Claes Oldenburg: C'è arte in ogni cosa semplice

Claes Oldenburg ha trascorso una lunga vita trasformando la quotidianità in arte utilizzando i mezzi più semplici.

Arte amichevole, arte maliziosa, arte leggermente ironica: insomma, quel tipo di arte che molti considerano un gradito arricchimento della loro vita quotidiana. L'arte di Claes Oldenburg è vista da molti come un gradito arricchimento della loro vita quotidiana. Per questo è considerato uno dei più importanti rappresentanti della Pop Art americana, alla pari di Andy Warhol e Roy Lichtenstein.

Ma Andy Warhol è al primo posto nella classifica mondiale dell'arte, mentre Claes Oldenburg è solo all'80°. Intorno al 2008, era quasi al 50° posto, e da allora la sua posizione in classifica ha oscillato tra il 60° e l'80° posto circa. Per Andy Warhol, invece, non ci sono oscillazioni, solo una linea retta verso la sua incrollabile posizione numero uno.

Le ragioni sono molteplici, ma tutte condividono un principio comune: nelle società con molte persone insicure, tutte le pecore seguono un leader perché non osano esprimere la propria opinione. E il leader è sempre quello che urla più forte. In questo caso, si tratta chiaramente di Andy Warhol. Ma almeno non è partito con l'intenzione di danneggiare i suoi seguaci, a differenza delle nuove figure sinistre sulla scena politica.

Il percorso artistico di Claes Oldenburg

Claes Oldenburg nacque a Stoccolma nel 1929, ma ebbe ben poca spensieratezza in Svezia: suo padre era di stanza a New York come diplomatico svedese, e lì Oldenburg trascorse la sua infanzia, dal 1930 al 1933.

Durante i suoi sei e sette anni, a Oldenburg fu permesso di contare gli gnomi a Oslo, in Norvegia – non proprio la sua terra natale, ma il piccolo Claes aveva sicuramente "più Svezia" intorno a sé a Oslo che a New York.

Forse lesse anche uno dei racconti natalizi che Astrid Lindgren pubblicò anonimamente su un giornale di Stoccolma nel 1933, tra i suoi primi tentativi letterari? Per molti anni, Lindgren scrisse racconti brevi in ​​forma anonima per diverse riviste. Nel 1941, quando sua figlia era malata a letto, adottò lo pseudonimo di Pippi Calzelunghe e chiese che le venissero raccontate storie sulla neonata protagonista. Questo incontro fortuito segnò l'inizio della carriera di scrittrice di Lindgren.

Astrid Lindgren inventò storie su e con Pippi Calzelunghe e le mise anche per iscritto; "Pippi Calzelunghe" fu rifiutata da alcuni editori nel 1944 e vinse il primo premio in un concorso indetto da un secondo editore nel 1945... ma Claes Oldenburg non avrebbe potuto immaginare nel 1936 che un'importante eroina sarebbe presto emersa nel nord; piuttosto, seguì ingenuamente i suoi genitori a Chicago, dove suo padre fu nominato Console Generale di Svezia e dove Oldenburg frequentò la scuola fino al 1946.

Anche essere riusciti in questo modo a sfuggire in gran parte alla guerra mondiale nella loro patria, l'Europa, è stato certamente importante.

Oldenburg frequentò la prestigiosa Latin School of Chicago, una scuola privata diurna nel quartiere Gold Coast, dove si diplomò nel 1946. Dalla Latin School, la strada per Yale spianata (per chi si fosse appena svegliato e fosse nato nell'era post-Y: ci si riferisce alla Yale University, la terza università più antica degli Stati Uniti e una delle più famose di queste istituzioni d'élite che, oltre a persone incredibilmente talentuose, producono anche personaggi eccentrici come i fratelli Bush). Oldenburg studiò arte e letteratura inglese a Yale dal 1946 al 1950.

