Epoche artistiche – Introduzione alla storia dell'arte delle epoche stilistiche e delle loro caratteristiche

La storia dell'arte è caratterizzata da numerosi periodi artistici importanti, che anche i neofiti dell'arte incontrano spesso. Ogni periodo ha sviluppato il proprio stile, i propri movimenti artistici e le proprie forme estetiche.

I diversi periodi artistici riflettono i cambiamenti sociali, politici e culturali della loro epoca, nonché i risultati dei processi creativi.

Qui a Kunstplaza, il nostro obiettivo è fornire una panoramica utile dei periodi più importanti della storia dell'arte e metterne in luce le caratteristiche specifiche. Inoltre, presentiamo opere d'arte significative e i principali artisti di ogni epoca.

Presentazione cronologica della storia dell'arte in una linea del tempo

Abbiamo organizzato per voi tutti i periodi artistici in una chiara linea temporale. Dal 3000 a.C. al Medioevo, passando per l'arte moderna, il modernismo classico e l'arte contemporanea prodotta dagli artisti di oggi.

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Arte antica (circa 3000 a.C. – 500 d.C.)

I periodi artistici dell'arte antica in sintesi

Le civiltà primitive comprendono l'arte egizia, mesopotamica, minoica, micenea, greca classica e romana, che fanno parte dell'arte antica . L'arte europea primitiva emerse dai metodi e dagli stili artistici fondamentali sviluppati in Grecia.

L'arte egizia è caratterizzata da dettagliate pitture murali e da imponenti strutture come le piramidi. Mentre l'arte minoica e micenea colpisce per i suoi splendidi affreschi e ceramiche, l'arte mesopotamica è nota per i suoi rilievi e sculture.

L'arte greca classica , espressa in sculture come il Discobolo e la Venere di Milo , è nota per le sue proporzioni armoniose e per il corpo umano idealizzato.

Antichità - Grecia (circa 800 a.C. - 100 a.C.)

Anche l'arte romana in questa panoramica dei periodi artistici . È caratterizzata dal realismo e dalla ritrattistica , come esemplificato dal busto dell'imperatore Augusto.

Antichità – Impero Romano (600 a.C. – 600 d.C.)

Cristianesimo primitivo e Bisanzio (300-1453)

paleocristiana e bizantina ha costituito la base per l'arte del Medioevo europeo e dell'era moderna. Questo periodo ha quindi plasmato l'identità culturale della civiltà occidentale, così come quella del cristianesimo vicino-orientale e africano. Le sue influenze sono visibili anche nell'arte ornamentale dell'Islam occidentale.

L'arte di questo periodo fu favorita principalmente dall'accettazione del cristianesimo e dalle generose donazioni di Costantino. Gradualmente si sviluppò un'arte cristiana distinta, spesso ispirata a stili figurativi classici. Centri importanti di questo sviluppo furono Roma, Ravenna, Salonicco e Costantinopoli.

Arte medievale (c. 500 – 1400)

Il Medioevo in breve

L'arte medievale comprende l' arte del periodo delle migrazioni, quella carolingia, quella ottoniana, quella romanica e quella gotica. In quest'epoca, la religione cristiana era centrale nella creazione artistica.

Alto Medioevo e periodo romanico (750-1250)

Dati e caratteristiche principali dell'architettura romanica in sintesi:

L' arte del periodo delle migrazioni si esprimono nei magnifici gioielli dei Merovingi e dei Longobardi

All'epoca dei monarchi franchi e sassoni risalgono i capolavori artistici dell'epoca carolingia e ottoniana, che hanno dato vita a manoscritti e edifici sacri di grande valore, come il duomo di Hildesheim o la Cappella Palatina di Aquisgrana.

L'arte del periodo romanico affascina per la sua imponente personalità, che si manifesta nelle maestose chiese con volte pesanti tonnellate e archi a tutto sesto.

gotica , d'altro canto, colpisce per le sue strutture delicate e la sua tendenza all'altezza, come dimostrano in modo impressionante cattedrali di Chartres e Notre-Dame

Gotico (1130-1500)

Dati e caratteristiche principali dell'architettura gotica in sintesi:

Periodo moderno

I primi periodi moderni in sintesi

Rinascimento (circa 1420 – 1600)

Date e caratteristiche principali del Rinascimento in sintesi:

Il Rinascimento fu un'epoca di rinascita artistica, in cui l'arte e la cultura antiche furono riscoperte e reinterpretate. Artisti rinascimentali come Leonardo da Vinci , Michelangelo e Raffaello si sforzarono di raggiungere la perfezione e l'umanesimo nella loro arte, ponendo particolare enfasi su proporzioni, prospettiva e accuratezza anatomica.

Durante il Rinascimento, la pittura si caratterizzò per le sue rappresentazioni realistiche e per l'introduzione della prospettiva centrale, che trasmetteva all'osservatore un senso di profondità spaziale. Nella scultura, l'arte rinascimentale raggiunse un alto grado di plasticità e dinamismo, come dimostrano opere come il David di Michelangelo e il Gruppo del Laocoonte .

L'architettura rinascimentale fu caratterizzata dalla riscoperta delle forme classiche e della simmetria, come espresso edifici di Brunelleschi e Palladio

Manierismo (ca. 1520 – 1600)

Con la nuova libertà conquistata dall'uomo, nel XVI secolo nacque il desiderio che ogni artista sviluppasse il proprio modo individuale di esprimersi.

Tuttavia, questo desiderio portò rapidamente a eccessi che non passarono inosservati nemmeno a maestri come Michelangelo. Di conseguenza, alcune delle sue opere non furono più attribuite al Rinascimento, ma piuttosto al Manierismo.

Nel Manierismo, le emozioni erano deliberatamente esagerate, i gesti esagerati e persino gli abiti delle figure raffigurate erano innaturalmente voluminosi. La delicata curva a S del Rinascimento divenne un'esagerazione quasi innaturale delle curve del corpo.

Ironicamente, questo stile divenne il primo stile paneuropeo, attirando artisti da tutta Europa in Italia, suo luogo d'origine.

Barocco e Rococò (circa 1600 – 1780)

Dati e caratteristiche importanti sull'arte:

L'arte barocca Artisti barocchi come Caravaggio , Bernini e Rubens usarono luci e ombre per conferire tridimensionalità e vivacità alle loro opere.

La pittura barocca è caratterizzata da forti contrasti tra luci e ombre, come si può osservare "Vocazione di San Matteo" di Caravaggio. Bernini, la scultura barocca raggiunse un nuovo dinamismo e movimento, come dimostra la sua scultura "Apollo e Dafne .

