Arte degenerata o capolavori rivoluzionari? L'influenza rivoluzionaria di Egon Schiele

Egon Schiele (1890-1918), uno dei più importanti artisti austriaci del XX secolo, ebbe un impatto rivoluzionario sul mondo dell'arte con le sue opere.

Durante la sua vita, fu percepito come un artista provocatorio e quindi controverso; fu disprezzato dai nazisti, che bandirono la sua "arte degenerata ". Solo dopo la sua morte l'espressionista venne riconosciuto come un talento eccezionale.

Egon Schiele, nato 133 anni fa, il 12 giugno 1890, suscitò polemiche per tutta la sua vita. Ancora oggi, ci sono veementi sostenitori della sua arte, così come coloro che la condannano come pornografica.

Fino alla sua morte, avvenuta nel 1918, Schiele era conosciuto come artista solo a Vienna e tra alcuni germanofoni. Oggi, tuttavia, è considerato una figura di spicco dell'Espressionismo e i suoi dipinti raggiungono prezzi elevati sul mercato dell'arte.

Tuttavia, la sua opera non è stata ancora completamente decifrata, come Klaus-Albrecht Schroeder , esperto delle opere di Schiele e direttore dell'Albertina di Vienna.

La sua forza espressiva e il suo stile unico sfidarono le convenzioni tradizionali del suo tempo. L'influenza rivoluzionaria di Schiele può essere scoperta in mostre come quelle al Belvedere Museum o al Leopold Museum di Vienna, dove le sue opere sono presentate accanto a quelle di Gustav Klimt e di altri artisti viennesi .

Egon Schiele, insieme a Gustav Klimt e Oskar Kokoschka, considerato uno dei più importanti rappresentanti dell'Espressionismo austriaco. Si distaccò dalle influenze dell'Art Nouveau e dagli elementi simbolisti che caratterizzarono la Secessione viennese , sviluppando uno stile con aspetti realistici che all'epoca risultò scandaloso.

La sua opera non rivela solo la sua affascinante vita, ma anche i cambiamenti sociali e artistici del suo tempo.

Che si consideri la sua arte "degenerata" o un capolavoro rivoluzionario è una questione di opinione personale, poiché l'eredità artistica di Schiele è al tempo stesso controversa e affascinante. A Tulln, città natale di Egon Schiele, è allestita una mostra sulla sua vita e le sue opere, che offre uno spaccato del suo percorso artistico e mette in luce la sua stretta relazione con Wally Neuzil, sua musa e amante.

L'influenza e l'importanza di Egon Schiele sono innegabili e le sue opere continueranno a plasmare il mondo dell'arte.

La controversia che circonda l'arte degenerata e i capolavori rivoluzionari

Egon Schiele, importante artista austriaco del XX secolo, ha suscitato ammirazione e polemiche con le sue opere.

Le sue rappresentazioni avanguardistiche del corpo umano e il suo stile alla moda hanno avuto un'influenza duratura sul mondo dell'arte. Le sue opere, spesso di natura erotica , sono state storicamente considerate oscene e immorali.

La vita di Egon Schiele fu segnata da controversie. La sua intensa espressione artistica e il suo comportamento anticonformista lo portarono spesso a scontrarsi con la società del suo tempo. Fu criticato per i temi sessuali presenti nelle sue opere e per la sua schietta rappresentazione del corpo umano.

Schiele poteva anche contare su un gruppo di sostenitori devoti, tra cui la sua musa Wally Neuzil, che fu fonte di ispirazione per molti dei suoi capolavori. Il mondo dell'arte fu trasformato dall'approccio espressivo e innovativo di Schiele alla ritrattistica e al corpo umano.

Il suo uso di colori vivaci e linee audaci ha apportato una nuova prospettiva alle rappresentazioni tradizionali. L'influenza di Schiele sulla scena artistica viennese è stata significativa e ha gettato le basi per l'Espressionismo e altri movimenti artistici moderni.

Il modernismo viennese, i cui esponenti più celebri includono Schiele, era caratterizzato dalla tensione tra "estetica e oscurità", tema centrale dell'anno tematico 2018 a Vienna. Le opere di Schiele tendono all'oscurità, poiché esplorano in modo sperimentale gli abissi e le profondità dell'io, in crisi intorno al 1900, attraverso espressioni facciali a volte estreme e gesti enigmatici.

