado por Georg Hirth en Múnich a finales de 1895, a través de una revista cultural ilustrada llamada «Jugend» (Juventud). Este movimiento artístico puede entenderse como una reacción, principalmente de jóvenes artistas y artesanos, contra el historicismo retrógrado de la época. También sirvió como crítica a la aparente falta de alma de la industrialización de principios del siglo XX.
Sin embargo, fue el término francés «Art Nouveau» el que se impuso internacionalmente. Este surgió de la galería «La Maison de l'Art Nouveau», que el comerciante de arte hamburgués Siegfried Bing había abierto en París a finales del siglo XIX.
Los rasgos típicos del Art Nouveau son, por un lado, las líneas largas y curvas que toman como modelo las formas orgánicas de las plantas, pero también los ornamentos geométricos planos y lineales con tendencia al diseño asimétrico.
Independiente y gratuito gracias a tu clic.
con elsímbolo - son enlaces de afiliados. Solo recomendamos productos que usamos (o usaríamos). Si haces clic en los enlaces de afiliados de nuestro contenido, podríamos recibir una comisión por tu compra (sin coste adicional para ti). Así financiamos nuestro contenido editorial gratuito (más detalles aquí).
El representante más importante del movimiento Art Nouveau es el niño de oro vienés Gustav Klimt .
Gustav Klimt – Paisaje de jardín italiano (1913)
Fuertes tendencias simbolistas se pueden ver ya en “Las muchachas” del representante del Art Nouveau Gustav Klimt
Del expresionismo alemán a la piedra angular de la pintura
El uso del color y la forma fue fundamental para el desarrollo del arte abstracto. El impresionismo allanó el camino para un mayor uso del color como recurso estilístico, pero fue el expresionismo alemán el que lo convirtió en una piedra angular indispensable de la pintura.
El libro de Wassily Kandinsky"De lo espiritual en el arte" (1911) se convirtió en una obra fundamental de la pintura abstracta. Kandinsky sufría de sinestesia, lo que explica su inusual sensibilidad al color. No solo veía los colores, sino que también los oía (percepción con dos sentidos). Vivía, en cierto sentido, una fusión de arte visual y música .
No es de extrañar, entonces, que el efecto emocional de la forma, la línea y, especialmente, el color en la pintura lo fascinaran tan excesivamente y moldearan toda su obra.
Como muchos otros artistas abstractos, Kandinsky creía que la música encarnaba el arte abstracto en su sentido más puro, con su capacidad de ser expresiva sin representar el mundo real. Kandinsky se refería a sus obras como «composiciones».
Al mismo tiempo, sin embargo, advirtió repetidamente que el deseo de abstracción no debe utilizarse como mera decoración, sin poner en peligro la seriedad del arte.
De todas las artes, la pintura abstracta es la más difícil. Requiere saber dibujar bien, tener un marcado sentido de la composición y el color, y ser un verdadero poeta. Esto último es esencial
Se citó a Kandinsky.
Wassily Kandinsky: Pintura abstracta «Amarillo, rojo y azul» (1925)
El expresionismo alemán se caracteriza por su paleta de colores saturados y la correspondencia de los colores con las emociones humanas. En general, la experimentación con el color y la evocación de emociones fue un interés primordial de los artistas abstractos.
La mayoría de los expresionistas alemanes, como Ernst Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Max Ernst, Alexei Jawlensky, Oskar Kokoschka, Franz Marc, August Macke y Max Beckmann , no fueron pintores abstractos en sentido estricto.
Sin embargo, su paleta vibrante, junto con los escritos teóricos de Kandinsky, alarmaron y animaron a otros artistas con una inclinación más abstracta a perseguir esto con toda su fuerza.
August Macke – Jardín Zoológico I. 1912
Se acepta generalmente que artistas como Piet Mondrian, Wassily Kandinsky y Kazimir Malévich fueron fundamentales en el establecimiento del arte abstracto. Sin embargo, algunas de las primeras obras conocidas provienen de la artista pionera Hilma af Klint . Inicialmente, creó obras figurativas tradicionales, pero sus pinturas radicales surgieron de su interés por el espiritualismo.
El espiritismo era un movimiento muy popular en aquella época en los círculos artísticos y literarios, que creían en la posibilidad de comunicarse con los espíritus de los difuntos. Junto con un grupo de cuatro mujeres, posteriormente conocidas como "Las Cinco ", Klint dirigía sesiones espiritistas y meditaba. Gracias a ello, se convenció de que un espíritu llamado Amaliel le había encargado la creación de pinturas para decorar un templo.
