David Hockney lascia dietro di sé un'arte destinata a durare nel tempo

David Hockney ha creato un corpus di opere vasto e diversificato ; esistono numerose opere di Hockney che chiunque abbia una buona cultura generale dovrebbe certamente conoscere.

Queste celebri opere di Hockney si possono trovare in centinaia di pubblicazioni sull'artista e nel nostro breve ritratto di Hockney; qui, in questo approfondimento, presentiamo una serie di opere e progetti artistici di David Hockney che di solito passano inosservati:

fu registrata dalla RCA nel 1961 “We Two Boys Together Clinging”.

Questa prima dichiarazione ufficiale di Hockney riguardo alla sua omosessualità (che all'epoca era ancora illegale in Inghilterra) prende il nome da una poesia del poeta americano Walt Whitman , con il quale Hockney stava studiando intensamente in quel periodo.

Nel 1963, Hockney creò "Domestic Scene Los Angeles", a cui "Man Taking Shower in Beverly Hills" seguì nel 1964 un altro bel fondoschiena nudo,

Nel 1963, Hockney creò anche il suo primo "quadro illusorio" intitolato "Play within a play" : il gallerista John Kasmin, in piedi sul palcoscenico di un teatro, preme il viso contro una lastra di vetro – ma forse egli è solo una parte della tela che ricopre l'intero sfondo, fungendo da scenografia?

Hockney raggiunse inizialmente la fama con dipinti di schizzi più adatti ai salotti; ecco il più bello, "The Splash" del 1966, che fu venduto all'asta da Sotheby's per 5,35 milioni di dollari a un acquirente anonimo e da allora è finito in mani private (ma non il più famoso, che è "Bigger Splash", presentato nel breve ritratto di Hockney).

Nel 1967, David Hockney dipinse "Savings and Loan Buildings", una composizione di una perfezione accattivante a un'osservazione più attenta, caratterizzata da un cielo azzurro, un'architettura ordinata con una facciata a specchio, una natura sottilmente contenuta e una delle sue prime dichiarazioni d'amore completamente incorporee per la California.

Questa tendenza a prediligere composizioni naturali, percepita come particolarmente apprezzata da chi ricerca chiarezza e armonia, è ripetutamente evidente nell'opera di Hockney, come dimostra il meticoloso fotomontaggio "Le quattro stagioni" (di Woodgate Woods) del 2010/11.

Nel 1968, Hockney ritrasse le personalità di spicco del mondo dell'arte Henry Geldzahler e Christopher Scott, e nello stesso anno "Il collezionista di stampe (Ritratto di Felix Man)". Fin dagli inizi della sua carriera, dimostrò la sua capacità di catturare l'umore e l'atteggiamento delle persone.

a partire dagli anni '60 Metropolitan Museum of Art ; era tanto innovativo quanto controverso, e il pittore Christopher Scott era il suo compagno.

Secondo Geldzahler, il ritratto segna una svolta nell'opera di David Hockney, perché con questa immagine egli abbandonò l'idea di diventare un "artista moderno" e decise invece di sviluppare il proprio talento liberamente e senza coercizioni.

Che un artista non sia vincolato a un solo stile è qualcosa che Hockney, ammiratore di Picasso, avrebbe imparato dal suo eroe; secondo il testo che accompagnava la retrospettiva del 2017 alla Tate (“David Hockney”, 9.02. - 29.05.2017 Tate Britain, Londra), il risultato fu un'opera (ben lontana dalla Pop Art) con influenze dall'Espressionismo astratto, dal Naturalismo e dal Cubismo (vedi monopol-magazin.de).

Il successo con cui Hockney sviluppò il suo straordinario talento per la riproduzione potrebbe già essere paragonato a questo ritratto: Geldzahler fu uno dei primi curatori a trattare gli artisti alla pari, il che portò a numerose amicizie e a essere ritratto anche da Frank Stella, Larry Rivers, Alice Neel, George Segal, Marisol (Escobar) e Claes Oldenburg .

Secondo news.artnet.com, il doppio ritratto Geldzahler/Scott è stato messo in vendita da Christie's a Londra il 6 marzo 2019, con un prezzo di partenza stimato di 37,75 milioni di dollari...

