La carriera di David Hockney: molto più di un umorismo scandalosamente buono

David Hockney è attualmente classificato al 20° posto tra i più grandi artisti del mondo nella classifica indipendente di ArtFacts , che valuta automaticamente le apparizioni espositive e non include giudizi personali di storici dell'arte, ecc

Nel 2012, in occasione del suo 75° compleanno, Hockney era ancora al 36° posto; tuttavia, il pittore britannico fu celebrato con così tante mostre delle sue opere che all'epoca era anche annoverato tra i tre o cinque artisti più importanti del mondo.

I festeggiamenti per il suo 80° compleanno nel 2017 hanno superato persino questo.

Anche le classifiche dei nomi più importanti possono subire variazioni significative; tuttavia, chiunque si sia mantenuto tra i primi 100 artisti in una classifica riconosciuta a livello globale per un periodo prolungato è certamente uno degli artisti di punta che influenzano profondamente il mondo dell'arte. Come David Hockney, che si è costantemente posizionato ai vertici di ogni classifica di arte contemporanea dal 1965 circa.

La prima parte di questa serie sull'artista di fama mondiale ha dimostrato e spiegato che David Hockney non è, e non è mai stato, un pittore Pop Art, nonostante questo stile gli venga spesso attribuito. La sezione successiva si concentrerà sulla carriera di David Hockney, offrendo ancora una volta l'opportunità di sfatare le rappresentazioni diffuse e semplicistiche di questo influente artista:

David Hockney non fece carriera in America; era già famoso negli ambienti artistici quando vi arrivò. Hockney non si limitò a dipingere splendidi quadri, ma lavorò con grande successo in un'ampia varietà di discipline artistiche

Nuova arte, ancora nella vecchia Inghilterra

Nel 1959, David Hockney fece domanda di ammissione al Royal College of Art di Londra, sperando di trasformare la sua formazione puramente accademica a Bradford nello sviluppo di un proprio stile. Come ogni giovane spirito libero, Hockney trovava affascinante la Pop Art americana, colorata e spensierata, e aveva ottime ragioni personali per prenderne le distanze, rifugiandosi nel regno della critica sociale ironica ma al contempo vitale.

Tuttavia, la serietà con cui perseguì il suo lavoro artistico non gli permise di abbandonarsi così volontariamente al meraviglioso e colorato mondo artistico dell'ultima Pop Art statunitense, come alcune rappresentazioni sembrano suggerire.

Hockney dovette prima fare una lunga deviazione verso il vecchio mondo: fino alla fine dei suoi studi nel 1962, Hockney lavorò con la stessa determinazione e continuità sul suo linguaggio visivo; voleva trovare o inventare un'espressione completamente nuova tra astrazione e rappresentazione figurativa.

Aveva già sperimentato i suoi primi conflitti con il soggetto a Bradford, ma non l'aveva ancora abbandonato durante il periodo trascorso lì. Al RCA, inizialmente si concentrò esclusivamente sulla visione e l'enfasi dell'immagine come superficie. Questa caratteristica sorprendente dei primi lavori di Hockney al Royal College of Art (ciao, Sandra Blow, vedi Hockney Parte 1) fu una strategia pittorica molto deliberata che sarebbe diventata un passo decisivo per l'artista.

Studiare nel cuore della scena culturale e artistica londinese e lavorare e discutere con altri studenti altrettanto interessati a nuovi percorsi e mezzi di espressione ha offerto a Hockney ampie opportunità di confrontarsi con i vari movimenti artistici del suo tempo e di sviluppare un proprio linguaggio visivo in questo processo di apprendimento.

Il primo approccio all'astrazione consistette in dipinti espressivi su cartone in stile astratto, come "Growing Discontent" (1959, immagine non disponibile), sebbene il titolo stesso indicasse già l'avversione di Hockney per uno stile pittorico meramente gestuale ed espressivo alla Alan Davie e Jackson Pollock .