La artista informó que Amaliel guió su mano y trabajó con inmensa devoción, creando un total de 193 pinturas para este proyecto en 1915. Consciente de la naturaleza radical de su trabajo, Klint lo mantuvo en secreto y estipuló que no podría hacerse público hasta 20 años después de su muerte.
A pesar de esta regulación, su obra recién comenzó a recibir atención en 1986 y ahora finalmente está siendo valorada como corresponde: la exposición de Klint en 2019 en el Museo Guggenheim de Nueva York fue la exposición más visitada en la historia de la institución hasta ese momento.
Los diez más grandes, n.° 7, edad adulta, grupo IV, 1907 de Hilma af Klint
El estilo vanguardista parisino paralelo del fauvismo (1905-1908) sólo enfatizó marginalmente el efecto del color, por ejemplo con obras como “Estudio rojo” (1911, MoMA, NY) de Henri Matisse .
Aquí también, el rechazo de la perspectiva tridimensional es una característica definitoria. El fauvismo representa objetos con colores intensos y arbitrarios.
Henri Matisse fue posiblemente el fauvista más famoso, y obras como "La franja verde" (1905) aún se citan como ejemplos destacados del estilo característico de este movimiento artístico. La obra es un retrato de su esposa con piel verde y amarilla sobre un fondo multicolor. Entre los pintores orfistas famosos se encuentra Robert Delaunay , cuyas "Ventanas simultáneas sobre la ciudad" (1912) y "El primer disco" (1912-1913) consisten en múltiples manchas o segmentos de diferentes colores. Georgia O'Keeffe es conocida por sus coloridas pinturas abstractas de flores, de cortes precisos.
Junto con Matisse, Marlow Moss una artista que abrazó claramente la abstracción durante este período. El crítico Charles Darwent, en The Guardian , la describió como una fiel seguidora de Mondrian. Aunque algunos la consideran una imitadora del padre del neoplasticismo, también podría argumentarse que la influencia fue recíproca. Sus obras del período posterior al redescubrimiento de Mondrian muestran su influencia, pero fue Moss quien incorporó por primera vez líneas dobles en sus obras cuadriculadas en 1931.
Un año después, Mondrian siguió este enfoque y creó "Composición con doble línea y amarillo" . En gran medida olvidada en la historia del arte abstracto, la obra de Moss ha experimentado, con razón, una especie de resurgimiento en los últimos años.
El cubismo y la disolución de la profundidad de campo y la perspectiva
El nacimiento del Cubismo (1908-1914) puede considerarse una reacción directa a la belleza decorativa y la estética del Impresionismo. Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963) desarrollaron este nuevo estilo en varias etapas con esta consciencia.
La obra semiabstracta de Picasso "Las señoritas de Avignon", de 1907 (hoy en el MoMA de Nueva York), todavía formaba parte de la primera fase del prototipo del cubismo.
Les demoiselles d'Avignon de Pablo Picasso Dario Mastromattei [CC BY-SA], vía Wikimedia Commons
La fase final del Cubismo Sintético se orientó significativamente más hacia el collage. Su concepto básico se basó en la evolución del arte visualmente atractivo, pero trivial, del Impresionismo hacia una forma de arte más intelectual. El objetivo principal de los cubistas era explorar nuevos métodos para representar la realidad.
Un rasgo característico de las obras cubistas fue la disolución del método académico de representar la realidad mediante el uso de la perspectiva lineal (profundidad) para lograr el efecto tridimensional habitual de una pintura.
Por el contrario, los cubistas mantenían todo en un plano bidimensional, sobre el que disponían diferentes "vistas" del mismo objeto.
Aunque la mayoría de las obras cubistas todavía se originan a partir de objetos o escenas con referencias del mundo real y, por lo tanto, no pueden considerarse completamente abstractas, el rechazo del movimiento a la perspectiva tradicional socavó por completo el realismo natural en el arte, abriendo así la puerta de par en par a la abstracción pura.
Representantes importantes del cubismo con influencia en el arte abstracto:
Francis Picabia (1879-1953) – Pintor francés con influencia del cubismo, el dadaísmo y el surrealismo.
Carlo Carra (1881-1966) – Conocido por sus primeras pinturas cubistas y futuristas.
Albert Gleizes (1881-1953) – Pintor cubista, coautor de Du Cubisme, el primer libro encuadernado sobre el cubismo.
Jean Metzinger (1883-1957) – se inspiró en el cubismo analítico; publicó “Du Cubisme” junto con Albert Gleizes.
Roger de la Fresnaye (1885-1925) – Utiliza la simplicidad geométrica del cubismo para hacer declaraciones concretas y con motivaciones políticas.