Se Oldenburg fosse mai stato ostacolato nel suo libero sviluppo dalla casa dei suoi genitori (cosa meno probabile nelle famiglie diplomatiche che in quelle medie, perché i diplomatici viaggiano per il mondo e perché il mondo rende esperti), questa era storia dopo la sua laurea a Yale:

Oldenburg frequentò dei corsi presso l' Art Institute of Chicago.L'Art Institute of Chicago comprende un museo d'arte (che, con la sua collezione di 300.000 opere che abbracciano cinque millenni, è stato nominato il miglior museo del mondo ai TripAdvisor Travelers' Choice Awards del 2014) e una scuola d'arte e, sebbene sia stato fondato su iniziativa di ricchi cittadini, è, come la maggior parte delle istituzioni artistiche, piuttosto anticonformista.

L'ultima volta che l'Art Institute of Chicago ha sorpreso il grande pubblico è stato nel 2016, quando ha di Vincent Van Gogh la "Camera da letto ad Arles" e l'ha affittata tramite Airbnb in collaborazione con l'agenzia pubblicitaria Leo Burnett (Marlboro Man e altre).

La campagna è arrivata proprio al momento giusto per Leo Burnett Chicago, dato che l'agenzia aveva da poco perso come clienti il ​​killer energetico McDonald's (Kids, Tweens e l'area di Chicago), la bomba di zucchero Kellogg's Special K e anche la (orribilmente brutta?) Chevrolet Silverado. Rispetto alle campagne Always Ultra per il loro unico grande cliente rimasto, Procter & Gamble, pubblicizzare una famosa camera da letto rappresenta sicuramente un guadagno del 100% in termini di sensualità nella routine lavorativa quotidiana.

Airbnb è felice di tutto ciò che gli procura denaro esentasse, ma il vero vincitore è stato l'Art Institute of Chicago, che in questo modo su Van Goghha attirato l'attenzione

Sebbene fosse ancora il 1950, Claes Oldenburg aveva già 21 anni e, come ogni giovane in un'epoca in cui lo sfruttamento non si nascondeva dietro ogni altro lavoro, aspirava all'indipendenza. Per questo motivo, durante gli studi lavorò come giornalista e grafico per il Chicago City News Bureau.

Oldenburg espose le sue opere per la prima volta nel 1953, presentando disegni satirici, in gran parte figurativi come i suoi primi dipinti, ma fortemente influenzati dall'Espressionismo astratto . Nello stesso anno, aprì il suo studio e ottenne la cittadinanza statunitense: Oldenburg era pronto a conquistare il mondo dell'arte, ma il mondo dell'arte non era ancora del tutto pronto per lui.

Pertanto, nel 1956 Oldenburg si trasferì per la prima volta nel cuore del mondo artistico americano, a New Yorkcon un lavoro part-time nella biblioteca del Cooper Union Museum for the Arts of Decoration mantenne

Durante il resto del tempo conobbe altri artisti, Jim Dine, Red Grooms, Allan Kaprow, Lucas Samaras, George Segal e molti altri artisti emergenti, che alla fine lo allontanarono dalle arti performative e risvegliarono il suo entusiasmo per i collage e gli oggetti .

Dal 1958 in poi, Oldenburg iniziò oggetti in cartapesta e materiali di scarto , rivestendoli con tessuti dai colori vivaci. La sua prima mostra di opere tridimensionali presentava proprio questi oggetti (maggio 1959, Judson Gallery, Judson Memorial Church, Washington Square).

Nel 1960, il suo quartiere di Oldenburg, nel Lower East Side, lo ispirò a creare nuove sculture: figure, lettere e insegne dalle forme semplici, realizzate in cartone, iuta e carta di giornale; nel 1961, progettò sculture in rete metallica ricoperta di tela imbevuta di gesso e smalto, raffigurando per la prima volta oggetti di uso quotidiano come vestiti o cibo.

