Andy Warhol – Biografia, vita e opere

Andy Warhol nacque il 6 agosto 1928.

Bisogna impararlo a memoria? Non ci sono molti punti di riferimento per il 6 agosto 1928; probabilmente quel giorno non accadde nulla di entusiasmante nel mondo.

Ma l'anno 1928 potrebbe rimanere più impresso nella vostra mente se leggeste chi altro è nato quell'anno:

• L'attrice Jeanne Moreau
• La leggenda del rock 'n' roll Fats Domino
• Il pianista jazz Paul Kuhn
• Compositore e cantante Serge Gainsbourg
• Leader rivoluzionario Che Guevara
• artista Friedensreich Hundertwasser

Se da qualche parte leggete altre date di nascita di Andy Warhol, non sorprendetevi e non sospettate che siamo stati poco attenti nella ricerca: ad Andy Warhol piaceva giocare un po' con la sua data di nascita e, come molte dive invecchiate, a volte si faceva sembrare due o cinque anni più giovane.

Il vero nome di Andy Warhol

In origine, Andy si Andrej (Andrijko) e il cognome di famiglia era Varhola. I suoi genitori avevano già americanizzato il cognome in Warhola , e il piccolo Andrej divenne presto Andrew nel suo nuovo ambiente, con Andy come forma abbreviata.

Andy Warhol, con la perdita della "a", nacque "ufficialmente" quando una rivista pubblicò i suoi disegni all'inizio del 1950, che lui firmò "Andy Warhol" e mantenne.

Il soprannome di Andy Warhol

dai suoi amici "Drella" , un nome che univa "Dracula" e "Cenerentola". Non è chiaro se questo nome sia stato coniato da Andy Warhol stesso o da una delle sue "superstar" (Robert Xavier Francis Peter Michael Olivo, soprannominato Ondine).

I seguaci di Warhol, i Factory popolavano "Mole People" , lo adottarono senza dubbio in fretta.

Le tappe fondamentali della vita in sintesi

• Nascita nel 1928
• 1945 Studia graphic design al Carnegie Institute of Technology di Pittsburgh
• 1949 Completamento degli studi
• 1950 Prime pubblicazioni di alcuni disegni; nel frattempo, lavora, ad esempio, come grafico pubblicitario
• 1952 Prima mostra personale (Quindici disegni basati sugli scritti di Truman Capote)
• 1956 Grande mostra al Museum of Modern Art di New York, ma come artista grafico
• 1962 Prima mostra come artista Pop Art a Los Angeles e fondazione della "Factory"
• 1964 Mostra “The American Supermarket” presso l’Upper East Side Gallery di New York
• 1968 Tentativo di assassinio di Warhol con ferite mortali
• 1971 Prima della sua prima opera teatrale "Pork"
• 1972 Morte della madre, che aveva amato sopra ogni cosa
• Warhol muore a New York il 22 febbraio 1987, in seguito a un intervento chirurgico alla cistifellea

Luogo di nascita di Andy Warhol

Andy Warhol nacque a Pittsburgh , città situata nello stato della Pennsylvania, negli Stati Uniti. La Pennsylvania prende il nome dal suo fondatore, William Penn; Silva significa foresta, quindi in tedesco significa "Bosco di Penn".

Questo stato orientale degli Stati Uniti è uno dei tredici stati originari e si trova a sud di New York. Pittsburgh è la seconda città più grande della Pennsylvania dopo Filadelfia e, al momento della sua nascita, un importante centro dell'industria siderurgica statunitense.

I genitori e l'infanzia di Andy Warhol

I genitori di Andy Warhol, Ondrej e Julia Justyna Varhola, erano immigrati in America qualche anno prima da un villaggio nei Carpazi, oggi in Slovacchia. Andy era il quarto figlio di una famiglia allora piuttosto povera; trascorse i primi sei anni della sua vita nel quartiere povero di Soho.

Durante l'infanzia, ha lottato contro diverse malattie, tra cui un disturbo della pigmentazioneche lo faceva apparire come un albino. Sebbene ciò gli rendesse difficile stringere amicizie con i suoi coetanei, ha alimentato il suo talento artistico. I numerosi ricoveri ospedalieri lo hanno portato a sviluppare un profondo interesse per varie forme d'arte.