Hockney abbandonò questi dipinti astratti dopo pochi mesi perché si rese conto che per lui la strada verso la modernità non poteva consistere nell'indossare una nuova camicia di forza stilistica chiamata Pop Art al posto delle restrizioni di cui si era faticosamente liberato attraverso le rigide regole della tradizionale "arte reale".

Hockney desiderava qualcosa di più: una voce personale; un nuovo ed elegante compromesso tra astrazione e figurazione, qualcosa che non si trovava nell'arte all'avanguardia degli americani alla moda. Perciò, Hockney preferì trarre nuovamente ispirazione dagli artisti europei, molti dei quali da tempo cercavano di trovare un punto d'incontro tra astrazione e figurazione.

Durante le sue visite alle mostre londinesi nella primavera del 1960, scoprì Francis Bacon (Hello, Sandra Blow), la cui pittura figurativa divenne la prima importante fonte di ispirazione per Hockney.

Inoltre, Hockney trovò ispirazione nell'apparentemente primitiva "Art Brut" di Jean Dubuffet , che lo spinse prima a riflettere e poi a progredire. Dubuffet fu il primo artista a utilizzare i graffiti come modello e quindi a documentare questa forma d'arte già allora. Fu ispirato da Brassaï , il primo fotografo di graffiti , che aveva già raccolto immagini di murales parigini negli anni '30.

L'idea portò a Dubuffet un successo clamoroso; durante il periodo di Documenta (tre apparizioni consecutive: 1959, 1964, 1968), le sue figure-tableu incorniciate da una scrittura primitiva o composte da lettere viventi ("Vertu virtuelle"; "Speranze e opzioni") venivano viste come "l'anarchia nella sua forma più bella" praticamente ovunque si potesse trovare arte moderna.

Per Hockney, questi furono impulsi cruciali; sentiva una forte connessione con le raffigurazioni di Dubuffet, che si collocavano a cavallo tra l'arte infantile e l' alta cultura dell'antico Egitto , e vedeva in questo "stile anonimo" ("Davis Hockney" di David Hockney 1976, p. 67) un modello essenziale per il suo lavoro durante il periodo trascorso al Royal College.

Hockney non dovrebbe mai perdere quella che una studentessa di Seoul (sottolineo da lei stessa) definisce la "tendenza europea incentrata sull'emotività o sulla figura" nella sua tesi di dottorato in filosofia presso l'Università Ludwig Maximilian di Monaco, riguardante le prime opere di David Hockney, nemmeno nelle sue opere successive

Forse fu proprio questa insistenza sulle tradizioni artistiche europee, l'esitazione di Hockney, come dei suoi colleghi britannici, ad abbracciare immediatamente gli stili americani innovativi per liberarsi dalla tradizione artistica europea, che portò a un'opera di "arte globale" in grado di ispirare persone in tutti i continenti.

Anche la buona arte giovane ha una possibilità nella vecchia Inghilterra

Verso la fine dei suoi studi al Royal College of Art, Hockney sviluppò il suo primo stile espressivo unico, con il quale divenne famoso molto presto e molto rapidamente nel suo paese d'origine:

Nel 1960, il talentuoso signor Hockney fu invitato alla mostra annuale del "London Group" . Il London Group è un'associazione di artisti londinesi tuttora attiva, fondata nel 1913 come opposizione d'avanguardia alla conservatrice Royal Academy of Arts; il suo obiettivo dichiarato è "promuovere la conoscenza dell'arte visiva contemporanea da parte del pubblico attraverso mostre annuali".

La Royal Academy of Arts di Londra è l'istituzione artistica della Gran Bretagna dedicata alla promozione della pittura, della scultura e dell'architettura fin dalla sua fondazione da parte di Giorgio III, su commissione del monarca stesso. Giorgio III regnò dal 1760 al 1820; dal 1765 in poi, si dice che abbia mostrato i primi segni della malattia mentale che oscurò la seconda metà del suo regno; la Royal Academy of Arts fu fondata nel 1768…

Probabilmente la venerabile Royal Academy non era dotata di uno spirito particolarmente stimolante molto prima della Brexit; l'idea di esporre opere d'arte di giovani studenti universitari (anche gay) come David Hockney in una delle sue celebri mostre estive era semplicemente impensabile.