Nel 1960, Oldenburg iniziò anche a creare happening con i suoi nuovi amici della Pop Art, il "Ray Gun Theater", insieme a Lucas Samaras, Tom Wesselman, Carolee Schneemann, Oyvind Fahlstrom e Richard Artschwager. La sua prima moglie , Patty Mucha, non solo cuciva sculture morbide per Oldenburg, ma si esibiva regolarmente nei suoi happening. I critici d'arte individuarono colori sgargianti e un senso di alienazione nelle sue opere, ma inizialmente non molto altro.

Opera di Claes Oldenburg

Pertanto, ci vollero fino al 1962 perché Oldenburg raggiungesse la svolta.

Oldenburg aveva 33 anni, si era sposato da poco con Patty Mucha, nata Patricia Muschinski a Milwaukee, e il suo incontro con il marito rispecchiava tutti i cliché: era stata una delle sue modelle nude quando Oldenburg si cimentò nella ritrattistica (e probabilmente anche nella pittura di nudo, ma per i ritratti servono pochissime modelle nude) nei suoi primi anni a New York.

Anche Patty Mucha era un'artista e la coppia iniziò a lavorare insieme. Oldenburg aveva brevemente sperimentato con le "Sculture Morbide" , ma la calza da donna composta da sezioni e riempita di carta di giornale, ora "Salsiccia" veneratajessesartspace.wordpress.com), non riuscì a conquistare il mondo dell'arte dell'epoca.

Ora si cimentò nuovamente con i Softies insieme a Patty, creando nel 1962 "in un colpo solo" la "Floor Cake", una fetta di torta realizzata in lattice su tela, dipinta con vernice polimerica sintetica, riempita di gommapiuma e cartone: www.moma.org/collection/works/81450.

e il “Floor Cone”, un cono gelato prodotto nello stesso modo: www.moma.org/collection/works/81461 e, per concludere la serie di stuzzicanti riempitivi per lo stomaco, il “Floor Burger”, in realtà un Whopper, completo di panino, hamburger e cetriolino sottaceto.

Ciò che rendeva speciali queste tre opere erano le loro dimensioni: “Floor Cake” 2,9 x 1,48 x 1,48 metri, “Floor Cone” 3,45 x 1,42 x 1,36 metri, “Floor Burger” 2,13 metri di diametro e 1,3 metri di altezza.

Le sculture morbide erano le star della mostra alla Green Gallery di New Yorke conquistarono immediatamente l'entusiasta pubblico americano. Persino mentre il gigantesco cono gelato veniva trasportato alla Green Gallery su un pick-up lungo la West Fifty-Seventh Street, i bambini esultavano nelle auto di passaggio e gli adulti applaudivano all'interno della galleria: tutto andava per il meglio, Oldenburg era un uomo affermato.

Una torta grande quanto un divano come opera d'arte? Davvero?

Che si tratti di una fetta di torta grande quanto un divano, di un cono gelato gigante o di un hamburger megalomane, niente di tutto ciò avrebbe la minima possibilità di essere celebrato come un fenomeno nel mondo dell'arte di oggi. Al massimo, potrebbe essere celebrato come un fenomeno in un ristorante in difficoltà il cui proprietario, privo di qualsiasi competenza culinaria, apre un ristorante XXL dopo la visita di uno chef famoso in un reality show. Ma una torta grande quanto un divano è solo un successo isolato.

Cosa avevano queste opere d'arte che affascinavano così tanto la gente di allora?

In parole povere: era arte per le persone. Per quanto sciocca potesse essere, quest'arte prendeva le persone sul serio ed era rivolta a TUTTE le persone.

Prima della Pop Art, l'arte irriverente e umoristica era pressoché inesistente; era qualcosa per persone istruite, che dovevano farsi spiegare, da storici dell'arte ancora più istruiti, in termini "profondi", le idee che la sottendevano, per poi poterla ammirare con stupore.

Ma i giovani artisti degli anni '60 – Oldenburg, Warhol, Liechtenstein e innumerevoli altri intorno a loro – non volevano creare un'arte che ispirasse stupore; al contrario, volevano smantellare lo stupore che circondava l'arte e creare arte per tutti in modo veramente democratico. Questo, a sua volta, spiega le loro motivazioni: chi vuole creare arte per tutti non andrà lontano con le torri d'avorio, ma dovrebbe invece scegliere motivi che siano familiari a tutti.

