Nel nostro articolo "Arte astratta: tutto sul movimento dell'arte non figurativa", abbiamo esplorato l'arte astratta come concetto, come movimento artistico influente e come interagire con essa. Abbiamo appreso che "arte non figurativa" o "arte non oggettiva" è un termine collettivo per i movimenti artistici del XX secolo emersi dopo il 1900.
Il denominatore comune più significativo nelle opere astratte è l'allontanamento dalla natura e dagli oggetti reali come motivi e, di conseguenza, la rottura con i principi tradizionali del realismo classico, profondamente radicati nell'accademia.
Opera d'arte astratta colorata di Steve Johnson @steve_j, tramite Unsplash.com
In breve: i principi degli artisti astratti si basano sul rifiuto di qualsiasi rappresentazione. Si dice che la loro coscienza e il loro impulso creativo siano guidati esclusivamente dall'estetica fine a se stessa.
Le radici dell'astrazione nel design pittorico risalgono addirittura all'antica Grecia, dove già Platone espresse l'esigenza di un design non figurativo utilizzando forme e motivi geometrici.
Naturalmente, questo tipo di arte creativa non è rimasto immutato nella sua forma originale fino ad oggi, ma ha subito un'evoluzione e uno sviluppo naturali. Questo può essere visualizzato come la ramificazione di un vecchio albero con un tronco fiero e radici profonde.
Nel corso dei decenni e dei secoli sono emerse numerose sottoforme, varianti, movimenti paralleli e controtendenze, tutti interconnessi e spesso interconnessi tra loro.
Pertanto, vorremmo accompagnarvi in un breve viaggio attraverso le fasi più importanti e formative dell'arte astratta, concreta e moderna . Ove possibile, ci impegniamo a evidenziare punti di svolta significativi, connessioni e relazioni causali, in modo che possiate ottenere una comprensione coerente.
Se dopo aver letto il nostro ultimo post su questo argomento ti sono sfuggiti uno o due pezzi del puzzle, potresti trovarli qui.
Tra gli storici dell'arte vi è un consenso sul fatto che l'arte astratta fosse già utilizzata sotto forma di incisioni preistoriche circa 70.000 anni fa.
Arte parietale nella grotta di El Castillo, Cantabria, Spagna. Paleolitico superiore. Fonte immagine: Gobierno de Cantabria, CC BY 3.0, tramite Wikimedia Commons
Ciò è dimostrato, ad esempio, da due massi incisi con motivi geometrici astratti, rinvenuti nella grotta di Blombos in Sudafrica. Poi, decine di migliaia di anni dopo, sono stati scoperti i puntini rossastri astratti e gli stencil di mani nelle pitture della grotta di El Castillo risalenti al 39.000-34.000 a.C.
I simboli astratti erano la forma predominante anche nell'arte rupestre paleolitica e venivano rinvenuti negli scavi con una frequenza circa doppia rispetto alle pitture figurative.
Realismo classico fino alla fine del XIX secolo
Fino quasi alla fine del XIX secolo, i principi e i metodi degli artisti nella pittura e nella scultura furono fortemente influenzati dagli standard e dalle dottrine accademiche.
Ogni allontanamento dal modello tradizionale del realismo classico era disapprovato e accolto con disprezzo. Le principali accademie d'arte europee si appropriarono del potere interpretativo e proclamarono che il dovere supremo dell'arte era quello di fornire una scena o un oggetto riconoscibile.
Importanti rappresentanti del Romanticismo che hanno influenzato l'arte astratta:
Joseph Mallord William Turner (1775-1851): pittore, acquerellista e disegnatore inglese. Probabilmente il più importante artista visivo in Inghilterra durante il Romanticismoespressionismo d'avanguardia si evolse nell'astrazione.
Chiglia che ondeggia tra i carboni ardenti di notte di William Turner Artisti multipli [CC0], tramite Wikimedia Commons
Tendenza all'astrazione nell'Impressionismo
Nell'ultimo quarto del XIX secolo, la tendenza cambiò gradualmente e il corsetto conservatore iniziò a cedere. Come prima forza sovversiva, l' arte impressionista (1870-1880) dimostrò che il rigoroso stile accademico della pittura naturalistica non era più l'unico modo autentico per creare arte significativa.
La tavolozza tecnica degli impressionisti non era generalmente molto naturalistica, sebbene l'arte impressionista rimanesse solitamente saldamente e chiaramente ispirata al mondo reale. I movimenti intra-impressionisti del puntinismo neoimpressionista e del postimpressionismo evidenziarono in modo impressionante la potenza del colore.
si considera l'uso del giallo brillante nelle opere di Vincent van Gogh , sembra quasi che l'artista ne catturi la luce stessa.
Frutteto fiorito (1888) di Vincent van Gogh
Osservando di Claude Monet, dedicata alle ninfee, diventa chiaro che anche nell'epoca impressionista si stava affermando una tendenza crescente verso l'astrazione.
Claude Monet – Ninfee (1915)
Successivamente, nei primi decenni del XX secolo, ulteriori tecniche – come l’uso stilistico del colore, l’abbandono della rappresentazione tridimensionale e il ricorso a forme geometriche semplici – avrebbero alimentato la ricerca dell’astrazione e fornito nuovi strumenti agli artisti.