Nel 1910, l'imperatore Francesco Giuseppe espresse il suo orrore per un nudo femminile di Egon Schiele:

"Questo è davvero terribile."

Se l'artista ne avesse avuto l'opportunità, avrebbe potuto rispondere all'Imperatore: "Anche l'opera d'arte più sensuale racchiude un significato sacro!" – almeno questo è ciò che Schiele annotò in una lettera del 1911 (Sonntagsblatt).

Nella primavera del 1918, il critico Arnim Friedemann scrisse sul "Wiener Abendpost" a proposito dell'enfant terrible del modernismo classico:

Schiele amava dipingere e disegnare soprattutto il vizio supremo e la depravazione più assoluta, la donna come animale primordiale da branco,
spogliata di ogni inibizione morale e di ogni pudore. La sua arte – perché di arte si tratta! – non sorride, ci ghigna in una terrificante distorsione.

Nell'ambito della politica culturale nazista, numerose sue opere furono confiscate.

Il gruppo di ricerca "Arte degenerata" dell'Istituto di storia dell'arte della Libera Università di Berlino ha compilato un inventario che elenca un totale di 23 opere di Egon Schiele confiscate durante il Terzo Reich.

Degli oggetti confiscati, 17 provenivano dal Museum Folkwang e cinque da altri musei tedeschi; la provenienza esatta di un'opera è sconosciuta. Il centro di ricerca indica il 25 agosto 1937 come data precisa della confisca (database "Arte degenerata").

La vita di Egon Schiele – Una breve biografia

Infanzia, primo imprinting e formazione artistica

Egon Schiele nacque il 12 giugno 1890 a Tulln, una cittadina vicino a Vienna. La sua vita e le sue opere sono strettamente legate alla capitale austriaca.

Schiele crebbe in un mondo di incredibile ipocrisia. Suo padre era un comandante di stazione; ai figli doveva sembrare un imperatore: tutti ballavano al suo ritmo. Aveva 40 dipendenti, una struttura gerarchica molto rigida. Impartiva ordini e, naturalmente, li impartiva anche in famiglia. Ma Schiele doveva anche intuire che questo regime, questa etichetta, questa vita in stazione non rappresentavano tutta la verità.

Il fatto che il padre si rechi ripetutamente a Vienna, che faccia ripetutamente cose che esulano da queste etichette, che suo padre frequenti regolarmente prostitute, cosa che possiamo supporre, non avrebbe dovuto sfuggire al giovane Egon.

Nel 1905, quando Egon aveva appena quattordici anni, nella sua vita si verificò una tragica svolta: suo padre morì di sifilide. In mezzo a questa dolorosa perdita, il giovane Egon Schiele cercò conforto e realizzazione nell'arte.

Già all'età di soli due anni disegnava treni e paesaggi, mentre il suo insegnante d'arte, Ludwig Karl Strauch, lo incoraggiava a dare il meglio di sé a scuola. Grazie al suo sostegno, il talentuoso Egon osò persino candidarsi alla rinomata Accademia di Belle Arti di Vienna , ottenendo un grande successo: a sedici anni fu ammesso e poté perfezionare ulteriormente il suo talento artistico.

Qui studiò pittura e disegno, ma fu frustrato dal conservatorismo della scuola.

Klimt come mentore

Nel 1907 incontrò Gustav Klimt, che lo incoraggiò e influenzò il suo lavoro. Klimt e Schiele instaurarono rapidamente un rapporto di mentore-allievo che avrebbe avuto un impatto significativo sullo sviluppo iniziale del giovane artista.

Klimt esercitò la sua influenza su Schiele non solo in studio, ma anche presentandogli mecenati, modelli e le opere di altri artisti – come Vincent van Gogh, Edvard Munch e Jan Toorop – ai quali Schiele era molto legato, nonostante la grande ammirazione che nutriva per lui.

Tramite Klimt, Schiele conobbe anche la Wiener Werkstätte , le botteghe artigiane della Secessione viennese, un movimento che aveva stretti legami con altri stili artistici moderni dell'epoca.

Nel 1908, quando Schiele aveva diciotto anni, partecipò alla sua prima mostra, una collettiva a Klosterneuburg, una cittadina a nord di Vienna.