Grazie a questo approccio, non solo l'arte vivace di Oldenburg ottenne grande popolarità, ma forni anche la spiegazione, basata sui contenuti, del perché Warhol raggiunse il primo posto nel mercato dell'arte, mentre Oldenburg rimase al potere tra gli anni '50 e '80.

Warhol adottò un approccio ancora più radicale: non solo liberò l'opera d'arte dalla sua inquietante serietà, ma anche, con il suo metodo di produzione seriale, dal mito dell'unicità.

di Andy Warhol, le "Campbell's Soup Cans" anch'esse apparse per la prima volta nel 1962 – erano già all'epoca piuttosto insolite, perché, rispetto a torte, hamburger e gelati, rappresentavano un cibo assolutamente ordinario e quotidiano. Ora, le lattine sono state riprodotte con colori polimerici su ben 32 tele. 32 perché esistevano 32 varietà di zuppa Campbell. Questo fatto ha deriso il venerabile mondo dell'arte, che poteva scrivere, o almeno scriveva, voluminosi libri sull'unicità delle singole opere d'arte, e lo faceva in modo persino più approfondito di quanto potesse fare qualsiasi torta o hamburger.

Nonostante il rischio di sembrare sarcastici: Oldenburg è ancora vivo; in termini di popolarità nel mondo dell'arte, Andy Warhol è stato un Andy Warhol piuttosto sfortunato: ha lasciato la scena nel 1987, e Robert Rauschenberg nel 2008, consentendo alla loro ormai limitata produzione artistica di aumentare di valore. Allo stesso tempo, agli storici dell'arte è stata finalmente data l'opportunità di commentare le rispettive opere senza timore di essere contraddetti dall'artista.

Ma tutto ciò è una visione retrospettiva: quando Oldenburg conquistò il mondo dell'arte, era in cima alle classifiche degli artisti insieme a Robert Rauschenberg (ora al 13° posto) e fu invitato alla Biennale di Venezia e a Documenta. Per un periodo considerevole, fu molto più ricercato di Andy Warhol. A soli 40 anni, il MoMA di New York lo celebrò con la sua prima grande mostra; era il 1969.

Questa è forse la conclusione più divertente o macabra dello spirito di cambiamento degli anni '60: ancora oggi, gli storici dell'arte scrivono voluminosi libri sulle opere e sulle persone di artisti come Oldenburg, Rauschenberg, Warhol, Lichtenstein e altri che volevano liberare l'arte dalla storia dell'arte...

Decenni di arte in espansione mondiale

Ma torniamo all'arte gratificante di Claes Oldenburg (che il poeta statunitense Frank O'Hara, che mise in parole le opere dei suoi amici artisti prima di essere investito da un buggy da spiaggia nel 1966, descrisse come "magica e strana"):

Montagne di hamburger e fette di torta grandi come divani furono le prime creazioni di Claes Oldenburg. Seguirono patatine fritte giganti, doppi cheeseburger e un water crollato. Dal 1965 circa in poi, Claes Oldenburg decise definitivamente di ampliare il nostro mondo, almeno visivamente, attraverso oggetti colossali

• è stato creato nel 1969 “Lipstick (Ascending) on ​​​​Caterpillar Tracks”, Tower Pkwy, New Haven, CT 06511, USA
• 1970 la grande spina “Plug”
• 1976 “Clothespin”, Market St & S 15th St, Philadelphia, PA 19102, USA

Poi Coosje van Bruggen e iniziò a lavorare con Oldenburg, dopo averlo aiutato a installare un'opera d'arte nel parco del Museo Kröller-Müller a Otterlo, nei Paesi Bassi. Era il 1976; i due si sposarono nel 1977 e da allora in poi realizzarono "Progetti su larga scala".