Sebbene la "natura statica delle figure" sia così spesso criticata in questi e altri ritratti di Hockney, si può certamente obiettare che le pose statiche di Hockney possiedono qualità altamente vibranti. O "statico" non è un criterio utile di per sé, o il termine è inappropriato; poiché in tutti i suoi ritratti, Hockney cattura la personalità dei suoi soggetti meglio della maggior parte delle fotografie di persone impegnate in attività sportive vivaci.

Tra il 1971 e il 1972, Hockney dimostrò "Natura morta su un tavolo di vetro"  la sua straordinaria sensibilità per la materia, il colore e la trasparenza

Dal 1976 in poi, Hockney ha sperimentato con opere fotografiche disposte in composizioni simili a mosaici, ottenendo successo con questa forma d'arte. Ecco il portfolio "Twenty Photographic Pictures" del 1976, il cui numero 4, di un'edizione di 80 esemplari, è stato venduto all'asta per 35.000 dollari da Christie's nella primavera del 2016: christies.com.

fu realizzato nel 1976 "Studio dell'acqua, Phoenix, Arizona", ed è qui raffigurato nel poster a colori stampato in offset del 1995 (prodotto per la mostra "David Hockney. Disegni 1954-1994. Una retrospettiva sui disegni" alla Hamburger Kunsthalle, 1995).

Del 1979/80 è "L'acqua litografica fatta di linee", con linee incredibilmente fluide.

introdusse "Canyon Painting"una maggiore varietà di colori; superato poi dall'intenso "Nichols Canyon" del 1980, che sembra guidare lo sguardo dello spettatore attraverso/sopra la raffigurazione di Nichols Canyon a Hollywood.

Nel 1982, "Billy + Audrey Wilder, Los Angeles, aprile 1982" furono combinati in 144 immagini Polaroid per creare un ritratto scintillante e vibrante con un tocco cubista.

Dal 1993 al 1995, Hockney dedicò una serie di dipinti ai suoi bassotti Stanley e Boodgie. Si dice che in seguito abbia commentato a proposito di queste opere: "La gente non capisce questi dipinti. Non ha capito che parlano d'amore e di nient'altro" (citato da petrahartl.at).

Questi bassotti erano presenti anche quando Hockney dipinse una BMW 850CSi nel 1995:

Nel 1997, Hockney creò "La strada attraverso le Wolds" uno dei suoi paesaggi; una versione tranquilla, meno tentacolare e meno aggressiva del celebre "Garrowby Hill" del 1998.

Nel 2001, David Hockney pubblicò il libro "Secret Knowledge" (in tedesco: Geheimes Wissen. Verlorene Techniken der Alten Meister wieder entdecken von David Hockney, Knesebeck, ISBN 3-89660-092-3), frutto di un'ampia e approfondita ricerca. In questo libro, Hockney teorizzò che l' arte occidentale, dal Rinascimento in poi, fosse stata in grado di compiere enormi progressi in termini di realismo e precisione di rappresentazione principalmente perché gli artisti avevano potuto utilizzare per la prima volta strumenti ottici come la camera oscura, gli specchi curvi e così via.

Il fisico Charles M. Falco appoggiò Hockney; la teoria divenne nota nella storia dell'arte e portò a numerose conferenze e accese discussioni, poiché l'uso delle tecniche fotografiche è ben documentato solo dagli artisti del XIX secolo.

Nel 2005, Hockney ha sperimentato una serie di ritratti singoli e doppi, che ha dipinto direttamente sulla tela senza fotografie o disegni preparatori. Da questo lavoro è nato "Autoritratto con Charlie", realizzato da Hockney e dal suo amico, il curatore newyorkese Charlie Scheips.

Nel 2007, Hockney dipinse "Alberi più grandi vicino a Waterer" , uno scenario tra Bridlington e York, che fa sentire immediatamente a casa ogni abitante del nord dell'Inghilterra.

Nel 2010, Hockney ha creato la sua versione del Sermone della Montagna, "Il Sermone della Montagna II (dopo Claude)". "Dopo Claude" si riferisce al pittore barocco francese Claude Lorrain, uno dei principali esponenti del genere paesaggistico, il cui stile lirico-romantico, con la sua atmosfera gioiosa, è noto come "idilliaco-arcadico", ma che Hockney supera certamente in termini di atmosfera conviviale.

