Artemisia Gentileschi – Il barocco italiano dal suo lato femminile

Le rappresentazioni della società barocca italiana nei dipinti di Artemisia Gentileschi non sono certo lusinghiere. Sebbene l'artista, considerata l'unica pittrice barocca italiana, ritragga scene storiche e bibliche nelle sue opere, il quadro generale è tutt'altro che lusinghiero.

Ma si sa abbastanza della sua vita da permettere un'interpretazione autobiografica: Artemisia Gentileschi  – nota anche come Artemisia Lomi – ritrasse in particolare donne forti ed eroine.

Prendiamo ad esempio il dipinto “Giuditta che decapita Oloferne”: con un'espressione fredda, quasi disgustata, Giuditta si china di lato mentre trafigge con il coltello la gola di Oloferne, disteso sul letto e aiutato da un servo. Non c'è pietà, nessun dubbio sull'atrocità dell'atto. Le figure sono raffigurate in modo plastico e molto realistico; il pathos tipico del periodo barocco .

Video: La grande arte spiegata – Giuditta decapita Oloferne

Donne fortiche fanno ciò che è necessario: questo è il tema dei dipinti di Artemisia Gentileschi. Che le sue figure catturassero lo spirito del tempo è evidente: non solo visse di pittura, ma crebbe anche la figlia, che formò insieme ad artisti uomini nel suo atelier.

Chi era Artemisia Gentileschi?

Artemisia Gentileschi fu una pittrice di spicco del . barocco periodoFiglia dell'artista romano Orazio Gentileschi, nacque a Roma. Dimostrò il suo straordinario talento con dipinti storici in città come Roma, Venezia, Firenze, Napoli e Londra.

Artemisia Gentileschi si distinse nel panorama artistico del periodo barocco . Rispetto alle pittrici rinascimentali come Sofonisba Anguissola da Cremona e Lavinia Fontana da Bologna, note per i ritratti e le opere religiose, Artemisia Gentileschi fu la prima a conquistarsi un'ottima reputazione come creatrice di composizioni di grande formato a tema mitologico e biblico.

Nel mondo dell'arte barocca, la pittura storica era considerata l'apice della pittura. Le opere di Artemisia Gentileschi raffigurano spesso atti di violenza con protagoniste femminili, il che potrebbe essere spiegato dalla sua biografia – se questa sia un'interpretazione corretta o meno è spesso oggetto di dibattito.

Talento ed esperienze traumatiche

nacque a Roma nel luglio del 1593. Era Artemisia Gentileschi Lomi figlia del celebre pittore romano e seguace di Caravaggio Orazio Gentileschi e di sua moglie Prudenzia di Ottaviano Montoni. La madre morì quando Artemisia aveva solo dodici anni.

Due dei suoi fratelli, entrambi di nome Giovanni Battista, morirono nel 1601 e nel 1603. Fino al 1607, Artemisia fu apparentemente l'unica donna nella famiglia del padre, prima che la sorella vedova Lucrezia si unisse a loro per un certo periodo. A causa di queste circostanze, Artemisia probabilmente ricevette poca o nessuna istruzione formale, cosa comune per le donne del suo tempo, soprattutto quelle appartenenti a classi sociali simili.

Deve essere stato difficile per Artemisia crescere. Suo padre era molto autoritario e seguiva il codice di condotta del primo Seicento, che prescriveva un comportamento autoritario. Per dimostrare la sua virtù, ad Artemisia era raramente permesso uscire di casa e doveva sempre essere accompagnata durante le uscite.

Formazione artistica

Suo padre la formò nella sua bottega a partire dal 1608 o 1609, proprio come i suoi fratelli ancora in vita.

Orazio, tuttavia, non insegnava all'università. Artemisia non ebbe l'opportunità di riprodurre opere d'arte accessibili al pubblico e nelle chiese di Roma. La sua formazione si limitò probabilmente alla macinazione dei pigmenti, alla miscelazione dei colori e all'apprendimento delle basi della pittura imitando le opere del padre.

È possibile che Artemisia abbia studiato anche le incisioni su rame di altri artisti.

Orazio Gentileschi riconobbe presto l'eccezionale talento della figlia Artemisia e iniziò la sua formazione quando aveva circa 13 o 14 anni. All'età di 16 anni, dipingeva già in modo indipendente e dimostrava un talento senza pari. In una lettera del 1612, Orazio elogiò le capacità di Artemisia a Cristina di Lorena.

