Roy Lichtenstein – La strada verso la fama e i record nel mercato dell’arte

Roy Lichtenstein, insieme ad Andy Warhol, uno di quegli artisti le cui opere sono riconosciute da tutti, (quasi) ovunque nel mondo. Produce la sua arte inconfondibile dagli anni '60 ed è diventato rapidamente una delle figure di spicco dell'arte moderna.

E quindi, naturalmente, uno dei protagonisti centrali della Pop Art; la sua opera è considerata l'arte che ha definito in modo parodistico i requisiti fondamentali della Pop Art meglio di qualsiasi altra opera di un artista.

Lo stesso Lichtenstein descrisse la Pop Art come "non pittura 'americana', ma in realtà pittura industriale", ma uno sguardo alla carriera e all'ascesa dell'artista mostra che il prezzo delle sue opere si è sviluppato in un modo che ricorda non la produzione industriale di massa, ma piuttosto la costruzione di impianti nell'industria su larga scala.

L'inizio confortevole di Lichtenstein nel mondo dell'arte

Roy Fox Lichtenstein nacque nel 1923 a New York in una famiglia ebrea dell'alta borghesia, con un padre agente immobiliare e una madre nel ruolo tradizionale di casalinga. Cresciuto nell'Upper West Side, l'esclusiva zona di Manhattan situata tra Central Park e le rive del fiume Hudson, dopo aver frequentato la scuola elementare pubblica, si iscrisse alla Franklin School for Boys, una scuola privata.

Lichtenstein disegnava fin da bambino, ma poiché questo hobby non veniva insegnato alla Franklin, durante gli anni scolastici si iscrisse alla Parsons School of Design per dipingere acquerelli il sabato.

Il giovane Lichtenstein era interessato anche all'antropologia e alle scienze naturali; trascorreva molto tempo all'American Museum of Natural History, che si trovava molto vicino alla casa dei suoi genitori.

È noto anche che Lichtenstein, da adolescente, ascoltava con passione i radiodrammi allora molto popolari. Si dice che prediligesse in particolare quelli le cui storie ruotavano attorno a (anti)eroi a volte oscuri, noti anche dai fumetti, come "The Shadow", "Flash Gordon" o "Buck Rogers".

In seguito, questa giocosa osservazione fu interpretata come segue: il giovane Roy aveva inconsciamente assorbito cliché eroici e mistici. L'adolescente versatile e ricettivo frequentava spesso i concerti jazz all'Apollo Theater di Harlem, dove disegnava con devozione i musicisti.

Durante il suo ultimo anno di liceo, Lichtenstein, precedentemente frequentante la Parsons School of Design, entrò a far parte dell'organizzazione che l'aveva fondata, l' Art Students League of New York, dove si iscrisse al corso estivo.

Qui lavorò sotto la supervisione di Reginald Marsh, un artista del Regionalismo americano, nel quale, oltre a una rappresentazione realistica della vita rurale, si dava poco spazio alla comprensione dello sviluppo delle nuove tecnologie e, di conseguenza, anche alla comprensione della nuova arte.

i "regionalisti realistici" fin dai tempi del liceo; questi erano molto apprezzati negli Stati Uniti negli anni '30. Durante la Grande Depressione, le immagini idilliache della vita rurale americana svolgevano una funzione compensativa simile a quella che i nostri film Heimat ebbero dopo la Seconda Guerra Mondiale.

Lichtenstein era probabilmente entusiasta di poter disegnare sotto la guida di una celebrità di cui aveva letto nel suo primo libro d'arte, "Thomas Craven's Modern Art" del 1934.

Sebbene Marsh rappresentasse certamente un realismo sociale che non si limitava a graziosi paesaggi, il suo allievo rimase presto deluso dalla richiesta di Marsh di una pratica artistica realistica, che trascurava sia il rapido sviluppo della tecnologia sia considerava superfluo lo sviluppo di un proprio stile artistico.

Forse Lichtenstein aveva tratto anche un'ispirazione completamente diversa dal regionalismo; in ogni caso, dopo il liceo decise di esplorare di più il suo paese e scelse di studiare all'Ohio State University (dal 1940).

Secondo la tradizione, si trattò di un vero colpo di fortuna per l'aspirante artista, sebbene su richiesta dei genitori avesse inizialmente puntato a conseguire una qualifica per l'insegnamento: studiò infatti con l'artista e professore Hoyt L. Sherman, che avrebbe ampliato notevolmente i suoi orizzonti artistici.

