Roy Lichtenstein – La vita con l’arte

L'articolo "La strada verso la fama di Roy Lichtenstein" descriveva questo percorso e come si fosse concluso, ovvero con un aumento quasi incredibile del valore delle sue opere. Lichtenstein dovette aspettare a lungo prima che le sue opere potessero permettergli di mantenersi.

Vita e arte, o vita per l'arte? Lichtenstein ci provò

Roy Lichtenstein aveva quasi quarant'anni quando ebbe la sua svolta artistica, e c'erano delle ragioni: Lichtenstein non era mai stato uno di quegli artisti a tutto tondo la cui vita consiste nello studiare e fare arte, frequentare altri artisti e il mondo delle industrie creative , e nient'altro.

Lichtenstein era un artista e un uomo comune: iniziò a prepararsi per una professione perfettamente normale (l'insegnamento) e fu arruolato nell'esercito. Non poté sfruttare il fatto che l'esercito lo avesse portato a Parigi per la sua crescita artistica (e per la sua conoscenza di Picasso) come previsto, perché dovette tornare a casa a causa della grave malattia del padre.

Dopo la guerra completò la sua formazione da insegnante presso l'Ohio State University e, sebbene avesse iniziato un master in Belle Arti , nel 1949 pose un ulteriore ostacolo al suo "libero sviluppo come artista" sposandosi e avendo due figli con sua moglie Isabel Wilson negli anni successivi.

Lichtenstein era quindi in parte responsabile del sostentamento della famiglia e negli anni '50 svolse ogni sorta di lavoro che serviva meno al suo sviluppo artistico e più a garantirgli il sostentamento.

Nella prima parte della sua vita non ebbe molto tempo da dedicare alla sperimentazione artistica e alla ricerca di un proprio stile: partecipò a una vita reale e vibrante a tal punto che non era facile, nemmeno per una persona creativa, sviluppare idee artistiche altamente raffinate parallelamente.

Svegliati, Lichtenstein! Ovvero: Cosa può fare un nuovo lavoro

Questa vita in Ohio, con occasionali viaggi a New York, a 750 km di distanza, per motivi artistici, sarebbe potuta continuare all'infinito. Soprattutto se Lichtenstein non avesse accettato un incarico di insegnamento alla Rutgers University nel New Jersey nel 1960. Fu lì, infatti, che si trovò in un ambiente estremamente creativo e conobbe tutti gli artisti che oggi sono " .

Alcuni tra i più importanti artisti contemporanei si erano riuniti all'università dell'Ohio: Jim Dine e Claes Oldenburg , Lucas Samaras e George Segal, George Brecht e Geoffrey Hendricks, Dick Higgins e sua moglie Allison Knowles, George Maciunas e Robert Whitman – tutti raggruppati attorno a due professori nel New Jersey, nel campus della Rutgers University : Allan Kaprow , l' "inventore dell'Happening" , e Robert Watts , scultore, espressionista e amico di Fluxus.

Tale creatività ispirò nuovamente Lichtenstein e lo incoraggiò a perseguire anche le sue idee più stravaganti. Fino a quel momento, l'espressione artistica di Lichtenstein si era l'Espressionismo , la corrente artistica dominante dell'epoca, all'interno della quale Lichtenstein non riusciva a collocarsi con precisione tra le due scuole principali: l '"Action Painting" o gli "Espressionisti introversi"che, con le loro ampie pennellate, "invitavano alla meditazione".

Le opere nate da questi tentativi di posizionamento hanno finora attirato poca attenzione nelle mostre di New York, soprattutto quando, alla fine degli anni Cinquanta, cominciò a dubitare del suo stile.

Lichtenstein aveva già iniziato a sperimentare con le raffigurazioni di vari personaggi dei fumetti e della Disney , ma non espose mai pubblicamente queste prime immagini Disney. Preferì invece ridipingerle lui stesso. In seguito ammise di averle considerate più come "atti di disperazione". Un vero peccato, perché queste immagini di Bugs Bunny, Paperino e Topolino gli avrebbero probabilmente fruttato un bel po' di soldi qualche anno dopo.

Quando Lichtenstein si lasciò ispirare dalle idee degli artisti che lo circondavano, il risultato di questa fase sperimentale fu che "dimenticò" deliberatamente le sue precedenti competenze artistiche e creò un "quadro comico" come sua prima opera senza influenze espressioniste.

Nacque così lo stile distintivo di Lichtenstein. Dopo "Look Mickey", nell'estate del 1961 furono realizzati diversi altri dipinti in questo nuovo stile. In questo stile, egli combinava immagini nitide definite da linee decise con aree monocromatiche, elementi che imitavano le tecniche di stampa industriale (i punti Ben-Day) e il fumetto, elemento tipico dei fumetti.

