Il percorso artistico di David Hockney: molto più di un semplice talento

David Hockney è uno degli artisti più famosi al mondo. È presente nella classifica dei 100 migliori artisti a livello mondiale sin dal suo lancio nel 2001 (una classifica generata al computer).

Tuttavia, poiché Hockney nacque nel 1937 e divenne famoso nel mondo dell'arte anglosassone negli anni '60, anche il tedesco medio istruito e anziano conosceva Hockney come un "artista famoso" da parecchio tempo.

La domanda è: quanto conoscono David Hockney i tedeschi medi (indipendentemente dall'età)? Spesso solo grazie a manifesti carini, colorati e un po' kitsch – e nel solito breve articolo in occasione dell'inaugurazione di una mostra, il lavoro di Hockney viene molto spesso ridotto a piacevole Pop Art .

Ma non basta; c'è molto di più. Un'arte accattivante che attrae le masse in tutto il mondo potrebbe portare a un riconoscimento a breve termine, ma non ti renderà un artista acclamato a livello internazionale. Questi artisti di fama mondiale sono amati e ammirati perché offrono al mondo molto più di una semplice opera d'arte, ognuno a modo suo.

Per comprendere veramente un artista, bisogna scavare più a fondo, per cogliere quel qualcosa in più. Osservare semplicemente la sua arte non basta; richiede molteplici prospettive sulla persona e sulla sua personalità, idealmente arrivando fino al cuore dell'artista. Qualcosa che raramente mostrano..

Quindi è necessario un lavoro investigativo, una storia avvincente che possa produrre un'ampia varietà di risultati e interpretazioni.

Riprendiamo il filo del discorso, partendo proprio dall'evoluzione artistica di David Hockney, dietro la quale si cela un insolito grado di assertività, perseveranza e capacità di pensiero indipendente tra le diverse persone coinvolte:

Nato per essere un artista?

David Hockney nacque il 9 luglio 1937 a Bradford, nello Yorkshire. Bradford si trova nel cuore della cara vecchia Inghilterra e all'epoca era una città industriale piuttosto malfamata; i genitori di David Hockney non erano tra i padroni dell'industria, ma piuttosto tra coloro che lavoravano per loro.

Alcuni spiegano la sua sorprendente ascesa sostenendo che David Hockney fosse nato artista (un'affermazione spesso fatta a proposito dei grandi artisti). Sarebbe bello, ma i talenti straordinari emergono all'improvviso solo attraverso colpi di fulmine (forse l'aspirante artista svanisce semplicemente in un mucchio di cenere), non attraverso la nascita – quindi no, Hockney non era nato artista. Né lo è stato; per fortuna, i mecenati altruisti erano rari anche a quei tempi.

Non è questo il punto, ma che qualcuno abbia l'opportunità di riconoscere i propri talenti e non sia impedito di svilupparli. Perché le persone nascono piene di curiosità e slancio creativo; tutti vogliono provare il più possibile fin da giovani e trovare gli ambiti che li interessano particolarmente.

Nelle società libere, dove ogni membro è stimato e rispettato, questo tipo di esplorazione sarebbe incoraggiato affinché le persone possano scegliere professioni che corrispondano ai propri interessi e talenti. Quando le persone possono coltivare i propri interessi e talenti, nessuno ha bisogno di essere costretto o costretto a intraprendere una professione specifica: questo approccio mira a garantire all'economia una crescita costante e solida e allo Stato cittadini soddisfatti.

Allora nessuno vorrebbe più fare il netturbino? Sì, con uno stipendio adeguato sì; sarebbe un lavoro splendido per persone giovani ed energiche che potrebbero guadagnarsi da vivere bene per qualche anno (e nel frattempo, potrebbero sfogare l'aggressività che attualmente costa ai contribuenti più soldi di quanti ne servano per pagare adeguatamente i netturbini).

Nella maggior parte delle società odierne, la curiosità viene soffocata fin da piccoli, e la creatività ancora di più: nei paesi occidentali industrializzati, al bambino medio non è nemmeno permesso esplorare da solo la strada per la scuola. Le scuole spesso favoriscono un clima che trasforma il desiderio di imparare in profonda avversione, o persino in paura e frustrazione, portando a bullismo e altre forme di abuso.