Protesta e il nuovo gruppo artistico

L'anno seguente, Schiele e alcuni compagni di studio lasciarono l'accademia per protesta, denunciando i metodi di insegnamento conservatori della scuola e la sua incapacità di adottare pratiche artistiche più lungimiranti, diffuse in tutta Europa.

Nell'ambito di questa ribellione, Schiele fondò il Neukunstgruppe, composto da altri giovani artisti insoddisfatti che avevano abbandonato l'accademia.

Il nuovo gruppo non perse tempo e organizzò diverse mostre pubbliche in tutta Vienna, mentre Schiele esplorava nuove forme di espressione pittorica, incorporando distorsioni e contorni frastagliati, nonché una tavolozza di colori più scuri di quelli preferiti dallo stile Art Nouveau, più decorativo ed elaborato.

In sostanza, Schiele si allontanò gradualmente dallo stile reso popolare da Klimt, sebbene i due uomini rimasero intimi fino alla morte di Klimt, avvenuta all'inizio del 1918. Se il contenuto dell'opera di Schiele è indicativo, sembra che mentore e allievo condividessero un appetito insaziabile per le donne.

In occasione della prima mostra del Neukunstgruppe, tenutasi nel 1909 al Salone Piska di Vienna, Schiele conobbe il critico d'arte e scrittore Arthur Roessler , con il quale strinse amicizia e che scrisse del suo lavoro con grande ammirazione.

Nel 1910, iniziò una lunga amicizia con il collezionista Heinrich Benesch. A quel tempo, Schiele aveva sviluppato un proprio stile espressionista per ritratti e paesaggi e aveva ricevuto numerose commissioni di ritratti dall'intellighenzia viennese.

Scandali a Vienna e autoritratti allegorici

Mentre le opere di Schiele scandalizzavano la società viennese, egli vendette contemporaneamente molti dei suoi dipinti espliciti a collezionisti privati, mentre i giornali criticavano il suo lavoro.

Questo sviluppo di rappresentazioni esplicite dei genitali femminili e maschili nell'arte è un fenomenoche avrebbe potuto verificarsi solo a Vienna intorno al 1900. La città è da tempo scossa da scandali e i dibattiti pubblici sui limiti dell'arte sono onnipresenti.

Le dame dei ceti sociali più elevati si coprivano pudicamente le gambe e le scollature degli abiti. Artisti come Gustav Klimt e Oskar Kokoschka , con le loro esplicite raffigurazioni di donne nude, la doppia morale di questa metropoli danubiana.

Musicisti come Gustav Mahler e Arnold Schoenberg varcano con audacia il confine della modernità; di Arthur Schnitzler scuotono le fondamenta della società, mentre Sigmund Freud parla pubblicamente per la prima volta della sessualità femminile.

Sebbene Schiele non conoscesse personalmente lo psicoanalista, tutta Vienna è a conoscenza delle spettacolari scoperte di Freud.

Egon Schiele conosceva questo doppio standard fin dall'infanzia. In contrasto con l'ideale di bellezza della Secessione viennese, raffigurava il brutto e il distorto. Gli arti dei suoi giovani uomini e donne sono innaturalmente lunghi ed emaciati, mentre i loro genitali sono presentati in modo invitante e colorato.

In cerca di isolamento, Schiele lasciò Vienna nel 1911 per vivere in diversi piccoli villaggi; si dedicò sempre più agli autoritratti e alle allegorie della vita, della morte e del sesso, realizzando acquerelli erotici .

Il passaggio dall'infanzia all'età adulta, sia nelle ragazze che nei ragazzi, affascinava particolarmente l'artista, allora ventenne. Le sue opere si concentravano spesso sul tema della scoperta di sé durante la pubertà. Questa attenzione artistica portò a uno scandalo nel 1912 a Neulengbach, una cittadina nella Selva Viennese.

I primi studi di Schiele furono particolarmente controversi perché utilizzava bambini come modelli nudi e raffigurava ragazze adolescenti in situazioni implicitamente erotiche.