All'età di otto anni, Warhol si ammalò gravemente di corea di Sydenham, una malattia che lo costrinse a letto. Il suo prolungato riposo a letto probabilmente pose le basi del suo successivo successo artistico; per molto tempo, il giovane Andy non poté fare altro che leggere fumetti, disegnare o ritagliare figure di carta.

Formazione professionale

Andy Warhol si formò come artista commerciale presso il Carnegie Institute of Technology di Pittsburgh dal 1945 al 1949, laureandosi in pittura e design all'età di 21 anni. Da allora, il giovane visionario fu inarrestabile.

Attività professionale

Nel 1950, Andy Warhol si trasferì a New York con il suo compagno di studi Philip Pearlstein, al centro di quello che allora era il fiorente fenomeno della pubblicità di massa. Per circa un decennio, visse di lavori saltuari, grafica pubblicitaria, vetrinistica e vendita ambulante di frutta e verdura.

La pubblicità era la principale fonte di guadagno, ma la produzione richiedeva anche molto tempo, quindi Warhol ideò una sorta di "produzione di massa" : disegnava i suoi modelli con inchiostro o inchiostro di china, li copiava su carta assorbente e li trasferiva su un nuovo foglio. In questo modo otteneva modelli grafici per riviste, biglietti d'auguri, gadget promozionali e libri di cucina con illustrazioni umoristiche, che poi "feste di colorazione". faceva colorare ai suoi amici

Questa "gocciolamento" fu l'inizio del successivo metodo di produzione in serie di Warhol, simile a quello di una fabbrica, in cui i suoi dipendenti completavano opere e film.

Nonostante avesse poco tempo da dedicare all'arte, Andy Warhol riuscì comunque a realizzare le sue prime serigrafie. Usava l'inchiostro per disegnare vari motivi come angeli, farfalle e gatti. Copiava questi disegni su un nuovo foglio di carta usando della carta assorbente e li pubblicava su diversi giornali e riviste. Sebbene la tecnica non fosse nuova, Warhol la rese popolare e ne fece il suo marchio di fabbrica.

La formazione artistica di Andy Warhol

Andy Warhol non ricevette mai una formazione artistica formale; sviluppò la sua pratica artistica partendo dalla sua vita professionale. Grazie alla sua tecnica di riproduzione, Warhol fu tra i grafici più pagati di Manhattan intorno al 1960. New York non era solo il centro della pubblicità, ma anche la roccaforte dell'arte contemporanea, e lui voleva essere tra questi artisti celebrati.

Come grafico, aveva già esposto le sue opere; ora, come pittore, voleva attirare l'attenzione con i suoi dipinti su tela. Inizialmente, scelse per le sue opere motivi familiari tratti dal mondo della pubblicità, fumetti e cartoni animati, e star di Hollywood, ma si rese presto conto che colleghi affermati come Robert Rauschenberg e Roy Lichtenstein avevano già presentato al pubblico soggetti molto simili.

Così Warhol cambiò direzione, andando oltre la del "gocciolamento" con le tecniche di serigrafia e raccolse altri motivi familiari, pubblicità e fotografie, da riviste, volantini e programmi cinematografici per trasformarli in opere d'arte.

Ancora una volta, Warhol creò subito modelli di serigrafia dei nuovi motivi come prodotti di massa, dai quali poi pubblicò serie con colori modificati, elevando proprio questa produzione di massa al suo credo artistico:

"Amo fare la stessa cosa più e più volte" = "Amo fare la stessa cosa più e più volte"

è una dichiarazione di Warhol molto citata,

“30 sono meglio di uno” = “30 sono meglio di uno”

è un titolo tipico di quest'epoca, utilizzato per una cartolina con l' immagine della Gioconda, riprodotta 30 volte su tela.

Nel 1952, aveva accumulato un numero sufficiente di opere per far conoscere la sua arte a un pubblico più ampio. Con l'aiuto di Alexander Iolas, direttore greco della Galleria Hugo, organizzò la sua prima mostra. Solo pochi anni dopo, nel 1956, Warhol riuscì persino a far entrare le sue opere uniche nel Museum of Modern Art di New York.