Nel 2012 Hockney ha progettato un enorme dipinto di grandi dimensioni (176 m²) per la Staatsoper di Vienna, esposto nella stagione 2012/2013 nell'ambito della serie di mostre "Iron Curtain" ideata da Museum in Progress.

Del 2013 sono tratti i ritratti dell'artista John Baldessari, dell'editore Benedikt Taschen e del critico d'arte Martin Gayford. Queste fotografie dimostrano in modo impressionante la capacità di David Hockney di catturare l'essenza di una persona.

Nel 2015, questo rigoglioso giardino al relax, ma non l'artista, ormai settantottenne, che stava preparando le sue ultime opere per la mostra "David Hockney: Current" alla National Gallery of Victoria di Melbourne, dall'11 novembre 2016 al 13 marzo 2017. Ecco una carrellata del catalogo della mostra:

Il 26 settembre 2018, David Hockney ha inaugurato la vetrata artistica nell'Abbazia di Westminster, da lui progettata sul suo iPad e Regina Elisabetta IIdedicata alla La vetrata, intitolata "La Vetrata della Regina", raffigura un cielo limpido e di un blu intenso sopra un biancospino in fiore lungo una strada di campagna attraverso le Yorkshire Wolds, la catena collinare della contea inglese tanto amata da Hockney.

Questo è stato solo un piccolo, stimolante assaggio del vasto mondo di David Hockney; c'è infinitamente di più della sua arte da scoprire. È probabile che susciti un notevole interesse nel prossimo futuro, dato che il 15 novembre 2018, "Portrait d'une artiste (Pisquine avec deux personnages)" , del 1972, è stato venduto da Christie's a New York per 90.312.500 dollari.

Tra gli artisti viventi, David Hockney detiene il record di prezzo; in generale, occupa anche una posizione di tutto rispetto nella classifica dei dipinti più costosi, classificandosi al 17° posto dopo il di Leonardo da Vinci "Salvator Mundi", cinque Picasso, due Modigliani e uno ciascuno di Bacon, Pollock, de Kooning, Klimt, Munch, Basquiat, Lichtenstein e Hopper…

Arte eterna di David Hockney

Chi non ha 90 milioni di euro da spendere può ammirare le opere di David Hockney a un costo "un po' più accessibile": nelle oltre 70 collezioni pubbliche di paesi che hanno già trasformato la propria arte in musei, in grado di mostrare al pubblico molto più della sola storia nazionale (militare).

Chiunque dubiti attualmente del significato della nostra cultura occidentale dovrebbe considerare quanti pochi paesi siano; ciò rafforzerebbe sicuramente la sua determinazione a combattere gli sviluppi negativi di questa cultura