Importanti rappresentanti del (postimpressionismo) con influenza sull'arte astratta:
James McNeill Whistler (1834-1903) è stato un pittore e incisore statunitense residente in Gran Bretagna. Era particolarmente noto per la sua pittura a colori semi-astratta.
Claude Monet , importante pittore francese, nei suoi dipinti oscillava tra naturalismo e astrazione dopo il 1890.
Vincent van Gogh – Pittore e disegnatore olandese; è considerato uno dei fondatori della pittura moderna.
Paul Gauguin – un influente pittore francese. La sua opera postimpressionista influenzò fortemente i Nabis e il Simbolismo; fu co-fondatore del Sintetismo e divenne un pioniere dell'Espressionismo .
Henri de Toulouse-Lautrec – pittore e grafico francese del movimento postimpressionista
Paul Cézanne (1839-1906) – Pittore francese la cui opera è associata a vari stili. Cercò costantemente di rinnovare i metodi compositivi tradizionali basati sui principi impressionisti. Le sue nature morte e i suoi paesaggi sono considerati importanti punti di partenza per l'astrazione.
Paul Serusier (1864-1927) – Pittore postimpressionista francese. Fondatore del gruppo simbolista Nabis e fortemente influenzato da Gauguin.
Movimento Art Nouveau/Art Nouveau
Lo sviluppo dell'arte astratta fu influenzato anche dal movimento Art Nouveau (intorno al 1890-1914). Tra i movimenti artistici associati all'Art Nouveau figurano lo Stile Riformato (successivo al movimento Riforma) e lo Stile Secessione (successivo alla Secessione viennese).
Il termine Jugendstil (Art Nouveau) fu coniato da Georg Hirth a Monaco di Baviera alla fine del 1895, attraverso una rivista culturale illustrata chiamata "Jugend" (Gioventù). Questo movimento artistico può essere interpretato come una reazione, principalmente da parte di giovani artisti e artigiani, allo storicismo retrogrado dell'epoca. Fungeva anche da critica alla percepita mancanza di anima dell'industrializzazione di inizio XX secolo.
Tuttavia, fu il termine francese Art Nouveau a prevalere a livello internazionale. La sua origine risale alla galleria La Maison de l'Art Nouveau, aperta a Parigi dal mercante d'arte amburghese Siegfried Bing alla fine del XIX secolo.
Tra i tratti tipici dell'Art Nouveau rientrano, da un lato, le linee lunghe e curve che prendono a modello le forme organiche delle piante, ma anche gli ornamenti geometrici piatti e lineari con una tendenza al design asimmetrico.
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Il rappresentante più importante del movimento Art Nouveau è il giovane d'oro viennese Gustav Klimt .
Gustav Klimt – Paesaggio di giardino italiano (1913)
Forti tendenze simboliste si possono già osservare ne "Le ragazze" del rappresentante dell'Art Nouveau Gustav Klimt
Dall'espressionismo tedesco alla pietra angolare della pittura
L'uso del colore e della forma fu di fondamentale importanza per lo sviluppo dell'arte astratta. L'Impressionismo aprì la strada a un maggiore utilizzo del colore come strumento stilistico, ma fu l'Espressionismo tedesco a renderlo un pilastro imprescindibile della pittura.
Il libro di Wassily Kandinsky"Lo spirituale nell'arte" (1911) divenne un'opera fondamentale della pittura astratta. Kandinsky soffriva di sinestesia, il che spiega la sua insolita sensibilità al colore. Non solo vedeva i colori, ma li sentiva anche (percezione bisensoriale). Viveva, in un certo senso, una fusione tra arte visiva e musica .
Non c'è da stupirsi, quindi, che l'effetto emotivo della forma, della linea e soprattutto del colore nella pittura lo affascinasse così profondamente e avrebbe plasmato tutta la sua opera.
Come molti altri artisti astratti, Kandinsky credeva che la musica incarnasse l'arte astratta nella sua accezione più pura, con la sua capacità di essere espressiva senza rappresentare il mondo reale. Kandinsky chiamava le sue opere "composizioni".
Allo stesso tempo, però, egli ha ripetutamente avvertito che il desiderio di astrazione non dovrebbe essere utilizzato per mera decorazione, senza compromettere la serietà dell'arte.
Di tutte le arti, la pittura astratta è la più difficile. Richiede saper disegnare bene, uno spiccato senso della composizione e del colore, e una vera poesia. Quest'ultima è essenziale
L'Espressionismo tedesco è caratterizzato da una tavolozza di colori saturi e dalla corrispondenza dei colori alle emozioni umane. In generale, sperimentare con il colore ed evocare emozioni era un interesse primario degli artisti astratti.
La maggior parte degli espressionisti tedeschi, come Ernst Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Max Ernst, Alexei Jawlensky, Oskar Kokoschka, Franz Marc, August Macke e Max Beckmann , non erano pittori astratti in senso stretto.