Quanto indietro nel tempo si sia in quanto RA (Royal Academician) lo si può vedere, ad esempio, dal fatto che David Hockney stesso è stato eletto alla Royal Academy of Arts di Londra solo nel 1991, quando aveva 54 anni ed era un artista famoso da 30 anni.

Anche questo articolo del "Guardian" è piuttosto illuminante, e descrive come l'artista Grayson Perry, che a 58 anni non è più esattamente giovane , abbia salvato la mostra dell'estate 2018 (il 250° anniversario dell'Accademia) dalla sua "semplificazione", secondo il giornalista del Guardian, presentando al pubblico artistico britannico, colto di sorpresa, una stravagante collezione di arte spazzatura.

Al contrario, il London Group si diletta nelle sue mostre, allora come oggi, con la diversità stilistica che tutti i giovani artisti che non furono notati o rifiutati dalla Royal Academy of Arts portano alla mostra annuale.

David Hockney espose nuovamente poco dopo, e questa mostra di giovani artisti contemporanei del 1961 presso le RBA Galleries di Londra divenne famosa per aver reso celebri, in un colpo solo, gli studenti del Royal College Patrick Caulfield, Derek Boshier, Allen Jones, David Hockney, RB Kitaj e Peter Phillips .

“Young Contemporaries” , ribattezzata “New Contemporaries” nel 1974 , è anch'essa un'organizzazione britannica che si propone di sostenere gli artisti emergenti all'inizio della loro carriera. Fu fondata da Carel Weight, insegnante di David Hockney.

Nel 1949 ebbe l'idea di utilizzare la galleria, fino ad allora poco frequentata, della Royal Society of British Artists (RBA, un'altra associazione di artisti britannici fondata nel 1823 come contrappeso alla sonnolenta Royal Academy) in Suffolk Street a Londra, per esporre i lavori degli studenti .

Detto fatto, i fondatori hanno anche concordato di selezionare i "Giovani Contemporanei" con un processo così imparziale e democratico da poter essere quasi definito atipico per la Gran Bretagna: l'artista si candida in forma anonima con un'opera d'arte; i giurati non vengono a conoscenza della scuola, dell'età e della nazionalità del partecipante durante l'intero processo di selezione.

Nel decennio successivo alla sua fondazione, la mostra annuale Young Contemporaries si era già guadagnata la reputazione di presentare le più interessanti novità artistiche del momento. All'inizio degli anni '60, la mostra Young Contemporaries era diventata un appuntamento imperdibile per gli intenditori d'arte contemporanea, e i cittadini di tutto il mondo con un debole per l'arte moderna non si lasciavano sfuggire questo spettacolo.

La mostra del 1961 fu un successo clamoroso, soprattutto per gli intenditori d'arte più esigenti, che si appassionarono alla nuova Pop Art britannica e, soprattutto, alle prime opere di David Hockney. Queste nuove entusiasmanti scoperte furono discusse e divulgate, e David Hockney divenne gradualmente un argomento di conversazione nel panorama artistico d'avanguardia.

Un gallerista trova il suo artista

Questa mostra di Young Contemporary del 1961 presentava anche John Kasmin, un giovane ribelle dell'East End londinese che era stato recentemente espulso dalla Nuova Zelanda dalla polizia (in quanto bohémien) e che lavorava nelle gallerie londinesi dal suo ritorno.

Nel 1961, alla mostra Young Contemporaries "Doll Boy" dell'allora sconosciuto studente David Hockney (ora nella collezione della Tate) Marlborough Gallery di New London. Dopo il lavoro, Kasmin invitò Hockney a prendere il tè, gli piacque e desiderava così tanto il dipinto da essere pronto a confrontarsi con il suo capo e co-fondatore della Marlborough Fine Art, Harry Fischer.