Il suo primo dipinto firmato, "Susanna e i vecchioni", del 1610 (vedi sotto), conferma la sua eccezionale abilità, essendo ricco di maturità e delicatezza, nonostante avesse solo 17 anni. Artemisia Gentileschi si affermò come un'artista di grande talento, capace di creare opere straordinarie fin da giovanissima.

Video: Chi era Artemisia Gentileschi e come si ritrae in questo raro autoritratto?

Il Barocco italiano è principalmente associato a Caravaggio , e questo vale anche per la bottega dei Gentileschi. Orazio Gentileschi non solo fu influenzato dallo stile del grande pittore, ma ne fu anche amico. Ciò è evidente nei dipinti della figlia. Tuttavia, la pittrice barocca italiana sviluppò uno stile molto naturalistico, che si differenzia dalle raffigurazioni più idealizzate del padre.

Il primo dipinto storico conosciuto di Artemisia Gentileschi fu realizzato dalla pittrice barocca italiana all'età di 17 anni; lo firmò e lo datò. Oggi, il dipinto "Susanna e i vecchioni" a Pommersfelden. La sua raffigurazione non lascia dubbi sulla violenza sessuale subita da Susanna da parte dei giudici.

stupro

Nel 1611, Orazio Gentileschi accolse Agostino Tassi (c. 1580–1644) nella sua bottega. I due pittori lavorarono insieme all'affresco sul soffitto del Casino delle Muse a Palazzo Pallavicini-Rospigliosi a Roma. Tassi avrebbe anche insegnato ad Artemisia; era noto per i suoi imponenti paesaggi. Il padre di lei, Orazio Gentileschi, orgoglioso del talento della figlia, desiderava che il collega pittore l'aiutasse a sviluppare la sua comprensione della prospettiva.

Tuttavia, violentò Artemisia nel maggio del 1611 nella casa del padre. Poiché il padre in seguito denunciò il crimine, ne conosciamo i raccapriccianti dettagli.

Dagli atti del tribunale del 1612, dichiarazione di Artemisia Gentileschi:

Quando raggiungemmo la porta, mi spinse dentro la stanza e la chiuse a chiave dietro di noi. Con un colpo al petto, mi gettò sul letto, poi mi infilò un ginocchio tra le cosce e mi coprì la bocca con un fazzoletto perché non potessi urlare. Poi mi sollevò le gonne, cosa che gli riusciva difficile, mi infilò l'altro ginocchio tra le gambe e mi infilò il pene nella vagina. Poi mi lasciò andare la mano e iniziò a spingere. Quando entrò, sentii un forte bruciore e dolore. Resistetti, ma non potei chiamare aiuto perché mi stava ancora coprendo la bocca. Gli graffiai il viso, gli strappai un po' di capelli e, prima che li infilasse, gli colpii il pene così forte che un pezzo di carne si staccò. Ma lui non si lasciò scoraggiare e continuò a fare quello che stava facendo. Non si staccò da me finché non ebbe finito. Quando fui libera, corsi al cassetto del tavolo, tirai fuori un coltello, mi avventai su Agostino e gridai: "Ti ucciderò con questo coltello, perché mi hai profanato!"

Agostino Tassi non era un uomo innocente. I suoi crimini noti spaziavano dall'omicidio all'incesto. Artemisia Gentileschi sperimentò in prima persona cosa significa essere donna: Tassi le mentì riguardo a una promessa di matrimonio, la costrinse a sottoporsi a visite ginecologiche in tribunale e la fece testimoniare sotto tortura.

Tassi negò con veemenza il crimine per tutto il processo. Accusò Artemisia di aver mentito e rispose a tutte le accuse con attacchi sfacciati. Aveva una nuova storia inventata pronta per ogni interrogatorio. Sebbene i suoi precedenti penali includessero omicidio, rapina e incesto, Tassi non fu torturato: i giudici gli credettero comunque.

Nell'ottobre del 1612, il processo si concluse dopo otto mesi senza alcun risultato significativo. Tassi fu assolto e continuò la sua carriera senza intoppi; anche Orazio, il padre di Artemisia, riprese la loro antica amicizia.

Per Artemisia, tuttavia, le cose erano diverse: dovette ripetutamente pagare il prezzo del suo essere donna. Lo scandalo, di fama nazionale, doveva essere sedato e la sua reputazione pubblica ripristinata.