Tuttavia, la loro tavolozza vibrante, insieme agli scritti teorici di Kandinsky, allarmò e incoraggiò altri artisti con un'inclinazione più astratta a perseguire questo obiettivo con tutte le sue forze.
August Macke – Giardino Zoologico I. 1912
È generalmente accettato che artisti come Piet Mondrian, Wassily Kandinsky e Kazimir Malevich abbiano avuto un ruolo determinante nell'affermazione dell'arte astratta. Tuttavia, alcune delle prime opere conosciute provengono dalla pioniera Hilma af Klint . Inizialmente, creò opere figurative tradizionali, ma i suoi dipinti radicali nacquero dal suo interesse per lo spiritualismo.
Lo spiritualismo era un movimento estremamente popolare all'epoca nei circoli artistici e letterari, che credeva nella possibilità di comunicare con gli spiriti dei defunti. Insieme a un gruppo di altre quattro donne, in seguito note come "Le Cinque ", Klint conduceva sedute spiritiche e meditava. Grazie a ciò, si convinse che uno spirito di nome Amaliel le avesse commissionato dei dipinti per decorare un tempio.
L'artista ha raccontato che Amaliel guidò la sua mano e lavorò con immensa devozione, realizzando un totale di 193 dipinti per questo progetto entro il 1915. Consapevole della natura radicale del suo lavoro, Klint lo avvolse nel segreto e stabilì che non potesse essere reso pubblico prima di 20 anni dalla sua morte.
Nonostante questa regolamentazione, il suo lavoro ha ricevuto attenzione solo nel 1986 e ora finalmente viene apprezzato a dovere: la mostra di Klint del 2019 al Guggenheim Museum di New York è stata la mostra più visitata nella storia dell'istituzione fino a quel momento.
I dieci più grandi, n. 7, Età adulta, Gruppo IV, 1907 di Hilma af Klint
Lo stile parallelo dell'avanguardia parigina del Fauvismo (1905-08) enfatizzò solo marginalmente l'effetto del colore, ad esempio con opere come "Red Studio" (1911, MoMA, NY) di Henri Matisse .
Anche qui, il rifiuto della prospettiva tridimensionale è una caratteristica distintiva. Il fauvismo raffigura gli oggetti con colori intensi e arbitrari.
Henri Matisse fu probabilmente il fauve più famoso, e opere come "La striscia verde" (1905) sono ancora citate come esempi principali dello stile caratteristico di questo movimento artistico. L'opera è un ritratto della moglie con la pelle verde e gialla su uno sfondo multicolore. Tra i pittori orfici più famosi figurano Robert Delaunay , le cui "Finestre simultanee sulla città" (1912) e "Il primo disco" (1912-1913) sono composte da molteplici macchie o segmenti di colori diversi. Georgia O'Keeffe è nota per i suoi dipinti floreali astratti, colorati e ritagliati in modo serrato.
Insieme a Matisse, Marlow Moss un'artista che abbracciò chiaramente l'astrazione in questo periodo. Il critico Charles Darwent, scrivendo sul Guardian , la descrisse come "una fedele seguace" di Mondrian. Sebbene alcuni la considerino un'imitatrice del padre del Neoplasticismo, si potrebbe anche sostenere che l'influenza fosse reciproca. Le sue opere del periodo successivo alla riscoperta di Mondrian ne mostrano l'influenza, ma fu Moss a incorporare per la prima volta le doppie linee nelle sue opere grigliate nel 1931.
Un anno dopo, Mondrian seguì questo approccio e creò "Composizione con doppia linea e giallo" . Ampiamente dimenticata nella storia dell'arte astratta, l'opera di Moss ha giustamente conosciuto una sorta di rinascita negli ultimi anni.
Cubismo e la dissoluzione della profondità di campo e della prospettiva
La nascita del Cubismo (1908-1914) può essere vista come una reazione diretta alla bellezza decorativa e all'estetica dell'Impressionismo. Pablo Picasso (1881-1973) e Georges Braque (1882-1963) svilupparono questo nuovo stile in diverse fasi con questa consapevolezza.
L'opera semi-astratta di Picasso "Les Demoiselles d'Avignon" del 1907 (ora al MoMA di New York) faceva ancora parte della prima fase del prototipo del cubismo.
Les demoiselles d'Avignon di Pablo Picasso Dario Mastromattei [CC BY-SA], tramite Wikimedia Commons
La fase finale del Cubismo Sintetico era significativamente più orientata al collage. Il suo concetto di base si basava sull'evoluzione dall'arte visivamente accattivante ma banale dell'Impressionismo a una forma d'arte più intellettuale. L'obiettivo principale dei cubisti era esplorare nuovi metodi per rappresentare la realtà.
Una caratteristica delle opere cubiste fu la dissoluzione del metodo accademico di rappresentazione della realtà attraverso l'uso della prospettiva lineare (profondità) per ottenere il consueto effetto tridimensionale di un dipinto.
Al contrario, i cubisti mantenevano tutto su un piano bidimensionale e piatto, sul quale disponevano diverse "viste" dello stesso oggetto.
Sebbene la maggior parte delle opere cubiste traggano ancora origine da oggetti o scene con riferimenti al mondo reale e pertanto non possano essere considerate completamente astratte, il rifiuto della prospettiva tradizionale da parte del movimento minò completamente il realismo naturale nell'arte, spalancando così le porte alla pura astrazione.
