Il percorso artistico di David Hockney: molto più di un semplice talento

David Hockney è uno degli artisti più famosi al mondo. È tra i primi 100 artisti nella classifica "Best of the World " fin dal lancio di questa classifica (generata al computer) nel 2001.

Tuttavia, poiché Hockney nacque nel 1937 e divenne famoso nel mondo dell'arte anglosassone negli anni '60, anche il tedesco medio istruito e anziano conosceva Hockney come un "artista famoso" da parecchio tempo.

La domanda è: quanto conoscono David Hockney i tedeschi medi (indipendentemente dall'età)? Spesso solo attraverso bei poster colorati, un po' kitsch – e nel solito breve articolo in occasione dell'inaugurazione di una mostra, l'opera di Hockney viene spesso ridotta a una gradevole Pop Art .

Ma non basta; c'è molto di più. Un'arte accattivante che attrae le masse in tutto il mondo potrebbe portare a un riconoscimento a breve termine, ma non ti renderà un artista acclamato a livello internazionale. Questi artisti di fama mondiale sono amati e ammirati perché offrono al mondo molto più di una semplice opera d'arte, ognuno a modo suo.

Per comprendere veramente un artista, bisogna scavare più a fondo, per cogliere quel qualcosa in più. Osservare semplicemente la sua arte non basta; richiede molteplici prospettive sulla persona e sulla sua personalità, idealmente arrivando fino al cuore dell'artista. Qualcosa che raramente mostrano..

Quindi è necessario un lavoro investigativo, una storia avvincente che possa produrre un'ampia varietà di risultati e interpretazioni.

Riprendiamo il filo del discorso, partendo proprio dall'evoluzione artistica di David Hockney, dietro la quale si cela un insolito grado di assertività, perseveranza e capacità di pensiero indipendente tra le diverse persone coinvolte:

Nato per essere un artista?

David Hockney nacque il 9 luglio 1937 a Bradford, nello Yorkshire. Bradford si trova nel cuore della cara vecchia Inghilterra e all'epoca era una città industriale piuttosto malfamata; i genitori di David Hockney non erano tra i padroni dell'industria, ma piuttosto tra coloro che lavoravano per loro.

Alcuni spiegano la sua sorprendente ascesa sostenendo che David Hockney fosse nato artista (un'affermazione spesso fatta a proposito dei grandi artisti). Sarebbe bello, ma i talenti straordinari emergono all'improvviso solo attraverso colpi di fulmine (forse l'aspirante artista svanisce semplicemente in un mucchio di cenere), non attraverso la nascita – quindi no, Hockney non era nato artista. Né lo è stato; per fortuna, i mecenati altruisti erano rari anche a quei tempi.

Non è questo il punto, ma che qualcuno abbia l'opportunità di riconoscere i propri talenti e non sia impedito di svilupparli. Perché le persone nascono piene di curiosità e slancio creativo; tutti vogliono provare il più possibile fin da giovani e trovare gli ambiti che li interessano particolarmente.

Nelle società libere, dove ogni membro è stimato e rispettato, questo tipo di esplorazione sarebbe incoraggiato affinché le persone possano scegliere professioni che corrispondano ai propri interessi e talenti. Quando le persone possono coltivare i propri interessi e talenti, nessuno ha bisogno di essere costretto o costretto a intraprendere una professione specifica: questo approccio mira a garantire all'economia una crescita costante e solida e allo Stato cittadini soddisfatti.

Allora nessuno vorrebbe più fare il netturbino? Sì, con uno stipendio adeguato sì; sarebbe un lavoro splendido per persone giovani ed energiche che potrebbero guadagnarsi da vivere bene per qualche anno (e nel frattempo, potrebbero sfogare l'aggressività che attualmente costa ai contribuenti più soldi di quanti ne servano per pagare adeguatamente i netturbini).