Sherman, appassionato e maestro dell'arte moderna, introdusse Lichtenstein alle più importanti influenze artistiche dell'epoca: Cézanne e van Gogh, Mondrian e Gauguin, Matisse e Picasso , e molti altri. Soprattutto, l'incoraggiamento di Sherman a perseguire un proprio approccio e il suo concetto di unità della percezione avrebbero avuto un'influenza duratura su Lichtenstein.

Lichtenstein iniziò ad approfondire la storia dell'arte; si potrebbe persino dire che volesse conoscere tutto sull'arte fin dalle prime pitture rupestri. A ricordo di questo periodo, la Fondazione Lichtenstein conserva una copia di "Art Through the Ages" (1936) di Elizabeth Gardner, con l'indirizzo di Lichtenstein a Columbus (capitale dell'Ohio e sede dell'università) stampato all'interno della copertina.

L'auto-scoperta artistica di Lichtenstein viene bruscamente interrotta

Nel 1943, la Seconda Guerra Mondiale raggiunse Lichtenstein; prestò servizio nell'esercito fino al 1945, anno in cui fu inviato in Europa. Dopo la guerra, Lichtenstein frequentò corsi di storia e francese a Parigi e cercò di far visita al suo idolo Picasso, ma non poté farlo perché fu richiamato a casa dopo sole sei settimane: suo padre stava morendo.

Lichtenstein completò la sua formazione da insegnante nell'estate del 1946 e iniziò un programma di Master in Belle Arti, che terminò nel 1950. Contemporaneamente, gli fu offerto un incarico di insegnante d'arte , che ricoprì regolarmente fino al 1951 e occasionalmente anche in seguito.

Nel frattempo, aveva sposato Isabell Wilson, con la quale si era trasferito a Cleveland perché lei aveva trovato lavoro lì. A differenza di Lichtenstein, che si dedicava a lavori di ogni tipo, come disegnatore e designer di lattine, poté esporre per la prima volta in una personale a Cleveland e tenne persino la sua prima mostra personale a New York nel 1951, ma l'attesa ondata di entusiasmo per i suoi dipinti poco astratti non si concretizzò inizialmente.

Lichtenstein viaggiò avanti e indietro tra Cleveland e New York, lavorò come disegnatore e vetrinista, ebbe il suo primo figlio nel 1954 e il secondo nel 1956 e nel frattempo dipinse anche un po'.

In questo periodo non accadde molto dal punto di vista artistico: Lichtenstein continuava a oscillare tra espressionismo, cubismo e un'astrazione autoproclamata, distorse alcuni dipinti tipici americani e dipinse costruzioni in legno, si cimentò nella scultura in legno e metallo ed espose a New York solo tre volte fino al 1955, ma vendette ben poco.

Queste non erano le condizioni ideali per contribuire al sostentamento di una famiglia di quattro persone, così nel 1957 riprese l'attività di insegnante e nel 1958 gli fu offerto un posto come professore associato di arte alla New State University di Oswego, dove insegnò per i successivi anni.

Finalmente! – L'ascesa alla fama di Lichtenstein

Nel 1960, Lichtenstein si trasferì alla Rutgers University, nello stato del New Jersey. Qui conobbe Allan Kaprow , l' inventore degli "Happening", e tramite lui importanti artisti contemporanei come Robert Watts, Jim Dine, Claes Oldenburg, Robert Rauschenberg e Jasper Johns, i pionieri della Pop Art in sintesi.

Si dice che tutti questi incontri con le loro influenze abbiano innescato una sorta di scintilla iniziale in Lichtenstein; nel 1961 dipinse i suoi primi quadri Pop Art, sperimentando dapprima con immagini di chewing gum, poi pubblicandole in grande formato, rompendo poi con tutte le tradizioni del suo lavoro artistico precedente, incorporando il fumetto nei suoi quadri e utilizzando con entusiasmo tecniche di stampa industriale.

La sua prima opera di grande formato, in cui utilizzò figure dai contorni netti e punti Ben Day (speciali punti mezzitoni la cui tecnica di stampa fu inventata da Ben Day), fu "Look Mickey" del 1961, che ora è esposta alla National Gallery of Art di Washington DC.

Questa foto è stata scattata quando uno dei suoi figli ha tamburellato con il dito nel mezzo di un libro di Topolino e ha detto:

Scommetto che non sai dipingere così bene, eh, papà?" ("Scommetto che non sai dipingere così bene, vero, papà?").

Nello stesso anno Lichtenstein realizzò altre sei opere d'arte raffiguranti personaggi noti tratti da involucri di gomme da masticare e cartoni animati; aveva ormai trovato il suo stile.