Importanti rappresentanti del cubismo che hanno influenzato l'arte astratta:
Francis Picabia (1879-1953) – Pittore francese che ha influenzato il cubismo, il dadaismo e il surrealismo.
Carlo Carra (1881-1966) – Noto per i suoi primi dipinti cubisti e futuristi.
Albert Gleizes (1881-1953) – Pittore cubista, coautore di Du Cubisme, il primo libro rilegato sul cubismo.
Jean Metzinger (1883-1957) – si ispirò al cubismo analitico; pubblicò “Du Cubisme” insieme ad Albert Gleizes.
Roger de la Fresnaye (1885-1925) – Utilizza la semplicità geometrica del cubismo per fare affermazioni concrete e politicamente motivate
Juan Gris (1887-1927) – Pittore spagnolo e principale teorico del cubismo
Constantin Brancusi (1876-1957), scultore astratto ispirato al cubismo, fu influenzato anche dall'arte africana e orientale.
Raymond Duchamp-Villon (1876-1918) – ha utilizzato strumenti cubisti per rappresentare il movimento
Jacques Lipchitz (1891-1973) – importante scultore franco-americano del XX secolo.
Orfismo
Questo stile pittorico astratto dei primi anni del XX secolo era anche Cubismo orfico e mirava a combinare la composizione cubista con il colore e la musica.
Il termine deriva dal mitico cantore e suonatore di lira Orfeo e fu significativamente elaborato da Guillaume Apollinaire nel 1912, dopo le opere ricche di colore di Robert Delaunay .
Robert Delaunay – Ritmo, gioia di vivere
L'orfismo è caratterizzato più da macchie di colore brillanti che da oggetti figurativi. Soprattutto, le forme circolari dai colori vivaci sono le caratteristiche più evidenti di questo movimento artistico .
Importanti rappresentanti del Vorticismo:
Robert Delaunay – pittore francese d’avanguardia che scrisse anche opere teoriche sull’arte
Franz Kupka – Pittore ceco. Per Kupka il colore ha sempre avuto un ruolo cruciale.
Vorticismo
Il Vorticismo fortemente influenzato dalla terminologia cubista. Il termine deriva dal latino "vortex", che significa "tempesta" o "vortice".
Fondato da Percy Wyndham Lewis (1882-1957), il Vorticismo si considerava esplicitamente un contributo specificamente inglese al modernismo. Analogamente al Cubismo, si poneva come un contrappunto alle rappresentazioni realistiche nell'arte. Inoltre, il Vorticismo qualsiasi imperativo morale e insisteva sull'autonomia dell'opera d'arte.
Importanti rappresentanti del Vorticismo:
Richard Aldington – Scrittore inglese e direttore della rivista d'avanguardia "The egoist".
Malcolm Arbuthnot – è considerato l’inventore della “vortografia”
Lawrence Atkinson – artista, musicista e poeta inglese
Jessica Dismorr – pittrice inglese e una delle due sole donne attive nel movimento vorticista
Henri Gaudier-Brzeska - scultore francese
Cuthbert Hamilton – artista britannico
Wyndham Lewis – Scrittore e pittore britannico, co-fondatore di Vorticism e direttore della rivista Blast.
Ezra Pound , poeta statunitense, è considerato uno dei più importanti rappresentanti del modernismo letterario.
William Roberts – Pittore britannico del Cubismo e co-fondatore del Vorticismo
Helen Saunders – pittrice inglese
Edward Wadsworth – Pittore britannico che si ispirò al Futurismo e al Cubismo per sviluppare l'arte geometrica fino all'astrazione.
Futurismo
futurista italiano (1909-13) fu in gran parte fondato da Marinetti (1876-1944) e si espresse Gino Severini (1883-1966) e Giacomo Balla
Questo movimento fu influenzato anche dal Cubismo e, a sua volta, ispirò numerosi pittori con la sua enfasi sul movimento e sulla tecnologia. In scultura, il Futurismo ebbe il maggiore impatto sullo sviluppo dell'arte cinetica e influenzò scultori astratti come Naum Gabo (1890-1977) e Alexander Calder (1898-1976).
Tubismo
Quasi contemporaneamente, emerse un altro movimento artistico correlato. In relazione all'arte di Fernand Léger (1881-1955), non si poteva più parlare di Cubismo, ma di Tubismo (arte del tubo) .
Con questo approccio, elementi cilindrici e sferici vennero utilizzati al posto degli elementi piatti e sovrapposti del Cubismo. Ciò diede vita a numerosi dipinti con motivi simili a macchine, che riflettevano la fede futuristica di Léger nella tecnologia.
Il suprematismo russo porta a nuove forme geometriche
Il movimento russo per l'arte astratta è noto come Suprematismo . Fu fondato e denominato così nel 1915 dal suo principale esponente, Kazimir Malevich (1878-1935), come espressione della superiorità dei sentimenti e delle percezioni sensoriali nell'arte.