Juan Gris (1887-1927) – Pintor español y destacado teórico del cubismo
Constantin Brancusi (1876-1957), escultor abstracto de inspiración cubista, también estuvo influenciado por el arte africano y oriental.
Raymond Duchamp-Villon (1876-1918) – utilizó herramientas cubistas para representar el movimiento
Jacques Lipchitz (1891-1973) – importante escultor franco-estadounidense del siglo XX.
Orfismo
Este estilo de pintura abstracta de principios del siglo XX también se cubismo órfico y tenía como objetivo combinar la composición cubista con el color y la música.
El término deriva del mítico cantante y intérprete de lira Orfeo y fue moldeado significativamente por Guillaume Apollinaire en 1912 a partir de las obras de intenso colorido de Robert Delaunay .
Robert Delaunay – Ritmo, alegría de vivir
El orfismo se caracteriza más por manchas de color brillantes que por objetos figurativos. Sobre todo, las formas circulares de colores vibrantes son las características más destacadas de este movimiento artístico .
Representantes importantes del Vorticismo:
Robert Delaunay – pintor vanguardista francés que también escribió obras teóricas sobre el arte
Franz Kupka – Pintor checo. El color siempre jugó un papel crucial para Kupka.
Vorticismo
El vorticismo fuertemente influenciado por la terminología cubista. El término deriva del latín "vortex", que significa "tormenta" o "remolino".
Fundado por Percy Wyndham Lewis (1882-1957), el vorticismo se consideraba explícitamente una contribución específicamente inglesa al modernismo. Al igual que el cubismo, se posicionó como un contraconcepto a las representaciones realistas en el arte. Además, el vorticismo cualquier imperativo moral e insistía en la autonomía de la obra de arte.
Representantes importantes del Vorticismo:
Richard Aldington – Escritor inglés y editor de la revista de vanguardia "The Egoist".
Malcolm Arbuthnot – es considerado el inventor de la “Vortografía”
Lawrence Atkinson – Artista, músico y poeta inglés
Jessica Dismorr – pintora inglesa y una de las dos únicas mujeres activas en el movimiento vorticista
Henri Gaudier-Brzeska - escultor francés
Cuthbert Hamilton – Artista británico
Wyndham Lewis – Escritor y pintor británico, cofundador del Vorticismo y editor de la revista Blast.
Ezra Pound , poeta estadounidense, es considerado uno de los representantes más destacados del modernismo literario.
William Roberts – pintor británico del cubismo y cofundador del vorticismo
Helen Saunders – pintora inglesa
Edward Wadsworth – pintor británico que se basó en el futurismo y el cubismo para desarrollar el arte geométrico hasta el punto de la abstracción.
Futurismo
futurista italiano (1909-13) fue fundado en gran medida por Marinetti (1876-1944) y expresado Gino Severini (1883-1966) y Giacomo Balla
Este movimiento también estuvo influenciado por el cubismo y, a su vez, inspiró a numerosos pintores con su énfasis en el movimiento y la tecnología. En escultura, el futurismo tuvo el mayor impacto en el desarrollo del arte cinético e influyó en escultores abstractos como Naum Gabo (1890-1977) y Alexander Calder (1898-1976).
Tubismo
Casi simultáneamente, surgió otro movimiento artístico relacionado. En relación con el arte de Fernand Léger (1881-1955), ya no se podía hablar de cubismo, sino de tubismo (arte del tubo) .
En este enfoque, se utilizaron elementos cilíndricos y esféricos en lugar de los elementos planos y superpuestos del cubismo. Esto dio lugar a numerosas pinturas con motivos mecánicos que reflejaban la creencia futurista de Léger en la tecnología.
El suprematismo ruso conduce a nuevas formas geométricas
El movimiento ruso de arte abstracto se conoce como suprematismo . Fue fundado en 1915 por su figura principal, Kazimir Malévich (1878-1935), como expresión de la superioridad de los sentimientos y las percepciones sensoriales en el arte.
Indudablemente influenciado por Kandinsky, Malévich creó una serie de excepcionales pinturas abstractas de vanguardia, con bloques rectangulares monocromáticos sobre fondo blanco. De este modo, enfatizó la planitud de la forma en sus obras. En este sentido, probablemente se adelantó décadas a su tiempo.
