Arte astratta: una panoramica del movimento artistico non figurativo

Ti è mai capitato di trovarti di fronte a un'opera d'arte e di essere allo stesso tempo colpito dalla sua intensità visiva e completamente perplesso dal suo messaggio? Cosa dovrebbe rappresentare in realtà? È arte o può essere buttata via? Cosa sta cercando di trasmettermi l'artista?

Se ti è mai capitato di avere pensieri simili mentre guardavi un'opera d'arte e di non riuscire a lasciarti andare, allora molto probabilmente si trattava di un'opera d'arte astratta.

Cos'è l'arte astratta? - Caratteristiche e definizione

L'arte astratta , detta anche "arte non rappresentativa" o "arte non oggettiva" , è, per definizione, un termine collettivo per i movimenti artistici del XX secolo emersi dopo il 1900. Utilizza mezzi di espressione artistica parzialmente o completamente astratti dall'oggetto e quindi si sovrappongono al cubismo.

Gli artisti astratti creano opere completamente distaccate dalla natura e dagli oggetti reali. Rifiutano fondamentalmente qualsiasi forma di rappresentazione. La loro coscienza e il loro impulso creativo si basano sull'estetica fine a se stessa.

L'arte astratta spiegata in modo semplice e conciso:

L'arte astratta è un'arte che non cerca di creare una rappresentazione accurata di una realtà visiva, ma utilizza superfici, linee, colori, forme, texture e segni gestuali per ottenere il suo effetto

Anche "Arte Concreta" ricorre frequentemente in questo contesto, e una netta distinzione dall'Arte Astratta è possibile solo in misura limitata. Il termine fu introdotto da Theo van Doesburg Art Concret nel 1930 .

In senso stretto, rappresenta una specifica forma d'arte che idealmente si basa su principi matematici e geometrici.

L'arte astratta, insieme alla musica, è probabilmente una delle forme più pure di espressione artistica . Offre agli artisti la completa libertà di comunicare sentimenti ed emozioni, senza l'intralcio di elementi figurativi, all'interno della realtà oggettiva.

L'arte astratta ha spesso anche una dimensione morale, rappresentando virtù come l'ordine, la purezza, la semplicità e la spiritualità, e propagandole in forma pittorica. Ha costituito un movimento centrale nell'arte moderna .

I dipinti astratti possono essere creati utilizzando molti mezzi espressivi diversi, e molti artisti utilizzano colori acrilici. i dipinti astratti a olio e gli acquerelli sono molto popolari tra gli artisti contemporanei. I loro dipinti su tela sono molto richiesti da collezionisti, commercianti e amanti dell'arte in tutto il mondo.

Quale idea si cela dietro questo movimento artistico?

Come accennato all'inizio, il tema chiave è l'estetica in quanto tale e la liberazione delle forme di espressione da un vincolo rappresentativo.

Le radici concettuali risalgono probabilmente all'antica Grecia. Il quadro filosofico per classificare e apprezzare le qualità formali di un'opera d'arte deriva quindi da un'affermazione di Platone :

Le linee rette e i cerchi non sono solo belli... ma eternamente e assolutamente belli."

In sostanza, Platone voleva esprimere che le immagini non rappresentative (ad esempio, le semplici forme geometriche) possiedono una bellezza assoluta e immutabile.

Di conseguenza, un'opera può essere apprezzata e valutata esclusivamente in base alle sue linee e ai suoi colori: non è obbligata a rappresentare un oggetto naturale o una scena figurativa.

Il pittore, litografo e teorico dell'arte francese Maurice Denis (1870-1943) era evidentemente molto consapevole di questa idea di Platone quando scrisse:

Ricorda che un quadro, prima di diventare un cavallo da guerra o una donna nuda... è essenzialmente una superficie piana ricoperta di colori in un ordine specifico."

Alcuni artisti astratti descrivono la loro ambizione come la creazione dell'equivalente visivo di un brano musicale, qualcosa che possa essere visto e apprezzato per i suoi meriti. Non vogliono che gli spettatori debbano chiedersi: "Di cosa parla realmente questo dipinto? "

La storia dell'arte astratta – dagli inizi ai giorni nostri

Precursori nell'età della pietra

Se torniamo un po' indietro nel tempo, l'arte astratta aveva già un significato circa 70.000 anni fa, con le incisioni preistoriche. Ad esempio, due massi incisi con motivi geometrici astratti risalenti a questo periodo sono stati rinvenuti nella grotta di Blombos, in Sudafrica.

Sono stati poi rinvenuti reperti archeologici di punti astratti di ocra rossa e di stencil di mani utilizzati nelle pitture della grotta di El Castillo risalenti al periodo compreso tra il 39.000 e il 34.000 a.C.).