La svolta artistica di Andy Warhol

Questa "produzione di massa" di opere d'arte si rivelò un successo; i primi lavori consistevano in 32 immagini quasi identiche di lattine di zuppa (32 perché la zuppa era venduta in 32 gusti diversi). Warhol utilizzò queste "Campbell's Soup" per la sua prima mostra personale come artista, nel 1962 alla Ferus Gallery di Los Angeles.

La maggior parte dei visitatori della mostra guardava le lattine con assoluta incomprensione; nessuno le voleva, nemmeno le star di Hollywood che il socio di Ferus, Blum Warhol, aveva promesso come visitatori; in realtà, solo i critici d'arte discutevano intensamente delle zuppe.

Solo cinque trendsetter erano interessati all'opera, tra cui l'attore Dennis Hopper e l'erede di Max Factor, Donald Factor; pagarono ciascuno la cifra richiesta di 100 dollari per la loro foto della sfilata di lattine di zuppa. Se avessero conservato i loro dipinti, sarebbe stato un buon investimento: il Museum of Modern Art di New York pagò 15 milioni di dollari per tutte e 32 le immagini nel 1996.

Nessuno degli acquirenti conservò il proprio quadro all'epoca; furono persuasi a ricomprarlo dal lungimirante socio della Ferus, Irving Blum , e Warhol fu convinto a vendere a Blum l'intera serie di 32 quadri per 1.000 dollari (pagabili in 10 rate).

Quando Blum vendette le zuppe al MoMA per la suddetta cifra di 15 milioni, ciò fu già considerato in parte una donazione, tanto era aumentato il valore...

Arte famosa e ricercata di Andy Warhol

Alle lattine di zuppa seguì Marilyn Monroe, utilizzando come modello un fotogramma del film Niagara (1953), sul quale Warhol avrebbe poi lavorato in numerose varianti cromatiche per un periodo di tempo più lungo.

Il modello serigrafico "Il dittico di Marilyn", completato nelle settimane successive alla morte di Marilyn Monroe (agosto 1962, un giorno dopo la chiusura della Ferus Gallery di Los Angeles), con 50 varianti della statua.

Nel corso degli anni, la sua arte divenne sempre più bizzarra, sebbene lui sostenesse che fosse frutto del suo lavoro autonomo, dato che tutto il materiale di partenza era già disponibile. A partire dal 1962, lanciò la sua "Morte e Disastro", in cui presentava foto di stampa di incidenti scioccanti, distorte attraverso sottili ritocchi. Il suo obiettivo era esplorare la manipolabilità tecnica della percezione della realtà attraverso l'arte.

Nel 2004, il quotidiano inglese “Guardian” ha condotto un sondaggio tra 500 artisti, critici ed esperti d’arte, da cui questo dipinto è emerso come la terza opera d’arte contemporanea più influente al mondo.

Seguirono molte altre Marilyn, come le "Dieci Marilyn" del 1967; "James Dean, "Elvise" e "Liz Taylor" erano disponibili in innumerevoli varianti. In seguito arrivarono molte opere sperimentali come film, happening e produzioni musicali; nel suo periodo di maggior successo commerciale, Andy Warhol arrivò persino a creare un ritratto per chiunque pagasse 25.000 dollari.

Una selezione delle sue opere su Pinterest

Andy Warhol come regista

Nel 1962, creò qualcosa di unico: la "Factory" a New York. Si trattava di capannoni industriali trasformati in studi dove lui e altri artisti potevano dare libero sfogo alla loro energia creativa. La "Factory" divenne un luogo di creazione e di vita per diversi artisti e intellettuali.

Celebrità come Jim Morrison, Bob Dylan e Mick Jagger erano frequentatori abituali, dato che la "Factory" veniva utilizzata anche come luogo per feste . L'artista si serviva di questi spazi unici non solo per la sua pop art, per la quale utilizzava principalmente tele di 100 per 100 centimetri, ma anche per i suoi film.

