Jasper Johns: L'arte come mezzo per esplorare e affrontare la vita

Durante l'amicizia con Robert Rauschenberg e la cerchia di John Cage, Johns trasse ispirazione da quest'ultimo e collaborò con Rauschenberg; questi furono i punti di svolta decisivi nel percorso del suo sviluppo artistico.

Il lavoro di Jasper Johns dispiega una gamma interessante di obiettivi e sfumature:

Ancora e ancora, bandiere, obiettivi, numeri

A partire dal 1954, vennero create le prime bandiere, i bersagli e i numeri presentati più dettagliatamente nell'articolo "Jasper Johns: artista nato, vita con e per l'arte" , che sarebbero poi ricomparsi più volte nella sua opera:

• “Figura 8”, 1959
• "Bandiera", 1971
• "Bersaglio", 1958
• "Bersaglio", 1960
• “Figura 2”, 1963
• “Figura Cinque”, 1963–64
• “Obiettivo (ULAE 147)”, 1974

Johns si dedicò anche a numerose altre materie:

“False Start” e “Device Circle” del 1959 sono anch'essi tipici disegni e dipinti di Jasper Johns, realizzati con un “braccio meccanico” (di solito una sorta di striscia di legno) con cui Johns graffiava la pittura sulla tela, spesso con movimenti ad arco, curvo o circolare, mantenendo il braccio a contatto con la tela.

Il “Cappotto” e il “Bronzo dipinto”, chiare incursioni nella Pop Artche rivelano l'enorme influenza di Rauschenberg sul lavoro di John.

L'arte come simbolo di vita

il tema dei "dispositivi" In seguito, Johns avrebbe elaborato "impronte del corpo" , "un'allegoria onnicomprensiva dell'arte come e dal corpo":

• “Periscopio (Hart Crane)”, 1962
• “Tuffatore”, 1962-63

Questa combinazione di "dispositivo" e "impronta corporea" compare a partire dal 1963. In "Periscope", che include graffi di pittura e impronta corporea "Diver",.

Il curatore e responsabile del Dipartimento di Arte Moderna e Contemporanea della National Gallery of Artdi Washington DC ha visto in questa tecnica "la reinvenzione della figurazione nell'arte moderna" : la manifestazione del solo processo meccanico conferisce al corpo un nuovo posto nelle arti visive.

L'arte come storia di vita personale

In "Periscope" e "Diver", Johns ha elaborato anche sconvolgimenti personali: da un lato la spiacevole separazione dalla sua compagna di lunga data Rauschenberg, e dall'altro il suicidio del poeta Hart Crane, la cui poesia aveva profondamente influenzato Johns.

Nato nel 1899, il poeta Hart Crane, psicologicamente instabile e ipersensibile, si era procurato solo problemi finanziari e recensioni negative nonostante una borsa di studio Guggenheim per i suoi due volumi di poesie pubblicati, "White Buildings" (1926) e "The Bridge" (1930).

Si tolse la vita in modo spettacolare e pubblico il 27 aprile 1932, gettandosi dalla SS Orziba nel Golfo del Messico con entrambe le mani alzate al cielo. Il suo corpo non fu mai ritrovato.

Johns ha incluso nelle immagini il gesto delle mani tese; questo riferimento visivo al suicidio di Crane intende esprimere lo stress emotivo di John per la catastrofe della separazione da Rauschenberg.

Storie sull'arte e sul mistero della vita

Sempre nel 1963, "Land's End", un altro esempio di come i dipinti di John raccontino storie profonde e significative, questa volta non sulla vita, ma sull'arte:

, René Magritte Nella sua opera del 1929 “La trahison des images” pose la questione fondamentale di quale sia il rapporto tra l'immagine dipinta di un oggetto e l'oggetto stesso. Secondo l'interpretazione più diffusa nella storia dell'arte, Magritte dimostrare con il dipinto che anche la rappresentazione più realistica non corrisponde all'oggetto in sé.