“El cuadrado negro” (1915) de Kazimir Malévich, impresión planográfica sobre papel
declarada oficialmente, con rotundidad, en su libro "El mundo no objetivo"
Constructivismo y rayonismo
Vladimir Tatlin (1885-1953) es considerado el principal impulsor de la fundación del constructivismo . Lyubov Popova (1889-1924), junto con Alexander Rodchenko (1891-1956), también fueron cofundadores. Esta escuela se centró en el espacio, los nuevos materiales, las formas tridimensionales y la conexión entre la ciencia y el arte. Lyubov Popova también fue un miembro destacado del movimiento suprematista.
Otro interesante movimiento artístico ruso que creó un nuevo tipo de pintura fue el rayonismo (o luchismo). Este movimiento se extendió entre 1912 y 1914 y fue iniciado Mijaíl Lariónov (1881-1964) y Natalia Goncharova
Entre los escultores abstractos fuertemente influenciados por las ideas suprematistas/constructivistas se incluyen Sophie Taeuber-Arp (1889-1943) y Naum Gabo (1890-1977).
Las influencias de De Stijl
De Stijl fue originalmente un grupo neerlandés de pintores, arquitectos y diseñadores. El nombre rápidamente adquirió mayor reconocimiento gracias a la fundación de una asociación de artistas y una revista neerlandesa de diseño y estética.
Esto condujo rápidamente al desarrollo de un movimiento artístico de vanguardia dedicado principalmente a la abstracción geométrica. Theo Van Doesburg (1883-1931) es considerado el padre fundador de De Stijl y también asumió su liderazgo.
Sin embargo, el claro protagonista del movimiento fue Piet Mondrian (1872-1944), conocido por su serie de cuadrículas rectangulares simples que contenían únicamente negro, blanco y colores primarios. Con sus cuadrículas planas, intentó plasmar físicamente el concepto de infinito.
Piet Mondrian – Boom A
Los conceptos de De Stijl influyeron no sólo en las bellas artes y la arquitectura, sino también en el diseño de muebles y otros objetos cotidianos hasta nuestros días.
Neoplasticismo y elementarismo
A este estilo lo denominó Neoplasticismo (Nieuwe Beelding). Como uno de los pioneros más influyentes del arte concreto entre 1920 y 1944, desarrolló su preciso estilo geométrico como contrapunto consciente al caos emocional y la incertidumbre general de la primera mitad del siglo XX.
Junto con el grupo abstracto Cercle et Carre (1929-31) y el Abstraction-Creation Group, trasladó su lugar de trabajo a Nueva York en 1938.
neoplasticismo , el elementarismo durante su período creativo .
En 1930, también acuñó el término «Arte Concreto» . Lamentablemente, falleció en 1931, pero sus ideas fueron continuadas no solo por los estudiantes de la escuela de diseño Bauhaus, sino también por el grupo de Creación Abstracta, liderado por el artista belga Georges Vantongerloo , el pintor francés Jean Helion y Auguste Herbin .
Otros miembros del grupo incluían abstraccionistas europeos como Jean Arp (1886-1966), Naum Gabo (1890-1977), El Lissitzky (1890-1941), Antoine Pevsner (1886-1962) y Barbara Hepworth (1903-1975), así como Ben Nicholson (1894-1982).
el arquitecto, escultor y diseñador suizo ex Bauhaus Max Bill (1908-94), que contribuyó significativamente a la promoción del género en Suiza, Italia, Argentina y Brasil.
Surrealismo y abstracción orgánica
La abstracción orgánica es otra subcategoría del arte abstracto. De igual manera, el surrealismo, que surgió en paralelo al concretismo geométrico, con su imaginería casi naturalista, es un pariente cercano de la abstracción.
Los grandes modelos de estos estilos de abstracción biomórfica/orgánica fueron Jean Arp y Joan Miró , ninguno de los cuales recurrió a la técnica del automatismo.
Su compañero surrealista Salvador Dalí (1904-89) también creó algunas pinturas extraordinarias como "La persistencia de la memoria" (1931, MoMA, NY) y "Construcción blanda con frijoles hervidos" (1936, Museo de Arte de Filadelfia).
Jean Arp también fue un escultor sumamente prolífico, especializado en la abstracción orgánica. Los escultores ingleses Henry Moore (1898-1986) y Barbara Hepworth (1903-1975) siguieron su ejemplo en este sentido.
Posteriormente, varios artistas abstractos europeos buscaron refugio en América, donde conocieron e influyeron en una nueva generación de pintores abstractos nativos.
Entre estos influyentes emigrantes se encontraban pintores como Hans Hofmann (1880-1966), Max Ernst (1891-1976), André Masson (1896-1987), Arshile Gorky (1904-48), Yves Tangy (1900-55) y otros.