Alcune delle sue opere suscitarono disapprovazione, poiché contenevano materiale con scene di nudo, tra le altre cose. Inoltre, nel 1966 fondò il gruppo rock Velvet Underground, con il quale collaborò a spettacoli nei locali notturni.

Sebbene molti dei suoi film e produzioni d'autore rimangano praticamente sconosciuti, ha comunque creato un corpus di opere che comprende quasi 200 film. Le tre produzioni seguenti sono particolarmente degne di nota:

"Le ragazze di Chelsea", 1966

Nel 1966, Andy Warhol e Paul Morrissey co-diressero "The Chelsea Girls". Il film offre uno sguardo sulla vita degli ospiti del Chelsea Hotel di New York City, dove Warhol fondò "The Factory" nel 1964 come residenza per artisti, musicisti, ballerini, attori e altri creativi.

Questa casa ospitava le "superstar" della scena creativa di Warhol, le cui stravaganze permeano il film. Commissionato da Jonas Mekas, il film è stato concepito senza tagli su dodici rulli di pellicola e in un'unica ripresa. "The Chelsea Girls" si sposta di stanza in stanza, rivelando le vite straordinarie degli abitanti della "Factory".

"Film blu", 1969

Il film "Blue Movie" è stato prodotto da Paul Morrissey e diretto da Andy Warhol. Racconta la vita degli amanti Viva e Louis Waldon, che vivono insieme in un appartamento a Manhattan. Il film mostra conversazioni casuali tra i due, che spaziano da argomenti seri come la società e la guerra del Vietnam a chiacchiere spensierate sotto la doccia e persino scene di sesso.

Gli attori arricchiscono il film con autentiche scene eroticheche rispecchiano la vita quotidiana della coppia. Il tono del film è avvincente e ritrae in modo efficace la vita di una coppia a Manhattan.

Nell'ottobre del 1968, il film rivoluzionario "Blue Movie" fu girato nell'appartamento del critico d'arte David Bourdon, nel pittoresco Greenwich Village. È considerato il primo film del suo genere ad essere proiettato pubblicamente. La fotografia è magistrale e cattura il graduale risveglio dei personaggi alla consapevolezza di sé.

Il rapporto sessuale è qui rappresentato come la massima forma di protesta politica contro la guerra del Vietnam. Un uso giocoso della macchina da presa e una regia sottile rendono questo film un capolavoro della storia del cinema.

"Spazzatura", 1970

I protagonisti vivono in povertà e tossicodipendenza, cercando di sbarcare il lunario vendendo spazzatura. Il film descrive la dura realtà della vita in una grande città e la disperazione che la accompagna. Gli attori offrono interpretazioni impressionanti, facendo sentire lo spettatore parte di questo mondo.

La regia di Morrissey è magistrale e conferisce al film un'atmosfera unica. Con "Trash", il team formato da Morrissey e Warhol ha creato un classico senza tempo che rimane attuale e stimolante ancora oggi.

Il lavoro della vita

Tutte queste serie di immagini di attori e cantanti divennero l'emblema della "Pop Art", e Andy Warhol divenne la figura di spicco di questo movimento artistico.

La Pop Art divenne la tendenza artistica più in voga negli Stati Uniti e in Europa negli anni Sessanta. Quest'arte, con la sua propensione per il banale, fu spesso vista dai critici più influenti dell'epoca come una reazione tardiva all'arte astratta eccessivamente intellettuale di quel periodo. In ogni caso, un artista Pop Art scarso interesse per l'astrazione; il suo obiettivo è rappresentare la realtà, oggetti quotidiani e comuni, resi ancora più facilmente comprensibili enfatizzandoli illustrazioni dei fumetti con linee nere,

Inizialmente, i motivi della Pop Art traevano ispirazione dalla cultura quotidiana, dai mass media, dalla pubblicità o dal mondo consumistico, presentati in forme realistiche o persino esagerate. Nella sua fase successiva, influenzata dalla guerra del Vietnam , dalle tensioni razziali, dalla crescente diffusione della droga e dall'assassinio di John F. Kennedy, la Pop Art assunse una visione più critica della società benestante.