Per garantire alla figlia un sostentamento nonostante la vergogna subita, il padre diede in sposa Artemisia a un artista fiorentino. Con il nuovo marito, Pietro Antonio Stiattesi, si trasferì a Firenze quello stesso anno, da cui si separò presto.

Artemisia rimase sposata con Stiattesi, ma ebbe una relazione a lungo termine tollerata dal marito e viaggiò per l'Europa senza di lui. Dei due figli e delle tre figlie nati da questo matrimonio, solo Prudenzia Stiattesi raggiunse l'età adulta.

Sosta a Firenze: Riconoscimento come artista

Il barocco italiano non si limitò a Roma: anche Firenze ebbe i suoi artisti e mecenati. Artemisia Gentileschi riuscì a completare un dipinto nella Cassa Buonarroti nel 1613 e a Firenze divenne pittrice di corte dei Medici. Trovò anche un altro mecenate in Carlo I d'Inghilterra.

Anche a Firenze, la pittrice ottenne riconoscimenti tra collezionisti e intellettuali. Frequentò Michelangelo Buonarroti il ​​Giovane, scrittore, e Cristofano Allori. all'Accademia delle Arti del Disegno , diventandone la prima membro donna.

Tramite Michelangelo Buonarroti il ​​Giovane, Artemisia conobbe le figure più importanti della corte medicea di Firenze. Egli non fu solo suo amico e mecenate, ma anche un sostenitore finanziario suo e del marito. Insieme a lui, dipinse la sua unica opera documentata, l' "Allegoria dell'Inclinazione", per Casa Buonarroti.

Si presume che la loro relazione esistesse da molto tempo, poiché Buonarroti era addirittura destinato a fare da padrino alla figlia. Grazie a lui, Artemisia ebbe accesso a una cerchia di intellettuali, scrittori, artisti e musicisti, che influenzò significativamente la sua produzione artistica e la sua reputazione a Firenze.

Dall'agosto del 1615, Artemisia Gentileschi, insieme agli artisti Agostino Ciampelli, Sigismondo Coccapani, Giovan Battista Guidoni e Zanobi Rosi, lavorò alla pittura del soffitto di Casa Buonarotti. Quest'opera è l'unica documentata del suo periodo a Firenze. Gli storici dell'arte interpretano la raffigurazione dell'allegoria del nudo come un autoritratto idealizzato dell'artista.

In questo periodo ricevette anche commissioni da Cosimo II de' Medici, Granduca di Toscana, e da Cristina di Lorena. Sappiamo di una lettera che scrisse a Galileo Galilei – probabilmente lo incontrò a Firenze.

Ulteriore formazione nella fase fiorentina

La corte medicea fu importante per Artemisia Gentileschi, poiché non solo le offrì un impiego e un sostegno finanziario, ma le permise anche di approfondire i suoi studi. Si appassionò all'arte fiorentina e prese Cristina di Lorena come modello. L'artista imparò a leggere e scrivere e ampliò le sue conoscenze di letteratura e musica.

Purtroppo, la maggior parte delle opere del suo periodo fiorentino sono andate perdute. Sappiamo oggi che Maria Maddalena d'Austria lavorò "Giuditta che decapita Oloferne" , nonché una "Diana al bagno".anche "Ercole" . Sappiamo di quest'ultimo perché Artemisia Gentileschi fece realizzare dell'oltremare per l'Ercole, ma non pagò mai il conto.

Madre di 5 figli nonostante il successo artistico

È davvero ammirevole come Artemisia riuscisse a lavorare con tanta diligenza nonostante le gravidanze. In soli cinque anni diede alla luce cinque figli: Giovanni Battista, Agnola, Cristofano, Prudenzia (detta anche Palmira) e Lisabella.

Solo due dei suoi figli vissero abbastanza a lungo da accompagnarla a Roma. Nonostante la famiglia si allargasse, Pierantonio non riusciva a soddisfare tutte le esigenze di Artemisia, e così la pittrice iniziò una relazione con Francesco Maria Maringhi. Questi era un rispettato amministratore al servizio di Matteo Frescobaldi, proprietario di una proprietà di Artemisia a Firenze.

La storia di Artemisia ci mostra la sua forza e determinazione nel continuare ad avere successo nonostante tutte le avversità del suo percorso di vita personale.