L'anno seguente fu di cruciale importanza per Schiele, sia a livello personale che artistico. Oltre a partecipare a numerose mostre collettive – a Budapest, Colonia e Vienna – Schiele fu invitato dalla Galleria Hans Goltz di Monaco a esporre le sue opere insieme ai membri del gruppo espressionista "Der Blaue Reiter" (Il Cavaliere Azzurro), tra cui Wassily Kandinsky e Franz Marc .

Tra le opere di Schiele di questo periodo spicca il suo celebre Autoritratto con Physalis (1912), un affascinante studio dell'artista, il cui volto e altri tratti sono ricchi di linee, cicatrici e sottili deformazioni.

La mostra al Goltz ha portato a Schiele la massima notorietà fino ad allora e ha rivelato al pubblico il suo ricco uso di simbolismo personale e allegorie oscure.

Arresto per modelle minorenni

Sempre nel 1912, mentre Schiele viveva nella cittadina austriaca di Neulengbach, venne arrestato nel suo studio e imprigionato per ventiquattro giorni, accusato di aver rapito e violentato una ragazzina di dodici anni.

L'accusa fu infine ritirata e venne condannato per aver esposto dei minori a immagini erotiche . La polizia aveva confiscato 125 delle sue "degenerate" e, con un gesto simbolico, il giudice bruciò uno dei suoi disegni in aula (l'opera, raffigurante una ragazzina nuda dalla vita in giù, era stata precedentemente esposta sulla parete del suo studio).

L'incidente ebbe un impatto significativo su Schiele, che in seguito smise di usare bambini come modelli, sebbene la morbosità e l'esplicita sessualità delle sue opere, in particolare dei suoi disegni, fossero apparentemente aumentate dopo il suo rilascio dalla prigione.

Servizio militare, matrimonio, tragedie e fine della vita

Nel 1913, la Galleria Hans Goltz di Monaco di Baviera ospitò la prima mostra personale di Schiele. Un'altra mostra personale delle sue opere ebbe luogo a Parigi nel 1914.

Anche la sua vita privata subì una svolta quando, nel 1915, scrisse a un amico: "Intendo sposarmi, e in un modo che mi avvantaggi", e propose il matrimonio a Edith Harms, una giovane donna di buona posizione sociale.

Sebbene sperasse di continuare la sua relazione con Wally Neuzil, lei lo lasciò quando venne a sapere del suo fidanzamento. Questa perdita è chiaramente espressa in "Morte e la fanciulla" (1915)

Quattro giorni dopo il suo matrimonio, Schiele fu finalmente arruolato nell'esercito. Tuttavia, non combatté mai realmente durante l'intera guerra e gli fu invece permesso di continuare a praticare ed esporre la sua arte ovunque si trovasse.

Ispirato dai suoi viaggi di guerra, Schiele creò in quel periodo una serie di paesaggi e vedute urbane, privi dei contorni esagerati che solitamente caratterizzavano le sue opere.

Nel 1917, Schiele tornò a Vienna e si dedicò intensamente alla sua attività. Nello stesso anno, lui e Klimt fondarono insieme la Kunsthalle della città, un nuovo spazio espositivo concepito per incoraggiare gli artisti austriaci a rimanere in patria. L'anno successivo portò all'artista sia successi commoventi che tragedie di varia natura.

A febbraio, il suo mentore e amico Klimt fu colpito da ictus e polmonite. Appena un mese dopo, la Secessione viennese tenne la sua 49a mostra annuale (1918) e dedicò la sala espositiva principale all'opera di Schiele, ottenendo un grande successo commerciale.

Morì pochi mesi dopo, all'età di 28 anni, il 31 ottobre 1918, a Vienna, a causa dell'influenza spagnola, la stessa malattia che aveva colpito la moglie tre giorni prima. Nei tre giorni tra le loro morti, Schiele realizzò diversi schizzi della moglie defunta.

Nei suoi ultimi istanti di vita, il giovane artista austriaco Egon Schiele visse un fenomeno straordinario: sul letto di morte, alla fine di ottobre del 1918, mentre le sue forze diminuivano sempre più, sussurrò le parole:

Dopo la mia morte, la gente senza dubbio mi elogierà e ammirerà la mia arte."

Lo stile unico di Egon Schiele

L'arte di Schiele ha la capacità di ritrarre le persone nel loro tempo in modo unico e commovente. Questo stile continua a risuonare profondamente nel nostro mondo visivo ed emotivo del XXI secolo.