Inizialmente, Warhol utilizzò tutto ciò che dalla cultura popolare poteva essere presentato in modo glamour, come celebrità o lattine di zuppa, prima di ricorrere sempre più spesso a immagini meno invitanti, come foto di incidenti stradali e suicidi per la stampa, come modelli.

Persino i sopravvissuti alle tragedie, che erano al centro dell'attenzione pubblica, vennero utilizzati in nome dell'arte, come la triste Jackie Kennedy dopo l'assassinio del marito.

Poco dopo l'assassinio di John F. Kennedy, avvenuto il 22 novembre 1963, Andy Warhol iniziò la sua serie del 1964 intitolata "16 Jackies", basata su fotografie tratte dalla copertura mediatica internazionale della morte di John F. Kennedy.

Le opere d'arte della Pop Art attirarono molta attenzione e, con il loro linguaggio chiaro, divennero rapidamente un oggetto di culto agli occhi del pubblico; influenti critici d'arte attribuirono presto un fascino estetico alle immagini facilmente commercializzabili.

Le immagini avevano un fascino visivo immediatamente accessibile a tutti, ma il loro significato più profondo si scopriva nella rivelazione della natura manipolativa della cultura popolare: queste immagini, secondo i critici d'arte più in voga all'epoca, ci mostrano come noi consumatori siamo manipolati dai mass media.

Le vite di Andy Warhol (Documentario – Parte 1)

La prima parte del documentario Andy Warhol inizia con un'analisi approfondita della sua infanzia povera nella Pittsburgh degli anni '30 e '40, offrendo uno sguardo raro dietro la facciata di una delle personalità più famose della Pop Art della storia.

Questo ritratto spesso avvincente e profondamente commovente esamina poi i primi anni della sua carriera come grafico pubblicitario dagli anni '50 agli anni '60, quando produsse le sue celebri immagini pop serigrafate.

La vita di Andy Warhol (Documentario – Parte 2)

La seconda parte di Andy Warhol esamina la sua espansione più produttiva nel mondo dell'arte.

Cinema, scultura, performance art, drammaturgia ed editoria sono solo alcune delle espressioni artistiche di Warhol. Oltre ai suoi celebri dipinti e sculture, Warhol è stato il creatore di molti classici del cinema d'avanguardia, nonché produttore di uno spettacolo multimediale con i Velvet Underground (una delle rock band più influenti della storia) e co-fondatore dell'iconica rivista di cultura pop Interview.

Con filmati rari e interviste, la seconda parte di questa storia straordinariamente provocatoria esamina un artista anticonformista, apparentemente ebbro di fama, la cui opera è stata un flusso continuo di simbolismo culturale.

Le principali mostre di Andy Warhol: una panoramica

Almeno dal 1965, i dipinti di Andy Warhol sono stati unanimemente celebrati come fenomeni del mercato dell'arte, per molti anni (se non sempre) più in Europa che nella sua patria: Andy Warhol ha partecipato alla 34ª Biennale di Venezia e alla 4ª documenta nel 1968, alla 36ª Biennale di Venezia nel 1972 e alla 6ª documenta nel 1977. Le sue opere sono state esposte alla Royal Academy of Arts di Londra nel 1981, alla 7ª documenta nel 1982, alla 41ª Biennale di Venezia nel 1984 e alla 42ª Biennale di Venezia nel 1986.

Nel 1995 ha partecipato alla 46ª Biennale di Venezia, nel 1996 è stato a New York per la prima volta e da allora le sue opere sono state esposte in oltre 2.500 mostre in tutti i principali centri d'arte del mondo.

Nella sua nuova patria, la gente sembrava essere considerevolmente meno entusiasta di Andy Warhol rispetto al resto del mondo (dell'arte contemporanea); negli Stati Uniti ha avuto solo circa 400 mostre, che rappresentano poco meno del 15% di tutte le mostre (il che potrebbe essere dovuto anche al fatto che la presentazione pubblica dell'arte ha uno status molto inferiore negli Stati Uniti rispetto all'Europa; potete leggere di più a riguardo nell'articolo "Art-o-Gram: l'importanza dell'arte come specchio della società").