In ogni caso, a Kasmin non era permesso scegliere in base al proprio gusto/istinto nella galleria, così si dimise (con grande disappunto dei fondatori di Marlborough, che avevano già riconosciuto il suo potenziale) e portò con sé il cliente più importante della galleria.

Questo Sheridan Dufferin, il cui nome completo era Sheridan Frederick Terence Hamilton-Temple-Blackwood, V marchese di Dufferin e Ava, era di conseguenza molto ricco. Dufferin fornì i fondi per la fondazione della Kasmin Gallery, che occupava locali insolitamente ampi e spogli di colore bianco nella New Bond Street di Londra e ospitò la prima mostra personale di David Hockney nel 1963.

Nel 1963 Hockney immortalò Kasmin nel dipinto "Play within a Play" (curiator.com/art/david-hockney/play-within-a-play) "come un prigioniero tra la vita e l'arte", quindi probabilmente già allora sapeva di aver trovato un gallerista fortunato come John Kasmin, che credeva nell'arte e non voleva solo vendere cose.

La reazione alla prima mostra personale di Hockney alla Kasmin Gallery di Londra fu straordinaria; David Hockney divenne una star del prestigioso Royal College of Art. Il giovane, precedentemente descritto come eccezionalmente timido negli "ambienti reali", ora mostrava i primi segni di ribellione (ma continua a essere descritto come affascinante, delizioso e per nulla calcolatore).

In mezzo a tutta questa fama precoce, c'era la laurea di Hockney, che a quanto pare non completò del tutto: secondo John Kasmin , si rifiutò di scrivere un saggio o qualcosa di simile, quindi non ricevette la solita medaglia d'oro e invece si comprò una giacca di lamé dorato.

Presumibilmente, Hockney era più interessato al "Premio di disegno" che vinse durante il suo ultimo anno di studi. Il premio consisteva in 100 sterline, che Hockney spese prontamente per un viaggio a New York, Berlino ed Egitto alla ricerca di ispirazione per le sue illustrazioni.

Si dice che Hockney sia tornato da questo viaggio biondo platino, più sicuro di sé e più stravagante. Come molti dei suoi colleghi artisti, non era particolarmente entusiasta del clima sociale del Regno Unito dell'epoca: gli omosessuali erano ancora soggetti all'ergastolo secondo il codice penale, sebbene non fossero più perseguiti dopo il Rapporto Wolfenden del 1957.

Secondo Kasmin, Kitaj, Blow e altri che avevano già viaggiato in tutto il mondo, esisteva un'arte ben più interessante "là fuori" rispetto ai dipinti su carta da parati di John Minton, ai paesaggi a mosaico di Julian Trevelyan e ai "brutti disegnini" (citando Kasmin) di Lucian Freud.

In generale, Hockney trovava il clima troppo brutto, il Paese troppo nazionalista (ciao Brexit) e molte persone troppo ristrette e scontrose.

Fuori dai confini

In ogni "nazione orgogliosa dalla storia gloriosa" si annida la tentazione di trattare con disprezzo lo straniero e il diverso. Più l'orizzonte è ristretto, più si è percepiti come diversi; gli artisti indipendenti ogni volta che il loro lavoro si discosta dai gusti tradizionali, e le persone con orientamenti sessuali insoliti ancora di più.

Le società moderne e civilizzate combattono tali tendenze; ​​i liberi pensatori indipendenti hanno sempre avuto la tendenza a unirsi alle nazioni in cui questa lotta veniva condotta con maggiore successo in un dato momento: per la maggior parte dei giovani artisti nell'Inghilterra del dopoguerra, grandi frecce rosse puntavano verso l'America.

Cinque dei sei compagni di studio che si erano fatti conoscere insieme a Hockney nella mostra Young Contemporarys del 1961, dopo la laurea al Royal College of Art, finirono più o meno rapidamente negli USA; solo due di loro tornarono poi definitivamente in Inghilterra:

Ridley Scott ricevette una borsa di studio di un anno per recarsi negli Stati Uniti e lavorò per due anni presso la Time Life, Inc. con i documentaristi Richard Leacock e D.A. Pennebaker. Nel 1965 tornò in Inghilterra per completare un corso di scenografia alla BBC, che gli permise di accedere al programma di formazione per registi.