In modo molto simile, Johns si chiede in "Land's End" (e in molti altri suoi dipinti degli anni '60) se il nome di un colore sia lo stesso del colore stesso e, forse ancora più importante, come si possa sapere o credere che un colore come il rosso non sia in realtà giallo, per esempio. Dove finisce il rosso e inizia il giallo? Il rosso è definito dal suo opposto, ad esempio dal fatto che non è denaro o blu? Il rosso è privo di qualsiasi qualità intrinseca, ma è semplicemente una descrizione di relazioni? Chi lo decide?

A differenza di Magritte, Johns non offre risposte definitive a queste domande; al contrario, il suo vero e grande merito come artista risiede nel porre domande al mondo. Molte domande, ed è proprio questo che l'osservatore dovrebbe sperimentare contemplando un'opera d'arte di Johns: dovrebbe essere spinto a riflettere sui molti interrogativi della nostra esistenza per i quali non esistono risposte certe.

Siamo travolti dalle acque vorticose intorno ai nostri piedi; vediamo l'enorme onda all'orizzonte, ma non possiamo sfuggirle. Secondo Johns, non c'è stabilità; non possiamo fidarci di niente e di nessuno con certezza. Nulla ha un valore intrinseco, ma porta solo etichette descrittive, è definito dalle sue relazioni con qualcos'altro, e quindi ogni cosa è connessa a ogni altra.

Johns illustra questo concetto in "Land's End" attraverso l'uso di lettere dai colori primari che, come l'intera immagine, non contengono molto colore. L'intera immagine grigia è un mix di grigi caldi e freddi, marroni e blu, essenzialmente una spiegazione di come il grigio interagisce con il colore. Il grigio è il centro dello spettro, una miscela di bianco e nero, o il colore che si ottiene mescolando colori opposti, come il famoso Gamblin Artist Colors, Torrit Greyche è una miscela di tutti i colori che Gamblin produce nel suo stabilimento. Il grigio può quindi essere ricco di colore, contenendo persino l'intero spettro, senza che noi siamo in grado di riconoscere nessuno dei singoli colori.

Allo stesso modo, “According to What”(1964), composta da diverse tele unite, pannelli dipinti che incorporano vari oggetti trovati, utilizzando tecniche di lavori precedenti, pennellate, nomi di colori realizzati con stencil e impronte di parti del corpo. Qui, tuttavia, Johns ha ampliato il suo repertorio visivo includendo elementi come pagine di giornale serigrafate, che pongono il Cremlino al centro del dipinto e lo aprono alla discussione.

Warhol e Rauschenberg utilizzavano la serigrafia per trasformare comodamente le fotografie in dipinti senza lasciare alcuna traccia dell'intervento dell'artista; Johns si confronta intensamente con la serigrafia a livello artistico per rafforzare l'idea dell'intreccio tra artista e strumento, tema che aveva già "Periscope" esplorato

All'estrema sinistra, in omaggio al suo mentore Marcel Duchamp, colloca una piccola tela con la silhouette di Duchamp, di cui è visibile solo il retro con la data, il titolo e la firma di John; sopra questa tela, una sedia capovolta allunga le gambe in aria.

Questi oggetti trovati sono stati aggiunti perché Johns voleva creare un dipinto che "permettesse alle cose di cambiare"man mano che la luce e la prospettiva dello spettatore si modificavano intorno all'opera: un cambiamento di messa a fuoco che illustra la convinzione di Johns secondo cui osserviamo il mondo attraverso innumerevoli frammenti diversi, e ogni cambiamento di contesto offre una prospettiva differente.

L'arte come mezzo per affrontare la vita

In questa tradizione si inserisce anche "Racing Thoughts", del 1983. "Pensieri accelerati" è un termine riconosciuto nei paesi anglofoni per indicare il sovraccarico mentale associato a vari tipi di malattie o disturbi mentali. Lo stesso Johns soffrì di una forma lieve di "pensieri accelerati" nel 1983; in questo modo conobbe il termine medico e fu molto divertito nello scoprire che i pensieri accelerati sono una sindrome ampiamente conosciuta.