Nella maggior parte delle società odierne, la curiosità viene soffocata fin da piccoli, e la creatività ancora di più: nei paesi occidentali industrializzati, al bambino medio non è nemmeno permesso esplorare da solo la strada per la scuola. Le scuole spesso favoriscono un clima che trasforma il desiderio di imparare in profonda avversione, o persino in paura e frustrazione, portando a bullismo e altre forme di abuso.

Le scuole e la formazione professionale non dovrebbero fare altro che produrre robot perfetti. Questi robot andranno poi a ricoprire i posti di lavoro attualmente necessari in un'economia orientata alla massima crescita (ma dove esattamente?). Posti di lavoro necessari per far funzionare senza problemi una macchina di consumo piena di prodotti usa e getta, non per soddisfare i bisogni umani.

Questi lavori a volte sono abbastanza redditizi da permettere di abbandonarsi a consumi infiniti (perché? per quale scopo?). Tuttavia, sempre più spesso l'apatia è aggravata dalla frustrazione di non riuscire a guadagnarsi da vivere dignitosamente con questi lavori, perché l'obiettivo condiviso, apparentemente auspicabile, di consentire l'acquisto del maggior numero possibile di beni di consumo con il proprio stipendio in realtà offre una vita spensierata solo a pochi eletti, e non soddisfa nessuno (il problema è che alcuni cittadini benestanti della classe media, che hanno dichiarato il consumo il loro scopo nella vita per mancanza di altre idee, si rendono conto solo troppo tardi che non è sufficiente).

Ma anche in queste società ci sono sempre bambini che coltivano la curiosità e la creatività con una certa tenacia, e genitori che accettano i loro figli così come sono e semplicemente li sostengono nel loro percorso dentro e attraverso questa strana vita.

Che fortuna per il mondo dell'arte che David Hockney fosse un bambino come lui e avesse genitori come lui: Hockney nacque curioso e creativo come tutti i bambini; i suoi genitori erano membri perfettamente normali della società moderna, solo un pochino diversi. Suo padre possedeva un piccolo studio contabile e sua madre, dopo vari lavori, fu inizialmente piuttosto impegnata a crescere i loro cinque figli.

Fece un lavoro così buono nell'educarlo che presto non dovette più lavorare affatto... Maggiori informazioni sui genitori saranno disponibili nella terza parte degli articoli su Hockney, ma in realtà il percorso di David Hockney per diventare un artista iniziò subito dopo la sua nascita, perché entrambi i suoi genitori non soffocarono la sua creatività e risvegliarono in lui arte e di una vita autodeterminata

Uno sguardo al mondo di David Hockney: una conversazione con la curatrice Edith Devaney nel suo studio di Los Angeles (inglese)

Il meglio, il meglio: la scuola, l'educazione artistica, i compagni di studio

Fin da giovanissimo, David ricevette un forte sostegno dalla sua famiglia. Questo sostegno fu sufficiente per ottenere una borsa di studio alla Bradford Grammar School, che completò con successo presso questa prestigiosa istituzione per le classi superiori. In seguito, dal 1953 al 1957, Hockney frequentò la School of Art del Bradford College e fu ammesso al Royal College of Art di Londra nell'autunno del 1959.

Già allora era uno degli indirizzi più importanti al mondo per l'insegnamento accademico dell'arte; il college ha appena ottenuto per il terzo anno consecutivo il titolo di migliore università al mondo per l'arte e il design classifica QS World University Rankings

Hockney completò i suoi studi artistici al RCA nel 1962; in questo periodo strinse amicizia con altri studenti che sarebbero presto diventati decisivi per la sua vita: contemporaneamente a Hockney, anche la futura icona della Pop Art RB Kitaj i suoi studi al RCA.

L'americano, leggermente più anziano, aveva quasi 10 anni di formazione artistica (Cooper Union Institute di New York, Academy of Fine Arts di Vienna) e una notevole esperienza di vita e del mondo davanti a Hockney: sposato dal 1953 e appena diventato padre, aveva viaggiato in tutta Europa con la moglie Elsie Roessler e aveva ricoperto incarichi nell'esercito americano a Darmstadt e Fontainebleau.