Nel 1968 lasciò la BBC per fondare la Ridley Scott Associates, rendendola una delle case di produzione cinematografica pubblicitaria di maggior successo in Europa e dando inizio alla sua celebre carriera di regista.

Allen Jones e Peter Phillips vissero a New York dal 1964 al 1966 e viaggiarono a lungo negli Stati Uniti. Jones si trasferì poi in Germania (insegnò presso accademie d'arte ad Amburgo e Berlino, partecipò a Documenta III nel 1964 e a Documenta IV a Kassel nel 1968) prima di tornare nella sua nativa Francia. Peter Phillips rimase attivo a livello internazionale, insegnando a Birmingham e Amburgo, esponendo le sue opere in tutto il mondo e viaggiando fino in Africa e Australia. Attualmente vive a Maiorca.

Dopo la laurea, Derek Boshier si è recato in India con una borsa di studio del governo indiano, poi ha intrapreso una carriera in Inghilterra insegnando alla London Central School of Art and Design, prima di stabilirsi definitivamente a Los Angeles

L'unico artista nato negli Stati Uniti, RB Kitaj, insegnò disegno alla Ealing School of Art, alla Camberwell School of Art e alla Slade School of Fine Art di Londra fino al 1967, partecipò a documenta III a Kassel e alla Biennale di Venezia nel 1964, e tornò negli Stati Uniti solo nel 1965, dopo nove anni di esilio, in occasione della sua prima mostra americana alla Marlborough-Gerson Gallery di New York.

Hockney fuggì nel febbraio del 1964: durante il suo primo grande viaggio nel mondo, incontrò Henry Geldzahler, l'allora curatore del Metropolitan Museum of Art di New York, noto per il suo impegno nei confronti dei giovani artisti, che aveva incoraggiato Hockney a trasferirsi a Los Angeles.

Aspettavano da tempo talenti come Hockney: nello stesso anno, Hockney tenne la sua prima mostra personale di grande successo negli Stati Uniti presso la Alan Gallery, e nell'estate del 1964 ottenne una cattedra all'Università dell'Iowa.

La città che Hockney adottò negli Stati Uniti divenne però Los Angeles. Fu conquistato dalla soleggiata California; non c'è da stupirsi, se si considera brevemente dove David Hockney aveva vissuto in precedenza:

Negli anni '50 e '60, Bradford, città natale di Hockney , versava in un periodo di degrado ecologico e architettonico, a seguito di un passato ancora più inglorioso: nel XIX secolo, Bradford si era trasformata da un piccolo centro rurale con poche migliaia di abitanti in una città industriale con oltre 50 miniere di carbone e nel "capitale mondiale della lana".

Il paesaggio urbano era caratterizzato da alloggi operai inadeguati, caserme militari e fabbriche tessili i cui 200 camini eruttavano costantemente fumo nero e sulfureo. Intorno al 1850, Bradford era la città più inquinata d'Inghilterra, con colera e tifo frequenti, e l'aspettativa di vita media dei suoi abitanti era di diciotto anni.

Bradford subì pochi danni durante la Seconda guerra mondiale, ma la ristrutturazione e la riqualificazione da parte delle autorità, piene di spunti estetici deludenti, potrebbero aver distrutto ancora più a fondo il volto storico di Bradford.

Quando David Hockney era bambino, Bradford era fatta di brutti edifici e strade caotiche piene di cantieri edili non sicuri e di monolocali uniformi con campi da calcio senza la minima traccia di verde in mezzo; le case erano brutte e di un marrone nerastro e l'aria era ancora grigia.

John Kasmin lo andava a trovare una o due volte all'anno negli Stati Uniti; una fotografia di entrambi risale al 1965, scattata negli Stati Uniti mentre visitavano una mostra sulla nuova scena pittorica londinese al Walker Art Center di Minneapolis con alcuni artisti inglesi di sua conoscenza.