Le scuole e la formazione professionale non hanno altro scopo che produrre robot da lavoro perfetti. Questi robot vanno poi a riempire i posti di lavoro necessari in un'economia orientata alla massima crescita (ma dove esattamente?). Lavori necessari per far funzionare senza intoppi una macchina consumistica piena di prodotti usa e getta, non per soddisfare i bisogni umani.

Questi lavori a volte sono abbastanza redditizi da permettere di abbandonarsi a consumi infiniti (perché? per quale scopo?). Tuttavia, sempre più spesso l'apatia è aggravata dalla frustrazione di non riuscire a guadagnarsi da vivere dignitosamente con questi lavori, perché l'obiettivo condiviso, apparentemente auspicabile, di consentire l'acquisto del maggior numero possibile di beni di consumo con il proprio stipendio in realtà offre una vita spensierata solo a pochi eletti, e non soddisfa nessuno (il problema è che alcuni cittadini benestanti della classe media, che hanno dichiarato il consumo il loro scopo nella vita per mancanza di altre idee, si rendono conto solo troppo tardi che non è sufficiente).

Ma anche in queste società ci sono sempre bambini che coltivano la curiosità e la creatività con una certa tenacia, e genitori che accettano i loro figli così come sono e semplicemente li sostengono nel loro percorso dentro e attraverso questa strana vita.

Che fortuna per il mondo dell'arte che David Hockney fosse un bambino come lui e avesse genitori come lui: Hockney nacque curioso e creativo come tutti i bambini; i suoi genitori erano membri perfettamente normali della società moderna, solo un pochino diversi. Suo padre possedeva un piccolo studio contabile e sua madre, dopo vari lavori, fu inizialmente piuttosto impegnata a crescere i loro cinque figli.

Lo crebbe così bene che ben presto non ebbe più bisogno di lavorare... Maggiori informazioni sui genitori nella terza parte degli articoli su Hockney, ma in realtà il percorso di David Hockney per diventare un artista iniziò subito dopo la sua nascita, perché entrambi i suoi genitori non soffocarono la sua creatività e risvegliarono in lui il desiderio di arte e di una vita autodeterminata

Uno sguardo al mondo di David Hockney: una conversazione con la curatrice Edith Devaney nel suo studio di Los Angeles (inglese)

Il meglio, il meglio: la scuola, l'educazione artistica, i compagni di studio

Fin da giovanissimo, il giovane David ricevette un forte sostegno dalla sua famiglia. Questo sostegno fu sufficiente per ottenere una borsa di studio presso la Bradford Grammar School, che completò con successo in questo prestigioso istituto per studenti provenienti da famiglie benestanti. Successivamente, dal 1953 al 1957, Hockney frequentò la Scuola d'Arte del Bradford College e fu ammesso al Royal College of Art di Londra nell'autunno del 1959.

Già allora era uno degli indirizzi più prestigiosi al mondo per la formazione accademica in ambito artistico; l'istituto ha appena ottenuto per tre anni consecutivi il titolo di migliore università al mondo per arte e design nella prestigiosa classifica QS World University Rankings

Hockney completò i suoi studi artistici al Royal College of Art (RCA) nel 1962; durante questo periodo strinse amicizia con alcuni compagni di corso che sarebbero presto diventati decisivi per la sua vita: nello stesso periodo di Hockney, anche l'icona della Pop Art RB Kitaj i suoi studi al RCA.

L'americano, leggermente più anziano, aveva quasi 10 anni di formazione artistica (Cooper Union Institute di New York, Academy of Fine Arts di Vienna) e una notevole esperienza di vita e del mondo davanti a Hockney: sposato dal 1953 e appena diventato padre, aveva viaggiato in tutta Europa con la moglie Elsie Roessler e aveva ricoperto incarichi nell'esercito americano a Darmstadt e Fontainebleau.

Ciononostante, tra i due studenti eccezionali si sviluppò una profonda amicizia, così stretta che Ronald Brooks Kitaj è l'unica persona al mondo a cui fu concesso di dipingere David Hockney quasi nudo.