Finora non esiste nulla di paragonabile che possa mettere in scena il corpo con altrettanta abilità, che si tratti di un campo di battaglia, di un parco giochi o di una scena del crimine.

Si tratta di un'abile auto-messa in scena in cui ogni espressione emotiva, dalla disperazione intensa alla malinconia apatica, prende vita attraverso il colore, forme spezzate o linee, come un segno di decadenza o una macchia che filtra su una superficie.

Era ossessionato da cosce e glutei, dai genitali femminili e maschili, dagli abbracci eterosessuali, omosessuali e lesbici. Disegnava i generi e li colorava come frutti troppo maturi. E si raffigurava come un santo, nudo con un pene oscenamente eretto. I corpi sono dolorosamente sottili su sfondi vuoti che diventano abissi.

Intorno al 1914, le sue figure dipinte sembrano barcollare in trance, senza orientamento o scopo. Ciò è dovuto alla "geometria" da cui Schiele ha creato le sue figure. Ad esempio, ha costruito una donna sdraiata da due triangoli. Persino i suoi genitali hanno forme triangolari.

Le raffigurazioni di Schiele dell'ossessivo, dell'abissale e del morboso, rese attraverso il puro disegno, appaiono oggi ancora più magiche che mai, pur rimanendo al contempo profondamente umane. Questa contorsione quasi voluttuosa del corpo rivela vaghe influenze del Simbolismo e dell'Art Nouveau viennese ; oggigiorno, ciò viene visto come la ricerca d'identità di un pittore, piuttosto che come l'opera di un prodigio precoce.

La rappresentazione del corpo nudo nelle opere di Schiele

La rappresentazione del corpo nelle opere di Schiele riveste un ruolo centrale nella sua produzione artistica e contribuisce alla sua controversa reputazione di artista.

Nelle sue opere, Schiele rompe con gli ideali tradizionali di bellezza e raffigura il corpo nella sua forma autentica e spesso disadorna. Particolarmente noti sono i disegni di nudo di Schiele, in cui rivela l'anatomia umana in dettaglio e senza restrizioni.

Evita proporzioni idealizzate e raffigura il corpo in una prospettiva distorta per riflettere gli stati d'animo e le emozioni delle persone ritratte. Schiele si concentra sull'individualità di ogni corpo, dimostrando così il suo interesse per l'unicità dell'esistenza umana.

Un'opera celebre di Schiele che illustra questo approccio è il "Ritratto di Wally Neuzil" del 1912. In questo dipinto, l'artista ritrae Wally Neuzil, sua amante e musa, in una posa sicura di sé, con la parte superiore del corpo scoperta.

La rappresentazione del corpo in quest'opera è onesta e risoluta, il che all'epoca fu considerato provocatorio e scandaloso. La rappresentazione artistica del corpo da parte di Schiele, tuttavia, fu rivoluzionaria per il movimento artistico moderno e influenzò molti artisti della sua generazione.

La rappresentazione del corpo nelle opere di Schiele è un tema centrale che sottolinea la sua influenza rivoluzionaria sul mondo dell'arte. Le sue opere continuano a suscitare dibattiti sui limiti della rappresentazione del corpo e sul significato della bellezza nell'arte.

Gesti enigmatici e modelli di messa in scena religiosa

La mostra “La libertà di sé” al Museum Georg Schäfer di Schweinfurt nel 2018 ha chiarito che Schiele era una persona spirituale, sebbene non nel senso religioso tradizionale.

La mostra di Schweinfurt era suddivisa in tre aree: rappresentazione di sé e del corpo, mondo emotivo e soggettività.

La mostra presentava importanti opere d'arte, come l'"Autoritratto a capo chino" del 1912 (vedi immagine sopra) . In questo dipinto, l'artista forma una V con l'indice e il medio della mano destra. Potrebbe trattarsi di un'allusione al gesto di benedizione di Cristo, spesso utilizzato nell'arte bizantina?

Lo storico dell'arte Stefan Kutzenberger (come riportato dal quotidiano Protestant Sunday) sottolinea nel catalogo allegato che questo gesto del pittore potrebbe rappresentare un riferimento al Cristo Pantocratore nella chiesa di Chora a Istanbul.