Nell'autunno del 1961, il professor Kaprow organizzò per lui un incontro con Ivan Karp, direttore della rinomata galleria Leo Castelli di New York , al quale Lichtenstein presentò alcuni dei suoi dipinti nel nuovo stile. Karp considerò i quadri promettenti e li mostrò quindi al suo capo, Leo Castelli. Si dice che Castelli abbia deciso di rappresentare Lichtenstein con "Ragazza con la palla", ma Karp non gli mostrò "Guarda Topolino", l'unica raffigurazione di un personaggio dei fumetti

Lichtenstein è "sulla bocca di tutti" – quasi impensabile senza Castelli

Forse fu proprio questa omissione a dare il via alla carriera di Lichtenstein, dato che Andy Warhol aveva iniziato a incorporare personaggi dei fumetti nella sua arte all'incirca nello stesso periodo. Si dice che avesse esposto queste immagini tratte dai fumetti alla Galleria Castelli, venendo però rifiutato. D'altro canto, il rifiuto di Castelli e l'appropriazione dei fumetti da parte di Lichtenstein spinsero Warhol ad allontanarsi dal mondo dei fumetti per dedicarsi ai beni di consumo, e per questo motivo ora occupa il primo posto nella "classifica di tutti i tempi dell'arte", mentre Roy Lichtenstein si trova solo al ventitreesimo posto.

Ma tutto questo arriva molto più tardi. Ora, nel 1961, Lichtenstein è finalmente riuscito a ottenere un posto in una delle gallerie newyorkesi più ambite dell'epoca, e da lì la sua carriera decolla: i primi dipinti vengono venduti rapidamente, la sua prima mostra personale va esaurita prima ancora di essere inaugurata, e Lichtenstein può ora vivere dei suoi dipinti.

In seguito, riorganizzò completamente la sua vita: i decenni di inverni trascorsi insieme nell'entroterra, gli anni di lotta per la sopravvivenza e il suo matrimonio altrimenti teso con Isabel Wilson si conclusero con il divorzio; Lichtenstein si trasferì nel centro artistico di New York, conobbe altre figure di spicco della Pop Art come Robert Rauschenberg e Jasper Johns e si dedicò esclusivamente alla pittura. Castelli aveva buoni contatti in Europa. Grazie alla sua ex moglie, Ileana Sonnabend, Lichtenstein ottenne riconoscimento anche in Europa.

Produzione energetica in stile Lichtenstein

Fu così che, negli anni '60, Lichtenstein divenne sempre più famoso e nel 1963 creò quello che è probabilmente il suo dipinto più celebre, "Whaam!", che già nel 1966 era esposto alla Tate Modern di Londra. Negli anni successivi, realizzò una moltitudine di opere, dedicandosi a una vasta gamma di temi, sculture e installazioni artistiche, spesso dipingendo in serie.

Forse in netto contrasto con Andy Warhol, Lichtenstein non ha mai utilizzato fotografie come modelli, ma ha continuato a basarsi su fumetti o materiale stampato commerciale come l'annuario da cui "Ragazza con palla" , e ha sempre prodotto opere che rispecchiavano chiaramente il suo inconfondibile stile.

Nei suoi primi lavori, sperimentò con molti temi, a volte utilizzando modelli riconoscibili e incorporando oggetti molto semplici. Come Warhol, fu influenzato dalla nuova ondata di pubblicità commerciale per beni di consumo innovativi. Ciò si tradusse in dipinti come "Calzino, "Roto Broil" e "Lavatrice",tutti del 1961, che furono condannati dalla critica d'arte ma accolti con entusiasmo dai clienti di Castelli per la loro rappresentazione innovativa e sottile.

Lichtenstein perseguì deliberatamente il legame tra arte e commercio , il cui primo apice fu il dipinto del 1962 "Art", che raffigurava nient'altro che la parola stessa su quasi due metri quadrati. Seguirono astrazioni in stile fumetto che ricordavano i dipinti di Picasso, sculture in ceramica e metallo, paesaggi e serie di pennellate; la composizione di aree colorate con audaci contorni neri e zone punteggiate rimase una costante.

Questa produzione segnò l'inizio di importanti mostre: nel 1964, Lichtenstein divenne il primo americano ad esporre alla Tate Gallery di Londra; nel 1967, il Pasadena Art Museum in California ospitò la prima retrospettiva del suo lavoro e la sua prima mostra personale in Europa, che fece tappa ad Amsterdam, Londra, Berna e Hannover. Nel 1968, Lichtenstein partecipò per la prima volta a documenta (IV) a Kassel , seguita nel 1969 dalla sua prima retrospettiva al Guggenheim Museum di New York.

Il tempo degli onori, delle mostre e delle collezioni

Nel 1969, Lichtenstein ricevette anche l'incarico da Gunter Sachs di dipingere "Leda e il cigno" per la suite Pop Art del suo Palace Hotel a St. Moritz . Nel 1970, divenne membro dell'American Academy of Arts and Sciences e acquistò una rimessa per carrozze a Southampton, a Long Island, dove costruì uno studio e trascorse un periodo di relativo isolamento.

Nel decennio successivo, il suo stile non subì grandi novità; scoprì le illusioni ottiche e realizzò una vasta gamma di nature morte, riprese anche a studiare storia dell'arte e dipinse quadri ispirandosi alle opere di artisti famosi, come il "Cavaliere Rosso" tratto da un'opera di Carlo Carrà, e la "Scena nella foresta" ispirata a Claude Monet.