Derek Boshier, Peter Phillips e Allen Jones entrarono a far parte della RCA nel 1959. Durante il suo tedioso servizio militare, Boshier aveva studiato a fondo l'opera del filosofo e teorico della comunicazione canadese Herbert Marshall McLuhan, che, appena dieci anni dopo, sarebbe stato conosciuto come il "padre della teoria dei media .

Phillips proveniva da Birmingham e aveva fatto carriera nelle scuole d'arte della città fino al Royal College of Art. Prima di iscriversi, aveva maturato esperienze artistiche a Parigi e in Italia e, parallelamente agli studi, aveva potuto curare le sue prime mostre presso le RBA Galleries (uno spazio espositivo per studenti di talento, di cui parleremo più dettagliatamente più avanti).

Allen Jones aveva interrotto gli studi presso l'eccessivamente progressista Hornsey College of Art per trascorrere un anno a ricevere una formazione artistica consolidata presso l'istituto più prestigioso. Un anno dopo, Ridley Scott, , proveniente dal West Hartlepool College of Art (dove si era appena laureato con lode in graphic design e pittura) e Patrick Caulfield , della Chelsea School of Art, e improvvisamente si formò un gruppo piuttosto eccentrico e all'avanguardia, i cui membri si alimentavano a vicenda nella loro creatività.

RB Kitaj ha giocato con influenze europee e, ancor più, native americane; ispirato soprattutto da Robert Rauschenberg, la stella della scena artistica d'oltreoceano dell'epoca. Derek Boshier ha sviluppato commenti rigorosamente didattici e critici sulla corsa allo spazio, le onnipotenti multinazionali e l'americanizzazione della cultura inglese.

Allen Jones vuole abbattere la sessualità fossilizzata dell'Inghilterra degli anni Cinquanta, inizialmente utilizzando donne in pose pornografiche come "mobili" per svelare il loro tabù sessuale

Peter Phillips fu profondamente colpito dagli artisti americani Jasper Johns e Robert Rauschenberg , Ridley Scott si immerse in tutte queste influenze mentre conseguiva una seconda laurea con lode, Patrick Caulfield analizzò Juan Gris, Léger e René Magritte, e David Hockney assorbì tutte le influenze per combinarle in "qualcosa di suo".

Qui non c'è pop art

Gli studenti che si riunivano al Royal College of Art sapevano benissimo di essere approdati in una delle migliori scuole d'arte del mondo. Volevano contribuire a creare la nuova arte del loro tempo; volevano portare alla luce ciò che l'arte aveva da dire sullo sviluppo della società del dopoguerra. Le prime grandi ondate della Pop Art stavano già arrivando dall'America, e in Gran Bretagna, l'avanguardia del periodo tra le due guerre aveva da tempo concepito la versione inglese della Pop Art e creato le prime opere in questa direzione.

L'artista britannico Richard Hamilton aveva addirittura presentato una delle opere chiave della Pop Art nel 1956 con il collage "Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing?" ; inoltre, Hamilton insegnò al Royal College of Art dal 1957 al 1961, quindi fu uno dei docenti del RCA durante il periodo in cui vi lavorava Hockney.

Nella storia dell'arte, a Hamilton viene ampiamente attribuita la paternità del termine "Pop Art"; il suo collage "Just What…" fu presentato per la prima volta al pubblico alla mostra "This Is Tomorrow" nell'agosto del 1956 alla Whitechapel Art Gallery di Londra, un evento la nascita della Pop Art . Sembrava quasi impossibile evitare la Pop Art, soprattutto per gli studenti del college dove Hamilton insegnava.

Ma questo è ciò che gli storici dell'arte affermano a posteriori. Anche se David Hockney avesse visitato la mostra alla Whitechapel Gallery (era certamente interessato, ma all'epoca studiava a Bradford, e a quei tempi non si andava a Londra solo per una mostra), l'opera chiave successiva era solo un collage interessante per il giovane artista dell'epoca.