Indubbiamente influenzato da Kandinsky, Malevich creò una serie di straordinari dipinti astratti d'avanguardia caratterizzati da blocchi rettangolari monocromi su sfondo bianco. In questo modo, enfatizzò la piattezza delle forme nelle opere artistiche. In questo senso, era probabilmente decenni avanti rispetto ai suoi tempi.
“Il quadrato nero” (1915) di Kazimir Malevich, stampa planografica su carta
ufficialmente dichiarata nero su bianco nel suo libro intitolato "Il mondo non oggettivo"
Costruttivismo e raggismo
Vladimir Tatlin (1885-1953) è considerato il principale promotore del Costruttivismo . Lyubov Popova (1889-1924) e Aleksandr Rodčenko (1891-1956) ne furono co-fondatori. Questa scuola si concentrava sullo spazio, sui nuovi materiali, sulle forme tridimensionali e sul legame tra scienza e arte. Lyubov Popova fu anche un membro importante del movimento suprematista.
Un altro interessante movimento artistico russo che diede vita a un nuovo tipo di pittura fu il Raggismo (o Luchismo). Questo movimento si sviluppò tra il 1912 e il 1914 e fu avviato Mikhail Larionov (1881-1964) e Natalya Goncharova
Tra gli scultori astratti fortemente influenzati dalle idee suprematiste/costruttiviste figurano Sophie Taeuber-Arp (1889-1943) e Naum Gabo (1890-1977).
Le influenze di De Stijl
De Stijl era originariamente un gruppo olandese di pittori, architetti e designer. Il nome ottenne rapidamente un riconoscimento più ampio attraverso la fondazione di un'associazione di artisti e di una rivista olandese di design ed estetica.
Ciò portò rapidamente allo sviluppo di un movimento artistico d'avanguardia dedicato principalmente all'astrazione geometrica. Theo Van Doesburg (1883-1931) è considerato il padre fondatore di De Stijl e ne assunse anche la guida.
Il protagonista indiscusso del movimento, tuttavia, fu Piet Mondrian (1872-1944), noto per la sua serie di semplici griglie rettangolari contenenti solo nero, bianco e colori primari. Con le sue griglie piatte, tentò di dare forma fisica al concetto di infinito.
Piet Mondrian – Boom A
I concetti di De Stijl hanno avuto un impatto non solo sulle belle arti e sull'architettura, ma anche sul design di mobili e altri oggetti di uso quotidiano, fino ai giorni nostri.
Neoplasticismo ed Elementarismo
Chiamò questo stile Neoplasticismo (Nieuwe Beelding). Tra i più influenti pionieri dell'arte concreta tra il 1920 e il 1944, sviluppò il suo stile geometrico e preciso come consapevole contrappunto al caos emotivo e all'incertezza generale della prima metà del XX secolo.
Insieme al gruppo astratto Cercle et Carre (1929-31) e al Gruppo Abstraction-Creation, nel 1938 trasferì il suo luogo di lavoro a New York.
neoplasticismo , l'elementarismo durante il suo periodo creativo .
Nel 1930 coniò anche il termine "Arte Concreta" . Purtroppo morì nel 1931, ma le sue idee furono portate avanti non solo dagli studenti della scuola di design Bauhaus, ma anche dal gruppo Abstraction Creation guidato dall'artista belga Georges Vantongerloo , dal pittore francese Jean Helion e da Auguste Herbin .
Tra gli altri membri del gruppo figuravano astrattisti europei come Jean Arp (1886-1966), Naum Gabo (1890-1977), El Lissitzky (1890-1941), Antoine Pevsner (1886-1962) e Barbara Hepworth (1903-1975), nonché Ben Nicholson (1894-1982).
Un altro sostenitore che diede un contributo significativo alla promozione del genere in Svizzera, Italia, Argentina e Brasile fu l'ex architetto, scultore e designer svizzero del Bauhaus Max Bill
Surrealismo e astrazione organica
L'astrazione organica è un'altra sottocategoria dell'arte astratta. Allo stesso modo, il Surrealismo, nato parallelamente al concretismo geometrico, con il suo immaginario quasi naturalistico, è un parente stretto dell'astrazione.
I grandi modelli di riferimento di questi stili di astrazione biomorfica/organica furono Jean Arp e Joan Miró , nessuno dei quali si affidò alla tecnica dell'automatismo.
il suo collega surrealista Salvador Dalì (1904-89) realizzò alcuni dipinti straordinari, come "La persistenza della memoria" (1931, MoMA, NY) e "Costruzione morbida con fagioli bolliti" (1936, Philadelphia Museum of Art).
Jean Arp fu anche uno scultore estremamente prolifico, specializzato nell'astrazione organica. Gli scultori inglesi Henry Moore (1898-1986) e Barbara Hepworth (1903-1975) seguirono il suo esempio in questo senso.
In seguito, diversi artisti astratti europei cercarono rifugio in America, dove incontrarono e influenzarono una nuova generazione di pittori astratti autoctoni.
Tra questi emigranti influenti figurano pittori come Hans Hofmann (1880-1966), Max Ernst (1891-1976), André Masson (1896-1987), Arshile Gorky (1904-48), Yves Tangy (1900-55) e altri.