Gian Lorenzo Bernini stabilì nuovi standard nell'architettura e nella scultura, e Annibale Carracci e Caravaggio fecero lo stesso in pittura. I drammatici contrasti di luce e ombra e la disprezzo del decoro da parte dell'impetuoso e celebre pittore Caravaggio furono rivoluzionari e diedero il tono alle rappresentazioni realistiche di martiri e scene di genere dei caravaggeschi.

Tre nuovi generi artistici – la pittura di genere , il paesaggio e la natura morta – emersero dall'età d'oro della pittura olandese nel XVII secolo, favorita dalla grande ricchezza della borghesia. Il fiammingo Peter Paul Rubens divenne famoso in tutta Europa per i suoi dipinti, che univano immenso splendore, energia e impatto emotivo.

Poiché l'arte barocca fu utilizzata come strumento della Controriforma, le commissioni sacre e di corte dominarono la produzione artistica in Spagna e nelle colonie extraeuropee.

Diego Velázquez, originario di Siviglia, divenne il pittore di corte indiscusso e realizzò principalmente ritratti e storie mitologiche .

A differenza di Italia, Spagna e Germania meridionale, in Francia e Inghilterra non prevalse lo stile barocco ; in entrambi i paesi si affermò un approccio classico, talvolta definito classicismo barocco (Francia) e palladianesimo

Come dimostra la chiesa romanica di San Carlo alle Quattro Fontane, l'architettura barocca è caratterizzata dal suo splendore e dall'uso di curve ed ellissi. Il rococò distingue per il suo aspetto luminoso, decorativo e stravagante.

Gli splendidi e raffinati dipinti di numerosi artisti rococò, tra cui Watteau , Boucher e Fragonard , trovavano particolare riscontro negli ambienti galanti della nobiltà francese.

L'utopica isola dell'amore, Citera, fu raffigurata da Antoine Watteau in uno stile caratteristico della pittura rococò francese. La pittura di genere si distingue per i paesaggi suggestivi, le figure delicate, le atmosfere poetiche ed elegiache e i colori tenui, mentre nella ritrattistica, sia i ritratti altamente rappresentativi che quelli intimi erano ugualmente apprezzati.

Il maestro indiscusso della natura morta fu Jean Siméon Chardin , la cui influenza sull'Impressionismo del XIX secolo non può essere sottovalutata. Lo stile Rococò si diffuse dalla Francia all'Europa centrale e fu particolarmente apprezzato per l'arredamento e l'interior design.

Classicismo (c. 1770 – 1830)

Dati chiave e caratteristiche del classicismo in sintesi:

Nel XIX secolo, gli artisti con uno “zaino” pieno di arte antica si sforzarono di creare un’atmosfera di “semplicità silenziosa e nobile grandezza” (J.J. Winkelmann), influenzati dalle recenti scoperte di Pompei .

L'italiano Antonio Canova Jacques-Louis David hanno plasmato un'intera generazione glorificando nelle loro opere gli ideali eroici della mascolinità e della donna virtuosamente riservata.

Nella scultura , nella pittura e soprattutto nell'architettura , le composizioni parallele, le forme rettilinee e l'orientamento verso il canone classico (proporzioni) sostituirono le linee dinamiche e barocche.

Periodo tardo moderno

I periodi tardo moderni in sintesi

Romanticismo (c. 1790 – 1830)

Il Romanticismo è più di un semplice periodo stilistico; è una mentalità che preferisce il misterioso, l'oscuro e il sublime alla morbidezza e alla bellezza. Nel 1810, a Vienna, si formò la Lukasbund (Lega di Luca , nel tentativo Dürer e Raffaello .

Caspar David Friedrich e William Turner celebrarono i loro primi successi come pittori paesaggisti, mentre il maturo Francisco de Goya realizzò le sue opere più cupe.

William Blake , funge da modello per l'artista incompreso e il genio visionario . Che si tratti di fiabe medievali o del Dottor Faust, di paesaggi montani mozzafiato o di regioni avvolte dalla nebbia, era sempre l'io più profondo, il livello emotivo, a spingere gli artisti romantici verso nuove creazioni.

Pluralismo stilistico, Biedermeier e Gründerzeit (1790-1890)

I fenomeni di eterogeneità stilistica hanno sempre avuto una grande influenza sull'arte moderna. Con questo intendiamo la varietà di tecniche e stili che gli artisti impiegano per creare le loro opere. È proprio questa diversità di tecniche che permette agli artisti di distinguersi continuamente dai loro colleghi e di comunicare i propri pensieri e la propria originalità in modi diversi.

Mettendo in discussione il canone tradizionale dell'arte e creando nuovi mezzi creativi di espressione, il pluralismo stilistico contribuito ad aprire la strada all'arte moderna.

Quando gli artisti del XIX secolo iniziarono a rifiutare le accademie convenzionali e le loro regole, nel mondo dell'arte si sviluppò una diversità stilistica. Mentre il Romanticismo acuì la consapevolezza della natura e dell'umanità, il Realismo enfatizzò il mondo quotidiano.

L'Impressionismo ruppe definitivamente con gli insegnamenti convenzionali e si concentrò sulla rappresentazione del colore e della luce. Questi sconvolgimenti aprirono la strada alla diversità stilistica che è ancora chiaramente evidente nell'arte moderna .

Il periodo Biedermeier è un'epoca stilistica che si sviluppò tra il 1815 e il 1848 in Germania, Austria e Svizzera. Il nome deriva dal poeta Gottlieb Biedermeier , considerato l'incarnazione della borghesia soffocante. L'arte di questo periodo è caratterizzata dalla sua sobrietà: paesaggi, nature morte e ritratti erano i soggetti principali, spesso permeati da una certa nostalgia per le epoche passate.

Questo periodo stilistico ebbe una notevole influenza anche sull'arredamento e sull'interior design : vennero realizzati mobili imbottiti con motivi floreali o ricamati e pesanti pensili in legno scuro. Un'altra caratteristica fu l'uso di ornamenti su statuette o reliquie in porcellana.

Storicismo / Pittura da salotto (1850-1914)

Nella storia dell'arte, il termine storicismo un fenomeno diffuso tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, in cui architetti e artisti preferivano ispirarsi agli stili dei secoli passati.

Esistono vari sottotipi stilistici, come il neoromanico, il neogotico, il neorinascimentale , il neobizantinismo e il neobarocco .

Mentre l'architettura riformista si sviluppò come contro-movimento e in seguito portò al modernismo classico, lo stile Art Nouveau emergente intorno al 1900 influenzò notevolmente lo storicismo.

Sebbene le idee dello storicismo continuarono nei decenni successivi, ad esempio nel neoclassicismo, nel classicismo socialista o nell'architettura per la sicurezza nazionale, il periodo più formativo dello storicismo fu dal 1850 circa fino a prima della prima guerra mondiale.