Situazione difficile a Roma

Già nel marzo del 1620, Gentileschi e Stiattesi erano tornati a Roma. Il pittore barocco italiano frequentava l'umanista e amante dell'arte Cassiano das Pozzo ed era Pierre Dumonstier II amico

Il Barocco italiano degli anni Venti del Seicento si caratterizzava per le grandi pale d'altare. Ma Artemisia Gentileschi non ricevette commissioni specifiche per questo genere. Era una pittrice di ritratti e di eroine bibliche, e dedicò i sei anni successivi a Roma a un riorientamento della sua direzione artistica. L'ambasciatore spagnolo, Fernando Afán de Ribera, acquistò da lei una "Maddalena", un "David" e un "Cristo che benedice i bambini".

Ancor più importante per il pittore barocco italiano fu Cassiano da Puzo. Segretario del cardinale Francesco Barberini, presentò Artemisia Gentileschi alla sua cerchia di amici artisti, tra cui Simon Vouet, Nicolas Poussin e Giovanna Garzoni. Vouet dipinse un ritratto di Artemisia Gentileschi che illustra questi legami.

Artemisia fu introdotta nei circoli francofoni di Roma negli anni Venti del Seicento, probabilmente da Simon Vouet. Vouet e Cassiano dal Pozzo ebbero entrambi un ruolo importante nella sua vita. Vouet divenne presidente dell'Accademia di San Luca e dipinse ritratti che Artemisia ammirava. Dal Pozzo, segretario papale e nipote di un cardinale, possedeva ritratti di Artemisia e le commissionò un autoritratto.

Rimasero in contatto anche dopo il trasferimento di Artemisia a Napoli. Negli anni Trenta del Seicento, lei gli scrisse con grande affetto, chiedendogli sostegno per la figlia.

Tre anni a Venezia

La tappa successiva di Artemisia Gentileschi fu Venezia. La pittrice barocca lasciò Roma nel 1626 o 1627 e trascorse i tre anni successivi a Venezia. Sappiamo, ad esempio, di un foglio volante del 1627 i cui versi sono dedicati a tre dei suoi dipinti.

La sua presenza è documentata nelle lettere di Antonino Collurafi che sono state pubblicate.

Nel 1628, Artemisia Gentileschi fu incaricata dal conte di Oñate, per conto del re di Spagna, di dipingere un quadro ai lati dell' "Ercole e Onfale ". Questa prestigiosa commissione fu la prima ricevuta dal monarca spagnolo e la consacrò come una delle pittrici più importanti d'Europa. Ciò potrebbe averla spinta a trasferirsi a Napoli, poiché la città era sotto il dominio spagnolo e offriva migliori opportunità economiche.

Valutare lo sviluppo artistico di Artemisia a Venezia è una sfida, poiché deve essere desunto da un unico dipinto degli anni 1626-1630: "Ester davanti ad Assuero" (1628-1630, The Metropolitan Museum of Art, New York).

Quest'opera raffigura la storia biblica della coraggiosa Ester, che dimostra il suo coraggio salvando il popolo ebraico. Artemisia cattura magistralmente la tensione e il significato di questa scena. L'attenta composizione delle figure e il sottile trattamento di luci e ombre testimoniano la sua abilità pittorica.

Fuga dalla peste: Napoli

Non sappiamo esattamente quando l'artista arrivò a Napoli. Tuttavia, fu introdotta in città già nell'estate del 1630 e probabilmente vi trascorse il resto della sua vita, a parte un breve soggiorno a Londra.

A Napoli, realizzò opere per l'Infanta Maria di Spagna e intrattenne una corrispondenza con Cassiano da Pozzo a Roma. Firmò e datò l' “Annunciazione”e “Clio, Musa della Storia”.

Napoli era una città costosa a quei tempi. Ciononostante, la pittrice romana, che aveva completato la sua formazione a Firenze ed era originaria di Venezia, era apparentemente ben affermata sulla scena artistica. Collaborò con altri artisti locali a serie di dipinti, aveva ricevuto commissioni dal viceré Manuel de Acevedo Zúñiga y Fonseca e conosceva l'artista Massimo Stanzione.

Artemisia si stabilì a Napoli per quasi un quarto di secolo, a parte un breve viaggio a Londra alla fine degli anni Trenta del Seicento. Sebbene avesse intenzione di lasciare la città, come espresse in una lettera ad Andrea Cioli, si ritrovò immersa nel caos della guerra e nell'alto costo della vita.