Nonostante le polemiche che circondarono la mostra delle armi di New York del 1913, la metropoli americana sviluppò un forte interesse per l'astrazione. Il celebre Museum of Modern Art (MoMA) fu fondato nel 1929 e il Museum of Non-Objective Painting (in seguito ribattezzato Samuel R. Guggenheim Museum) nel 1939.
Meno geometria, più colore – espressionismo astratto
Sebbene gli artisti europei del dopoguerra mantenessero il loro interesse per l'arte astratta attraverso il "Salon des Realités Nouvelles" di Parigi, dal 1945 in poi il centro dell'arte moderna si era spostato a New York.
Da allora in poi, l'avanguardia fu rappresentata dalla New York School of Abstract Expressionism , un movimento nato dalla Grande Depressione e dalla Seconda Guerra Mondiale.
La pittura espressionista astratta rimane alquanto vagamente definita e non è mai stato formulato un programma coerente e definito per essa. Pertanto, il termine viene spesso applicato in modo fuorviante e confuso ad artisti che non erano né veramente astratti né espressionisti .
In generale, descrive una forma di pittura astratta (non figurativa, non naturalistica) in cui il colore ha la precedenza sulla forma. E quest'ultima non è più geometrica.
Le prime opere in questo stile occupavano in genere grandi tele, le cui dimensioni miravano a sopraffare l'osservatore e a trasportarlo in un mondo parallelo. L'attenzione degli Espressionisti Astratti per gli effetti visivi, in particolare l'impatto del colore, rifletteva il loro obiettivo primario: l'inclusione e l'esplorazione delle emozioni umane fondamentali.
Tra le loro icone vi erano senza dubbio i grandi artisti Jackson Pollock (1912-56), Mark Rothko (1903-70), Willem De Kooning (1904-97), Clyfford Still (1904-80), Barnett Newman (1905-70) e Adolph Gottlieb (1903-74).
Nei primi anni '40, Pollock rivoluzionò la pittura con le sue opere completamente astratte, disponendo le tele sul pavimento e versando e asciugando il colore. Questa tecnica dava vita a composizioni dense, prive di un focus centrale, e sfidava i concetti artistici tradizionali. Le sue opere riflettevano non solo il suo tocco personale, attraverso impronte di piedi e mani, ma anche la natura dinamica del suo processo creativo, che lo posizionava come un performer.
L'approccio di Pollock enfatizzava l'immediatezza del gesto artistico, rendendolo una figura chiave dell'Espressionismo Astratto. Ispirati dal movimento surrealista e dalla psicoanalisi junghiana, i suoi dipinti offrivano una profonda intuizione delle sue emozioni e riflettevano la vita moderna.
“Number IIA” (1948) di Jackson Pollock, Edizioni Pierre D'Harville (licenza J. Pollock/SOFAM Belgique)
Mark Rothko si è anche sforzato di esprimere profonde emozioni umane attraverso un uso innovativo del colore e delle forme. Nelle sue prime opere, ha combinato forme riconoscibili con fonti di ispirazione mitologiche e biologiche, prima di sostituirle con intensi strati di colore. Questi sottili strati di pittura creano un movimento pulsante e un'atmosfera che avvolge lo spettatore.
Le opere di Rothko pongono l'osservatore in un'interfaccia tra il mondo fisico e quello trascendente, e l'artista scelse deliberatamente i numeri come titoli per evitare associazioni personali. Il suo obiettivo era quello di facilitare esperienze senza tempo e spirituali e di promuovere un dialogo intimo tra opera d'arte e spettatore. L'attenzione di Rothko al colore come mezzo di espressione ha avuto un impatto duraturo sullo sviluppo dell'arte astratta.
Riproduzione del dipinto “Verde rosso su arancione” di Mark Rothko in cornice
La generazione successiva includeva pittori come Robert Motherwell . Il nome del movimento fu consolidato da Robert Coates, che lavorò come critico d'arte per il New Yorker.
Tra le ramificazioni dell'Espressionismo astratto si annoverano l'"Action Painting"il "Color Field Painting" di Rothko , nonché l '"Impressionismo astratto" di Philip Guston (1913-80).
Action painting, pittura a campi di colore e compagnia bella.
Successivamente, sotto l'egida dell'astrazione post-pittorica, l'espressionismo astratto, come una sorta di tendenza anti-gestuale, diede origine a una serie di stili individuali, tra cui: la pittura hard-edge , la pittura a schizzi di colore , il Washington Color Movement , l'astrazione lirica americana e la tela sagomata .
L'Espressionismo astratto suscitò reazioni d'avanguardia anche da parte di molti altri artisti, tra cui Cy Twombly (1928-2011), i cui schizzi calligrafici sono in parte disegni e in parte graffiti . Un altro esempio è lo scultore astratto californiano Mark Di Suvero , noto per le sue sculture in ferro e acciaio di grandi dimensioni.
Arte informale, Tachismo e il gruppo CoBrA
Mentre dall'altra parte dell'Atlantico l'Espressionismo astratto dominava il periodo postbellico, alla fine degli anni '40 nel vecchio continente emerse un nuovo movimento artistico chiamato Arte Informale o Arte Informale.