• Australia: Queensland Art Gallery Brisbane
• Belgio: Stedelijk Museum voor Actuele Kunst Ghent
• Danimarca: Museo d'arte moderna della Louisiana Humlebæk
• Germania: Hamburger Kunsthalle, Museo Ludwig Colonia, Museo d'arte moderna di Francoforte sul Meno, Kunstmuseum Bochum, Daimler Contemporary Berlin, Sprengel Museum Hanover, Museum Würth Künzelsau, Museum DKM Duisburg, Alison & Peter W. Klein Collection Eberdingen, Pinakothek der Moderne Monaco (Collezione Stoffel)
• Finlandia: Museo d'Arte Contemporanea Kiasma Helsinki, musei Aboa Vetus e Ars Nova Turku
• Francia: Centro Pompidou Parigi
• Grecia: Museo Frissiras Atene
• Gran Bretagna: Royal Academy of Arts, Tate Britain, Royal College of Art Galleries London; Scottish National Gallery of Modern Art, Manchester Art Gallery, Abbot Hall Art Gallery, Walker Art Gallery, Whitworth Art Gallery, Pallant House Gallery, Leeds Art Gallery, National Museum Cardiff, Southampton City Art Gallery, Salts Mill Gallery Saltaire, Bradford, West Yorkshire
• Irlanda: Crawford Art Gallery Cork
• Iran: Museo d'arte contemporanea di Teheran
• Giappone: Museo d'arte contemporanea di Tokyo, Museo nazionale d'arte moderna di Kyoto, Museo della città di Kawasaki
• Canada: Vancouver Art Gallery, National Gallery of Canada, Kitchener-Waterloo Art Gallery, Museum London, Carleton University Art Gallery, Nickle Galleries
• Macedonia: Museo d'arte contemporanea + Museo del disegno Osten Skopje
• Paesi Bassi: Musei Vledder Drentse
• Norvegia: Astrup Fearnley Museet for Modern Art Oslo, Henie Onstad Art Center Høvikodden Bærum
• Austria: Museo d'arte moderna Fondazione Ludwig, Vienna
• Portogallo: Museo Berardo, Centro de Arte Moderna, Fundação Calouste Gulbenkian Lisbona
• Svizzera: Collezione d'arte UBS
• Spagna: Centro de Arte Dos de Mayo + Museo Thyssen-Bornemisza Madrid
• Turchia: Collezione Huma Kabakcı Istanbul
• Ungheria: Museo Ludwig di arte contemporanea di Budapest
• Stati Uniti: Museum of Modern Art New York, Los Angeles County Museum of Art, Walker Art Center Minneapolis, MOCA Grand Avenue Los Angeles, The Art Institute of Chicago, Museum of Fine Arts Boston, The Getty Center Los Angeles, Smithsonian American Art Museum Washington, Kemper Museum of Contemporary Art Kansas City, The High Museum of Art Atlanta, Currier Museum of Art Manchester New Hampshire, Columbia Museum of Art, Figge Art Museum Davenport, Nora Eccles Harrison Museum of Art Utah State University Logan, Castellani Art Museum Lewiston, Harry Ransom Center Austin, Robert V. Fullerton Art Museum California State University San Bernardino, Brauer Museum of Art Valparaiso Indiana
• Zaire: Unisa Art Gallery South Africa Pretoria

(Si prega di informarsi prima di recarsi in uno di questi musei, poiché non sempre è esposta l'intera collezione di un museo.)

Futuro, insegnamento, adepti

La Finestra della Regina non sarà certamente l'ultima opera d'arte di Hockney; David Hockney ha solo 85 anni e dipinge ancora... ad esempio sull'iPad ,dove ha raggiunto una notevole maestria con i semplici pennelli del programma.

David Hockney ha iniziato a trasmettere le sue conoscenze molto presto: nel 1962/63, ha insegnato al Maidstone College of Art, una scuola d'arte indipendente, ora parte dell'University College for the Creative Arts con sedi a Canterbury, Epsom, Farnham, Maidstone e Rochester, e ha formato, ad esempio, l'illustratore di The Walking Dead Charles Adlard, l'artista di copertine Roger Dean e la stilista Zandra Rhodes.

Poco dopo il suo arrivo negli Stati Uniti nell'estate del 1964, Hockney ottenne un incarico di insegnamento presso l'Università dell'Iowa. Nel 1965 insegnò all'Università del Colorado, Boulder College, e nel 1966/67 alla California University di Los Angeles. Seguirono altri incarichi di insegnamento fino al 1967 presso l'Università del Colorado a Boulder, a Los Angeles e a Berkeley. Nel 1969, Hockney ottenne persino una cattedra di professore ospite presso l'Università di Belle Arti di Amburgo.

Nel frattempo, molti altri artisti si sono confrontati in modo molto personale con l'opera di Hockney, ad esempio l'artista marocchino Soufiane Ababri, che utilizza diversi media come il disegno, la fotografia-video, le installazioni e le performance per mettere in discussione l'omosessualità, il razzismo e la storia, tra le altre cose, ed è già noto come il nuovo David Hockney (vedi hurriyetdailynews.com).

l'artista francese Zevs ha esposto la sua versione moderna di "Bigger Splashes", una serie intitolata "Big Oil Splashes",. In quest'opera, gli schizzi sono costituiti da petrolio, che cola nero dai loghi di Exxon, Esso, Chevron, Shell e Total finendo nella piscina e inquinando l'acqua.