Con “Scent”, 1973-74, un formato piuttosto grande, inizia una nuova era: qui Johns stabilisce le regole fondamentali dei suoi “quadri tratteggiati”.

Scent è composto da nove pannelli, tre tele, ciascuna divisa in tre parti da linee disegnate. I tre pannelli di sinistra e i tre di destra sono identici, così come il terzo e il quarto, e il sesto e il settimo. Possono essere etichettati (ad esempio, da destra a sinistra, ABC, CDE, EFA) e raggruppati (CDE, EFA, ABC); i bordi si allineano sempre come in precedenza.

Con il titolo Scent, Johns ha scelto un titolo già utilizzato sia da Rauschenberg che da Jackson Pollock ; questo viene visto come un riferimento e/o un ironico omaggio a un'arte che è entrata a far parte della storia dell'arte.

“Corpse and Mirror II”, 1974-75, è anch'essa un'immagine tratteggiata, a proposito della quale Johns disse una volta: “L'ho vista solo per un secondo, ma ho capito subito che l'avrei usata. Aveva tutte le qualità che mi interessano: l'accenno a una forma di lettera, la ripetibilità, la qualità ossessiva, l'ordine silenzioso e la possibilità di rimanere completamente priva di significato.”

Altri dipinti famosi nello stile di Scent sono i trittici "Donne che piangono", del 1975, che si dice i nudi di Picasso del suo periodo cubista (1907-1909) , e "Tra l'orologio e il letto", del 1981, ispirato all' "Autoritratto tra l'orologio e il letto", del 1940-42 di Edvard Munch.

Arte e storia dell'arte

per creare “Perilous Night”Johns trasse “Palazzo d'altare di Isenheim” di Matthias Grunewald :

I soldati colpiti dalla luce brillante del Cristo risorto nel secondo affresco.

Senza queste conoscenze di base, "Notte pericolosa" è un'immagine oscura e densa che non sembra certo voler rivelare volontariamente il suo significato all'osservatore. Che i dipinti di John facciano spesso riferimento alla storia dell'arte era noto agli osservatori più esperti, ma nemmeno il critico d'arte più acuto avrebbe fatto il collegamento con la "Pala d'altare di Isenheim", quindi alla fine fu John stesso a rivelare il riferimento.

In “Ventriloquist”, del 1983, Johns dispone bandiere, numeri e bersagli in un autoritratto simbolico, che non è immediatamente evidente.

La composizione appare piuttosto realistica, con il chiodo storto nell'ombra, il cesto di vimini dipinto con cura e la raffigurazione dettagliata delle pipe sulla destra. Sulla sinistra, c'è qualcosa per intenditori e amanti dell'arte eccentrica: si dice che un'eccentrica ceramica dell'artista George Edgar Ohr, che si faceva chiamare "il vasaio pazzo di Biloxi", lì, e una balena è incastonata tra le linee sullo sfondo (presumibilmente basata sulla famosa illustrazione del 1979 di Moby Dick di Herman Melville realizzata dall'artista e illustratore Barry Moser ).

Due bandiere americane, una sopra l'altra e nei toni opposti della ruota dei colori, dividono le pagine, e l'immagine in bianco e nero nell'angolo in alto a destra, a un esame più attento, si rivela anch'essa una copia invertita (di una litografia dell'artista Barnett Newman, che Johns venerava) – il ventriloquo Johns ha molto da raccontarci.

Proprio come in “The Seasons (Summer)”, 1987, dove il piccolo colibrì sul ramo è altrettanto difficile da individuare quanto il carretto copiato dal di Picasso “Minotauro che sposta la sua casa” , sul quale Johns dispone nuovamente alcuni auricolari, elementi caratteristici delle sue opere e (in memoria di Leonardo da Vinci e Marcel Duchamp) una Monna Lisa .