Sebbene fosse considerato una versione europea dell'espressionismo astratto, in realtà era un movimento generale con diverse sottovarianti.
Tra questi rientrava il Tachisme , uno stile di pittura astratta caratterizzato da macchie e spruzzi di colore. Proclamato come la risposta francese ai movimenti artistici americani, questo sotto-movimento fu portato alla ribalta e al riconoscimento principalmente dall'artista americano d'avanguardia Mark Tobey (1890-1976). Il suo stile pittorico calligrafico anticipò persino quello di Pollock.
Tra i membri più importanti del Tachisme si annoverano Jean Fautrier (1898-1964), Georges Mathieu (1921-2012), Pierre Soulages (nato nel 1919) e l'artista portoghese Maria Helena Vieira da Silva (1908-92), nonché l'espressionista astratto americano Sam Francis (1923-94).
Anche il gruppo d'avanguardia CoBrA praticava lo stile gestuale o "action painting" dell'Espressionismo astratto americano. CoBrA fu fondato da pittori, scultori e grafici del gruppo danese "Host", del gruppo olandese "Reflex" e del Gruppo Surrealista Rivoluzionario Belga.
Tra i loro artisti si annoverano, in prima linea, Asger Jorn (1914-73), lo scrittore belga Christian Dotremont (1922-79), Pierre Alechinsky , Karel Appel (1921-2006) e Pol Bury (1922-2005), che in seguito però abbandonerà la pittura per dedicarsi alla ricerca sulla scultura cinetica.
Arte ottica attraverso l'illusione ottica: nasce l'Op Art
Uno degli stili più caratteristici e forse visivamente memorabili della pittura astratta geometrica dei tempi moderni è stato il movimento Op Art .
La loro caratteristica distintiva era la manipolazione dell'occhio attraverso forme e motivi geometrici complessi, spesso monocromatici, che lo stimolavano a percepire colori e forme inesistenti. Si potrebbero descrivere come immagini sapientemente disposte che creavano deliberatamente illusioni ottiche.
I principali esponenti di questo movimento furono il pittore e grafico ungherese Victor Vasarely (1908-97) e la pittrice inglese Bridget Riley . Il movimento scomparve nuovamente all'inizio degli anni Settanta, dopo un breve periodo di popolarità.
Il capitolo (per ora) finale – Il postmodernismo
Il postmodernismo, noto anche artecontemporanea , viene generalmente collocato all'inizio degli anni '60. Da questo punto di svolta in poi, l'arte contemporanea tende a frammentarsi in numerose scuole più piccole, più regionali o addirittura più locali.
Secondo gli storici dell'arte, ciò potrebbe essere dovuto al fatto che l'atteggiamento prevalente nei movimenti artistici contemporanei era quello di guardare con sospetto i grandi stili dell'inizio del XX secolo.
Un'eccezione a questa tendenza è la scuola del Minimalismo , che è riuscita a stabilire uno stile fondamentalmente nuovo di astrazione geometrica in modo sostenibile.
È particolarmente esemplificato da artisti postmoderni come gli scultori Donald Judd (1928-94), Sol LeWitt (1928-2007), Robert Morris e Walter de Maria . Un altro importante scultore minimalista è Richard Serra .
Donald Judd – Blocchi di cemento
Tra i pittori astratti più noti associati al minimalismo ci sono AdReinhardt (1913-67), Frank Stella e il pittore irlandese-americano Sean Scully, le cui forme rettangolari di colore sembrano imitare le forme monumentali delle strutture preistoriche.
Altri importanti rappresentanti del minimalismo:
Morris Louis (1912-62) – minimalista americano, esplorò la tecnica del soak-stain con Helen Frankenthaler
Agnes Martin (1912-2004) – Pittrice minimalista, nota per le sue griglie a matita su uno sfondo monocromo
Kenneth Noland – Pittore minimalista con uno stretto legame con la pittura Hard Edge
Cy Twombly (1928-2011) – Pittore minimalista, noto per le sue opere calligrafiche
Helen Frankenthaler – Pittrice minimalista, ha sviluppato la tecnica Soak-Stain
Robert Ryman – pittore minimalista americano, noto per le sue composizioni monocromatiche bianche
Jo Baer – Pittrice e grafica americana. È considerata un'importante rappresentante del Minimalismo.
Ellsworth Kelly – Pittore e scultore americano. Kelly trascese il concetto di quadro rettangolare con le sue composizioni. Fu una figura di spicco della pittura Color Field e dell'Hard Edge.
Robert Mangold – pittore americano
Brice Marden – artista americano che può essere associato, tra le altre cose, al minimalismo.
Oltre alla scultura e alla pittura, la scuola del minimalismo trovò spazio anche nell'architettura e nel design, con un successo .
Il neoespressionismo come ultima fase di iterazione
Tra gli sviluppi più recenti dell'arte moderna c'è il Neoespressionismo, in parte una reazione all'austerità del Minimalismo e, soprattutto, un movimento figurativo emerso nei primi anni Ottanta.