L'anno successivo, trovò in Leo Castelli che gli garantiva l'affitto tramite pagamenti periodici a condizione che Lichtenstein lavorasse esclusivamente per la sua galleria, una forma di sostegno comune per Castelli, che la estendeva anche ad artisti promettenti.

Castelli aveva già esposto le opere di Lichtenstein in precedenza, ma non era mai stato disposto a offrire questo tipo di borsa di studio. La situazione cambiò bruscamente, poiché l'arte reinventata di Lichtenstein riscosse un successo clamoroso, tanto che la mostra personale del 1962 alla Galleria Castelli andò esaurita prima ancora di essere inaugurata.

Come Lichtenstein sta davvero portando il mercato dell'arte internazionale al passo con i tempi

Quello che segue è una digressione sull'artista Lichtenstein; tuttavia, la rappresentanza di Lichtenstein da parte di noti galleristi e l'aumento dei prezzi di vendita dei suoi dipinti costituiscono un piccolo ma interessante spaccato storico del mercato delle gallerie d'arte newyorkesi e, al tempo stesso, un resoconto di come questo settore stia perdendo terreno a favore del mercato internazionale delle aste d'arte .

Come già accennato, Lichtenstein espose per la prima volta a New York nel 1951, presso la Galleria Julius Carlebach. In quel periodo ebbe anche la fortuna di attirare l'interesse del mecenate progressista Leo Castelli, che espose le opere di Lichtenstein nella sua galleria newyorkese a partire dagli anni '50 e, dopo la straordinaria mostra personale del 1962, assunse la rappresentanza esclusiva dell'artista. Da quel momento in poi, Castelli organizzò regolarmente mostre con le opere di Lichtenstein.

Prima e dopo quest'anno, a New York sono state fondate numerose gallerie dedicate all'arte moderna, e le opere di Lichtenstein sono state esposte in ognuna di esse: inizialmente spesso da John Heller, alla Pace Gallery e alla Brooke Alexander Gallery, da Mary Boone e Rosa Esman, da Marilyn Pearl e James Goodman, da Blum Helman, Phyllis Kind, Hirschl & Adler, Getler Pall, da Holly Solomon e Condon Riley, alle Sperone Westwater Galleries e da Mitchell-Innes & Nash.

Verso la fine della sua vita, la sua arte subì anche l'influenza del potente delle Gagosian Galleries : si potrebbe dire che Lichtenstein abbia accompagnato la storia delle gallerie newyorkesi con le sue opere.

Sempre a partire dagli anni Sessanta, le opere di Lichtenstein furono presentate da Ileana Sonnabend (precedentemente Ileana Castelli) e dalla sua galleria a Parigi; è grazie a lei che si affermò un mercato europeo per Andy Warhol, Roy Lichtenstein e altri artisti della Pop Art. Altre gallerie esposero le sue opere in altre parti degli Stati Uniti, come la Ferus Gallery di Los Angeles, fondata nel 1957.

Grazie all'impegno profuso da tutti questi galleristi nella promozione delle sue opere, la fama di Lichtenstein crebbe costantemente, ma il vero successo finanziario dell'artista fu dovuto a una diversa forma di distribuzione: fin da subito, le opere di Lichtenstein ottennero risultati eccezionali alle aste d'arte . Ad esempio, nel 1970, "Big Painting No. 6" (realizzato nel 1965) fu venduto per 75.000 dollari a un'asta di Sotheby'sal mercante d'arte e gallerista tedesco Rudolf Zwirner.

Questi scarsi risultati non erano destinati a durare; "Torpedo…Los!" del 1963 fu venduto per 5,5 milioni di dollari di Christie's di novembre del 1989, proiettando Lichtenstein nel triumvirato degli artisti che hanno ricevuto i prezzi più alti per le loro singole opere d'arte.

Indipendentemente da dove fosse rimasta, nella successiva asta di novembre da Christie's a New York, "Kiss II" fu venduta per 6 milioni di dollari, cifra superata da "Happy Tears"nell'asta di Christie's del novembre 2002, che raggiunse i 7,1 milioni di dollari.

Poi seguì un grande e gratificante balzo in avanti: nel 2005, "In the Car" (1963) fu venduto per 16,25 milioni di dollari; nel 2010, "Ohhh…Alright…" del 1964 fu messo all'asta per 42,6 milioni di dollari; nel 2011, il dipinto a forma di buco della serratura di Lichtenstein "I Can See the Whole Room!…and There's Nobody in It!" del 1961 fu venduto per 43 milioni di dollari, fruttando alla vedova dell'amministratore delegato di Time Warner Steve Ross un profitto di poco più del 2000% (Ross aveva acquistato il dipinto nel 1988 per 2,1 milioni di dollari).