Kasmin è cresciuto in circostanze relativamente idilliache nel quartiere londinese di Whitechapel, di fronte a Bradford, e dall'età di 17 anni ha trascorso sei anni immerso nella "pura campagna" della Nuova Zelanda. In questo contesto, è comprensibile che il gallerista ricordi con un pizzico di ironia quanto Hockney fosse affascinato da ogni dettaglio dello stile di vita rilassato californiano; Hockney lo avrebbe persino trascinato a Disneyland..

Tuttavia, dal punto di vista di Hockney, la California è la scelta più logica al mondo: arte (Pop) libera e stimolante al posto delle restrizioni reali, sole al posto della pioggerellina, ampi orizzonti al posto di stretti canyon stradali, piscine nel verde al posto di campi sportivi ricoperti di ghiaia, ragazzi allegri e ben fatti (a torso nudo) al posto di una seria mascolinità in giacca e cravatta... e che un'abbondanza traboccante degli ultimi gadget tecnologici chiamati Disneyland affascini un artista moderno dovrebbe essere l'ultima cosa che sorprende un gallerista che lavora in questo campo.

Prima fioritura sotto il sole della California

Il momento della sua partenza verso la libertà coincise anche con il momento in cui David Hockney trovò il suo primo linguaggio visivo personale : forme chiare e sobrie, un approccio oggettivo, la concentrazione sull'elaborazione delle nuove esperienze, che venivano accuratamente immortalate, per la riflessione, dalla nuovissima macchina fotografica Polaroid.

Per Hockney, il mezzo pittorico ideale per questa fase era la pittura acrilica, appena inventata; le opere "Shower Pictures", "Swimming Pool Pictures" e "Domestic Scenes" , colpiscono non solo per i colori e l'espressività, ma anche per l'adozione delle ultime innovazioni che l'epoca aveva da offrire.

Gli ultimi sviluppi tecnologici tradotti in arte, in un linguaggio individuale con colori meravigliosi e motivi chiari, senza incomprensibili intrecci e messaggi accademici, intellettuali o psicologici: questa combinazione ha toccato e incantato molti amanti dell'arte moderna e rapidamente anche persone che cercavano semplicemente un'arte bella e/o di tendenza con un alto valore utile e decorativo.

Hockney ebbe davvero successo in California; e quello fu l'inizio di una vita artistica la cui intensità può far girare la testa allo spettatore:

Tra il 1965 e il 1967, Hockney ricevette e svolse incarichi di insegnamento presso l'Università del Colorado a Boulder e presso l'Università della California a Los Angeles e a Berkeley a San Francisco.

Nel 1966, Hockney realizzò la sua prima scenografia per il Royal Court Theatre di Londra e per l'opera teatrale surrealista di Alfred Jarry "Ubu Roi", segnando l'inizio di una lunga serie di progetti teatrali. Oggi, David Hockney è noto a molti contemporanei "solo" come pittore, ma la sua attività come scenografo, fotografo e graficoche anche queste arti gli spettano a pieno titolo.

Nel 1968, Hockney trascorse l'estate a casa in Inghilterra e viaggiò con gli amici a Parigi, nel sud della Francia, in Cornovaglia e nell'Irlanda del Nord. In autunno, accompagnò il suo amore ancora relativamente nuovo, il fotografo d'arte californiano Peter Schlesinger, a Londra, dove Schlesinger intendeva iscriversi alla Slade School of Art.

In seguito si recò a Saint-Tropez, dove visitò "Le Nid du Duc" e scattò numerose fotografie: la casa onirica del regista, sceneggiatore e produttore "Tony" Richardson (vincitore di 4 premi Oscar nel 1964 per "Tom Jones", "Hotel New Hampshire", "Il fantasma dell'opera" e altri film) avrebbe poi giocato un ruolo importante nella sua arte.

Nel tempo libero dipinse alcuni dei suoi quadri più famosi (Christopher Isherwood e Don Bachardy; i collezionisti americani Fred e Marcia Weisman) e partecipò a documenta 4 a Kassel.