Ancora nel 2013, un buon quarto di secolo dopo la sua morte, oltre 40 rinomati eventi artistici in tutto il mondo hanno incluso Andy Warhol nel catalogo delle loro mostre.

Stile di vita e vita amorosa dell'artista

Warhol aveva già fondato la sua Factory nel 1962, comprendente vari studi in edifici industriali di New York, dove lavorò a un'ampia gamma di progetti. Queste Factory divennero rapidamente molto più di un semplice luogo per la serigrafia: fin dall'inizio, gli studi servirono a Warhol anche come spazio sperimentale e studio cinematografico.

Gli studi cinematografici offrivano anche alloggi per la notte ai protagonisti del film e, già allora, la Factory era a pochi passi dall'iconico luogo delle feste. La scena creativa newyorkese si riuniva alla Factory, frequentata da numerose star; Mick Jagger, Bob Dylan e Jim Morrison erano visti lì con la stessa frequenza di Salvador Dalí e Marcel Duchamp.

Quando iniziarono ad apparire le star dei film underground di Warhol, come l'artista pop Robert Indiana (attore nel film "Eat", mostrato mentre mangia funghi) e i musicisti del suo gruppo rock The Velvet Underground, gli eventi alla Factory divennero tanto famosi quanto famigerati.

Questi eventi multimediali si trasformarono presto in una colorata successione di musica rock assordante ed effetti di luce e stroboscopici abbaglianti; il pubblico rimase scioccato da provocazioni sessuali visivamente più delicate da parte dei ballerini, e si diceva che le droghe circolassero in quantità inimmaginabili.

Il tentato omicidio di Valerie Solana (vedi sotto) rovinò definitivamente l'atmosfera mondana della Factory per l'artista. Dal 1968 in poi, la Factory fu considerata un edificio per uffici e Warhol si rivolse alla scena glamour e mondana di New York. Negli anni '70, era un habitué dei locali alla moda di New York, come lo Studio 54. Gli piaceva anche guardare film quasi pornografici con protagonisti tossicodipendenti, ma non catturarono a lungo il suo interesse. Passò alle parodie western e ai film horror con cowboy gay e patetici Conte Dracula, tutti sempre più diretti da Paul Morrissey.

Anche la vita sentimentale di Andy Warhol si svolse nel contesto della Factory. L'artista timido, che non nutriva particolare fiducia nel proprio aspetto, non fu esente da difficoltà, come rivelano alcune sue affermazioni nel libro del 1975, "La filosofia di Andy Warhol: dalla A alla B e ritorno ". Warhol credeva che le relazioni amorose consumassero completamente una persona, ma che in realtà non ne valesse la pena. Esprimeva la sua intuizione secondo cui i problemi in amore erano inevitabili se si era sempre alla ricerca del soufflé che non si sgonfiava mai.

Warhol auspicava un corso base sull'amore, ma d'altro canto suggeriva che sarebbe stato altrettanto utile restare all'oscuro di tutto, altrimenti non si avrebbe più nulla a cui pensare o sognare per il resto della vita.

Warhol vide la ragione dell'allontanamento del suo tempo dai vecchi valori nella maggiore aspettativa di vita dei suoi contemporanei, insieme ai problemi che ne derivavano. Raccomandò ai genitori che amavano veramente i propri figli di insistere nel rimandare il più possibile qualsiasi contatto con il sesso opposto, in modo che i bambini avessero qualcosa da attendere con ansia per molto tempo.

Dopo l'assassinio, la vita di Warhol divenne più tranquilla, in parte grazie all'influenza di Paul Morrissey, sempre più presente, che disprezzava apertamente la musica rock e l'uso di droghe e si assicurava sempre più che la Factory rimanesse libera da drogati e festaioli.

Andy Warhol nei media

L'attenzione dei media su Andy Warhol era costante; ogni evento alla Factory forniva alla stampa materiale sufficiente per un resoconto dettagliato, costellato di numerosi nomi di spicco.