La pittura da Salon , uno stile pittorico significativo del XIX secolo, ebbe origine dalle esposizioni annuali del Salon Carré del Louvre di Parigi, noto anche come Salon de Paris. Introdotte da Luigi Filippo, queste esposizioni erano frequentate esclusivamente da artisti affermati della classe dirigente, che dovevano soddisfare il gusto del pubblico e, in particolare, quello dell'élite parigina.

Pur essendo adattati tematicamente e stilisticamente, i dipinti raffiguravano principalmente temi storici e letterario-mitologici , fungendo da pretesto per esporre una grande quantità di nudità e assecondando il voyeurismo della classe superiore. Erano favorite scene drammatiche con numerose figure, e lo stile pittorico era classico e accademico.

Le opere di scultura storicista e di pittura da salotto sono caratterizzate da un orientamento accademico e antimodernista. Artisti come Hans Makart, Franz Xaver Winterhalter, Léon Gérôme e Lawrence Alma-Tadema impiegarono la loro finezza tecnica per creare dipinti di grandi dimensioni raffiguranti scene storiche basate su meticolose ricerche storiche.

Queste opere vennero presentate principalmente al Salon di Parigi e per questo motivo vengono anche chiamate dipinti del Salon.

Realismo (1850-1925)

Realismo, che deriva dal latino "res" che significa cosa, è un termine molto complesso che descrive un atteggiamento, una visione del mondo e un metodo di produzione artistica specifici.

Gustave Courbet adottò il termine nel 1855 per presentare i suoi dipinti anti-accademici e anti-idealisti ne " Le Réalisme" , respinti dalla giuria dell'Esposizione Universale. Courbet creò enormi dipinti di grandi dimensioni che catturavano con fedeltà e realismo il paesaggio regionale e la sua gente.

Molti percepirono questa nuova moda come "brutta" e "brutalmente politica", con connotazioni socialiste. Nella teoria dell'arte francese, il realismo fungeva anche da "grido di battaglia".

Tra il 1830 e il 1880, alcuni artisti abbandonarono definitivamente la pittura storica accademica (pittura da salotto) e si dedicarono interamente al mondo visibile. Con opere come "Gli spaccapietre" e "La sepoltura a Ornans" (1850), Courbet eresse grandi monumenti al proletariato e alla civiltà moderna.

Impressionismo (1850-1900)

L'Impressionismo , derivato dal termine francese "impression ", descrive uno stile pittorico caratterizzato da una tavolozza di colori chiari, un'applicazione libera e approssimativa del colore con pennellate visibili, la pittura a partire dal soggetto e, solitamente, en plein air .

Gli impressionisti si concentravano principalmente sulla percezione sensoriale, catturando attimi fugaci in modo rapido, intuitivo e (apparentemente) improvvisato. L'osservazione degli effetti di luce e dei mutevoli colori nel corso dell'anno era più importante del significato del soggetto.

Per questo motivo, gli impressionisti preferivano lavorare all'aperto e in serie. Questa definizione si applica particolarmente bene alla pittura paesaggistica impressionista Edgar Degas si consideravano più saldamente nella tradizione dell'Accademia e rifiutavano il termine Impressionismo per le loro opere.

Il principale pittore dell'Impressionismo è Claude Monet , che insieme ai suoi colleghi sviluppò ulteriormente il realismo negli anni '60 dell'Ottocento per riflettere il nuovo senso di modernità e velocità.

Altri importanti pittori impressionisti includono Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Gustave Caillebotte (1848-1894), Berthe Morisot (1841-1895), Camille Pissarro (1830-1903), Frédéric Bazille (1841-1870) e Édouard Manet (1832-1833).

In scultura, l'Impressionismo fu plasmato da Auguste Rodin , mentre in fotografia è meglio conosciuto come Pittorialismo Heinrich Kühn (1866–1944), che visse a Vienna

In Francia, l'Impressionismo terminò grosso modo con l'Esposizione universale di Parigi del 1900.

Naturalismo (1858 – 1900)

Il movimento artistico del Naturalismo è caratterizzato da una certa complessità, che rende non sempre facile trovare una definizione precisa. Cosa si intende esattamente quando si parla di arte naturalistica?

Un modo per avvicinarsi al naturalismo è confrontarlo con l'idealismo . Quest'ultimo si applica in particolare alla pittura di figura e si sforza di creare una rappresentazione perfetta della realtà.

In contrasto con l'idealismo, il naturalismo si trova all'estremo opposto dello spettro. Invece di creare un mondo perfetto, gli artisti naturalistici preferiscono una rappresentazione realistica di tutte le imperfezioni di questo mondo .

La differenza essenziale tra Naturalismo e Realismo risiede nel focus dei loro dipinti. Mentre il Naturalismo si concentra sul metodo pittorico, inclusa l'invenzione della pittura en plein air , il Realismo si concentra sul soggetto. I pittori realistici ritraggono tipicamente persone comuni nelle loro situazioni ordinarie, non eroi idealizzati.

Un'altra differenza che distingue l'arte del Realismo è la spiccata consapevolezza sociale espressa nei dipinti. Gli artisti realisti erano spesso impegnati in questioni politiche e sociali e le incorporavano nelle loro opere.

Il Realismo Socialista e la Pittura di Scena Americana sono esempi di movimenti sociali ispirati dagli sviluppi del movimento artistico realista. I pittori naturalisti, d'altra parte, si concentrarono principalmente sullo sviluppo di uno stile pittorico il più autentico e naturale possibile.

Nel naturalismo dell'arte, un altro elemento chiave ha svolto un ruolo significativo: l' incorporazione di sentimenti regionalisti e nazionalisti . I pittori naturalisti legavano la loro estetica a luoghi specifici che erano loro familiari e avevano un valore sentimentale. Gli storici dell'arte vedono questa tendenza a dipingere scene familiari a molte persone come una componente essenziale della democratizzazione dell'arte .

I temi dei dipinti naturalistici erano noti a un pubblico più vasto e suscitavano un profondo legame emotivo.

Tuttavia, sarebbe errato credere che i soggetti dell'arte naturalistica consistessero esclusivamente in paesaggi e scene di natura. La definizione di arte naturalistica non si limita affatto alla pittura di paesaggio dipinti di genere erano temi comuni.

Il manifesto di Antoine Castagnary "La philosophie du salon de 1857" (1858) fu la prima opera teorica ad affrontare il nuovo movimento. Anche il pittore francese Gustave Courbet (1819-1877) svolse un ruolo importante nel dibattito teorico-artistico sull'arte naturalistica e ne fu egli stesso uno dei più importanti rappresentanti.