Una carriera da maratona con infinite accelerazioni

Questo ritmo continuò: nel 1969 Hockney accettò una cattedra in visita presso l'Accademia di Belle Arti di Amburgo; intraprese ripetutamente viaggi più lunghi, che combinavano lavoro, esperimenti e soggiorni prolungati nei rispettivi angoli del mondo.

Ad esempio, nel 1975 trascorse un lungo periodo a Parigi con i suoi genitori, che furono anche ampiamente ritratti. Sempre nel 1975, Hockney incorporò le ricerche condotte nei primi anni '60 per il ciclo di incisioni di "The Rake's Progress" di William Hogarth in una scenografia per la Glyndebourne Festival Opera nell'East Sussex, dove "The Rake's Progress" di Stravinsky veniva rappresentata.

Inoltre, emersero continuamente idee artistiche completamente nuove, ad esempio, dal 1976 in poi, opere di fotocollage, ciascuna composta da numerose immagini Polaroid. "Twenty Photographic Pictures" e la composizione composta da 63 Polaroid raffiguranti le sorelle Imogen e Hermiane Cornwall-Jones furono accolte positivamente all'epoca, rappresentando ancora una volta un approccio unico in controtendenza rispetto alle mode del momento.

Oggi, queste opere vengono spesso presentate come espressione della "fase cubista" e attribuite a un tardivo avvicinamento al Cubismo e all'opera di Picasso ; tuttavia, Hockney aveva già iniziato questo percorso al Royal College of Art.

Nel 1977, le opere di Hockney furono presentate a documenta 6, nel 1978 alla 38ª Biennale di Venezia e nel 1979 alla 3ª Biennale di Sydney; nel 1978, Hockney progettò la scenografia per "Il flauto magico" di Mozart al Glyndebourne Festival Opera nell'East Sussex.

Nel 1980, Hockney progettò le scenografie e i costumi per un triplice omaggio all'arte francese dell'epoca di Picasso al Metropolitan Opera House. L'opulenta opera, intitolata Parade, comprendeva il balletto "Parade" con musiche di Erik Satie, l'opera "Les mamelles de Tirésias" con libretto di Guillaume Apollinaire e musiche di Francis Poulenc, e l'opera "L'enfant et les sortilèges" con libretto di Colette e musiche di Maurice Ravel. Nel 1981, progettò un altro triplice set di scenografie per il Metropolitan Opera: "Le Sacre du Printemps", "Le Rossignol" e "Oedipus Rex" di Stravinsky.

Dal 1982 in poi apparvero nuovi collage Polaroid, ancora più sfaccettati (ancora più cubisti?), un gioco con un'ampia varietà di formati e principi di composizione e ordine.

Nel 1983, Hockney lavorò contemporaneamente per la Los Angeles Music Center Opera e la Royal Opera House di Londra, e creò scenografie per l'Eye and Ear Theatre di New York. Per la mostra "Hockney Paints the Stage" dello stesso anno, ridisegnò completamente anche la scenografia per l'opera "L'enfant et les sortilèges", un'opera che può ancora oggi essere ammirata come installazione permanente all'Honolulu Museum of Art.

Nel 1985 Hockney partecipò alla XIII Biennale di Parigi e nel 1986 a PaperArt (1a Biennale Internazionale di Arte della Carta a Düren, Vestfalia), certamente con nuove sperimentazioni; nel 1987 progettò la scenografia per l'opera di Richard Wagner "Tristano e Isotta" commissionata dal Los Angeles Music Center Opera.

Dalla metà degli anni '80 in poi, Hockney si immerse nuovamente nella pittura, questa volta studiando principalmente Henri Matisse (e Pablo Picasso, ripetutamente).

Ben presto alcune innovazioni tecniche furono pronte per essere elaborate e, dalla fine degli anni Ottanta, Hockney sperimentò con la stampa, le fotocopiatrici a colori e i fax, dando vita a stampe a quattro colori, disegni per fax e grafica computerizzata astratta, la nuova serie di opere nota come "Home Made Prints".