Già negli anni Sessanta, Lichtenstein aveva riprodotto capolavori di Cézanne, Picasso e Mondrian. In totale, realizzò più di 100 interpretazioni di dipinti celebri di famosi colleghi. La mostra "Roy Lichtenstein. L'arte come motivo." al Museum Ludwig di Colonia ha esplorato questo aspetto del lavoro dell'artista.

Questo viaggio attraverso l'opera di Lichtenstein tocca il Cubismo e l'Espressionismo, il Futurismo e il Modernismo, dallo stile degli anni '30 all'Arte Minimalista e alla pittura astratta. Lichtenstein non si limita a copiare, ma trova interpretazioni personali così interessanti per le sue reinterpretazioni dei classici che la sua esclusiva riduzione alla Pop Art in stile fumetto è forse deplorevole.

Durante questo periodo, Lichtenstein iniziò anche a rielaborare le sue opere; nella serie "Artist's Studio", creò "Artist's Studio, Look Mickey" e altre riedizioni nel 1973 e nel 1974. Realizzò inoltre ulteriori commissioni, tra cui un'Art Car per la BMW nel 1977, una lampada scultorea per la chiesa di St. Mary in Georgia nel 1978 e "Mermaid", un'opera pubblica che ora si trova di fronte al Fillmore Miami Beach presso il Jackie Gleason Theater. Lichtenstein ricevette anche il suo primo dottorato onorario nel 1977 dal California Institute of the Arts e nel 1980 gli fu conferito un dottorato onorario dal Southampton College.

Negli anni Ottanta, Lichtenstein si stancò evidentemente dei fumetti e tornò alle sue origini, creando paesaggi come "Sunrise" del 1984 e "Landscape with Red Roof" del 1985, oltre a un'intera serie di "Landscape Sketches ". Seguirono altre commissioni pubbliche: nel 1984 realizzò la scultura "Brushstrokes ", che ora si trova all'aeroporto internazionale di Port Columbus; l'anno successivo, il "Murale with Blue Brushstrokes" all'Equitable Center di New York; nel 1992, la scultura "El Cap" a Barcellona per i Giochi Olimpici ; e nel 1994, l'enorme murale nella stazione della metropolitana di Times Square a New York.

E altri riconoscimenti: nel 1987 ha ricevuto una laurea honoris causa dall'Ohio State University, nel 1993 una laurea honoris causa dal Royal College of Art, nel 1995 gli sono stati conferiti il ​​Premio Kyoto e la "National Medal of the Arts" americana, nel 1996 una laurea honoris causa dalla George Washington University di Washington DC, e in totale ha ricevuto molti altri premi.

Ironicamente, l'ultima opera di Lichtenstein fu il logo della DreamWorks Records, nel suo stile tipico, nonostante si fosse ormai allontanato moltissimo dalle sue illustrazioni a fumetti. Se uno spettatore vi scorge una contraddizione, di certo non avrebbe turbato l'artista, scomparso nel 1997. Lichtenstein non si prendeva mai troppo sul serio: "Non credo che qualunque cosa si intenda con 'è' sia importante per l'arte" è una sua celebre citazione (riportata nel libro "Roy Lichtenstein" di John Coplans, pubblicato nel 1972 da Praeger a New York, p. 54).

Si dice che in alcuni casi le critiche siano state piuttosto dure; ad esempio, la rivista "Life" pubblicò un articolo in cui si chiedeva se Lichtenstein "il peggior artista degli Stati Uniti". È leggendaria anche la dichiarazione del famoso autore di fumetti e vincitore del Premio Pulitzer Art Spiegelman, il quale affermò: "Lichtenstein non ha fatto né più né meno per i fumetti di quanto Andy Warhol abbia fatto per la zuppa".

Sebbene si dica che Lichtenstein abbia occasionalmente ammesso che le critiche a volte lo ferivano, in genere viene descritto come un conversatore amichevole e straordinariamente composto per quanto riguarda le sue valutazioni.

Opera d'arte di Roy Lichtenstein su Pinterest

Retrogusto sgradevole

Considerando i prezzi che si pagano oggi per un "Lichtenstein", aveva davvero tutte le ragioni per essere così tranquillo: i milioni pagati durante la sua vita sono da allora decuplicati.

È ancor più deplorevole che persino nel 2013, più di quindici anni dopo la morte dell'artista, compaiano presunte "muse" che, senza alcun rispetto per il secondo matrimonio di Lichtenstein, durato quasi trent'anni, vogliano sfruttare la loro conoscenza con l'artista alla vigilia di un'importante retrospettiva delle sue opere.

Oppure quando il gallerista che ha rappresentato Lichtenstein verso la fine della sua vita e da allora ha commercializzato la sua eredità finisce sui giornali soprattutto per le controversie legali che circondano l'arte di Lichtenstein..

su questo gallerista , ma questo è un altro argomento di cui potrete leggere presto.