A pesar de la controversia generada por la feria de armas de Nueva York de 1913, la metrópolis estadounidense desarrolló un gran interés por la abstracción. El mundialmente famoso Museo de Arte Moderno (MoMA) se fundó en 1929, y el Museo de Pintura No Objetiva (posteriormente rebautizado como Museo Samuel R. Guggenheim) en 1939.
Menos geometría, más color: expresionismo abstracto
Aunque los artistas europeos de la posguerra mantuvieron su interés en el arte abstracto a través del "Salon des Realités Nouvelles" en París, el centro del arte moderno se había trasladado a Nueva York a partir de 1945.
A partir de entonces, la vanguardia estuvo representada allí por la Escuela de Expresionismo Abstracto de Nueva York . Este movimiento surgió durante la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial.
La pintura expresionista abstracta sigue estando definida de forma algo vaga, y nunca existió un programa coherente ni establecido para ella. Por lo tanto, el término se aplica a menudo de forma errónea y confusa a artistas que no eran ni verdaderamente abstractos ni expresionistas .
Generalmente describe una forma de pintura abstracta (no figurativa ni naturalista) en la que el color prima sobre la forma. Y esta última ya no es geométrica.
Las primeras obras de este estilo solían ocupar grandes lienzos, cuyo gran tamaño buscaba abrumar al espectador y transportarlo a otro mundo. La preocupación de los expresionistas abstractos por los efectos visuales, en particular el impacto del color, reflejaba su objetivo principal: la inclusión y la exploración de las emociones humanas fundamentales.
Entre sus iconos se encontraban, sin duda, los grandes artistas Jackson Pollock (1912-56), Mark Rothko (1903-70), Willem De Kooning (1904-97), Clyfford Still (1904-80), Barnett Newman (1905-70) y Adolph Gottlieb (1903-74).
A principios de la década de 1940, Pollock revolucionó la pintura con sus obras completamente abstractas, en las que colocaba lienzos en el suelo y vertía y limpiaba la pintura. Esta técnica daba como resultado composiciones densas sin un foco central y desafiaba los conceptos artísticos tradicionales. Sus obras reflejaban no solo su toque personal a través de huellas de pies y manos, sino también la naturaleza dinámica de su proceso creativo, lo que lo posicionó como artista.
El enfoque de Pollock enfatizaba la inmediatez del gesto artístico, lo que lo convirtió en una figura clave del expresionismo abstracto. Inspirado por el movimiento surrealista y el psicoanálisis junguiano, sus pinturas ofrecían una profunda comprensión de sus emociones y reflejaban la vida moderna.
“Number IIA” (1948) de Jackson Pollock, Editions Pierre D'Harville (con licencia de J. Pollock/SOFAM Belgique)
Mark Rothko también se esforzó por expresar profundas emociones humanas mediante el uso innovador del color y la forma. En sus primeras obras, combinó formas reconocibles con fuentes de inspiración mitológicas y biológicas antes de sustituirlas por intensas capas de color. Estas finas capas de pintura crean un movimiento vibrante y una atmósfera que envuelve al espectador.
Las obras de Rothko sitúan al espectador en una interfaz entre el mundo físico y el trascendente, y eligió deliberadamente números como títulos para evitar asociaciones personales. Su objetivo era facilitar experiencias atemporales y espirituales, así como fomentar un diálogo íntimo entre la obra de arte y el espectador. El enfoque de Rothko en el color como medio de expresión ha tenido un impacto duradero en el desarrollo del arte abstracto.
Reproducción del cuadro “Verde, rojo sobre naranja” de Mark Rothko enmarcado
La siguiente generación incluyó a pintores como Robert Motherwell . El nombre del movimiento se consolidó gracias a Robert Coates, quien trabajó como crítico de arte para The New Yorker.
la "pintura de acción" de Pollock la "pintura de campos de color" de Rothko , así como el algo extraño "impresionismo abstracto" de Philip Guston (1913-1980).
Pintura de acción, pintura de campos de color y compañía.
Posteriormente, bajo el paraguas de la abstracción pospictórica, el expresionismo abstracto, como una especie de tendencia antigestualista, dio origen a diversos estilos individuales. Entre ellos se incluyen la pintura de bordes duros , la pintura de salpicaduras de color , el Movimiento del Color de Washington , la abstracción lírica estadounidense y el lienzo moldeado .
El expresionismo abstracto también provocó reacciones vanguardistas en varios otros artistas, como Cy Twombly (1928-2011), cuyos bocetos caligráficos son en parte dibujo y en parte grafiti . Otro ejemplo es el escultor abstracto californiano Mark Di Suvero , conocido por sus esculturas de hierro y acero a gran escala.