Secondo Kutzenberger, il gesto di Schiele potrebbe quindi essere un simbolo di carisma artistico, attualizzando in modo impressionante l'immagine romantica dell'artista come sacerdote degli anni intorno al 1900, almeno così scrive l'esperto in materia.

Offre anche un'altra spiegazione: Schiele potrebbe aver fatto degli esperimenti con il suo amico Dominik Osen, pittore e mimo, per determinare quali pose espressioniste avessero il maggiore effetto; tuttavia, questa spiegazione non esclude quella menzionata sopra.

Schiele, cattolico e sposatosi nel 1915 secondo rito protestante, ricorreva spesso a schemi di messa in scena religiosa nei suoi autoritratti. Kutzenberger sottolineava che le raffigurazioni di Schiele come santo, profeta, predicatore, araldo o anarchico non rivelano nulla della sua persona o della sua vera storia di vita.

Piuttosto, sono il risultato di attribuzioni sociali e di modelli di ruolo – quindi si trova in buona compagnia con i discorsi postmoderni emersi in seguito.

I doppi autoritratti di Schiele testimoniano il suo profondo interesse per l'occultismo e lo spiritismo, in voga intorno al 1900. In una lettera alla sorella, descrive un singolare episodio spiritico:

Oggi ho avuto un'esperienza spiritualistica davvero affascinante. Ero sveglio, ma affascinato dallo spirito che si era annunciato in sogno prima che mi svegliassi. Finché mi ha parlato, sono rimasto paralizzato e senza parole

Le opere di Schiele spesso presentano tracce di iconografia cristiana . Un esempio è il dipinto ad olio "Madre con due bambini II" del 1915, che si ispira alla Pietà medievale.

Un'immagine natalizia di genere leggermente diverso è "Madre morta I" (1910), che raffigura una madre defunta con la mano protettrice sul figlio. Schiele stesso considerava questo dipinto ad olio una delle sue opere migliori.

Importanti opere d'arte di Egon Schiele

Nonostante la sua breve vita e la distruzione di alcune delle sue opere durante il periodo nazista, Schiele ci ha lasciato un patrimonio impressionante di opere.

A questo punto vorremmo presentare e spiegare brevemente sei delle opere più importanti della sua vasta produzione, in ordine cronologico.

Ritratto di Gerti Schiele, 1909

Questo è uno dei numerosi ritratti che Schiele realizzò della sorella minore Gerti, la modella preferita dell'artista agli inizi della sua carriera e il membro della famiglia a cui era più legato.

Questo ritratto giovanile, dipinto da Gerti quando era adolescente, mostra sia la forte affinità stilistica tra l'opera di Schiele e quella di Klimt, sia il distacco dallo stile del suo mentore.

Nella posa e nei gioielli, costituiti da una serie di toppe piatte con accenti in oro e argento, la figura di Gerti ricorda le opere di Klimt, come il ritratto di Adele Bloch-Bauer (1907).

Ma a differenza del suo predecessore di Klimt, il dipinto è meno decorativo e più statico e morbido, come se Schiele stesse plasmando il suo soggetto nell'argilla. Inoltre, Schiele sostituì la tavolozza riccamente scintillante e dominata dall'oro di Klimt con colori più tenui, dando vita a un dipinto che appare disseccato e suggerisce un decadimento piuttosto che una crescita.

Tecnica: Olio, pittura argento, bronzo dorato e matita su tela

Posizione attuale: Museum of Modern Art, New York

Nudo maschile seduto (autoritratto), 1910

Gli autoritratti di Schiele sono eccezionali non solo per la frequenza con cui l'artista si è raffigurato, ma anche per il modo in cui lo ha fatto: rappresentazioni erotizzatein cui appare spesso nudo in pose molto rivelatrici – autoritratti maschili che, sotto questo aspetto, non hanno praticamente eguali nel mondo dell'arte occidentale.

In questo disegno, l'artista ha creato una visione intensa e quasi spaventosa di se stesso: emaciato, con occhi rossi brillanti, gambe deformi e senza piedi, il corpo completamente esposto, ma il viso parzialmente nascosto, forse a suggerire un senso di vergogna – una posa contorta che, come sospettano molti autori, è dovuta alla notevole influenza della danza moderna.