Ciononostante, Artemisia riuscì a integrarsi con successo nella scena artistica napoletana e ricevette le sue prime commissioni pubbliche. Dipinse la sua prima pala d'altare verso la fine dei trent'anni.

A differenza di altri artisti "stranieri", Artemisia non fu sistematicamente perseguitata dai pittori napoletani. Questo forse perché non rappresentava una concorrenza diretta per i grandi progetti decorativi della città e possedeva spiccate capacità relazionali. Inoltre, aveva un alleato in Massimo Stanzione, che aveva conosciuto durante il suo soggiorno romano: egli ebbe un ruolo chiave nell'assicurare commissioni per Filippo IV e per la cattedrale di Pozzuoli.

Negli anni Trenta del Seicento, Artemisia intraprese importanti incarichi pubblici e servì una fedele clientela privata a Napoli. In questo periodo, ampliò il suo repertorio di narrazioni storiche e bibliche includendo allegorie e temi letterari.

A differenza di altri artisti come Jusepe de Ribera o Battistello Caracciolo, l'arte napoletana di Artemisia era caratterizzata da un elegante stile naturalistico, descritto come "naturalismo temperato e classicismo moderato" .

Tra queste influenze figurano Simon Vouet e pittori contemporanei come Massimo Stanzione, Paolo Finoglia e Bernardo Cavallino, con i quali Artemisia collaborò strettamente. È noto che Artemisia creò opere in cui si possono identificare più mani, forse in parte a causa delle crescenti richieste del suo studio e della necessità di soddisfare le richieste dei clienti.

A Napoli era comune la collaborazione con altri artisti; ad esempio, lavorò con specialisti del paesaggio come Domenico Gargiulo (noto anche come Micco Spadaro) o il pittore di architettura Viviano Codazzi.

Negli ultimi anni della sua permanenza a Napoli, la sua collaborazione con il figurista Onofrio Palumbo fu addirittura documentata. Ciò potrebbe essere avvenuto per motivi pratici: a causa dell'età avanzata e della malattia ingravescente, aveva degli obblighi da assolvere.

Breve intermezzo a Londra

La pittrice barocca italiana visse a Londra tra il 1638 e il 1640. Lì collaborò con il padre alla realizzazione degli affreschi sui soffitti della Queen's House di Greenwich.

Si dice che durante il suo soggiorno londinese, Artemisia abbia preso parte alla progettazione del soffitto della Great Hall della Queen's House a Greenwich. Orazio Gentileschi ricevette l'incarico dalla regina Enrichetta Maria di dipingere una serie di affreschi sul soffitto raffiguranti il ​​tema della pace che prevale sulle arti.

Originariamente destinati alla residenza della Regina, i dipinti furono installati nell'autunno del 1638 e successivamente trasferiti a Marlborough House. L'iconografia fu molto probabilmente concordata con l'architetto Inigo Jones prima dell'arrivo di Artemisia a Londra.

Sebbene sarebbe allettante supporre che padre e figlia possano aver lavorato insieme a questo progetto, il contributo di Artemisia non è documentato e il suo coinvolgimento è contestato a causa delle cattive condizioni delle tele dopo la loro rimozione dalla Queen's House.

Ritorno a Napoli

Suo padre morì a Londra. Nel 1641 tornò a Napoli: probabilmente era stata impiegata direttamente dalla Regina durante il suo soggiorno in Inghilterra.

Il suo ultimo dipinto conosciuto, "Susanna e i vecchioni", fu realizzato nel 1652, poco dopo la sua guarigione da una malattia, quando aveva quasi sessant'anni.

I registri fiscali di Napoli riportano ancora pagamenti effettuati dalla pittrice nell'agosto del 1654, dopodiché si perdono le sue tracce.

Come si può descrivere brevemente lo stile artistico di Artemisia?

L'arte di Artemisia Gentileschi è stilisticamente influenzata da Caravaggio e dal padre Orazio, ma l'artista pone maggiore enfasi sul realismo e sul naturalismo.

I suoi dipinti sono caratterizzati da rappresentazioni potenti che colpiscono per le ricche tonalità gioiello e le tonalità realistiche della pelle. Ha rotto con le tradizionali rappresentazioni di figure femminili nelle storie bibliche e mitologiche, presentando eroine forti e capaci di agire in modo autonomo.