Arte informal, tachismo y el grupo CoBrA
Mientras que al otro lado del Atlántico el expresionismo abstracto dominaba el período de posguerra, a finales de la década de 1940 surgió en el viejo continente un nuevo movimiento artístico llamado Art Informel o Arte Informal.
Aunque se lo consideraba una versión europea del expresionismo abstracto, en realidad fue un movimiento general con varias subvariantes.
Esto incluía el tachismo , un estilo de pintura abstracta caracterizado por manchas y salpicaduras de color. Proclamado como la respuesta francesa a los movimientos artísticos estadounidenses, fue principalmente el artista vanguardista estadounidense Mark Tobey (1890-1976) quien impulsó este submovimiento a la prominencia y el reconocimiento. Su estilo de pintura caligráfica incluso anticipó el de Pollock.
Miembros importantes del Tachisme fueron Jean Fautrier (1898-1964), Georges Mathieu (1921-2012), Pierre Soulages (nacido en 1919) y la artista portuguesa Maria Helena Vieira da Silva (1908-92), así como el expresionista abstracto estadounidense Sam Francis (1923-94).
El grupo vanguardista CoBrA también practicó el estilo gestual o de "pintura de acción" del expresionismo abstracto estadounidense. CoBrA fue fundado por pintores, escultores y artistas gráficos del grupo danés "Host", el grupo holandés "Reflex" y el Grupo Surrealista Revolucionario Belga.
Entre sus artistas destacan, en primer plano, Asger Jorn (1914-73), el escritor belga Christian Dotremont (1922-79), Pierre Alechinsky , Karel Appel (1921-2006) y Pol Bury (1922-2005), quien, sin embargo, abandonó más tarde la pintura para dedicarse a investigar esculturas cinéticas.
El arte óptico a través de la ilusión óptica: nació el Op Art
Uno de los estilos más distintivos y quizás visualmente memorables de pintura abstracta geométrica de los tiempos modernos fue el movimiento Op Art .
Su característica distintiva era la manipulación del ojo mediante formas y patrones geométricos complejos, a menudo monocromáticos, que lo estimulaban a percibir colores y formas inexistentes. Podrían describirse como imágenes ingeniosamente dispuestas que creaban deliberadamente ilusiones ópticas.
Los miembros más destacados de este movimiento fueron el pintor y artista gráfico húngaro Victor Vasarely (1908-1997) y la pintora inglesa Bridget Riley . El movimiento desapareció de nuevo a principios de la década de 1970 tras un breve periodo de popularidad.
El último capítulo por ahora – Posmodernismo
El posmodernismo, también artecontemporáneo , se sitúa generalmente en el período de principios de la década de 1960. A partir de este punto de inflexión, el arte contemporáneo tiende a fragmentarse en numerosas escuelas más pequeñas, más regionales o incluso más locales.
Según los historiadores del arte, esto puede deberse a que la actitud predominante de los movimientos artísticos contemporáneos era ver con sospecha los grandes estilos de principios del siglo XX.
Una excepción a esta tendencia es la escuela minimalista , que logró establecer un estilo fundamentalmente nuevo de abstracción geométrica de manera sostenible.
Se ejemplifica particularmente en artistas posmodernos como los escultores Donald Judd (1928-94), Sol LeWitt (1928-2007), Robert Morris y Walter de Maria . Otro importante escultor minimalista es Richard Serra .
Donald Judd – Bloques de hormigón
Entre los pintores abstractos conocidos asociados con el minimalismo se encuentran AdReinhardt (1913-67), Frank Stella y el pintor irlandés-estadounidense Sean Scully, cuyas formas rectangulares de color parecen imitar las formas monumentales de las estructuras prehistóricas.
Otros representantes importantes del minimalismo:
Morris Louis (1912-1962): minimalista estadounidense, exploró la técnica de remojo con Helen Frankenthaler.
Agnes Martin (1912-2004) – Pintora minimalista, conocida por sus cuadrículas de lápiz sobre un fondo monocromático
Kenneth Noland – Pintor minimalista con una estrecha conexión con la pintura de bordes duros
Cy Twombly (1928-2011) – Pintor minimalista, conocido por sus obras caligráficas
Helen Frankenthaler – Pintora minimalista, desarrolló la técnica Soak-Stain
Robert Ryman – pintor minimalista estadounidense, conocido por sus composiciones monocromáticas blancas
Jo Baer – Pintora y artista gráfica estadounidense. Se la considera una importante representante del minimalismo.
Ellsworth Kelly – Pintor y escultor estadounidense. Kelly trascendió el concepto de la imagen rectangular con sus composiciones. Fue una figura destacada de la pintura de campos de color y del estilo Hard Edge.