Qualche altro suggerimento su Hockney e la sua arte

Proprio come l'arte di David Hockney, con le sue molteplici sfumature, può deliziare un'ampia gamma di persone, è possibile utilizzare la sua arte come modello diretto in molte direzioni:

• Per la copertina del biglietto di Natale: 81.169.222.198/still/kunst/pic570/378/411003866.jpg
• Per la carta da parati che non ti dà mai sui nervi: 81.169.222.198/still/kunst/pic570/387/111002257.jpg
• Per nuovi modelli di tessuto: 81.169.222.198/still/kunst/pic570/335/100701403.jpg
• Per giovani e scatenati artisti dei graffiti: 81.169.222.198/still/kunst/pic570/325/410705504.jpg
• Per le cartoline commemorative della Merkel: 81.169.222.198/still/kunst/pic570/404/112002009.jpg
• Per dichiarazioni politiche: 81.169.222.198/still/kunst/pic570/411/411301830.jpg
• Per i poster contro il cambiamento climatico: 81.169.222.198/still/kunst/pic570/390/111002246.jpg
• Per fiabe femministe ciniche: 81.169.222.198/still/kunst/pic570/430/411600688.jpg
• Per incoraggiare i bambini più grandi a dipingere: 81.169.222.198/still/kunst/pic570/381/111001734.jpg
• Per saluti scettici: 81.169.222.198/still/kunst/pic570/420/111002250.jpg (bonnie significa anche figa…)
• Per una risoluzione tempestiva dei conflitti: 81.169.222.198/still/kunst/max/434/411610359.jpg
• Per la piscina nel bagno, che non richiede alcun lavoro se non l'incorniciatura: 81.169.222.198/still/kunst/pic570/322/100700933.jpg

di Hockney autobiografia "Il mondo ai miei occhi", pubblicata nel 2005, copre gli anni dal 1973 al 1992 ed è disponibile in tedesco presso Kurt Liebig Verlag con ISBN 978-3-938715-00-0.

una collezione di importanti dipinti di Hockney Abbiamo raccolto

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Sul sito ufficiale www.davidhockney.co è possibile trovare informazioni per contattare direttamente l'artista riproduzione"), informazioni su mostre in corso e future e, naturalmente, una vasta gamma di opere di Hockney di ogni genere (opere digitali, disegni, grafica, dipinti, fotografie, album di schizzi, opere teatrali e altro) di.

Ulteriori informazioni sulle mostre attualmente in corso con opere di Hockney sono artfacts.net/artist/david-hockney/234 disponibili

Nel 2016, in concomitanza con l'evento "Bigger Splash", il libro "Bigger Book alla Fiera del Libro di Francoforte . Questa esclusiva "mostra" per spazi privati ​​è stata ideata congiuntamente dall'editore Benedikt Taschen e da David Hockney. L'opera, un libro d'arte di 50 x 70 cm, è un'opera eccezionale composta da 500 pagine e tredici pagine pieghevoli che si estendono per due metri.

Per questo motivo, e per via del suo peso di 35 kg, il Big Book viene venduto con un apposito tavolino, disegnato dal designer australiano Marc Newson. È incluso anche un voluminoso libro di accompagnamento contenente schizzi e grafici, poster, ritratti fotografici, materiale d'archivio, recensioni critiche e riflessioni teoriche sull'arte di Hockney.

L'edizione da collezione limitata di 9.000 copie, ciascuna firmata individualmente da David Hockney, è costata 2.000 euro nel 2016. Le 1.000 copie dell'"Art Edition", composta da 4 x 250 stampe firmate di un disegno per iPad di Hockney, sono state vendute a 4.000 euro e sono ora esaurite.

è un gioco divertente per gli appassionati d'arte con una buona rete di contatti, o semplicemente una bella idea da copiare Il metodo di David Hockneypadroneggiare la pittura digitale :

Disegno fiori ogni giorno sul mio iPhone e li mando ai miei amici così che ricevano fiori freschi ogni mattina. E i miei fiori durano a lungo. "Non solo posso disegnarli come se fossero su un piccolo album da disegno, ma posso anche inviarli a 15 o 20 persone che poi li riceveranno la mattina dopo, al risveglio."

(vedi telegraph.co.uk, un articolo di nientemeno che Martin Gayford, il cui ritratto è stato menzionato sopra).