Come fa un artista a diventare famoso?

Gran parte di ciò che oggi viene ammirato, persino idolatrato, come arte , all'epoca della sua creazione era visto sotto una luce ben meno spettacolare. Molte di queste opere erano semplicemente il risultato del lavoro quotidiano, eseguito con cura utilizzando materiali che oggi sono molto apprezzati

Oggi, questo percorso verso la creazione artistica può ancora essere percepito, o forse riscoperto, quando uno chef o un designer tessile, con un particolare amore per i dettagli, crea prodotti davvero speciali da un materiale speciale, che vengono poi spesso definiti opere d'arte. Molte delle opere d'arte che ammiriamo oggi hanno avuto origine da magnifici edifici eretti da famosi sovrani, creati allo scopo di autoglorificazione e/o per calcolo tattico per impressionare avversari o concorrenti.

In un contesto molto simile vennero prodotti molti pezzi speciali di gioielleria, mobili, torte e dipinti, tutti creati sostanzialmente da agenti vincolati da istruzioni nel perseguimento di idee simili, potremmo anche dire articoli promozionali.

A dire il vero, spesso erano le persone con soldi a sostenere l'arte. Forse questo offre anche un punto di partenza per una delle distinzioni utilizzate per differenziare l'arte dalla non-arte: opere create a spese di un sovrano e plasmate secondo le sue istruzioni, in contrapposizione a opere create esclusivamente per il gusto dell'arte.

Riflettendoci, diventa subito chiaro che una tale distinzione deve avere confini molto vaghi: l'arte può essere creata anche se commissionata, oppure è la commissione stessa a fornire l'opportunità di creare arte, oppure il committente è effettivamente l'artista.

Di solito si traccia un confine laddove viene compromessa la libertà artistica, ma anche questo è difficile; in tal caso, l'arte quasi conformista che può ancora emergere in un ambiente dittatoriale non sarebbe più arte.

In questi casi, però, diventa famoso chi ha commissionato l'opera, a volte solo lui (ad esempio, quando molti schiavi costruiscono un edificio imponente), a volte diventa famoso anche l'artista, se si tratta dell'opera significativa di un singolo esperto.

L'arte per l'arte

D'altro canto, fin dagli inizi del XIX secolo si è affermato un movimento che "l'arte per l'arte ", ovvero un'arte creata esclusivamente per l'arte stessa. Secondo questa teoria, le opere create dovrebbero essere autosufficienti e non servire ad alcuno scopo esterno.

La fama degli autori di opere realizzate in questo modo sembra essere soggetta a regole diverse rispetto a quelle che regolano le "opere su commissione". Sembra dipendere principalmente dalla capacità dell'artista di attirare sufficiente attenzione sulla propria arte.

Ai nostri giorni, due specie dominano prevalentemente la scena artistica internazionale

Gli artisti che raggiungono la notorietà all'interno di una consolidata rete accademica, che accoglie i suoi seguaci con ali ben imbottite e cerca di mettere a tacere tutte le menti dissenzienti e critiche negandone la competenza (questo rispecchia la comunità scientifica internazionale, dove anche i sostenitori dell'opinione prevalente hanno vita più facile). Un buon esempio di quanto possa essere facile una simile ascesa è la carriera di John Baldessari.

Poi ci sono gli artisti che credono che l'arte non si possa imparare all'università. Per raggiungere la fama, la loro ascesa dipende da altri gruppi sociali. Di solito non è facile; ne esistono numerosi esempi, tra cui spicca Jonathan Meese.

Un artista che riesce a diventare un beniamino dell'alta società può guadagnare moltissimo, ma spesso si trova a dover affrontare lo svantaggio di vedere le proprie opere esposte in ambienti di cattivo gusto o ridicolizzate dai media. Inoltre, deve spesso fare i conti con il fatto di non essere più preso sul serio dalle persone colte.

Questa fama, generata da un forte desiderio di pubblicità, presuppone però che l'artista voglia effettivamente che "la sua opera conquisti il ​​mondo".

Tuttavia, molti artisti non considerano la fama o i profitti elevati la loro motivazione principale per creare arte, ma piuttosto creano arte puramente per "l'arte per l'arte" : perché desiderano produrre qualcosa di particolarmente bello, o perché vogliono conoscere il mondo e condividere le proprie conoscenze, o perché desiderano padroneggiare un materiale raro, o per qualche altra spinta interiore.

Sebbene questi artisti possano essere felici di vedere le loro opere conquistare il mondo, mostrano poca voglia di presentarsi al pubblico nel modo e con l'intensità chiaramente udibile che di solito è richiesta.

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Come si può vivere d'arte? Chi ne determina il valore e come funziona l'industria artistica? Per scoprirlo, Ariane si cimenta in prima persona nel ruolo di artista, incontra due giovani artisti, li accompagna alle inaugurazioni di mostre e alle fiere d'arte e parla con galleristi ed esperti d'arte.

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Arte su Instagram: espressione di sé o vera e propria arte? | Y-Collective

Lars Eidinger, Alexander Höller, Johanna Dumet, Joséphine Sagna: grazie a Instagram, molti artisti stanno vivendo una nuova ondata di popolarità per le loro opere. L'arte è ormai integrata nelle scarpe Nike, sulle copertine dei dischi e appesa nelle cucine condivise. Tutto grazie ai social media. In teoria, gli artisti di oggi non hanno più bisogno delle gallerie per avere successo: hanno Instagram.

In questo reportage, i giornalisti Anne Thiele e Johannes Musial seguono Alexander Höller. Il ventiquattrenne ha attirato la loro attenzione su Instagram con il suo corpo completamente tatuato, le immagini vivaci e l'enorme seguito. Celebrità come Dieter Bohlen, Arnold Schwarzenegger e Barbara Meier acquistano le sue opere. Prezzi: 20.000 euro e oltre. Ma quanta arte si cela davvero dietro a tutto questo, o artisti come Alexander sono interessati solo al denaro e alla fama?

I giornalisti cercano risposte anche all'inaugurazione di una mostra di Lars Eidinger. L'attore espone le sue opere fotografiche. Molti visitatori sono presenti perché lo seguono su Instagram. Lì, come altrove, Eidinger ama essere al centro dell'attenzione. È questo l'unico modo per avere successo al giorno d'oggi?

Il gallerista Nils Müller, l'ideatore della mostra, lo sa fin troppo bene. Ex artista di graffiti, ora è il proprietario della rinomata galleria Ruttkowski;68. Conosce anche il lato oscuro del mercato dell'arte: l'hype, il commercialismo e gli speculatori che spingono i prezzi delle opere a livelli estremi. E così facendo guadagnano milioni.

Il mercato dell'arte si sta aprendo ai giovani? E chi può permettersi l'arte?

Vendere arte online

Per questi artisti, si apre ora un'opportunità di presentazione senza precedenti: la presentazione della loro arte alla comunità globale online. Internet offre le prime piattaforme in cui le opere possono essere presentate indipendentemente dall'identità dell'artista. Online, gli amanti dell'arte hanno accesso illimitato, a prescindere dai confini nazionali, dal livello di reddito o da preconcetti di gusto.

Gli artisti che pubblicano le loro opere hanno accesso senza discriminazioni e, a seconda della piattaforma scelta, a costi molto bassi (non paragonabili a quelli di una galleria che trattiene per sé fino alla metà dei ricavi).

Per la prima volta, gli artisti possono far conoscere la propria arte a un pubblico non vincolato da alcuna ideologia, senza le complicazioni della pubblicità, offrendo le proprie opere online, ad esempio nella galleria virtuale di Kunstplaza.de.