Robert Mangold – pintor estadounidense
Brice Marden es un artista estadounidense que puede asociarse, entre otras cosas, con el minimalismo.
Además de la escultura y la pintura, la escuela minimalista también encontró su camino en la arquitectura y el diseño, con un éxito .
El neoexpresionismo como última etapa de iteración
Entre los desarrollos más recientes del arte moderno se encuentra el neoexpresionismo. Este fue en parte una reacción contra la austeridad del minimalismo y, sobre todo, un movimiento figurativo que surgió a principios de la década de 1980.
Sin embargo, entre sus seguidores también hubo algunos pintores abstractos destacados, entre ellos el inglés Howard Hodgkin y los artistas alemanes Georg Baselitz y Anselm Kiefer .
Entre los artistas abstractos reconocidos internacionalmente de este período se encuentra el escultor británico y ganador del premio Turner, Anish Kapoor , conocido por sus obras a gran escala realizadas en piedra en bruto, metal fundido y acero inoxidable.
Numerosos pintores y escultores contemporáneos se encuentran, por ejemplo, en el corazón de la metrópolis artística y cultural de Dresde. La galería «Abstract Moments» de Dresde, fundada en 2005 por un grupo de artistas, se ha convertido en un referente del arte abstracto en Alemania.
El sitio web de los artistas presenta en su portafolio en constante crecimiento no sólo al óleo y acrílicas, sino también gráficos, fotografías y esculturas .
Los artistas actuales de la galería incluyen, entre otros:
André Mimor
Andy Larrett
Alejandro Rojo
Annette Freymuth
Andreas Garbe
Bozena Ossowski
C. David Schwartz
Christiane Middendorf
Dirk Hille
Frank Lorenz
Frank-Ole Haake
Gia Hung
Hans-Jürgen Gorenflo
Holger Mühlbauer-Gardemin
Ilona Schmidt
Jean-Jacques Piezanowski
Jo Zipfel
Julio Fernández
Klaus Boekhoff
Koroush Namazi
Lina Roth
Maciej Cieśla
Manuela Rathje
Maja Kühne
Martina Rick
maya
Rafael Rey
Stefan Petrunov
Torsten Peter
Uwe Fehrmann
¿Y qué viene después?
El futuro ya ha comenzado, como dicen. En este sentido, el mundo del arte moderno seguirá evolucionando, dando lugar a nuevos y significativos movimientos, estilos y direcciones artísticas. Esperémoslos con la mente abierta.
Arte abstracto de nuestra galería online
En nuestra galería de arte virtual, también tienes la oportunidad de comprar obras de arte abstractas únicas y coloridas, directamente del artista o del socio de la galería.
Cada una de estas pinturas fue creada con pasión y destreza excepcional por un artista talentoso. Explora la diversidad de las formas artísticas más abstractas e inspírate con imágenes que cuentan tu historia personal.
Sumérjase en un mundo lleno de inspiración creativa con nuestra amplia gama de exquisitas obras maestras abstractas.
Ingo F. Walther. Karl Ruhrberg : Arte del siglo XX: Pintura , ISBN-13: 978-3836541145
Charles Harrison, Francis Frascina, Gill Perry : Primitivismo, cubismo, abstracción: principios del siglo XX , ISBN-13: 978-0300055160
Peter Gay:Modernismo: El atractivo de la herejía, ISBN-13: 978-0393052053
Ellen G. Landau : Lectura del expresionismo abstracto: contexto y crítica, ISBN-13: 978-0300106138
Margit Rowell : Joan Miró: Escritos y entrevistas selectos, ISBN-13: 978-0306804854
James E. Breslin : Mark Rothko: Una biografía, ISBN-13: 978-0226074061
Hans Werner Holzwarth:arte moderno. Del Impresionismo al Presente , ISBN-13: 978-3836555364
Barbara Hess:Expresionismo abstracto: Pequeñas series – Géneros , ISBN-13: 978-3822829677
Lance Esplund : El arte de mirar: Cómo leer arte moderno y contemporáneo , ISBN-13: 978-0465094660
Wassily Kandinsky:Sobre lo espiritual en el arte , ISBN-13: 978-1721770373
Alfred J. Barr, Jr.:Cubismo y Arte Abstracto (Nueva York, 1936). 248 páginas. 223 ilustraciones. Escrito por el Museo de Arte Moderno como guía y catálogo para la exposición de la primavera de 1936.