Qual è il significato del cavalluccio marino? Non lo indovinerete mai: intende evocare l'immagine della cavalla che partorisce nel dipinto del Minotauro di Picasso (anche se non è molto chiaro). Alcuni lo interpretano anche come un'allusione agli stereotipi di genere, poiché nei cavallucci marini è il maschio a portare in grembo i piccoli. Nel 1986 sono state create le serie autunno, inverno e primavera per "Estate", e anche in queste c'è molto da scoprire.

L'arte come puzzle

Come in…

• “Il bordo dello specchio”, 1992
• “Le stagioni”, 1990
• "Niente affatto Richard Dadd", 1992

Negli anni Novanta, nuove voci popolano i dipinti di John e le vecchie voci possono essere lette in un modo completamente nuovo.

"Mirror's Edge" è basato sulla planimetria della casa d'infanzia di John, "Nothing at All Richard Dadd" ; questo dipinto è ispirato al pittore inglese Richard Dadd , che nel XIX secolo uccise suo padre perché delle voci spettrali glielo ordinavano.

Non sappiamo quali i pensieri in quel momento, ma Richard Dadd trascorse il resto della sua vita in un ospedale per malati di mente criminali, dove scrisse un lungo poema sul suo capolavoro: "The Fairy Fellers" (Painting of the Fairies).

L'ultimo verso di questa poesia afferma che "dal nulla non si può creare nulla" – Dadd sembrava creare arte per una sorta di necessità interiore, che, secondo molti storici dell'arte, è il motivo per cui Johns lo ha citato.

Inoltre, le tre immagini presentano alcune somiglianze, la cui identificazione è lasciata all'osservatore curioso. Lo stesso vale per l'interpretazione delle ultime due celebri opere di Johns:

“Near the Lagoon”, 2002-03, che il direttore dell'Art Institute of Chicago ha descritto come il capolavoro di un artista pienamente maturo. Un artista che, in età avanzata, aveva prodotto un'opera profonda in cui rifletteva su se stesso e sulla storia dell'arte – e che ha affermato che gli americani dovrebbero finalmente abbandonare l'errata convinzione che le prime opere di un artista siano sempre le più importanti.

"Frammento di lettera", 2009, in cui Johns, alla tenera età di 81 anni, dimostra di essere ancora in grado di inventare forme visive e modalità di rappresentazione: le mani nel frammento di lettera a sinistra parlano un linguaggio dei segni decifrabile, un esercizio per menti molto brillanti quando il lato destro rimane coperto.

Il lavoro di Jasper Johns nella sfera pubblica: storia delle mostre e arte nelle collezioni pubbliche

Nel 1954 trovò la sua direzione artistica e nacquero i primi motivi tipici oggi associati all'artista Jasper Johns: 'Obiettivi', bandiere americane, mappe, immagini con numeri, parole e lettere.

Nel 1957, Johns Leo Castelli , un banchiere esperto d'arte emigrato dall'Europa a New York nel 1941, che stava allestendo la sua galleria, inaugurata da poco nel suo salotto, come punto d'incontro per le scene artistiche europee e americane. A differenza delle gallerie affermate, per lo più conservatrici, Castelli era interessato all'"originalità" dei suoi artisti; organizzò una mostra collettiva per Johns nello stesso anno e la prima mostra personale di Jasper Johns nel 1958.

Inoltre, nel 1958, lo storico dell'arte e direttore fondatore del Museum of Modern Art Alfred Barr le prime opere per il MoMA, Johns organizzò un concerto retrospettivo di John Cage con Rauschenberg ed Emile de Antonio alla Town Hall di New York, e l'ascesa ebbe inizio, inarrestabile.

Dal 1958 in poi, Johns espose regolarmente a Castelli (1960, 1961 e 1963) guadagnando così grande popolarità anche in Europa: nel 1964 si tenne la prima mostra di Jasper Johns alla Whitechapel Art Gallery di Londra; su suggerimento dell'ex moglie e socia di Castelli, Ileana Sonnabend, Johns poté esporre alla II Biennale di Parigi .