Da allora, i simboli astratti divennero a quanto pare la forma predominante dell'arte rupestre paleolitica per lungo tempo e furono rinvenuti circa il doppio delle volte rispetto alle immagini figurative.

Origini e inizi nel XIX secolo

Le forme d'arte astratte, come le conosciamo oggi, sono molto più recenti. La loro origine risiede nell'allontanamento dalla pittura accademica classica avvenuto in Europa tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo.

Prima di allora, dipinti e sculture i principi tradizionali del realismo classico, così come insegnati nelle principali accademie europee . Questi principi stabilivano il compito fondamentale dell'arte come rappresentazione di una scena riconoscibile o di un oggetto concreto.

L'epoca tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, caratterizzata da una così ampia e varia creazione artistica, ha prodotto un'intera serie di pittori che hanno indagato in dettaglio le connessioni e i meccanismi intrinseci della luce e della percezione visiva.

Molti artisti rinomati prima di questo periodo dipingevano utilizzando i metodi del realismo classico , impiegando prospettive realistiche, ombreggiature e altre tecniche per creare scene e oggetti storici.

L' epoca romantica fu caratterizzata da un atteggiamento nei confronti dell'arte che rifiutava l'imitazione e l'idealizzazione del Classicismo. Al contrario, il ruolo dell'immaginazione e dell'inconscio veniva enfatizzato come fattori creativi essenziali .

Gradualmente, molti pittori di questo periodo cominciarono ad apprezzare la libertà creativa appena conquistata e le nuove esigenze che accompagnavano la convergenza di questi atteggiamenti. L'Impressionismo come movimento artistico (circa 1870-1880) rivelò già i primi segni di un allontanamento dalla pittura strettamente figurativa .

In particolare, le varianti del puntinismo neoimpressionista e del postimpressionismo hanno attirato l'attenzione sull'effetto speciale del colore come espediente stilistico.

L'Espressionismo tedesco stabilì definitivamente l'uso libero di forme e colori come pietra angolare della pittura. Il successivo movimento Art Nouveau (1890-1914 circa) influenzò anche lo sviluppo dell'arte astratta.

La citazione di Maurice Denis del 1890 (vedi sopra) riassume perfettamente questo cambiamento. Riassume abilmente il sentimento prevalente tra gli artisti simbolisti e postimpressionisti del suo tempo.

Inizio del XX secolo

Tutti i principali movimenti dei primi due decenni del XX secolo, tra cui il Fauvismo, l'Espressionismo , il Cubismo e il Futurismo, hanno in qualche modo sottolineato il divario tra l'arte e l'aspetto naturale dei suoi soggetti.

Tuttavia, esiste una differenza significativa tra la semplice astrazione dell'aspetto reale di un soggetto e la creazione di opere d'arte a partire da forme, linee e strutture che non hanno equivalenti nel nostro ambiente naturale.

Negli anni precedenti la prima guerra mondiale, artisti come Robert Delaunay, Wassily Kandinsky, Kasimir Malevich e Vladimir Tatlin a un'arte fondamentalmente astratta.

"Sullo spirituale nell'arte", pubblicato nel 1911, divenne un manifesto fondativo.

Tuttavia, oggi si ritiene che l'artista svedese Hilma af Klint abbia creato il primo dipinto astratto a Stoccolma cinque anni prima di Kandinsky. Le sue opere futuristiche, caratterizzate da forme biomorfe e geometriche su uno sfondo suggestivo, furono rivoluzionarie per l'epoca.

Mentre Vassily Kandinsky si affermò come pittore di successo, le opere di Klint rimasero a lungo inosservate a causa della loro natura silenziosa. Teneva la maggior parte delle sue opere per sé e raramente le esponeva.

Chiese alla sua famiglia di posticipare la pubblicazione delle sue opere a vent'anni dalla sua morte, ritenendo che il mondo non fosse ancora pronto per la sua visione. Le sue opere rimasero nascoste fino al 1986, quando suscitarono un vasto interesse.

Questo nuovo stile pittorico era considerato "arte pura" perché i motivi nascevano esclusivamente nella mente degli artisti e non venivano copiati o ripresi dal mondo reale. Le qualità formali di un'opera d'arte venivano enfatizzate rispetto al suo soggetto figurativo.

Questo completo abbandono di qualsiasi forma di rappresentazione fu visto con tono piuttosto critico dalla maggior parte degli artisti, anche progressisti, dell'epoca. Durante la Prima Guerra Mondiale, l'emergere del gruppo De Stijl nei Paesi Bassi e del gruppo Dada a Zurigo ampliò ulteriormente lo spettro dell'arte astratta.