Ciononostante, tra i due studenti eccezionali si sviluppò una profonda amicizia, così stretta che Ronald Brooks Kitaj è l'unica persona al mondo a cui fu concesso di dipingere David Hockney quasi nudo.

Derek Boshier , Peter Phillips e Allen Jones si unirono alla RCA nel 1959. Durante il suo tedioso servizio militare, Boshier aveva studiato a fondo l'opera del filosofo e teorico della comunicazione canadese Herbert Marshall McLuhan, che, appena 10 anni dopo, sarebbe stato conosciuto come il "padre della teoria dei media .

Phillips proveniva da Birmingham e aveva frequentato le scuole d'arte della città fino al Royal College of Art. Prima di iscriversi, aveva maturato esperienze artistiche a Parigi e in Italia e, durante gli studi, aveva avuto modo di curare le sue prime mostre presso le RBA Galleries (uno spazio espositivo per studenti di talento, di cui parleremo più dettagliatamente più avanti).

Allen Jones aveva interrotto gli studi presso l'estremamente progressista Hornsey College of Art per seguire un anno di formazione artistica presso l'istituto più prestigioso. Un anno dopo, il futuro regista di Alien, Ridley Scott, del West Hartlepool College of Art (dove si era appena laureato con lode in grafica e pittura) e Patrick Caulfield della Chelsea School of Art, si unirono a lui, dando vita a una cricca d'avanguardia piuttosto sfrenata, alimentata a vicenda:

RB Kitaj ha giocato con influenze europee e, ancor più, native americane; ispirato soprattutto da Robert Rauschenberg, la stella della scena artistica d'oltreoceano dell'epoca. Derek Boshier ha sviluppato commenti rigorosamente didattici e critici sulla corsa allo spazio, le onnipotenti multinazionali e l'americanizzazione della cultura inglese.

Allen Jones vuole abbattere la sessualità fossilizzata degli anni Cinquanta inglesi, utilizzando inizialmente donne in pose pornografiche come "mobili" per esporre tabù sessuali

Peter Phillips rimase profondamente colpito dagli artisti americani Jasper Johns e Robert Rauschenberg , Ridley Scott si immerse in tutte queste influenze durante il suo percorso verso un secondo diploma con lode, Patrick Caulfield analizzò Juan Gris, Legér e René Magritte , e David Hockney assorbì tutte le influenze per combinarle in "una cosa sua".

Qui non c'è pop art

Gli studenti che si riunivano al Royal College of Art sapevano benissimo di essere approdati in una delle migliori scuole d'arte del mondo. Volevano contribuire a creare la nuova arte del loro tempo; volevano portare alla luce ciò che l'arte aveva da dire sullo sviluppo della società del dopoguerra. Le prime grandi ondate della Pop Art stavano già arrivando dall'America, e in Gran Bretagna, l'avanguardia del periodo tra le due guerre aveva da tempo concepito la versione inglese della Pop Art e creato le prime opere in questa direzione.

Il britannico Richard Hamilton aveva addirittura presentato nel 1956 una delle opere chiave della Pop Art, il collage "Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing?" ; Hamilton insegnò al Royal College of Art dal 1957 al 1961, quindi fu uno degli insegnanti del RCA durante il periodo di Hockney.

Hamilton è ampiamente riconosciuto nella storia dell'arte per aver coniato il termine "Pop Art"; il suo collage "Just What..." fu presentato per la prima volta al pubblico alla mostra "This Is Tomorrow" nell'agosto del 1956 alla Whitechapel Art Gallery di Londra, un evento la nascita della Pop Art . Sembrava quasi impossibile evitare la Pop Art, soprattutto per gli studenti del college in cui Hamilton insegnava.

Ma questo è ciò che gli storici dell'arte affermano a posteriori. Anche se David Hockney avesse visitato la mostra alla Whitechapel Gallery (era certamente interessato, ma all'epoca studiava a Bradford, e a quei tempi non si andava a Londra solo per una mostra), l'opera chiave successiva era solo un collage interessante per il giovane artista dell'epoca.