Tra i suoi seguaci, tuttavia, c'erano anche alcuni pittori astratti di spicco, tra cui l'inglese Howard Hodgkin e gli artisti tedeschi Georg Baselitz e Anselm Kiefer .
Tra gli artisti astratti di questo periodo riconosciuti a livello internazionale c'è lo scultore britannico e vincitore del Turner Prize Anish Kapoor , noto per le sue opere di grandi dimensioni realizzate in pietra grezza, metallo fuso e acciaio inossidabile.
Anselm Kiefer – Ave Maria (2007) Anselm Kiefer [CC BY-SA], tramite Wikimedia Commons
Artisti astratti contemporanei
Numerosi pittori e scultori contemporanei si trovano, ad esempio, nel cuore della metropoli artistica e culturale di Dresda. La galleria "Abstract Moments" di Dresda, fondata nel 2005 da un gruppo di artisti, è diventata un punto di riferimento per l'arte astratta in Germania.
Il sito web dell'artista presenta non solo a olio e acrilici in un portfolio in continua crescita, ma anche grafiche, fotografie e sculture .
Tra gli artisti attuali della galleria figurano, tra gli altri:
André Mimor
Andy Larrett
Alejandro Rojo
Annette Freymuth
Andreas Garbe
Bozena Ossowski
C. David Schwartz
Christiane Middendorf
Dirk Hille
Frank Lorenz
Frank-Ole Haake
Gia Hung
Hans-Jürgen Gorenflo
Holger Mühlbauer-Gardemin
Ilona Schmidt
Jean-Jacques Piezanowski
Jo Zipfel
Julio Fernández
Klaus Boekhoff
Koroush Namazi
Lina Roth
Maciej Cieśla
Manuela Rathje
Maja Kühne
Martina Rick
maya
Raffaello Re
Stefan Petrunov
Torsten Peter
Uwe Fehrmann
E poi cosa succederà?
Il futuro è già iniziato, come si dice. In questo senso, il mondo dell'arte moderna continuerà a evolversi, dando vita a nuovi e significativi movimenti, stili e direzioni artistiche. Guardiamo a loro con una mente aperta.
Arte astratta dalla nostra galleria online
Nella nostra galleria d'arte virtuale avrete anche la possibilità di acquistare opere d'arte astratte uniche e colorate, direttamente dall'artista o dal nostro partner nella galleria.
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Alfred J. Barr, Jr.:Cubism and Abstract Art (New York 1936). 248 pagine. 223 illustrazioni. Scritto dal Museum of Modern Art come guida e catalogo per la mostra nella primavera del 1936.
Internet:
Tate Gallery:una breve storia dell'arte astratta con Turner, Mondrian e altri , https://www.tate.org.uk/art/brief-history-abstract-art-turner-mondrian-and-more
Daniel Birnbaum / Artforum: Universal Pictures – L'arte di Hilma af Klint, https://www.artforum.com/features/universal-pictures-the-art-of-hilma-af-klint-214627/
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Titolare e amministratore delegato di Kunstplaza. Pubblicista, redattore e blogger appassionato nel campo dell'arte, del design e della creatività dal 2011. Laurea in web design conseguita nel corso degli studi universitari (2008). Sviluppo di tecniche di creatività attraverso corsi di disegno libero, pittura espressiva e recitazione/teatro. Conoscenza approfondita del mercato artistico grazie a ricerche giornalistiche pluriennali e numerose collaborazioni con attori/istituzioni dell'arte e della cultura.
Come ogni complesso tematico, anche l'arte offre una ricchezza di terminologie, espressioni, abbreviazioni e parole straniere specifiche del settore.
In questa sezione vorremmo presentarvi di tanto in tanto alcuni dei termini più importanti e comuni.
Qui potrete conoscere e approfondire una serie di informazioni, definizioni, termini liturgici, indicazioni, espressioni tecniche comuni e le loro abbreviazioni, nonché concetti di teoria dell'arte, storia dell'arte e filosofia dell'arte.
Nell'arte, la classificazione di artisti e opere d'arte avviene in epoche stilistiche. Questi si basano su caratteristiche comuni delle opere d'arte e dei prodotti culturali di un'epoca.
La suddivisione in epoche serve come strumento per strutturare e collocare opere e artisti in un quadro temporale e in un contesto storico-culturale.
La conoscenza dei periodi artistici gioca un ruolo fondamentale, in particolare nel commercio dell'arte , nella teoria dell'arte e nell'analisi classica delle immagini.
In questa sezione del blog sull'arte vorremmo aiutarti a comprendere meglio queste epoche, stili e movimenti.
Stili artistici
Lo stile artistico, o anche la direzione stilistica nelle opere d'arte, si riferisce all'espressione uniforme delle opere d'arte e dei prodotti culturali di un'epoca, di un artista o di un gruppo di artisti, di una corrente artistica o di una scuola d'arte.
È uno strumento per classificare e sistematizzare la diversità dell'arte. Descrive ciò che è simile ma diverso dagli altri.
Il termine è tematicamente affine all'epoca artistica, ma non va visto solo in un quadro temporale e quindi è molto più ampio.
In questa sezione vorremmo aiutarvi a comprendere meglio le tendenze e i movimenti artistici.
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