Per almeno 8 anni la stampa scandalistica era stata ben rifornita da lui, finché Warhol, in quanto partecipante sgradevole e passivo, il 3 giugno 1968 fece ai media un regalo molto speciale:

L'assassinio di Andy Warhol e le sue conseguenze

Quel giorno, la femminista radicale Valerie Solanas tentò di sparare ad Andy Warhol. Nell'ascensore della Factory, estrasse una pistola da un sacchetto di carta e sparò, nonostante Warhol urlasse: "No! No! Valerie! Non farlo!". Una seconda e una terza volta, con il terzo colpo che colpì Warhol al petto. Solanas, in quanto fondatrice e unica membro della SCUM ("Società per Tagliare gli Uomini"), si considerava destinata a eliminare quanti più uomini problematici possibile, e Warhol era un uomo problematico.

Solanas si lasciò arrestare da un agente di polizia a Times Square. Warhol era inizialmente clinicamente morto all'arrivo in ospedale, ma fu salvato da un intervento chirurgico durato cinque ore e mezza. Dopo quasi due mesi, fu dimesso e si rimise subito al lavoro. Il tentato omicidio, tuttavia, lo cambiò: invece di rimanere sveglio tutta la notte, Warhol tornò a casa presto. L'attacco lasciò anche cicatrici fisiche e da quel momento in poi Warhol dovette indossare costantemente un corsetto medico.

L'edizione serale del "New York Post" titolava: "Andy Warhol lotta per la vita". Molti giornalisti che in passato non avevano ricevuto sufficiente attenzione videro in questo un'occasione propizia per regolare i conti. Tuttavia, l'uomo che per anni aveva celebrato ogni forma di eccesso non fece altro che trarre vantaggio da questa copertura mediatica. Il mercato dell'arte reagì all'attentato a modo suo; la sparatoria aveva definitivamente consolidato lo status di Warhol come superstar della Pop Art.

Prima della frenesia mediatica, i suoi quadri venivano venduti a un prezzo medio di circa 200 dollari; in seguito, improvvisamente, furono venduti per non meno di 15.000 dollari. L'ampia copertura mediatica rese l'artista Andy Warhol onnipresente quanto la sua arte – ironicamente, l'assassinio aprì ad Andy Warhol la strada che aveva sempre desiderato percorrere: quella della fama.

Quanto costa un'opera d'arte di Andy Warhol?

Moltissimo, sicuramente da giugno/luglio 1968: come appena descritto, il prezzo delle sue opere d'arte è esploso dopo l'attentato a Warhol, e da allora i prezzi sono rimasti nella sfera in cui questa esplosione li ha portati, almeno.

Alcuni esempi più recenti: "Green Car Crash – Green Burning Car I" è stato venduto per 71,7 milioni di dollari a un'asta di Sotheby's nel 2007. Sempre dalla "Death and Disaster" , risalente al 1963, proviene "Silver Car Crash (Double Disaster)", che è stato venduto per oltre 105 milioni di dollari (all'epoca 78 milioni di euro) a un'asta nel novembre 2013, diventando per lungo tempo il sesto dipinto più costoso al mondo.

A volte alcune opere di Warhol vengono vendute al prezzo stimato, come "Liz #1", un ritratto di Elizabeth Taylor scattato pochi minuti dopo l'incidente della "Silver Car", per 20,3 milioni di dollari. Probabilmente si è trattato di una questione di tempismo da parte dei venditori, dato che Liz Taylor era morta a Los Angeles quasi tre anni prima... Non c'è però motivo di essere cinici: a volte alcune opere di Warhol rimangono invendute all'asta e, se la situazione si protrae per un po', si ha una reale possibilità di acquistare un dipinto di Warhol per meno di 20 milioni di dollari.

L'artista nel nostro mondo

Poiché questi prezzi sono ben al di fuori della portata della maggior parte delle "persone normali", e una "persona normale" farebbe sicuramente cose molto più sensate con tali somme, la maggior parte di noi si accontenterà di guardare Andy Warhol (e altri addirittura rinunceranno a farlo).