Hockney non avrebbe necessariamente incontrato o visto Hamilton al RCA: a quei tempi non era comune semplicemente assistere alle lezioni/esercitazioni di altre persone e si dice che Hockney fosse piuttosto timido e riservato in gioventù.

Al RCA, Hockney frequentò il corso di pittura di Carel Weight , un venerabile pittore britannico che nel 1945 fu nominato artista di guerra ufficiale del Regno Unito. Weight aveva presentato principalmente "dipinti di guerra", tra cui scene di Austria, Grecia e Italia, spesso con un tono didattico: qui potete vedere 178 dipinti che David Hockney certamente non voleva dipingere.

Hockney non sarebbe mai riuscito ad accedere al Royal College of Art se non fosse stato abbastanza saggio da evitare la ribellione nei posti sbagliati. Pertanto, è ragionevole supporre che abbia assorbito tutto ciò che Weight poteva insegnargli senza lasciare che l'arroganza giovanile gli impedisse di accedere a conoscenze cruciali.

E Weight aveva qualcosa da trasmettere che Hockney – data la sua critica alla pittura tradizionale e il suo orientamento sessuale, all'epoca ancora criminalizzato – avrebbe potuto più che utilizzare; vale a dire, il suo atteggiamento nei confronti del mondo dell'arte:

Carel Victor Morlais Weight nacque nella borghesia londinese, figlio di un impiegato di banca e di una podologo, e considerava la prova definitiva di un dipinto la sua attrattiva per il cittadino medio. Detestava profondamente il mondo dell'arte, i mercanti d'arte, e non aveva paura dei critici, nonostante il suo lavoro fortemente individualista (quando e dove gli fu data carta bianca, si veda, ad esempio, "Recruit's Progress – Medical Inspection" del 1942; cose del genere "non si dipingevano a quei tempi").

Hockney frequentò anche corsi con diversi altri pittori che trasmisero le loro conoscenze al Royal College of Art. Anche questi insegnanti lasciarono il segno nelle opere successive di Hockney

Il paesaggista Roger de Grey, ad esempio, è presente nei viali alberati e nelle foreste, nonché nei dipinti dello Yorkshire di David Hockney.

Illustrazione di Roger de Grey: t1p.de/blpa

Viali, foreste e scene dello Yorkshire di David Hockney: t1p.de/wwxb , t1p.de/bp84 , t1p.de/01pi

Il pittore e musicista Ceri Giraldus Richards il Surrealismo negli anni '30 ed era uno dei giovani artisti più sperimentali della Gran Bretagna dell'epoca. Anche durante il periodo di Hockney alla RCA, non era certo fuori moda.

Fu lui a piantare i semi dell'Impressionismo e del Surrealismo in Hockney e fu probabilmente colui che lo colpì profondamente con dipinti e disegni basati sulla letteratura poetica (nel caso di Richard, poesie di Dylan Thomas, Vernon Watkins e altri). Hockney presto riprese questa ispirazione nella sua serie di dipinti sul leggendario poeta lirico greco Costantino Kavafis.

Illustrazione di Ceri Giraldus Richards: t1p.de/p8xi

impressionisti , escursioni surrealiste e omaggi ai poeti di David Hockney:

• “L’arrivo della primavera a Woldgate, East Yorkshire nel 2011” , disegno per iPad stampato su carta, edizione 6 di 25
• “Moving Focus – Un’immagine di Gregory”, 1984
• “Enrico a tavola”, 1976
• “The Arrival” , 1963, tavola 1 da: “A Rake’s Progress” , una serie di incisioni sul primo viaggio di Hockney a New York nell’estate del 1961, in cui fa riferimento al celebre ciclo omonimo dell’artista inglese William Hogarth
• “14 poesie di CP Kavafis. Selezionate e illustrate con 12 incisioni di David Hockney”, 1966

60 anni di Hockney – Una retrospettiva della sua mostra alla Tate Britain

Il pittore Colin Graham Frederick Hayes ha applicato sulla tela colori a olio e acquerelli, ponendo l'accento sul "colore". Ha certamente contribuito a rendere i dipinti di David Hockney così pieni di colore.