Tra gli artisti più importanti che appartenevano al naturalismo in Germania ci sono Max Liebermann (1847-1935), Paul Weber (1823-1916) e Käthe Kollwitz (1867-1945).

Postimpressionismo (1880 – 1920)

Nella pittura occidentale, movimento francese che rappresentò sia un'estensione dell'Impressionismo sia un rifiuto dei limiti intrinseci di quello stile.

Il termine "Post-impressionismo" fu coniato dal critico d'arte inglese Roger Fry per indicare le opere di pittori della fine del XIX secolo come Paul Cézanne , Georges Seurat , Paul Gauguin , Vincent van Gogh , Henri de Toulouse-Lautrec "Tardo Impressionismo" o "Post-impressionismo" sono talvolta utilizzati ancora oggi.

gli stili Sintetismo , Cloisonnismo e Puntinismo appartengono al Postimpressionismo.

Tutti questi pittori, tranne van Gogh, erano francesi e la maggior parte di loro iniziò come impressionisti; tuttavia, ognuno di loro abbandonò questo stile per sviluppare una propria arte molto personale.

L'impressionismo, in senso stretto, si basava sulla rappresentazione oggettiva della natura utilizzando gli effetti fugaci del colore e della luce.

I postimpressionisti rifiutarono questo obiettivo limitato in favore di un'espressione più ambiziosa , ma ammisero di essere debitori dei colori puri e brillanti dell'impressionismo, della sua libertà dai temi tradizionali e della sua tecnica di definizione della forma con brevi pennellate di colore spezzato.

I postimpressionisti esponevano spesso insieme, ma a differenza degli impressionisti, che iniziarono come un gruppo affiatato e socievole, dipingevano principalmente da soli. Cézanne dipinse in isolamento ad Aix-en-Provence, nel sud della Francia; la sua solitudine era simile a quella di Paul Gauguin, che si stabilì a Tahiti nel 1891, e di van Gogh, che dipinse nella campagna vicino ad Arles.

Sia Gauguin che van Gogh rifiutarono l'indifferente oggettività dell'impressionismo in favore di un'espressione più personale e spirituale.

Le opere di questi pittori costituirono la base per diversi movimenti contemporanei e per il modernismo dei primi anni del XX secolo.

Simbolismo (1890 – 1920)

simbolista furono create tra il 1880 e il 1910. Anche questo stile, che preferiremmo considerare un movimento piuttosto che un'epoca, ebbe origine in Francia.

A differenza della percezione oggettiva, la rappresentazione di pensieri e sentimenti un ruolo cruciale; tuttavia, si differenzia dall'Espressionismo e dall'Impressionismo, dove il Simbolismo funge da anello di congiunzione. Allo stesso tempo, si oppone alle idee di Positivismo, Materialismo e Storicismo.

Inoltre, era diretto contro la tradizione pittorica naturalistica delle accademie.

In definitiva, le sue forme chiare influenzarono l'Art Nouveau. Malattia, peccato, morte e passione erotismo e morte, spesso simboleggiato da donne delicate e dalla pelle chiara, dall'aura sensibile o malinconica, era particolarmente affascinante per molti artisti

Nel 1886, lo scrittore francese Jean Moréas il "Manifesto Simbolista ", considerato un fondamento fondamentale del movimento artistico antirazionalista e antimaterialista. I Simbolisti si concentravano non sulla rappresentazione diretta della realtà, ma piuttosto sulla sua espressione attraverso un'estetica simbolica sotto forma di simboli e metafore.

Per raggiungere questo obiettivo, combinarono diversi elementi visivi per creare una sintesi. Gli artisti non trasferirono i loro motivi direttamente dalla natura alla tela, ma attingevano piuttosto ai loro ricordi.

L'immaginazione fu elevata a fonte primaria di creatività. Con questo approccio, i simbolisti raffigurarono spesso scene oniriche, il che li distingue come precursori del Surrealismo .

Paul Gauguin ed Émile Bernard , pittori francesi della fine del XIX secolo, sono considerati pionieri del Simbolismo nelle arti visive. Ispirati dalla poesia simbolista di Stéphane Mallarmé e Arthur Rimbaud, trovarono in questo stile un modo per esprimere temi poetici, romantici e religiosi in tavolozze di colori scuri e cupi, con toni forti e puri.

Altri importanti rappresentanti del Simbolismo nel panorama artistico furono Gustave Moreau, Odilon Redon, Paul Séruzier e Pierre Puvis de Chavannes in Francia, Arnold Böcklin e Ferdinand Hodler in Svizzera, Fernand Khnopff in Belgio, Gustav Klimt in Austria, Edvard Munch in Norvegia e Max Klinger in Germania.

Modernismo classico

I periodi del modernismo classico in sintesi

L' era del modernismo classico nella storia dell'arte segna una fase emersa dopo l'era moderna, intorno al 1900. Durante questo periodo, l'arte visse un'esplosione creativa con movimenti come l'espressionismo, il futurismo e il cubismo, che sfidarono le convenzioni tradizionali e aprirono nuove strade all'espressione artistica.

Questo periodo entusiasmante durò fino alla fine della Seconda Guerra Mondiale, nel 1945, e continuò a plasmare la scena artistica fino agli anni Ottanta. La diversità di espressioni artistiche e le idee rivoluzionarie emerse in quest'epoca continuano ad avere un'influenza significativa sul mondo dell'arte odierno.

Espressionismo (1890 – 1914) e Fauvismo (1898 – 1907): Arte con una dimensione politica

Nell'era dell'Espressionismo , abbiamo assistito a una rinascita dell'importanza di esprimere sentimenti soggettivi. L'Espressionismo, originario della Germania, rifletteva la critica al potere avvertita da molti artisti.

Gli artisti di questo movimento non erano interessati né al naturalismo né all'aspetto esteriore. Pertanto, una traccia di aggressività si poteva individuare in alcuni dipinti espressionisti, spesso arcaici ed espressivi.

L'evento storico decisivo che innescò la transizione dall'impressionismo all'espressionismo fu la prima guerra mondiale . Mentre gli impressionisti celebravano le conquiste della rivoluzione industriale e glorificavano Parigi sulle loro tele, la generazione più giovane dubitava fortemente del rapido progresso tecnologico.

Gli espressionisti avvertirono intensamente la crescente "accelerazione" del mondo e i problemi che affliggevano l'individuo. Le radicali innovazioni tecnologiche misero in dubbio le capacità percettive dell'occhio umano, tanto che, dal 1900 in poi, i pittori ebbero difficoltà a catturare questo "nuovo mondo" sulla tela.