Caratteristico dello stile espressionista che Schiele praticò sempre più in quel periodo, egli esprime la sua paura attraverso linee e contorni, nonché attraverso la pelle che appare consunta ed esposta a elementi ruvidi.

Tecnica: gesso nero, acquerello e guazzo su carta

Posizione attuale: Leopold Museum, Vienna

Autoritratto con alchechengi, 1912

Questo è forse l'autoritratto più famoso di Schiele. In quest'opera, realizzata in un periodo in cui Schiele partecipava a numerose mostre, l'artista guarda direttamente l'osservatore e la sua espressione trasmette fiducia nel suo talento artistico.

Sebbene Schiele utilizzi meno distorsioni rispetto ad altri autoritratti, il dipinto rifiuta di idealizzare il soggetto e presenta cicatrici e altre linee caratteristiche della natura contornata dello stile di disegno dell'artista.

Il dipinto fu esposto a Monaco di Baviera nel 1912 insieme a opere di diversi altri artisti espressionisti e ha un ritratto che ritrae la sua allora amante, Wally Neuzil (il ritratto di Wally fu rubato dai nazisti dalla casa di un ebreo austriaco, solo per essere salvato). È tornato a Vienna nel 2010 dopo una battaglia legale durata dodici anni.

Oggi funge da "fiore all'occhiello" del Museo Leopold di Vienna, che ospita la più grande collezione al mondo di opere di Schiele.

Tecnica: Olio su tela

Posizione attuale: Leopold Museum, Vienna

Gli eremiti, 1912

Questo raro doppio ritratto, una delle opere più allegoriche della produzione di Schiele, raffigura Schiele e Klimt fianco a fianco, quasi come un'unica entità. Nonostante la loro stretta relazione e tutte le loro somiglianze, Schiele ha trascorso gran parte della sua carriera cercando di liberarsi dall'influenza di Klimt.

In "Eremiti", entrambi gli uomini indossano i loro caratteristici caftani lunghi neri, un indumento per cui Klimt era noto e che Schiele, forse come omaggio, ha utilizzato nelle sue opere. Schiele non è certo un amante della modestia e colloca Klimt sullo sfondo, cieco e in gran parte nascosto, come se fosse divorato dall'artista più giovane.

La forma risultante ricorda un'unica figura scura e suggerisce che il sicuro di sé successore Schiele stia raccogliendo il testimone del vecchio maestro. Il motivo dell'eremita richiama anche la visione esistenziale di Schiele dell'artista come figura ai margini della società.

Tecnica: Olio su tela

Posizione attuale: Leopold Museum, Vienna

La morte e la fanciulla, 1915

In questo dipinto, una delle opere più complesse e inquietanti di Schiele, la figura femminile, scarna e lacera, si aggrappa alla figura maschile della morte, mentre è circondata da un paesaggio altrettanto lacero e quasi surreale.

Come in ogni sua opera, anche in questa composizione Schiele unisce il personale all'allegorico, ricorrendo in questo caso a un tema che trae origine dal concetto medievale della Danza macabra, che raggiunse il suo apice nell'arte tedesca del XV secolo.

"La morte e la fanciulla" fu realizzata all'incirca nel periodo in cui Schiele si separò dal suo compagno di lunga data Wally Neuzil e pochi mesi prima di sposare la sua nuova compagna Edith Harms. Il dipinto commemora la fine della sua relazione con Neuzil e sembra raffigurare questa separazione come la morte del vero amore.

È interessante notare che il modo in cui le figure di Schiele sono quasi assorbite dai loro abiti e dall'ambiente astratto ricorda la ritrattistica di Klimt, che collocava anch'egli i suoi soggetti in ambienti indecifrabili.

Tecnica: Olio su tela

Ubicazione attuale: Galleria Austriaca, Belvedere, Austria

Città nel verde (La città vecchia III), 1917

Sebbene la sua arte fosse incentrata sulla figura umana, Schiele, che ebbe l'opportunità di viaggiare in tutta Europa nel corso della sua carriera, si sentiva attratto anche dalla campagna e dalle città.

In effetti, i dipinti dell'artista che raffigurano il paesaggio e la sua città natale, Vienna, costituiscono una parte significativa della sua opera. Questo dipinto è stato in parte ispirato da Krumau, dove visse per un breve periodo nel 1911.