Tutto è stato riproposto all'asta di Christie's a New York nel novembre dello stesso anno, tranne che nel 2012, quando è toccato a Sotheby's, che ha voluto concentrarsi sugli espressionisti astratti – un'ottima idea, visto che un dipinto di Mark Rothko è stato venduto per quasi 87 milioni di dollari. Sotheby's, d'altro canto, è riuscita a ricavare solo 44,8 milioni di dollari dalla "Ragazza addormentata" del 1964, ma si è comunque trattato di un nuovo record per l'artista.

Le opere di Lichtenstein sono tornate da Christie's all'asta primaverile del 2013, con "Donna con cappello a fiori" del 1963 che ha raggiunto un nuovo prezzo record di 56,1 milioni di dollari, come di consueto, il 15 maggio 2013.

Sfortunatamente, Lichtenstein visse solo per vedere alcuni di questi successi multimilionari: morì nel 1997.

Sarà interessante vedere quanto in alto arriverà la spirale dei prezzi delle sue opere, soprattutto prima dell'H

Record d'asta nel 21° secolo

Il prezzo più alto mai pagato per un dipinto di Roy Lichtenstein è stato raggiunto da Christie's a New York nel novembre 2015. L'opera "Nurse 1964" è passata di mano per 95.365.000 dollari (circa 85 milioni di euro). Originariamente intitolata "Frightenedness" (Paura), faceva parte delle collezioni di diversi rinomati amanti dell'arte, tra cui Leon Kraushar e Karl Ströher.

Il dipinto quadrato del 1964 misura un metro in altezza e larghezza ed è stato stimato a oltre 80 milioni di dollari. "Nurse" è stato messo all'asta da Christie's durante la vendita speciale "The Artist's Muse" , che presenta opere di pittori e scultori realizzate tra il 1860 e il 2000.

Il dipinto più costosomai realizzato da Lichtenstein potrebbe essere la sua opera del 1962 "Capolavore ", precedentemente appartenuta ad Agnes Gund. Secondo alcune fonti, Steven Cohen l'avrebbe acquistata da lei in una vendita privata nel 2017 per 165 milioni di dollari. Le aste pubbliche di opere di Lichtenstein non hanno ancora raggiunto questa cifra. Ciononostante, con i suoi dieci migliori risultati alle aste pubbliche, l'artista è tra gli artisti più venduti ed è considerato un pioniere nel mercato dell'arte.

La seconda opera più costosa è "Sleeping Girl" dell'artista pop, che è stata venduta a New York nel 2012 per quasi 45 milioni di dollari. Il dipinto del 1964 è stato battuto all'asta da Sotheby's per 44.882.500 dollari (quasi 35 milioni di euro).

Le litografie firmate e le serigrafie originali sono molto ricercate dai collezionisti d'arte di tutto il mondo, nonostante siano prodotte in serie. Tra le stampe originali più famose si annoverano "Ragazza a bordo, "Ragazza che piange" e "Nudo che legge.

ALBERTINA ha festeggiato il centenario della nascita del maestro della Pop Art

Per celebrare il suo centenario, quest'estate il museo ALBERTINA di Vienna ha reso omaggio al maestro della Pop Art con un'ampia retrospettiva che comprendeva oltre 90 dipinti, sculture e stampe dell'artista che ha saputo combinare arte popolare e arte d'élite in modo così unico.

Grazie a generosi prestiti da 30 rinomati musei di tutto il mondo, le opere più importanti della sua vasta produzione artistica giungono a Vienna, tra cui pezzi provenienti dal Museum of Modern Art di New York, dal Whitney Museum, dalla National Gallery di Washington, dalla Yale University Art Gallery di New Haven, dal Museum Ludwig di Colonia, dal Louisiana Museum di Humlebæk, dal Moderna Museet di Stoccolma e dal Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid.

La mostra è stata concepita in collaborazione con la Fondazione Roy Lichtenstein e si basa su una generosa donazione di circa 100 opere all'ALBERTINA.

La mostra presentava opere giovanili degli anni '60, tra cui il capolavoro della Pop Art di quell'epoca: "Look Mickey". Erano inoltre esposti iconici dipinti in bianco e nero tratti da materiali pubblicitari, paesaggi smaltati e opere ispirate a Picasso, Dalí, Kirchner e Pollock.

Un elemento particolarmente suggestivo era una monumentale scultura realizzata con pennellate che si staccava dalla tela e dominava la stanza.