Nel 1989, David Hockney espose le sue opere alla XX Biennale di San Paolo in Brasile e gli fu conferito il Praemium Imperiale . Questa fu la prima volta che venne assegnato questo "Premio Nobel delle Arti"; Hockney condivise il premio nella categoria pittura con Willem de Kooning (i vincitori del primo premio nelle altre categorie furono: scultura Umberto Mastroianni; architettura I.M. Pei; musica Pierre Boulez; teatro/cinema Marcel Carné).

Dal 1991 in poi, Hockney progettò nuovamente le scenografie per la "Turandot" di Puccini alla Chicago Lyric Opera e per "Die Frau ohne Schatten" di Richard Strauss nel 1992 alla Royal Opera House di Londra; inoltre, nel 1991 fu ammesso come membro della Royal Academy of Arts di Londra.

Nel 1994, Hockney disegnò costumi e scenografie per dodici arie d'opera a Città del Messico, nell'ambito del programma televisivo Operalia di Placido Domingo. Ancora una volta, si avvalse delle più recenti innovazioni tecnologiche, costruendo complessi modelli in scala 1:8 in un proscenio mobile di 1,8 m x 1,2 m, utilizzando un sistema computerizzato che gli consentiva di programmare a piacimento gli effetti di luce e di sincronizzarli con la colonna sonora.

Nel 1995 Hockney partecipò alla 46ª Biennale di Venezia; nel 1997 ricevette il British Order of the Companions of Honour (un ordine del Regno Unito e del Commonwealth che dal 1917 onora i risultati eccezionali conseguiti in vari campi) e fu ammesso all'American Academy of Arts and Sciences.

Nel 2004, le sue opere sono state esposte contemporaneamente alla Biennale di Liverpool e alla Whitney Biennale di New York.

Nel 2006, dopo uno studio approfondito dei metodi degli antichi maestri, è stato pubblicato il suo libro "Secret Knowledge: Rediscovering the lost techniques of the Old Masters"; nel 2012, Hockney ha creato un dipinto di grandi dimensioni di 176 metri quadrati per l'Opera di Stato di Vienna, che ha costituito il momento clou della serie di mostre "Iron Curtain" nell'ambito del "museum in progress" nella stagione 2012/2013.

Nel 2012, Hockney ha ricevuto l' Ordine al Merito dalla Regina (un'onorificenza britannica per meriti eccezionali in campo militare, scientifico, artistico e letterario), che ha accettato dopo aver rifiutato il titolo di cavaliere conferitogli dalla Regina nel 1990 (vedi bbc.com); ha inoltre partecipato alla 4a Biennale di Arte Contemporanea di Madrid e, nel 2015 (all'età di 78 anni), alla 5a Biennale di Arte Contemporanea di Salonicco.

Nel 2017 David Hockney ha compiuto 80 annitate.org.uk/whats-on/). Sempre nel 2017, la San Francisco Opera ha ricostruito e riproposto la scenografia di Hockney per la Turandot, per la quale Hockney è stato insignito della Medaglia della San Francisco Opera.

Questa non era nemmeno l'inizio di una biografia, solo una rapida panoramica di alcuni momenti chiave della vita di Hockney. Oltre a tutti questi viaggi, ricerche, insegnamento e sperimentazione, David Hockney si è dedicato principalmente all'arte; abbastanza arte da oltre 306 mostre personali e quasi 900 mostre collettive ... non ci sono ancora statistiche ufficiali a riguardo, ma molti artisti certamente non hanno raggiunto il traguardo delle 1000 mostre.

La terza parte di questa serie si concentra sulla celebre arte visiva di David Hockney, ma non esclusivamente: artisti di fama mondiale come David Hockney offrono al mondo molte altre fonti di ispirazione..

Ecco una selezione dei suoi lavori su Pinterest:

(Devi aver accettato i cookie per visualizzare la bacheca Pinterest)