• 1977 “Palle da biliardo giganti”, Progetti di scultura Münster
• 1981 “Torcia elettrica”, Università del Nevada, Las Vegas
• nel 1982 La scultura "Pickaxe", alta 12 metri e realizzata per Documenta 7 a Kassel

E così continuò, fino alla famosa “Cupid’s Span” realizzata in fibra di vetro e acciaio (2002, Rincon Park, San Francisco) e alle “Tumbling Tacks” (2009, Kistefos Sculpture Park a nord di Oslo, ultima opera realizzata insieme prima della morte di van Bruggen nello stesso anno).

L'opera più recente e di rilievo di Oldenburg è l'imponente "Paint Torch", un pennello realizzato in acciaio e fibra di vetro con illuminazione a LED, presentato nel 2001 di fronte alla Pennsylvania Academy of the Fine Arts di Philadelphia.

L'arte più bella per i giochi d'arte

Questi sono solo alcuni esempi; il mondo è pieno dell'arte ironica e giocosa di Oldenburg. Quest'arte può anche essere molto divertente per le persone fantasiose, ad esempio, come caccia al tesoro. Chi riuscirà a trovare il piatto da portata e il piatto da torta, le pantofole verdi da donna, la cheesecake, il lavabo autoportante, il morbido interruttore della luce svedese, le "Repliche dell'insieme della camera da letto" e i "Tubazioni sostenute dal loro contenuto"?Dopotutto, sono sparsi per il mondo in formato gigante!

Un'incursione nell'arte della spiegazione potrebbe rivelarsi altrettanto interessante se il dibattito si basasse su un'opera di Claes Oldenburg: perché una cravatta alta più di dieci metri, che "svolazza" verso l'alto, si erge di fronte a un grattacielo di Francoforte sul Meno? Cosa sta cercando di comunicarci l'artista?

Antropologico culturale, storico contemporaneo, scienza tessile, esoterico, teorico-mediale, sociologico della religione, scientometrico, pedagogico-didattico, cibernetico, geodetico ingegneristico, prospettiva medica umana?

Alcune opere d'arte di Oldenburg scatenano una miriade di idee di riciclo : cos'altro si potrebbe fare con il "Tubo da giardino con rubinetto"di Freiburg im Breisgau, se non lasciarlo semplicemente lì in un parco?

Tutto questo è un approccio piuttosto indegno all'arte di Claes Oldenburg, ma che l'artista avrebbe certamente apprezzato.

Claes Oldenburg: vita pubblica, mostre, premi

Non si diventa l'ottantesimo artista al mondo senza una presenza pubblica. Claes Oldenburg è stato di oltre 1.000 mostre sin dagli anni '60 , 100 delle quali solo al Museum of Modern Art di New York. Se si era diffusa l'impressione che il fratello di Claes Oldenburg, Richard E. Oldenburg, storico dell'arte e direttore del MoMA dal 1972 al 1993, avesse avuto un ruolo in questo successo, tale impressione è stata corretta nel 2009.

Quest'anno, Claes Oldenburg ha venduto la sua scultura "Typewriter Eraser" (del 1976, una delle tre splendide gomme di grandi dimensioni: c1.staticflickr.com/) per 2,2 milioni di dollari tramite Christie's New York, nonostante suo fratello, dopo il suo periodo al MoMA, sia stato presidente di Sotheby's Nord e Sud America fino al 2000 e successivamente presidente onorario di Sotheby's...