Ciò portò a un significativo allontanamento dalle tecniche impressioniste, a favore di un'enfasi sui sentimenti dell'artista piuttosto che sulla rappresentazione realistica del soggetto. Un nuovo gruppo di artisti voleva non solo catturare l'attimo, come gli impressionisti, ma tradurre direttamente i propri sentimenti e le proprie percezioni sensoriali nel dipinto.

L'arte espressionista fu una reazione alla borghesia e all'arte accademica. Cercò di trasmettere il messaggio dell'arte popolare, considerata meno raffinata. Nuove tecniche trasformarono le possibilità compositive. Le vedute divennero sfocate e la profondità fu creata esclusivamente attraverso il colore e la forma.

Wassily Kandinsky è stato un importante artista dell'Espressionismo. Nei suoi dipinti astratti, ha esplorato il colore, la forma e l'astrazione utilizzando tecniche espressioniste.

Altri celebri rappresentanti dell'Espressionismo furono Franz Marc, Edvard Munch e August Macke . Allo scoppio della Prima Guerra Mondiale, la pittura espressionista mostrò un'intensità inquietante.

L'Espressionismo era un movimento che trasmetteva messaggi politici diretti attraverso la pittura e una certa violenza nella pennellata. Durante la Prima Guerra Mondiale, furono create opere d'arte di intensità spesso sconvolgente, che offrivano una chiara critica al potere e alla società, che plasmarono politicamente la pittura.

Ciò che in Germania è noto come arte "espressionista" in Francia era chiamato Fauvismo . Henri Matisse e André Derain , i principali artisti dei "Fauves" (i "selvaggi"), sono spesso considerati gli "espressionisti francesi ". Sebbene entrambi gli stili siano emersi intorno al 1905 in contrapposizione alla pittura impressionista, l'Espressionismo è più critico nei confronti della società e orientato a un pubblico internazionale.

Mentre il Fauvismo rimase principalmente in Francia e ebbe un periodo di massimo splendore molto breve, l'Espressionismo continuò a svilupparsi in Germania, in particolare attraverso gruppi come "Die Brücke" a Berlino e "Der Blaue Reiter" a Monaco. Tuttavia, le radici di entrambi gli stili affondano nei movimenti postimpressionisti francesi, influenzati da artisti come Van Gogh , Gauguin e Toulouse-Lautrec, che diedero vita a espressioni artistiche distinte.

Art Nouveau / Art Nouveau (1890 – 1910)

Sebbene "Il bacio" di Gustav Klimt dipinti più famosi al mondo .

L'Art Nouveau , noto anche fuori dalla Germania come Jugendstil , è caratterizzato da elementi floreali di grandi dimensioni e linee delicatamente curve.

La simmetria ricoprì un ruolo sempre più marginale, mentre il dinamismo, la giocosità e un certo fascino giovanile guadagnarono terreno, non solo nella pittura.

L'Art Nouveau è caratterizzato dall'uso di una linea lunga, curva e organica ed è stato utilizzato principalmente nell'architettura , nell'interior design , nella gioielleria e nella progettazione del vetro , nei poster e nelle illustrazioni .

Fu un tentativo consapevole di creare un nuovo stile, libero dallo storicismo imitativo che dominava gran parte dell'arte e del design del XIX secolo.

In questo periodo, il termine Art Nouveau fu coniato in Belgio dalla rivista L'Art Moderne descrivere il lavoro del gruppo di artisti Les Vingt S. Bing , che chiamò la sua galleria L'Art Nouveau Jugendstil in Germania , Sezessionsstil Stile Floreale (o Stile Liberty in Italia Modernismo in Spagna .

L'Art Nouveau nel continente europeo fu significativamente influenzata dai pittori Paul Gauguin e Henri de Toulouse-Lautrec , che incorporarono linee sperimentali ed espressive nelle loro opere. Inoltre, il movimento trovò ispirazione nei motivi lineari delle stampe giapponesi ( Ukiyo-e ), che erano popolari anche nella moda.

Un tratto caratteristico di questo periodo artistico giocoso è la sua linea ondulata e asimmetrica. Questa spesso assume forme come steli di fiori, boccioli, viticci o delicati oggetti naturali. A volte questa linea può essere elegante e aggraziata, mentre altre volte possiede una potente forza ritmica e ha un aspetto simile a una frusta.

Numerosi furono gli artisti e i designer attivi nello stile Art Nouveau. Tra i più famosi vi fu l'architetto e designer scozzese Charles Rennie Mackintosh , specializzato principalmente nelle linee geometriche e che influenzò in modo particolare lo stile della Secessione austriaca.

Gli architetti belgi Henry van de Velde e Victor Horta, con le loro strutture fluide e delicate, influenzarono significativamente l'architetto francese Hector Guimard . Louis Comfort Tiffany fu un vetraio americano, mentre Louis Majorelle fu attivo in Francia come designer di mobili e ferramenta.

Alphonse Mucha, grafico e artista cecoslovacco, contribuì al movimento, così come il francese René Lalique Louis Henry Sullivan decorò i suoi edifici dalla struttura tradizionale con elementi in ferro battuto in stile Art Nouveau con motivi vegetali.

Antonio Gaudí è forse considerato l'artista più originale di questo movimento: superò la dipendenza dalle linee rette e trasformò gli edifici in costruzioni curve e bulbose, ricche di colori vivaci, dall'aspetto organico.

Dopo il 1910, l'Art Nouveau apparve antiquato e limitato e fu generalmente abbandonato come stile decorativo indipendente.

Cubismo (1906 – 1914)

A cavallo tra il XIX e il XX secolo, il Postimpressionismo e il Fauvismo influenzarono la scena artistica europea, con Georges Braque che diede un contributo significativo al Fauvismo attraverso i suoi dipinti paesaggistici. Dopo Pablo Picasso , i due artisti iniziarono una collaborazione che portò allo sviluppo del Cubismo.

Il Cubismo rappresentò un approccio artistico radicalmente nuovo alla rappresentazione della realtà. Tra i movimenti artistici più importanti del XX secolo, ruppe con i metodi rappresentativi tradizionali introducendo la frammentazione astratta e sofisticate composizioni bidimensionali.

Influenzati dall'arte africana, i due cubisti crearono insieme nuove tecniche pittoriche e rivoluzionarono il panorama dell'arte moderna.

Il cubismo può essere suddiviso in diverse fasi.

Il Proto -Cubismo , una fase di transizione tra il 1907 e il 1911, fu significativamente influenzato dall'arte di Picasso e Braque. Le loro opere Les Demoiselles d'Avignon e Viaduct in L'Estaque testimoniano la transizione al Cubismo. In queste opere, volti simili a maschere, frammentazione del soggetto e forme geometriche diventano evidenti. Questa fase segna l'ingresso nel Cubismo maturo.