Illustrazione di Colin Hayes: t1p.de/3tb1

Un tripudio di colori di David Hockney: “A Closer Winter Tunnel, February – March” , 2006, t1p.de/899o ; “Nichols Canyon” , 1980, t1p.de/u19d

Sandra Betty Blow , che non aveva ancora compiuto 35 anni al momento dell'immatricolazione di Hockney, aveva incontrato per la prima volta l'espressionismo astratto poco dopo gli anni del college. Negli anni precedenti all'insegnamento al RCA, Blow aveva collaborato con l'"artista materico" italiano Alberto Burri, che le instillò un'influenza informale e una fondamentale apertura verso nuovi materiali, anche per la rappresentazione bidimensionale.

incontrato gli artisti Lucian Freud "Tre studi di Lucian Freud" , che furono venduti all'asta per 142,4 milioni di dollari nel 2013 e rimasero il dipinto più costoso del mondo per un anno e mezzo) ed era nel bel mezzo del suo sviluppo come figura rivoluzionaria nell'arte astratta, .

Non ci vuole molta immaginazione per tracciare un parallelo tra l'arte di una donna che riusciva a creare l'impressione di fiamme e spruzzi, legno e catrame nei dipinti a olio ( t1p.de/b2ev) e i dipinti ad acqua in movimento di David Hockney.

Nel percorso di David Hockney verso l'evoluzione verso un artista con uno stile e un profilo propri, come descritto di seguito, le persone attente spesso sentiranno fischiare le orecchie più di quanto non avrebbero fatto se Sandra Blow si fosse lanciata direttamente... (l'autore non osa, la battuta è semplicemente troppo banale, ma il nome è già una "sfida associativa").

Illustrazione di Sandra Blow: t1p.de/ldr4

Schizzi d'acqua e arte astratta di David Hockney: t1p.de/kazp , t1p.de/d4ip ; "Quasi come sciare" , 1991, t1p.de/utbc ; "Terzo dettaglio (dalla serie Snails Space)" , 1995, t1p.de/4oyf ; "L'altro lato" , 1990–1993, t1p.de/djec

Ciò che gli artisti insegnanti Robert A. Buhler ( t1p.de/cq12 ) e Rodney Joseph Burns ( t1p.de/nk3m ) hanno lasciato nell'opera di David Hockney dovrebbe essere lasciato alla scoperta del lettore, ma di certo non si trattava di Pop Art.

Quanto David Hockney abbia avuto a che fare con la Pop Art lo si può capire meglio dalle interviste con lui, ad esempio quella apparsa su Die Zeit nell'ottobre 2012 in occasione della mostra "A Bigger Picture" al Museum Ludwig di Colonia: ha vissuto spesso molto vicino al centro della cultura pop, pensava che il pop fosse fantastico, ha portato i capelli biondo-bianchi per 30 o 40 anni (le bionde si divertono di più e "gli uomini sono più bravi a guardare che a pensare" rientra anche in questo caso); ma questo è tutto, difficilmente sentirete David Hockney dire di aver dipinto la Pop Art.

Il capolavoro di David Hockney batte il record d'asta: "Ritratto di un artista (piscina con due figure)"

Quando lo stile di David Hockney viene classificato come Pop Art, contrariamente a quanto lui stesso afferma in modo molto chiaro, si tratta di un eccesso da parte del critico in questione.

È ammissibile una simile incursione? Nella storia dell'arte, ci sono due posizioni opposte da cui si può rispondere a questa domanda: l'artista crea l'arte e lo storico dell'arte la valuta e la classifica in base al suo significato per la società, anche all'interno di uno stile particolare , se chiaramente pertinente.

Oppure: l'artista crea opere d'arte, che trasforma in arte etichettandole come tali, attraverso la volontà di impegnarsi in un'attività artistica. Se questo fa parte del diritto d'autore dell'artista , allora deve a maggior ragione includere la possibilità di attribuire o meno l'opera autocreata a uno stile particolare.