Premi e riconoscimenti

Oldenburg vanta un elenco impressionante di premi :

• 1970 Dottorato honoris causa dall'Oberlin College, Ohio
• Premio per la scultura dell'Università Brandeis del 1971
• Medaglia Skowhegan per la scultura del 1972
• 1975 Membro dell'Accademia Americana e dell'Istituto di Arti e Lettere
• 1976 Art Institute of Chicago, Primo Premio per la Scultura alla 72a Esposizione Americana
• Medaglia dell'American Institute of Architects del 1977
• 1978 Membro dell'Accademia Americana delle Arti e delle Scienze
• 1979 Dottorato honoris causa, Art Institute of Chicago, Illinois
• 1980 Induzione all'Accademia Americana delle Arti e delle Scienze
• 1981 Premio Wilhelm Lehmbruck per la scultura, Duisburg, Germania
• Premio Wolf per le arti 1989
• Premio Brandeis University Creative Arts Award 1993 per il raggiungimento di un traguardo artistico alla carriera + medaglia Jack I. e Lillian Poses per la scultura
• 1994 Distinzione in Scultura, Sculpture Center, New York (Oldenburg + Van Bruggen)
• Premio della Fondazione Rolf Schock 1995, Stoccolma, Svezia
• 1995 Dottorato honoris causa, Bard College, New York
• Premio Nathaniel S. Saltonstall 1996, Institute of Contemporary Art, Boston (Oldenburg + Van Bruggen)
• 1996 Dottorato honoris causa Royal College of Art, Londra
• 1996 lauree honoris causa dal California College of the Arts, San Francisco, California (Oldenburg + Van Bruggen)
• 1999 Dottori honoris causa Università di Teesside, Middlesbrough, Inghilterra (Oldenburg + Van Bruggen)
• 2000 Medaglia Nazionale delle Arti, USA
• 2002 Premio Partners in Education, Museo Solomon R. Guggenheim, New York (Oldenburg + Van Bruggen)
• Medaglia del 2004 della School of the Museum of Fine Arts, Boston (Oldenburg + Van Bruggen)
• 2005 Dottorati honoris causa Nova Scotia College of Art and Design, Halifax, Nuova Scozia (Oldenburg + Van Bruggen)
• 2005 Dottorati onorari del College for Creative Studies di Detroit, Michigan (Oldenburg + Van Bruggen)

L'artista, che solitamente irradia buon umore di persona, ora vive a New York, si sta avvicinando al suo 90° decennio e, in qualità di "Nonno della Pop Art", incoraggia costantemente i giovani artisti a prendere l'arte meno sul serio, come ha fatto lui.

Il sito web ufficiale di Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen, all'indirizzo www.oldenburgvanbruggen.com (non più online), offriva una galleria di immagini di progetti su larga scala con casi studio, biografie degli artisti e pubblicazioni selezionate (tutte in inglese).

Pochi giorni prima della stesura di questo articolo, il New York Times Style Magazine ha pubblicato un articolo su Claes Oldenburg e, tra le altre cose, sulla misteriosa arte funeraria che creò molti anni fa a New York e di cui quasi nessuno è a conoscenza ancora oggi. Persino a 88 anni, Claes Oldenburg era chiaramente ancora capace di sorprenderci; speriamo che continui a farlo a lungo (www.nytimes.com/, con una presentazione delle opere di Claes Oldenburg "nel corso degli anni").

Opere fisiche di Claes Oldenburg sono attualmente in mostra a New York. La mostra “Shelf Life” alla Pace Gallery è aperta fino all'11 novembre 2017 (opere di Oldenburg/van Bruggen; un articolo sulla mostra apparirà sul New Yorker il 6 novembre: www.newyorker.com/). “Three Dimensions: Modern & Contemporary Approaches to Relief and Sculpture” presso l'Acquavella Galleries, Inc., è visitabile fino al 17 novembre 2017. In alternativa, la mostra “Cultivating the Garden” fino al 21 gennaio 2018 “The Show Must Go On – From the Contemporary Art Collection” è visitabile

Collezioni d'arte pubblica

Se al momento non potete recarvi lì, potete ammirare le sue opere nelle poche collezioni d'arte pubbliche al mondo che hanno acquisito opere di Oldenburg:

• Australia: Galleria Nazionale dell'Australia, Canberra, ACT
• Belgio: Musei Reali di Belle Arti del Belgio, Bruxelles
• Brasile: Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC/USP), San Paolo
• Danimarca: Museo d'Arte Moderna della Louisiana, Humlebæk; Museet per Samtidskunst / Museo di arte contemporanea, Roskilde
• Germania: Museo Ludwig, Colonia; Museo d'Arte Moderna (MMK), Francoforte sul Meno; Galleria d'arte dell'Hamburger; Museo Wilhelm Hack Ludwigshafen; Städtisches Museum Abteiberg, Mönchengladbach; Vitra Design Museum, Weil am Rhein
• Finlandia: Kiasma – Museo di Arte Contemporanea, Helsinki
• Francia: Musee d'Art Moderne et d'Art Contemporain Nice (MAMAC), Nizza; Centro Pompidou, Parigi; Museo d'arte moderna e contemporanea di Saint-Étienne (MAMC), Saint-Etienne
• Gran Bretagna: Pallant House Gallery, Chichester, West Sussex; Leeds Art Gallery; Tate Britain e Tate Modern, Londra
• Canada: National Gallery of Canada – Musée des beaux-arts du Canada, Ottawa, ON; Art Gallery of Ontario, Toronto, ON
• Colombia: Museo de Moderno Arte de Bogotá (MAMBO), Bogotà
• Israele: Museo di Israele, Gerusalemme
• Italia: Centro de Arte Moderna e Contemporanea della Spezia (CAMeC), La Spezia; Museo D'Arte Contemporanea Donna Regina (MADRE), Napoli; Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto (MART), Rovereto; Castello di RivoliMuseo d'Arte Contemporanea, Torino
• Giappone: Museo della città di Kawasaki; Museo d'arte contemporanea Hara, Tokyo
• Paesi Bassi: Museo Stedelijk Amsterdam, Amsterdam; Museo Kröller-Müller, Otterlo; Museo Boijmans van Beuningen, Rotterdam; Museo Vledder
• Austria: Museo d'arte moderna della Fondazione Ludwig (MUMOK), Vienna
• Portogallo: Museo Berardo, Lisbona
• Spagna: Museo de Arte Contemporaneo de Alicante (MACA), Alicante; Fundación Joan Miró e Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), Barcellona
• Svezia: Malmö Konsthall, Malmö; Moderna Museet, Stoccolma
• Svizzera: Kunstmuseum Basilea
• Ungheria: Ludwig Museum – Museo d'arte contemporanea di Budapest
• USA: Akron Art Museum, Akron, OH; The University of Michigan Museum of Art (UMMA), Ann Arbor, MI; Crystal Bridges Museum of American Art, Bentonville, AR; Cranbrook Art Museum, Bloomfield Hills, MI; Housatonic Museum of Art, Bridgeport, CT; List Visual Arts Center (LVAC), Cambridge, MA; Tarble Arts Center, Charleston, IL; Museum of Contemporary Art Chicago (MCA), Chicago, IL;
  Pomona College Museum of Art, Claremont, CA; Columbia Museum of Art, Columbia, SC; Meadows Museum, Dallas, TX; Nasher Sculpture Center, Dallas, TX; The Dayton Art Institute, Dayton, OH;
  Des Moines Art Center, Des Moines, IA; Koehnline Museum of Art, Des Plaines, IL; The Modern Art Museum of Fort Worth, Fort Worth, TX; Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park, Grand Rapids, MI; Faulconer Gallery, Grinnell, IA; The Menil Collection, Houston, TX; Museum of Fine Arts Houston (MFAH), Houston, TX; Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City, MO; The Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, MO; Ewing Gallery of Art and Architecture, Knoxville, TN; Samek Art Museum, Lewisburg, PA; Sheldon Museum of Art, Lincoln, NE; Los Angeles County Museum of Art (LACMA), Los Angeles, CA; MOCA Grand Avenue, Los Angeles, CA; The Madison Museum of Contemporary Art (MMoCA), Madison, WI; The Chinati Foundation, Marfa, TX; The Margulies Collection, Miami, FL; Museum of Contemporary Art North Miami (MOCA), Miami, FL; Weisman Art Museum, Minneapolis, MN; Solomon R. Guggenheim Museum, New York City, NY; Museum of Modern Art (MoMA), New York City, NY; Whitney Museum of American Art, New York City, NY; Fred Jones Jr. Museum of Art, Norman, OK; Allen Memorial Art Museum, Oberlin, OH; Miami University Art Museum, Oxford, OH; Norton Simon Museum of Art, Pasadena, CA; The Fabric Workshop and Museum, Philadelphia, PA; Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, PA; Saint Louis Art Museum, Saint Louis, MO;
  The de Young Museum, San Francisco, CA; San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, CA; San Jose Museum of Art, San Jose, CA; Santa Barbara Museum of Art, Santa Barbara, CA; Sioux City Art Center, Sioux City, IA; Iris & B. Gerald Cantor Center for Visual Arts, Stanford, CA; University Art Gallery – Indiana State University, Terre Haute, IN; Palmer Museum of Art, University Park, PA; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC; Norton Museum of Art, West Palm Beach, FL (si sarebbe potuto probabilmente scrivere: in quasi tutti i musei degli Stati Uniti con arte contemporanea, ma sarebbe stato un po' ingiusto nei confronti di coloro che vogliono scegliere un museo dall'articolo per il loro prossimo viaggio negli Stati Uniti)