Il Cubismo Analitico , dal 1908 al 1912, è caratterizzato da motivi frammentati in colori neutri e forme spezzate. Anche Picasso applicò questi principi alla sua scultura. Juan Gris si unì a Picasso e Braque e divenne particolarmente noto per il suo contributo al Cubismo Sintetico.

Il Cubismo sintetico , fase finale dello stile artistico dal 1912 al 1914, mostrò una semplificazione e un'espansione della tavolozza dei colori nelle opere di Picasso, Braque, Gris e altri artisti. Particolare interesse fu dimostrato per le nature morte, dipinte o realizzate con collage.

Futurismo (1909 – 1945) – Avanguardia al posto della morale cristiana

Parallelamente al cubismo in Francia, in Italia nacque il futurismo.

l'italiano Filippo Tommaso Marinetti scrisse un manifesto futurista in cui prendeva le distanze dalla morale cristiana e rifiutava tutte le convenzioni sociali. Sebbene Marinetti non fosse un pittore, la pittura divenne comunque la forma d'arte più importante del Futurismo. I futuristi si ribellarono ai modelli classici e mostrarono un netto rifiuto del corpo. Rifiutavano la rappresentazione del nudo come cupa e ripugnante. Tutto ciò che era tradizionale era visto con sospetto.

Il Futurismo divenne un importante movimento artistico d'avanguardia italiano, incentrato sulle nuove tecnologie e sulla vita urbana moderna. I futuristi cercarono di rappresentare la bellezza delle macchine, la velocità e il cambiamento, combinando al contempo tecniche tradizionali come la pittura e la scultura con influenze del Post-Impressionismo.

I futuristi italiani dei primi del Novecento rimasero particolarmente colpiti da tecnologie innovative come la cronofotografia , che consentiva di catturare il movimento nelle immagini. Rivoluzionarono l'arte incorporando il movimento nella pittura e nella scultura.

Utilizzarono media e tecnologie popolari per diffondere le loro idee e celebrarono persino lo scoppio della Prima Guerra Mondiale come espressione del loro entusiasmo per la modernità. Sebbene alcuni membri in seguito sostenessero il fascismo, il gruppo fu percepito come un importante movimento d'avanguardia fino agli anni '20 inoltrati.

Guidato dallo scrittore Filippo Tommaso Marinetti, il movimento diffuse le sue idee attraverso manifesti sui media moderni, celebrando l'era della macchina come un trionfo sulla natura. Artisti come Umberto Boccioni e Giacomo Balla sostennero un'arte contemporanea che catturasse lo spazio e il movimento. Il Futurismo si diffuse rapidamente in tutta Italia e ottenne anche l'attenzione internazionale grazie al sostegno di Marinetti all'estero.

Il "secondo" Futurismo (1924-1945) fu plasmato da vari artisti e architetti, tra cui Enrico Prampolini, Giacomo Balla e Fortunato Depero. Con l'Aeropittura , detta anche "Arte Sacra Futurista", affrontarono temi futuristi come il dinamismo e la velocità.

Sebbene Mussolini fosse un sostenitore del classicismo, gli architetti riuscirono comunque a realizzare edifici moderni che utilizzavano i nuovi materiali da costruzione. Gli artisti ottennero riconoscimenti "Noi",

Dadaismo (1912 – 1920) – Sul (non)senso delle cose

Il Dadaismo nacque in Svizzera durante la Prima Guerra Mondiale. Essendo un paese neutrale, Zurigo divenne un rifugio per artisti e intellettuali contrari alla guerra. Il Dadaismo nacque come reazione al nazionalismo, che molti consideravano la causa della guerra .

I dadaisti mettevano in discussione l'assurdità di regole, norme, tradizioni e valori esistenti, capovolgendoli completamente. Questo movimento artistico univa diverse forme di espressione come letteratura, poesia, danza, fotografia, pittura, scultura, collage e performance art . Un aspetto centrale era la decostruzione di ciò che "arte ". Artisti come Henri Robert Marcel Duchamp non solo abbracciarono il dadaismo e il surrealismo, ma gettarono anche le basi dell'arte concettuale , aprendo la strada ai successivi movimenti artistici moderni.

Il movimento si diffuse rapidamente in Europa e negli Stati Uniti, con gruppi distinti che si formarono in ogni città. Il Dadaismo influenzò vari movimenti d'avanguardia della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo, tra cui il Futurismo, l'Espressionismo, il Cubismo e il Costruttivismo. In seguito, ispirò movimenti culturali come il Surrealismo, l'Espressionismo Astratto e persino il punk rock.

Un denominatore comune di questi movimenti, così come del dadaismo, è l'analisi critica della cultura. Gli artisti dadaisti erano altrettanto anticonformisti nelle loro opere e nell'uso dei materiali. Con le loro creazioni, gli artisti dadaisti si facevano beffe degli atteggiamenti nazionalisti e materialisti.

Spiegare e definire il dadaismo è difficile perché manca di una struttura logica o di caratteristiche universalmente valide.

Cos'è esattamente il dadaismo? Quattro idee chiave possono aiutare a comprendere il pensiero del dadaismo. Queste idee includono l'uso del ready-made, il fascino del caso, la messa in discussione della sensibilità borghese e la resistenza a quasi tutto.

Gli artisti dadaisti crearono readymade , oggetti di uso quotidiano che modificarono solo minimamente e presentarono come opere d'arte. I readymade illustrano una delle idee centrali del dadaismo, enfatizzando l'intenzione dell'artista come opera d'arte stessa, piuttosto che come oggetto che crea. Le opere dadaiste sollevano interrogativi sulla definizione stessa di arte, sulla creatività artistica e sullo scopo dell'arte nella società .

Un concetto chiave del dadaismo è l'uso consapevole del caso. Molti artisti dada, tra cui Hans Arp , lasciarono che il caso guidasse la creazione delle loro opere. Questo approccio, privo di un piano fisso o di un'intenzione chiara, si opponeva alla produzione artistica convenzionale. Questo processo artistico offrì agli artisti dada un ulteriore modo per mettere in discussione lo status quo esistente e problematizzare il ruolo dell'artista nella creatività.

Altri famosi rappresentanti del dadaismo furono Marcel Duchamp , Man Ray e Max Ernst .

Costruttivismo (1913 – 1930) – Fusione di Cubismo e Futurismo

Nel 1913, la comparsa delle opere astratte di Vladimir Tatlin l'inizio del movimento costruttivista russo, che influenzò significativamente lo sviluppo dell'arte astratta moderna .