Internet:
Tate Gallery:Una breve historia del arte abstracto con Turner, Mondrian y más , https://www.tate.org.uk/art/brief-history-abstract-art-turner-mondrian-and-more
Daniel Birnbaum / Artforum: Universal Pictures – El arte de Hilma af Klint, https://www.artforum.com/features/universal-pictures-the-art-of-hilma-af-klint-214627/
Aviso legal sobre enlaces de afiliados: con el símbolo - son enlaces de afiliados. Solo recomendamos o enlazamos a productos que usamos (o usaríamos) nosotros mismos, y todas las opiniones expresadas aquí en este contexto son nuestras. Nuestras reseñas y recomendaciones de productos son independientes y se basan en investigaciones, opiniones de expertos y/o pruebas de productos. Si hace clic en los enlaces de afiliados de nuestro contenido, es posible que recibamos una comisión por sus compras (sin coste adicional para usted), pero nunca recibimos ninguna compensación ni pago por el contenido de nuestras recomendaciones. Así es como financiamos nuestro trabajo editorial y los artículos de revistas que ofrecemos gratuitamente (más detalles en nuestras Normas Editorialespolítica de privacidad completa .
Propietario y Director General de Kunstplaza. Publicista, editor y bloguero apasionado del arte, el diseño y la creatividad desde 2011. Licenciado en Diseño Web (2008), perfeccionó sus técnicas creativas con cursos de dibujo a mano alzada, pintura expresiva y teatro/actuación. Posee un profundo conocimiento del mercado del arte, adquirido a través de años de investigación periodística y numerosas colaboraciones con actores e instituciones clave del sector artístico y cultural.
el arte también contiene una gran cantidad de terminología, expresiones, abreviaturas y palabras extranjeras específicas del tema.
En esta sección nos gustaría presentarle algunos de los términos más importantes y comunes de vez en cuando.
aprenderá y profundizará su comprensión de una variedad de información, definiciones, términos litúrgicos, notas, términos técnicos comunes y sus abreviaturas, así como conceptos de la teoría del arte, la historia del arte
En el arte, los artistas y las obras de arte se clasifican en períodos estilísticos . Estos se basan en rasgos característicos comunes de las obras de arte y los productos culturales de una época determinada.
La división en épocas sirve como herramienta para estructurar y clasificar obras y artistas dentro de un marco temporal y de un acontecimiento histórico-cultural.
El conocimiento de los períodos artísticos juega un papel importante, especialmente en el comercio del arte , así como en la teoría del arte y el análisis de la imagen clásica.
En esta sección del blog de arte, nos gustaría ayudarte a comprender mejor estas épocas, estilos y movimientos.
Estilos y movimientos artísticos
El estilo artístico o estilo de obras de arte se refiere a la expresión uniforme de las obras de arte y productos culturales de una época, un artista o grupo de artistas, un movimiento artístico o una escuela de arte.
Esta es una herramienta para clasificar y sistematizar la diversidad del arte. Denota similitudes que lo diferencian de otros.
El término está relacionado temáticamente con el período artístico , pero no se limita a un marco temporal específico y, por lo tanto, es mucho más completo.
En esta sección nos gustaría ayudarle a comprender mejor los estilos y movimientos del arte.
Utilizamos tecnologías como las cookies para almacenar y/o acceder a la información del dispositivo. Hacemos esto para mejorar la experiencia de navegación y mostrar publicidad (no) personalizada. Si acepta estas tecnologías, podemos procesar datos como el comportamiento de navegación o identificadores únicos en este sitio web. La falta de consentimiento o la revocación del consentimiento pueden afectar negativamente a ciertas características y funciones.
Funcional
Siempre Activo
El almacenamiento o acceso técnico es estrictamente necesario para el fin legítimo de posibilitar el uso de un servicio específico expresamente solicitado por el suscriptor o usuario, o para el solo fin de efectuar la transmisión de un mensaje a través de una red de comunicaciones electrónicas.
Preferencias
El almacenamiento o acceso técnico es necesario para la finalidad legítima de guardar preferencias que no fueron solicitadas por el suscriptor o usuario.
estadística
Almacenamiento o acceso técnico exclusivamente con fines estadísticos.Almacenamiento o acceso técnico exclusivamente con fines estadísticos anónimos. Sin una citación judicial, el consentimiento voluntario de su proveedor de servicios de internet o la grabación adicional por parte de terceros, la información almacenada o recuperada para este fin generalmente no puede utilizarse para identificarle.
marketing
Se requiere almacenamiento o acceso técnico para crear perfiles de usuario, enviar publicidad o realizar el seguimiento del usuario en uno o más sitios web con fines de marketing similares.
Taburete de bar / Silla de bar "Cloud" con tapizado en color crema