Artemisia Gentileschi ritrasse nelle sue opere le donne come figure forti, coraggiose e ribelli, che non si conformavano alle tipiche "femminili" . Queste raffigurazioni di donne come pari agli uomini, o addirittura come protagoniste, erano insolite per la sua epoca. I critici del XX secolo lodarono le sue pennellate audaci e l'assenza di timidezza o debolezza nei suoi dipinti.

Gentileschi subì abusi sessuali durante l'adolescenza, un trauma che si riflette in molte delle sue opere. Temi come l'abuso di potere, lo stupro e la violenza ricorrono frequentemente nei suoi dipinti.

Si ritiene che dipingere questi motivi l'abbia aiutata a elaborare il trauma e a cercare vendetta e riparazione attraverso la sua arte.

Il Barocco italiano senza Artemisia Gentileschi? Impensabile!

L'artista era una figura insolita per la sua epoca e dovette lottare duramente per il suo posto nel panorama artistico. Tuttavia, come sappiamo dai resoconti, lo mantenne e lo difese. Era consapevole della sua situazione; lo sappiamo anche dai suoi scritti.

1916: apprezzamento tardivo da parte degli storici dell'arte

Fu solo nel 1916 – circa tre secoli dopo la sua opera – che lo storico dell'arte italiano Roberto Longhi le dedicò uno studio approfondito.

Lo storico dell'arte ha localizzato, identificato, confrontato e valutato i dipinti di Artemisia Gentileschi. Alla fine, è giunto alla ferma convinzione che:

L'unica donna in Italia che abbia mai saputo cosa fossero la pittura, il colore, la miscelazione e altre cose essenziali.”

Secondo Longhi, Gentileschi appartiene – a prescindere dal sesso – ai “grandi maestri” del XVII secolo. È considerata la fondatrice del “caravaggismo napoletano” e le sue opere non sfuggono affatto al confronto con contemporanei rinomati come Vermeer e van Dyck (cfr. EMMA: Gentileschi – La vendetta dell’artista).

Nonostante il suo talento eccezionale, Artemisia dovette affrontare numerose difficoltà. Fu vittima di un processo pubblico per stupro da parte di un collega di suo padre, un evento che segnò profondamente la sua vita. Ciononostante, non si lasciò sconfiggere e continuò imperterrita per la sua strada.

L'accoglienza della sua opera, tuttavia, fu difficile per lungo tempo. Molti dipinti furono attribuiti ad altri artisti (uomini); Artemisia Gentileschi fu disprezzata, negata e ignorata. Se oggi sappiamo così tanto di lei è grazie a una serie di circostanze fortunate: l'artista firmava spesso i suoi dipinti, gestiva una bottega piuttosto grande e ottenne riconoscimenti. Subì l'influenza degli artisti olandesi e francesi che aveva incontrato a Roma e, a volte, fu sommersa dalle commissioni.

La riscoperta di Artemisia Gentileschi di Anna Banti

scrisse Anna Banti una biografia romanzata di Artemisia Gentileschi. Questa biografia permise alla storia dell'arte di riscoprire la figura più influente del Barocco italiano.

Nel 1976 e nel 1977, i dipinti di Artemisia Gentileschi furono esposti nella mostra “Artiste donne” . Da allora, la pittrice barocca italiana è diventata una leggenda, un'icona, un modello e uno schermo di proiezione per innumerevoli fantasie.

Oggi, Artemisia Gentileschi riceve finalmente il riconoscimento che merita. È celebrata come pioniera della storia dell'arte femminista e i suoi contributi innovativi alla pittura del XVII secolo sono riconosciuti.

Il suo lavoro continua a essere fonte d'ispirazione per molte artiste in tutto il mondo che lottano per la propria passione contro ogni avversità. Il movimento "Me Too", , si identifica facilmente con questa donna forte che si è affermata in un mondo dominato dagli uomini.

Artemisia Gentileschi come figura di spicco del movimento femminista

sin dagli anni '70 un significato particolare per le femministe, dopo che la storica dell'arte femminista Linda Nochlin un articolo intitolato "Perché non ci sono grandi artiste donne?" per rispondere a questa domanda.

In questo articolo, ha esaminato il concetto di "grande artista donna" e ha scoperto che le donne nell'arte e in altri campi non ricevevano lo stesso riconoscimento degli uomini a causa di strutture oppressive, non perché fossero meno talentuose.