Questo movimento artistico è anche considerato una corrente storica che ha esplorato intensamente la disposizione armoniosa delle forme geometriche. Gli artisti coinvolti nel Costruttivismo rifiutarono i colori vivaci e ampliarono gli stili di movimenti precedenti come il Suprematismo .

Le teorie concettuali di questo periodo furono plasmate da Jean Piaget , la cui ricerca in psicologia dell'educazione e sviluppo cognitivo si concentrò sul modo in cui le persone costruiscono il significato ed esplorò le relazioni tra le esperienze umane e le loro idee.

Questa teoria includeva anche l'idea che gli esseri umani generano la propria conoscenza. La tipografia audace e i fotomontaggi artistici , insieme a una tavolozza di colori ridotta, divennero centrali per il Costruttivismo. Quest'epoca si rivelò molto influente nei campi del design e dell'architettura, che negli anni '20 si evolsero da associazioni politiche a uno stile di design dinamico.

Il celebre artista russo Kasimir Malevich coniò anche il termine "costruttivista", riferendosi al lavoro di Aleksandr Rodchenko , un designer russo ampiamente riconosciuto.

Il Rinascimento di Harlem (1920-1930) – La rinascita della cultura afroamericana

L' Harlem Renaissance , che raggiunse il suo apice negli anni '20, rappresenta un capitolo importante della rinascita culturale della comunità afroamericana negli Stati Uniti.

Quest'epoca fu caratterizzata da una notevole valorizzazione e creazione di forme di espressione intellettuali e culturali sviluppate da artisti afroamericani in campi quali la musica, la letteratura, le arti visive, la poesia, la politica, la danza e la moda.

Questo periodo è anche noto come "New Negro Movement" e comprendeva una varietà di stili artistici contemporanei unici che miravano a rappresentare l'esperienza nera da una prospettiva non occidentale. Sottolinea in particolare le ingiustizie storiche subite da studiosi e artisti afroamericani, promuovendo così un più profondo coinvolgimento con il patrimonio culturale della popolazione afroamericana.

Originariamente radicato nel quartiere di Harlem a New York, questo movimento è stato plasmato da numerose icone culturali che hanno contribuito in modo significativo al rafforzamento della cultura afroamericana e all'apprezzamento degli artisti neri all'inizio del XX secolo.

L'Harlem Renaissance richiese un forte impegno nell'attivismo politico e influenzò in modo decisivo movimenti chiave come il Movimento per i diritti civili negli anni '50.

Questa età dell'oro culturale invita tutti a riscoprire dell'arte afroamericana

I 7 importanti artisti dell'Harlem Renaissance che vedremo in questo video sono: Langston Hughes, Aaron Douglas, Lois Mailou Jones, Augusta Savage, Gwendolyn B. Bennett, Meta Vaux Warrick Fuller e James Van Der Zee.

Nuova Oggettività (1918 – 1965) – Fredda e tecnica

I diversi periodi artistici dalla prima guerra mondiale ai giorni nostri rappresentano un momento culminante dell'arte contemporanea e illustrano lo sviluppo evolutivo degli stili artistici, che hanno contribuito in modo significativo alla ridefinizione dei concetti riguardanti la rappresentazione, l'estetica visiva e la cultura nel periodo postbellico.

La Nuova Oggettività descrive il movimento artistico emerso dopo la Prima Guerra Mondiale e incentrato sul mondo visibile. Questo stile si sviluppò durante la Repubblica di Weimar e includeva artisti rinomati come George Grosz e Otto Dix , che affrontarono temi di critica sociale.

Il movimento si diffuse oltre la Germania, raggiungendo Austria, Svizzera e Paesi Bassi. Ispirato dalla Pittura Metafisica italiana, univa la disillusione a un chiaro concetto visivo che raffigurava oggettivamente gli oggetti di uso quotidiano.

Il movimento artistico era caratterizzato da un'espressione oggettiva e da una rappresentazione avvincente delle realtà sociali ed economiche. Gli oggetti venivano ritratti con una nitidezza inequivocabile, talvolta ricorrendo a elementi caricaturali. Questo stile permetteva agli artisti di riflettere sui complessi aspetti della vita contemporanea in modo fondamentalmente onesto, attirando al contempo l'attenzione sulle ingiustizie sociali.

Una mostra fondamentale del 1925, curata da Gustav Friedrich Hartlaub, riunì vari artisti e divise il movimento della Nuova Oggettività in un'ala socialmente critica e un'ala classicamente conservatrice, che reagirono a un'epoca percepita come segnata da crisi.

L'ascesa dei nazionalsocialisti nel 1933 e la successiva Gleichschaltung (coordinamento) dei media, nonché l'istituzione di una cosiddetta arte tedesca, segnarono la fine della Nuova Oggettività. 

Negli anni Cinquanta e all'inizio degli anni Sessanta, il movimento della Nuova Oggettività intraprese un profondo impegno nei confronti di questioni sociali e politiche. I tumulti e i conflitti di due devastanti guerre mondiali spinsero molte persone a cercare una base stabile che fornisse loro un orientamento, un'esigenza chiaramente riflessa nelle opere d'arte di questo periodo.

Le opere della Nuova Oggettività sono spesso caratterizzate da un'estetica fredda, distaccata e tecnica. Frequenti sono i motivi decorativi come radio o lampadine, che riflettono gli aspetti tecnologici della vita quotidiana.

Come accade in molti movimenti artistici moderni, anche all'interno della Nuova Oggettività si riscontrano diverse correnti e direzioni, che sottolineano il carattere poliedrico di quest'epoca.

Surrealismo (c. 1920–1945): Realtà subconsce

Dopo la prima guerra mondiale, il Surrealismo irruppe sulla scena artistica come un'onda enorme, polverizzando tutte le idee preconcette dei parigini sulla natura della realtà, dell'arte e della psiche umana.

fondato da André Breton

La sua definizione di Surrealismo era:

Non bisogna perdere di vista che l'idea del Surrealismo mira semplicemente al recupero totale del nostro potere psichico, attraverso un mezzo che non è altro che la discesa vertiginosa in noi stessi, l'illuminazione sistematica dei luoghi nascosti e l'oscuramento progressivo di altri luoghi…“

(Fonte: Malen-Lernen.org)

Il suo tentativo rivoluzionario di infrangere le norme vigenti all'epoca trovò ampia espressione in Europa e negli Stati Uniti durante gli anni '20 e '30.

Intitolata a Guillaume Apollinaire , illustre poeta e critico d'arte, la prima mostra surrealista si tenne a Parigi nel 1925 e presentò opere di artisti come Pablo Picasso e Man Ray . Questo stile artistico affrontava spesso aspetti scomodi dell'esistenza umana, tabù sociali e sfidava le convinzioni borghesi.