Paul Klee viene spesso omesso dall'elenco dei nomi regolarmente menzionati nelle discussioni sull'astrazione nell'arte del primo Novecento, e questo è davvero ingiustificato. La sua vasta opera, che abbraccia sia il periodo iniziale che quello tardo, offre una ricchezza di esempi impressionanti dello sviluppo di mondi visivi astratti e di efficaci processi di astrazione pittorica.

Mentre i suoi contemporanei affrontavano spesso il tema in modo radicale, quasi scioccando il pubblico con le loro composizioni non figurative, Paul Klee si sforzava di creare connessioni e continuità nei suoi dipinti astratti. Integrava elementi figurativi in ​​molte delle sue opere e, attraverso titoli accuratamente scelti, apriva nuove possibilità interpretative. Questo potrebbe persino essere stato il motivo decisivo del notevole successo di questo artista.

Astrazione. Il freddo romanticismo di questo stile, privo di pathos, è senza precedenti."

Klee lo notò nel 1915. Un'altra osservazione sul grado di astrazione nell'arte, risalente allo stesso anno, sembra oggi più attuale che mai e può essere applicata universalmente all'esistenza moderna:

Quanto più terrificante è questo mondo, tanto più astratta è l'arte, mentre un mondo felice produce un'arte terrena

Queste intuizioni non solo dimostrano il profondo impegno di Klee nei confronti dell'arte, ma ci invitano anche a riscoprire la sua opera e a riflettere sulla sua rilevanza nel nostro tempo.

L'opera astratta di Klee "Fuoco alla luna piena" è un brillante esempio dell'uso di forme astratte per rappresentare un'idea multiforme. Fuoco e luna sono simboleggiati da forme geometriche ripetute circondate da aree più scure che enfatizzano le fiamme danzanti e l'attrazione gravitazionale della luna. I colori intensi accentuano ulteriormente il senso di movimento pulsante, mentre le aree scure e grigie forniscono un contrasto rilassante.

Le opere astratte di Paul Klee affondano le radici nei temi della natura, dell'architettura, della musica e della scrittura. Questi elementi gli hanno permesso di distillare l'essenza della pittura. La sua arte mostra un uso ricco di linee e colori, rivelando una varietà di possibilità. Ad esempio, l'astrazione colorata delle sue vedute di Hammamet (1914) si discosta notevolmente dalle composizioni esplosive che creò durante la Prima Guerra Mondiale.

Durante il periodo del Bauhaus, i dipinti a campi di colore di Klee, che raffiguravano alberi in fiore, si trasformarono in forme minimaliste di associazioni architettoniche. Le sue opere tarde sono particolarmente sorprendenti, con forme scure che ricordano piante o caratteri scritti. Musicista appassionato, Klee trovò anche strutture ritmiche nelle sue composizioni astratte, da cui si possono chiaramente distinguere toni e melodie musicali.

Guerre mondiali e periodo postbellico

L'avanzata di questo movimento artistico fu interrotta dalle guerre mondiali. Alla luce delle politiche totalitarie e dei movimenti artistici che si concentravano sempre più sull'immaginario surrealista e realista di critica sociale , le opere astratte ricevettero poca attenzione durante questo periodo.

Solo dopo la fine della Seconda Guerra Mondiale emerse una vivace scuola americana di pittura astratta, chiamata "Espressionismo astratto" , che avrebbe avuto una grande e duratura influenza sul mondo dell'arte.

A partire dagli anni '50, l'arte astratta è stata un approccio riconosciuto e diffuso nella pittura e nella scultura europea e americana. Questo movimento artistico ha senza dubbio lasciato molti perplessi e probabilmente suscita ancora perplessità in alcuni spettatori.

Tuttavia, per gli amanti dell'arte che accettano e apprezzano il suo linguaggio non referenziale, non vi è alcun dubbio sul suo valore e sui risultati dei suoi artisti.

7 forme di arte non rappresentativa in dettaglio

Per poter effettuare una classificazione logica all'interno di questo termine collettivo, in linea di principio è possibile distinguere stilisticamente tra loro i seguenti sei tipi fondamentali, in base a determinate caratteristiche:

01 Arte curvilinea

Questo tipo di astrazione curvilinea è strettamente correlato all'arte celtica, che impiegava una varietà di motivi e motivi astratti, tra cui nodi, intrecci e spirali (tra cui il triscele).

Sorprendentemente, i Celti non furono gli ideatori. Culture più antiche avevano già utilizzato questi motivi celtici secoli prima. Tuttavia, non si può negare che i Celti abbiano dato nuova vita a questa forma d'arte, sviluppandone ulteriormente il livello di dettaglio e la finezza e contribuendo in modo significativo alla sua diffusione.

In seguito, i motivi curvilinei tornarono durante il movimento del Celtic Revival del XIX secolo e l'influente movimento Art Nouveau del XX secolo, in particolare nelle copertine dei libri, nei tessuti, nelle carte da parati e nei disegni in chintz di William Morris (1834-96) e Arthur Mackmurdo (1851-1942).