Nochlin ha sottolineato l'importanza di studiare Artemisia e altre artiste per approfondire il contributo delle donne alla storia dell'arte. , "Violence, Planter's & Virtue: Artemisia's Judith Slays Holofernes", di Eve Straussman include una prefazione di Douglas Druick, il quale menziona come l'articolo di Nochlin abbia incoraggiato i ricercatori a impegnarsi maggiormente per includere le artiste nella storia dell'arte e della cultura.

Tuttavia, non mancano voci critiche riguardo alla "strumentalizzazione" del pittore a fini femministi e a una visione unidimensionale dell'artista.

Lo stupro di Artemisia è spesso messo in primo piano nella letteratura femminista, dove viene ritratta come una sopravvissuta traumatizzata ma coraggiosa e arrabbiata, il cui lavoro quotidiano era segnato da sesso e violenza. Secondo la storica dell'arte Griselda Pollock (2006), la cultura popolare si concentra spesso solo su questo singolo episodio e non sull'impressionante carriera di Artemisia, che si è protratta per molti decenni nei principali centri artistici europei dell'epoca (vedi Artmajeur Magazine: Artemisia Gentileschi).

Le studiose femministe hanno a lungo considerato Artemisia un'icona del femminismo, poiché ha dipinto donne forti e si è affermata come artista di successo in un mondo dell'arte dominato dagli uomini del suo tempo, pur essendo una madre single. Questa narrazione rimane di grande attualità e attualità nel mondo di oggi, in particolare nella lotta di molte donne per conciliare carriera e famiglia.

Video: Artemisia Gentileschi in 8 dipinti | The National Gallery, Regno Unito

Opere molto ricercate

Negli anni 2010, i prezzi dei dipinti di Artemisia Gentileschi superavano già il milione di euro. Nel 2014, Sotheby's un "Ritratto di Maria Maddalena" per 865.500 euro, mentre nel 2017 e nel 2018 il prezzo è stato quasi il doppio. Tuttavia, il record attuale è detenuto da una "Lucrezia", ​​venduta per 4,78 milioni di euro da Artcurial a Parigi nel novembre 2019.

Oggi, le opere del pittore barocco italiano possono essere ammirate alla Galleria degli Uffizi di Firenze, al Prado di Madrid e al Metropolitan Museum di New York.

Altri dipinti si trovano nella Collezione Schönborn a Pommersfelden, a Londra, Ohio, a Detroit e a Berlino.

Riferimenti e letteratura:

• Artemisia (Catalogo della mostra, National Gallery, Londra, 2020–2021), Londra 2020
• Artemisia Gentileschi e il suo tempo, ed. v. F. Baldassari e MB de Ruggieri (mostra cat. Palazzo Braschi, Roma 2016–2017), Roma 2016.
• Orazio e Artemisia Gentileschi, ed. di K. Christiansen e JW Mann (Catalogo della mostra, Museo del Palazzo di Venezia, Roma, 2001–2002).
• Susanna Partsch: Artemisia Gentileschi: una combattiva pittrice barocca – un'imprenditrice senza compromessi – un'artista tra Firenze e Roma (Una serie di donne intelligenti), ed. di Molden Verlag in Verlagsgruppe Styria GmbH & Co. KG (6 marzo 2023), ISBN-13: 978-3222150807
• Anna Banti: Artemisia. Romanzo. (=Artemisia) Tradotto dall'italiano da Sylvia Höfer, pubblicato da Fischer-Taschenbuch-Verlag (Fischer-Taschenbücher, 1995) ISBN 3-596-12048-9
• Garrard, Mary D.: Artemisia Gentileschi: l'immagine dell'eroe femminile nell'arte barocca italiana, a cura di University Press Group Ltd, ISBN.13: 978-0691002859
• Carla Heussler: L'arte è donna!: Una storia dell'arte diversa da Artemisia Gentileschi a Yoko Ono. Pittrici di successo, interessanti riscoperte e artiste contemporanee nel campo della ritrattistica, a cura di wbg Theiss; 1ª ed. (22 settembre 2023)
• Eve Straussman-Pflanzer, Oliver Tostmann: By Her Hand: Artemisia Gentileschi and Women Artists in Italy, 1500-1800, a cura di v. Yale University Press (30 novembre 2021), ISBN-13: ‎ 978-0300256369

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