In questo contesto, il Surrealismo si sviluppò in un movimento artistico strutturato con una profonda dimensione politica, filosofica e sociale, che stabilì i metodi per stupire e affascinare i suoi seguaci.

Per quanto assurda possa sembrare la pura illogicità del movimento Dada, i surrealisti consideravano il regno dei sogni la fonte di ogni verità. Uno degli artisti più famosi di questo movimento surrealista è Salvador Dalí , e sicuramente conoscete le sue opere come "Orologi che si sciolgono" (1954).

Il Surrealismo, fortemente influenzato dalle idee psicoanalitiche, spinse molti artisti a usare i propri sogni come fonte di ispirazione. Questo movimento era un grido contro la razionalità, considerata distruttiva per la società.

Gli artisti surrealisti utilizzavano varie tecniche per esplorare il loro inconscio e lo ponevano al centro delle loro opere.

Nonostante il rifiuto iniziale, il Surrealismo ha cambiato profondamente il volto dell'arte moderna e continua ad avere un impatto ancora oggi.

Art Déco (c. 1920 – 1935): Proporzionato, elegante e audace

Sebbene questo stile abbia raggiunto il suo massimo splendore negli anni '20, '30 e '40, lo sviluppo dello stile Art Déco già in corso da oltre un decennio prima della sua introduzione ufficiale.

Apparve per la prima volta in Francia poco prima dello scoppio della Prima Guerra Mondiale. Tuttavia, il grande pubblico venne a conoscenza di questo movimento solo nel 1925, in occasione dell'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes , che si ispirava vagamente al concetto di esposizione universale.

Essendo uno stile artistico estremamente decorativo, gli artisti del movimento Art Déco si distinsero presto attraverso esperimenti nei settori del design, della pittura, dell'arredamento, dell'architettura e dell'edilizia all'interno del loro spettro stilistico.

L'Art Déco si presenta come uno stile artistico caratterizzato da colori vivaci e forme geometriche audaci, che danno vita a opere d'arte estremamente lussuose e ricche di dettagli. Oltre alle belle arti, comprende anche elementi architettonici e di design.

Fin dai suoi esordi, l'Art Déco fu fortemente influenzato dalle audaci forme geometriche del Cubismo e dai colori vivaci del Fauvismo. Lo stile promuoveva un forte senso dell'ordine e metteva in risalto disegni proporzionati ed equilibrati, in forme rigogliose e vivaci.

Il design Art Déco ha permeato numerose forme di design all'inizio del XX secolo, con il movimento che ha sperimentato elementi tratti dalle belle arti, dall'architettura, dalla moda, dal design di mobili, dai trasporti e persino dagli oggetti di uso quotidiano. I ruggenti anni Venti sarebbero inimmaginabili senza l'Art Déco.

caratteristiche dell'Art Déco erano chiaramente riconoscibili. L'arte Déco era spesso descritta come un insieme di stili diversi e vista come una fusione eclettica di varie influenze, materiali e forme.

Pertanto, può essere difficile distinguere lo stile Art Déco da altri movimenti artistici simili, come l'Art Nouveau , l'Art Moderne , il Bauhaus o il movimento Arts and Crafts

Ciononostante, l'epoca dell'Art Déco ebbe un'importanza enorme, poiché le sue qualità decorative ispirarono una varietà di altri stili artistici.

Bauhaus (1920 – 1925): Integrazione tra design industriale e arte

L'arte del Bauhaus è strettamente legata a una delle scuole d'arte più influenti del XX secolo. Il Bauhaus ha svolto un ruolo cruciale nella formazione di molti importanti artisti e designer. Nonostante la sua chiusura nel 1933 da parte del regime nazista, la scuola ha avuto un profondo impatto sull'istruzione e sul legame tra società, arte e tecnologia negli Stati Uniti e in Europa.

Lo stile Bauhaus, fondato nel 1919 da Walter Gropius a Weimar, in Germania, emerse dai movimenti creativi del XIX e dell'inizio del XX secolo, tra cui l'Art Nouveau e il movimento Arts and Crafts. Questi movimenti cercavano di abbattere i confini tra arti applicate e belle arti e di combinare il design creativo con le applicazioni pratiche.

Negli anni '20, la scuola Bauhaus spostò la sua attenzione sull'integrazione tra design industriale e arte , raggiungendo i suoi risultati più significativi. Gropius auspicava un ritorno agli ideali medievali nell'arte e nell'artigianato e promuoveva l'apprezzamento dell'artigianato in tutte le forme di espressione artistica, come il design industriale, l'architettura e la grafica.

L'ascesa del Costruttivismo russo negli anni '10 contribuì allo sviluppo estetico, facendo del Bauhaus un'istituzione pionieristica per l'arte contemporanea in Europa e negli Stati Uniti.

L' della scuola era rivolta al suo approccio didattico creativo ed efficace. Gropius lo paragonò a una ruota con anelli, il cui anello esterno simboleggiava il corso preparatorio di sei mesi istituito da Johannes Itten . Questo corso enfatizzava gli elementi fondamentali del design, in particolare le diverse caratteristiche di forme, colori e materiali.

I professori portati a Weimar da Gropius, tra cui gli artisti d'avanguardia Johannes Itten, Lyonel Feininger e lo scultore Gerhard Marcks , furono in gran parte responsabili del programma di studi del Bauhaus. Itten plasmò la scuola con i suoi approcci espressionisti e la sua attenzione al Medioevo romantico. I conflitti con l'approccio analitico di Gropius portarono all'abbandono di Itten nel 1923.

Il suo successore, László Moholy-Nagy , integrò la tecnologia e il ruolo sociale dell'arte nel curriculum rivisto. Nella sua breve esistenza, il Bauhaus assorbì un'ampia gamma di influenze stilistiche; oltre a Moholy-Nagy, degni di nota sono anche artisti come Paul Klee e Wassily Kandinsky , così come talenti multidisciplinari come Oskar Schlemmer e Georg Muche .

Arte moderna, postmoderna e contemporanea

Periodi dell'arte contemporanea in sintesi

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Joachim Rodriguez y Romero

Titolare e amministratore delegato di Kunstplaza. Pubblicista, redattore e blogger appassionato nel campo dell'arte, del design e della creatività dal 2011. Laurea in web design conseguita nel corso degli studi universitari (2008). Sviluppo di tecniche di creatività attraverso corsi di disegno libero, pittura espressiva e recitazione/teatro. Conoscenza approfondita del mercato artistico grazie a ricerche giornalistiche pluriennali e numerose collaborazioni con attori/istituzioni dell'arte e della cultura.

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