I paesaggi di Schiele, sebbene spesso privi di figure umane, presentano affascinanti parallelismi con la sua opera figurativa. Il frequente uso della vista a volo d'uccello nei suoi paesaggi ricorda uno degli elementi più radicali della sua ritrattistica: la tendenza a raffigurare i soggetti dall'alto.

Questo dipinto contiene ulteriori elementi caratteristici dello stile di Schiele, in particolare l'uso di linee decise e contorni netti. Ciò che distingue quest'opera dai suoi ritratti è l'uso del colore e della tavolozza, per i quali Schiele non era precedentemente noto.

Tecnica: Olio su tela

Luogo attuale: Neue Galerie, New York

Quanto costa un'opera d'arte di Egon Schiele?

Un disegno di Schiele, che oggi ha un valore medio di 100.000 euro, all'epoca veniva venduto per soli 50 scellini, nemmeno 4 euro. Il suo valore stimato era incredibilmente basso quando l'artista era in vita.

Rudolf Leopold setacciò il mondo dell'arte alla ricerca delle opere dell'artista, le acquistò e le riunì per uno spettacolare tour mondiale.

Dagli anni Settanta, l'arte di Schiele ha conosciuto una rinascita sul mercato, e i suoi dipinti e disegni raggiungono oggi quotazioni tra i 400.000 e i 27 milioni di euro alle aste . Ciononostante, Schiele rimane tuttora nell'ombra di Gustav Klimt

Letteratura e libri illustrati sul genio artistico austriaco

Un'opera standard su Schiele dal carattere rappresentativo: un tesoro per collezionisti e fan

L'opera di Schiele è tra le più importanti del primo modernismo dopo il 1900 ed è al tempo stesso classica e senza tempo nel suo esistenzialismo sensuale-corporeo.

Ora, quasi un secolo dopo, la rinomata casa editrice Taschen un volume sontuoso: carta di alta qualità, elegante copertina in lino con scritte in rilievo dorate – contenente tutti i 221 dipinti realizzati tra il 1909 e il 1918, oltre a 146 disegni.

Questo esaustivo libro d'arte colpisce sotto ogni aspetto, con nove capitoli che combinano immagini e testo. Siamo testimoni dello straordinario talento e della natura ribelle di Schiele, mentre sperimentiamo la sua intensa estetica della trasformazione: una miscela appassionata di insaziabile curiosità e provocatoria energia sessuale.

Inoltre, il libro ci offre spunti sui dipinti di guerra di Schiele dal 1914 al 1918: corpi umani, ritratti e scene naturali spezzate come mappe aperte, ferite, sfigurate, torturate e ricomposte.

Lo storico dell'arte e professionista museale di grande esperienza Tobias G. Natter, cresciuto nella stessa regione di Schiele, ha realizzato un'opera di riferimento di notevole pregio su Schiele . Quest'opera è di inestimabile valore per collezionisti e appassionati dell'artista.

Il corposo libro illustrato è in edizione con copertina rigida su Amazon .

Ulteriori consigli di lettura:

• Egon Schiele: Collezione Leopold, Vienna; di Rudolf Leopold, Elisabeth Leopold
• Gustav Klimt ed Egon Schiele (1965), catalogo della mostra Guggenheim / di Thomas Messer
• Egon Schiele, di Klaus Albrecht Schroder
• Egon Schiele, di Erwin Mitsch

Fonti, riferimenti e ulteriori informazioni:

• LA STORIA DELL'ARTE, Egon Schiele, https://www.theartstory.org/artist/schiele-egon/
• Frankfurter Rundschau, Il corpo, un campo di battaglia, https://www.fr.de/kultur/kunst/koerper-schlachtfeld-11032975.html
• SWR2 MANOSCRITTO, L'artista Egon Schiele “Enfant terrible” del modernismo classico – Di Martina Conrad
• Il quotidiano domenicale dell'Associazione della Stampa Evangelica per la Baviera (EPV) annuncia che il Museo di Schweinfurt presenta la mostra di Egon Schiele "La libertà di sé". https://www.sonntagsblatt.de/artikel/kultur/schweinfurter-museum-zeigt-egon-schieles-ausstellung-freiheit-des-ichs