Hockney non avrebbe necessariamente incontrato o visto Hamilton al RCA: a quei tempi non era comune semplicemente assistere alle lezioni/esercitazioni di altre persone e si dice che Hockney fosse piuttosto timido e riservato in gioventù.

Al Royal College of Art, Hockney frequentò il corso di pittura di Carel Weight, un venerabile pittore britannico che fu nominato artista ufficiale di guerra britannico nel 1945. Weight aveva presentato principalmente "dipinti di guerra", tra cui scene provenienti da Austria, Grecia e Italia, spesso con un tono didattico: qui potete vedere 178 dipinti che David Hockney certamente non avrebbe voluto dipingere.

Hockney non sarebbe mai riuscito ad accedere al Royal College of Art se non fosse stato abbastanza saggio da evitare la ribellione nei posti sbagliati. Pertanto, è ragionevole supporre che abbia assorbito tutto ciò che Weight poteva insegnargli senza lasciare che l'arroganza giovanile gli impedisse di accedere a conoscenze cruciali.

E Weight aveva qualcosa da trasmettere che Hockney – data la sua critica alla pittura tradizionale e il suo orientamento sessuale, all'epoca ancora criminalizzato – avrebbe potuto più che utilizzare; vale a dire, il suo atteggiamento nei confronti del mondo dell'arte:

Carel Victor Morlais Weight nacque nella borghesia londinese, figlio di un impiegato di banca e di una podologo, e considerava la prova definitiva di un dipinto la sua attrattiva per il cittadino medio. Detestava profondamente il mondo dell'arte, i mercanti d'arte, e non aveva paura dei critici, nonostante il suo lavoro fortemente individualista (quando e dove gli fu data carta bianca, si veda, ad esempio, "Recruit's Progress – Medical Inspection" del 1942; cose del genere "non si dipingevano a quei tempi").

Hockney frequentò anche corsi con diversi altri pittori che trasmisero le loro conoscenze al Royal College of Art. Anche questi insegnanti lasciarono il segno nelle opere successive di Hockney

Il paesaggista Roger de Grey, ad esempio, è presente in viali alberati e foreste, così come nei dipinti dello Yorkshire di David Hockney.

Illustrazione di Roger de Grey: t1p.de/blpa

Viali, foreste e scorci dello Yorkshire di David Hockney: t1p.de/wwxb, t1p.de/bp84, t1p.de/01pi

Il pittore e musicista Ceri Giraldus Richards aveva esplorato a fondo il Surrealismo negli anni '30 ed era uno dei giovani artisti più sperimentali della Gran Bretagna di quel periodo. Di certo non era fuori dal giro nemmeno durante il periodo in cui Hockney frequentava il Royal College of Art.

Fu lui a piantare i semi dell'Impressionismo e del Surrealismo in Hockney e fu probabilmente colui che lo colpì profondamente con dipinti e disegni basati sulla letteratura poetica (nel caso di Richard, poesie di Dylan Thomas, Vernon Watkins e altri). Hockney presto riprese questa ispirazione nella sua serie di dipinti sul leggendario poeta lirico greco Costantino Kavafis.

Illustrazione di Ceri Giraldus Richards: t1p.de/p8xi

impressionisti, incursioni surrealiste e omaggi ai poeti a cura di David Hockney:

• “L’arrivo della primavera a Woldgate, East Yorkshire nel 2011”, disegno realizzato con iPad e stampato su carta, edizione 6 di 25
• “Moving Focus – Un’immagine di Gregory”, 1984
• “Enrico a tavola”, 1976
• “L’arrivo”, 1963, tavola 1 da: “A Rake’s Progress” , una serie di incisioni sul primo viaggio di Hockney a New York nell’estate del 1961, in cui fa riferimento al famoso ciclo omonimo dell’artista inglese William Hogarth
• “14 poesie di CP Kavafis. Selezionate e illustrate con 12 incisioni di David Hockney”, 1966

60 anni di Hockney – Una retrospettiva della sua mostra alla Tate Britain

Il pittore Colin Graham Frederick Hayes applicava colori a olio e acquerello sulla tela, ponendo l'accento soprattutto sul "colore". Il suo contributo è stato senza dubbio determinante nel fatto che i dipinti di David Hockney siano così ricchi di colore.