Claes Oldenburg, breve biografia

• Claes Oldenburg nacque il 28 gennaio 1929 a Stoccolma
• Dal 1946 al 1950 studiò arte e letteratura inglese alla Yale University.
• Dal 1950 al 1954 Oldenburg frequentò i corsi presso l'Art Institute di Chicago
• Dal 1960 in poi Oldenburg ha esposto le sue opere in più di 1000 mostre in tutto il mondo
• Nel 1960 Oldenburg sposò la sua prima moglie, l'artista Patty Mucha; dopo 10 anni di lavoro insieme, il matrimonio terminò con il divorzio nel 1970
• Dal 1969 al 1977, Oldenburg visse una relazione sentimentale e professionale con l'artista americana Hannah Wilke
• Oldenburg e l'artista Coosje van Bruggen si sposarono nel 1977
• Dal 1977 fino alla morte di van Bruggen nel 2009, sono state realizzate numerose opere collaborative
• Nel 1992, Oldenburg e van Bruggen acquistarono Château de la Borde, un piccolo castello della Loira a Beaumont-sur-Dême, dove allestirono il loro piccolo museo con opere di Le Corbusier, Charles e Ray Eames, Alvar Aalto, Frank Gehry ed Eileen Gray.
• Oldenburg ha ricevuto numerosi premi, onorificenze e dottorati honoris causa (in parte insieme a Coosje van Bruggen)

Claes Oldenburg sull'arte:

Sono per l'arte che emerge dalle fogne nella nebbia invernale. Sono per l'arte che si spacca quando si cammina su una pozzanghera ghiacciata. Sono per l'arte del verme nella mela

(passaggio raramente citato dal suo pezzo più famoso, il manifesto semi-satirico "I Am For..." del 1961).

Claes Oldenburg è morto all'età di 93 anni

Claes Oldenburg, l'artista pop americano di origine svedese, noto per le sue monumentali sculture di oggetti di uso quotidiano, è morto lunedì 18 luglio 2022 nella sua casa e studio nel quartiere SoHo di Manhattan. Aveva 93 anni.

La sua morte è stata confermata da Adriana Elgarresta, portavoce della Pace Gallery di New York, che, insieme alla Paula Cooper Gallery, lo rappresentava da tempo. Tutti i principali quotidiani, come il New York Times e la Süddeutsche Zeitung, ne hanno dato notizia.

Pochi hanno incarnato il successo dell'arte pubblica come lui. E pochi artisti hanno reinterpretato con tanta naturalezza l'opera di Marcel Duchamp e il ready-made. Il maestro dell'umorismo monumentale ci lascia un'eredità straordinaria…