Johns ha partecipato alla Biennale di Venezia (1970, 1978, 1988), a Documenta a Kassel (1964 Documenta 3, 1968 Documenta 4, 1972 Documenta 5, 1977 Documenta 6), ha lavorato con Samuel Beckett a Parigi (1973) e ha creato la grafica e il design dei libri per gli otto brevi racconti in prosa di Beckett, Fizzles (1977). Ha disegnato costumi, scenografie e manifesti per John Cage e Merce Cunningham e la loro compagnia di danza.

Bandiere, bersagli e numeri dovrebbero essere familiari a chiunque si consideri amante dell'arte. Chi vanta una formazione artistica più approfondita conoscerà anche le altre opere di Jasper Johns menzionate sopra. Ci sono state numerose occasioni per ammirarle:

Jasper Johns può vantare ormai oltre 150 mostre personali e quasi 700 mostre collettive .

La maggior parte si trova negli Stati Uniti (594) e nella Leo Castelli Gallery (61), ma anche 33 al Museum of Modern Art (MoMA), 24 al Whitney Museum of American Art di Manhattan, 15 alla Margo Leavin Gallery di Los Angeles e 12 alla National Gallery of Art di Washington, DC.

Jasper Johns ha all'attivo 68 mostre personali in Germania, 34 in Gran Bretagna, 20 in Spagna e 18 in Italia, e la sua storia espositiva è tutt'altro che conclusa (per le mostre in corso, si veda l'articolo "Jasper Johns: artista nato, che vive con e per l'arte").

Tuttavia, non è necessario attendere una mostra: è possibile ammirare le opere di Jasper Johns in una delle numerose collezioni pubbliche:

• Danimarca: ARTS Museo d'Arte Moderna Aalborg, Museet for Samtidskunst / Museo d'Arte Contemporanea Roskilde
• Germania: Ludwig Forum for International Art Aachen, Museo Ludwig Colonia, K20 Düsseldorf, Museo d'arte moderna (MMK) e Museo Städel di Francoforte sul Meno, Collezione Reinking Amburgo, Museo Ludwig nella Deutschherrenhaus Koblenz, Städtisches Museum Abteiberg Mönchengladbach
• Finlandia: Museo d'Arte Contemporanea Kiasma, Helsinki
• Francia: Musée d'Art Moderne et d'Art Contemporain Nice (MAMAC), Nizza
• Iran: Museo d'arte contemporanea di Teheran
• Israele: Museo d'Israele di Gerusalemme
• Italia: Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Villa Croce Genova, Centro de Arte Moderna e Contemporanea della Spezia (CAMeC) La Spezia, Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto (MART) Rovereto
• Giappone: Museo d'arte contemporanea della città di Hiroshima, Museo d'arte della città di Iwaki, Museo d'arte della città di Kawasaki, Museo d'arte di Yokohama, Nishi-ku Yokohama, Museo d'arte contemporanea Hara di Tokyo
• Canada: Galleria Nazionale del Canada Museo delle belle arti del Canada Ottawa ON, Vancouver Art Gallery Vancouver BC
• Macedonia: Museo di arte contemporanea di Skopje
• Paesi Bassi: Museo Stedelijk Amsterdam
• Norvegia: Centro d'arte Henie Onstad Høvikodden
• Austria: Albertina e Museo d'arte moderna Fondazione Ludwig (MUMOK) Vienna
• Svizzera: Kunstmuseum Basilea
• Ungheria: Ludwig Museum – Museo d’arte contemporanea di Budapest
• Stati Uniti: Addison Gallery of American Art Andover MA, Bechtler Museum of Modern Art Charlotte NC, Berman Museum of Art Collegeville PA, Boca Museum of Art Boca Raton FL, Boise Art Museum BAM ID, Cantor Arts Center presso la Stanford University CA, Columbia Museum of Art SC, Dallas Museum of Art TX, Des Moines Art Center IA, Figge Art Museum Davenport IA, Fred Jones Jr. Museum of Art Norman OK, Gibbes Museum of Art Charleston SC, Glenstone Potomac MD, Greenville County Museum of Art (GCMA) SC, Guild Hall Museum East Hampton NY, Harry Ransom Center Austin TX, Honolulu Museum of Art HI, Kemper Museum of Contemporary Art Kansas City MO, Los Angeles County Museum of Art (LACMA) CA, Mary & Leigh Block Museum of Art Evanston IL, Marywood University Art Gallery Scranton PA, Museum of Fine Arts Houston (MFAH) TX, Middlebury College Museum of Art VT, Milwaukee Art Museum (MAM) WI, MIT List Centro di arti visive Cambridge MA, MOCA Grand Ave Los Angeles CA, Museo di arte contemporanea Chicago (MCA) IL, Museo di arte contemporanea North Miami (MOCA) FL, Museo di arte contemporanea San Diego (MCASD) La Jolla CA, Museo di arte moderna (MoMA) New York NY, Nasher Sculpture Center Dallas TX, National Academy Museum New York NY, Palm Springs Art Museum CA, Philadelphia Museum of Art PA, Polk Museum of Art Lakeland FL, Pomona College Museum of Art Claremont CA, Princeton University Art Museum NJ, Reynolda House Museum of American Art Winston-Salem NC, Saint Louis University Museum of Art (SLUMA) MO, Samek Art Museum Lewisburg PA, San Francisco Museum of Modern Art (SFMoMA) CA, Santa Barbara Museum of Art CA, Museum of Art Savannah (SCAD) GA, Seattle Art Museum WA, Tarble Arts Center Charleston IL, The Allen Memorial Art Museum Oberlin OH, The Art Institute of Chicago IL, The Art Museum at the University of Kentucky Lexington KY, The Baltimore Museum of Art MD, The Cleveland Museum of Art OH, The Detroit Institute of Arts MI, The McNay Art Museum San Antonio TX, The Menil Collection Houston TX, The Metropolitan Museum of Art New York NY, The National Gallery of Art Washington DC, The Phillips Collection Washington DC, The Rose Art Museum Waltham MA, Tucson Museum of Art AZ, The University of Arizona Museum of Art (UAMA) Tucson AZ, Utah Museum of Fine Arts Salt Lake City UT, Virginia Museum of Fine Arts Richmond VA, Walker Art Center Minneapolis MN, Whitney Museum of American Art New York NY, Yale University Art Gallery New Haven CT

L'elenco delle collezioni pubbliche negli USA è lungo e volutamente riprodotto nella sua interezza: un europeo amante dell'arte che si reca negli USA non può non vedere Jasper Johns dal vivo e sul posto, perché l'artista Jasper Johns appartiene a una cerchia molto illustre.

Tra i 100 artisti più famosi e affermati al mondo, ci sono solo circa due dozzine di artisti statunitensi nati tra il 1900 e il 1950. Sono questi gli artisti che hanno fondato l'arte moderna negli Stati Uniti e Jasper Johns è tra la prima dozzina di questi artisti.

Infine, un incentivo a visitare più spesso i musei: i musei dei paesi europei e degli Stati Uniti custodiscono quella che il mondo occidentale considera la "storia dell'arte mondiale" (per inciso, la scienza della storia dell'arte si è sviluppata in Germania).

Noi tedeschi dovremmo probabilmente sbrigarci più di chiunque altro a comprendere e "spuntare" le linee fondamentali di questa storia dell'arte del mondo occidentale. Perché ci troviamo nella posizione privilegiata di accogliere nella nostra società molte persone che possono, e saranno felici di, fornirci una comprensione di ampi settori della storia dell'arte al di fuori del mondo occidentale, se glielo chiediamo..