Illustrazione di Colin Hayes: t1p.de/3tb1

Un tripudio di colori di David Hockney: "A Closer Winter Tunnel, February – March", 2006, t1p.de/899o; "Nichols Canyon", 1980, t1p.de/u19d

Sandra Betty Blow, che non aveva ancora 35 anni all'epoca dell'immatricolazione di Hockney, aveva incontrato per la prima volta l'espressionismo astratto poco dopo la fine degli studi universitari. Negli anni precedenti all'insegnamento al Royal College of Art, Blow aveva collaborato con l'artista materico italiano Alberto Burri, che le aveva trasmesso un'influenza informale e una fondamentale apertura verso nuovi materiali, anche per la rappresentazione bidimensionale.

Blow aveva incontrato gli artisti Lucian Freud , John Minton e Francis Bacon (Bacon creò i "Tre studi di Lucian Freud" nel 1969 , che furono venduti all'asta per 142,4 milioni di dollari nel 2013 e rimasero il dipinto più costoso al mondo per un anno e mezzo) e si stava affermando come figura innovativa nell'arte astratta, incorporando forma astratta, luce, spazio, texture e ritmo .

Non ci vuole molta immaginazione per tracciare un parallelo tra l'arte di una donna capace di creare l'impressione di fiamme e spruzzi, legno e catrame nei dipinti a olio ( t1p.de/b2ev) e i dipinti di acqua in movimento di David Hockney.

Nel percorso di David Hockney verso l'evoluzione verso un artista con uno stile e un profilo propri, come descritto di seguito, le persone attente spesso sentiranno fischiare le orecchie più di quanto non avrebbero fatto se Sandra Blow si fosse lanciata direttamente... (l'autore non osa, la battuta è semplicemente troppo banale, ma il nome è già una "sfida associativa").

Illustrazione di Sandra Blow: t1p.de/ldr4

Schizzi acquatici e opere astratte di David Hockney: t1p.de/kazp, t1p.de/d4ip; “Almost Like Skiing”, 1991, t1p.de/utbc; “Third Detail (from Snails Space series)”, 1995, t1p.de/4oyf; “The Other Side”, 1990–1993, t1p.de/djec

Ciò che gli artisti-insegnanti Robert A. Buhler (t1p.de/cq12) e Rodney Joseph Burns (t1p.de/nk3m) hanno lasciato nell'opera di David Hockney dovrebbe essere lasciato alla scoperta del lettore, ma di certo non si trattava di Pop Art.

Quanto David Hockney abbia contribuito alla Pop Art si può comprendere meglio dalle interviste che gli ha rilasciato, ad esempio quella pubblicata su Die Zeit nell'ottobre del 2012 in occasione della mostra "A Bigger Picture" al Museum Ludwig di Colonia: ha spesso vissuto a stretto contatto con il centro della cultura pop, pensava che la pop art fosse fantastica, ha portato i capelli biondo platino per 30 o 40 anni (le bionde si divertono di più, e anche il detto "gli uomini sono più bravi a guardare che a pensare" calza a pennello); ma questo è tutto, difficilmente sentirete David Hockney dire di aver dipinto opere di Pop Art.

Il capolavoro di David Hockney batte il record d'asta: "Ritratto di un artista (piscina con due figure)"

Quando David Hockney viene stilisticamente classificato come Pop Art, contrariamente a quanto lui stesso afferma in modo molto chiaro, si tratta di un eccesso da parte del rispettivo critico.

È ammissibile una simile intrusione? Nella storia dell'arte, esistono due posizioni opposte da cui si può rispondere a questa domanda: l'artista crea l' opera d'arte, e lo storico dell'arte la valuta e la classifica in base al suo significato per la società, anche in uno stile particolarese ciò risulta chiaramente appropriato.

Oppure: L'artista crea opere d'arte, che egli stesso designa come tali, per la volontà di impegnarsi in un'attività artistica. Se ciò rientra nel diritto d'autore dell'artista , allora deve certamente includere anche la possibilità di attribuire o meno l'opera da lui creata a uno stile particolare.