Le opportunità sono davvero numerose; le mostre in corso dedicate alle opere di Warhol sono frequenti e ci sono diversi luoghi d'arte in tutto il mondo dove è possibile ammirare le opere di Andy Warhol ogni giorno. Ad esempio, l'Andy Warhol Museum nella sua città natale, Pittsburgh, il Carnegie Museum of Art, sempre a Pittsburgh, la Kantor Gallery di Los Angeles e l'Andy Warhol Museum of Modern Art di Medzilaborce, in Slovacchia.

Sei un vero fan? Non ti basta? Ecco a te: dal 6 agosto 2013 (85° compleanno di Warhol), l'Andy Warhol Museum di Pittsburgh ha installato una webcam che trasmette in diretta dalla tomba dell'artista. Questa webcam è attiva ininterrottamente perché, secondo il direttore del museo, è "un modo fantastico per mantenere Andy sempre presente, 24 ore su 24, sette giorni su sette, e in contatto con il nostro pubblico globale".

Ecco il link diretto a Warhol: https://earthcam.com/usa/pennsylvania/pittsburgh/warhol/.

La fine

Andy Warhol morì il 22 febbraio 1987 a New York City all'età di 58 anni. Morì inaspettatamente a causa di complicazioni successive a un intervento chirurgico alla cistifellea al New York Hospital; le circostanze esatte rimangono ancora oggi poco chiare.

La tenuta

Warhol lasciò la maggior parte del suo patrimonio, insieme a lasciti alla sua famiglia, alla Andy Warhol Foundation for Visual Arts , la cui creazione era stata da lui stesso prevista nel testamento.

Il suo amico e direttore commerciale Frederick W. Hughes divenne l'esecutore testamentario del suo patrimonio; il New York Magazine dell'epoca stimò la fortuna in oltre 100 milioni di dollari, stime successive parlano di 600 milioni di dollari (la collezione privata di Warhol di opere dei suoi colleghi artisti ha da allora fruttato diversi milioni di dollari, così come l'asta dei suoi cimeli).

Il patrimonio immateriale è quasi ancora più impressionante:

I critici d'arte stanno ancora discutendo se Warhol

• Con la sua versione della Pop Art, creò semplicemente una sorta di industria culturale, focalizzata sulla massimizzazione dei profitti
• o addirittura celebrava la cultura consumistica americana nelle sue opere, combinata con una sfumatura dei confini tra arte autonoma e banale,
• o meglio, criticava la società consumistica americana, compreso il trattamento ironico riservato alle star e ai VIP.

In ogni caso, Andy Warhol riuscì a commercializzare la sua arte in modo straordinariamente efficace e, con il motto "Un buon affare è la migliore arte", ispirò un'intera serie di artisti successivi ad agire come imprenditori capitalisti a pieno titolo: Jeff Koons, Richard Prince e Damien Hirst, ad esempio, furono in grado di vendere le loro opere agli amanti dell'arte (o agli speculatori) a prezzi davvero impressionanti, e Takashi Murakami intere industrie di merchandising ispirate all'arte nacquero

Esistono innumerevoli omaggi artistici ad Andy Warhol, come "The Andy Monument" di Rob Pruitt "Songs for Drella" degli ex dei Velvet Undergroundmembri John Cale e Lou Reed , e la canzone "Andy Warhol" sull'album in studio di David Bowie Hunky Dory (il cui ritornello "Andy Warhol looks a scream" non piacque esattamente a Warhol, che era tormentato da complessi riguardo al suo aspetto; si dice che Warhol abbia definito la canzone orribile). Se volete giudicare voi stessi:

Consigli di lettura su Andy Warhol e il suo tempo

Per gli amanti dei libri che desiderano immergersi nell'epoca di Andy Warhol, "POPism – The Warhol Sixties", nella versione tedesca "POPism – Meine 60er Jahre" si consiglia la

Questo libro è senza dubbio una delle autobiografie d'artista più autentiche del secolo scorso, ed è acclamato anche dalla critica letteraria. Dettato da Andy Warhol nel 1980 e trascritto dal suo assistente Pat Hackett, il racconto dei meravigliosi anni Sessanta, della vita libera – persino pericolosamente libera – e della sfrenata sperimentazione creativa si è trasformato in un libro quasi fiabesco.