William Morris

William Morris nacque nel 1834 nei pressi di Londra, più precisamente a Walthamstow. La sua famiglia apparteneva alla classe sociale più agiata, poiché suo padre lavorava in borsa e gli lasciò una considerevole eredità.

Gli interessi e le capacità di Morris erano molteplici e spaziavano dalla pittura alla poesia, dalle arti decorative all'architettura.

Morris era un appassionato amante della natura, un fatto che si rifletteva nelle sue elaborate decorazioni adornate con delicati fiori e uccelli. Le sue opere colorate mascheravano il suo temperamento a volte focoso.

Sotto la sua guida, l'azienda si espanse notevolmente e ora produce anche tappeti, arazzi e carte da parati.

Sebbene Morris rimase impegnato nella sua attività fino alla morte, trovò comunque il tempo di dedicarsi alla sua passione per la tessitura dei tappeti e per scrivere poesie e leggende.

Arthur Heygate Mackmurdo

Arthur Heygate Mackmurdo è stato un architetto e designer visionario inglese, le cui idee influenzarono significativamente il movimento Arts and Crafts . In particolare, attraverso la fondazione della Century Guild of Artists nel 1882, in collaborazione con Herbert Horne, diede un importante impulso allo sviluppo dell'arte astratta.

Pioniere dello stile moderno , è considerato una forza trainante del movimento Art Nouveau a livello mondiale.

L'astrazione curvilinea ha influenzato anche l'arte islamica .

02 Arte con un forte riferimento al colore e alla luce

Esempi di questo tipo sono le opere di William Turner (1775-1851) e Claude Monet (1840-1926). Questi artisti utilizzano il colore e la luce con tale abilità da distaccare l'opera d'arte dalla realtà rappresentativa, mentre l'oggetto si dissolve in un turbinio di pigmenti.

William Turner

William Turner , uno dei più importanti artisti inglesi, fu ammesso alla Royal Academy nel 1789. Parallelamente agli studi, fece anche apprendistato presso l'acquerellista Thomas Malton. Espose per la prima volta i suoi acquerelli a una mostra della Royal Academy nel 1790 e sei anni dopo presentò il suo primo dipinto a olio.

Dopo un periodo di viaggi che lo portò in Scozia, Svizzera e Francia, Turner aprì la sua galleria nel 1804. Nel 1807 fu nominato professore alla Royal Academy e iniziò il "Liber Studiorum ", un catalogo in cui classificava la pittura secondo criteri specifici.

Un viaggio in Italia nel 1819/20, durante il quale trascorse un lungo periodo a Roma, portò a un cambiamento nello stile di Turner. I suoi dipinti si allontanarono sempre più dal realismo, il che attirò aspre critiche. Alcune delle sue opere successive non furono più esposte alla Royal Academy a causa della dissoluzione degli elementi figurativi.

Turner viaggiò ripetutamente nell'Europa meridionale, in particolare a Venezia, che lo affascinò con i suoi colori trasfigurati e ispirò diversi dipinti. Con i suoi colori brillanti e puri, è considerato uno dei più notevoli paesaggisti del Romanticismo .

Fauvismus

Allo stesso modo, diverse opere fauve di Henri Matisse (1869-1954) possono essere classificate come appartenenti a questo tipo. Lo stesso vale per alcuni dipinti espressionisti di Kandinsky e per le opere del suo collega Franz Marc (1880-1916).

Inoltre, il pittore ceco Frank Kupka (1871-1957) creò alcuni dei primi dipinti astratti ad alta intensità cromatica, che in seguito Robert Delaunay (1885-1941). Delaunay, nel suo orfico , anch'esso ispirato al cubismo, si affidò anch'egli al colore.

Pittura a campi di colore e astrazione lirica

Verso la fine degli anni '40 e negli anni '50, l'astrazione legata al colore riapparve sotto forma di pittura a campi di colore Mark Rothko (1903-1970) e Barnett Newman (1905-1970)

Clyfford Still fu un sostenitore della pittura a campi di colore, che utilizza ampie aree di colori brillanti e intensi. La pittura a campi di colore si caratterizza per l'attenzione rivolta all'interazione dei colori piuttosto che a idee o forme specifiche. Tele di grande formato venivano utilizzate per conferire alle opere una sorprendente espressività.

Abbandonando le convenzionali composizioni pittoriche e le rappresentazioni figurative, l'impatto immediato delle campiture di colore puro ha trovato libero sfogo. Mark Rothko è uno dei rappresentanti più importanti di questo movimento. Composizioni astratte con numerose campiture rettangolari in diverse tonalità dello stesso carattere o di un carattere simile definiscono la sua opera. Sebbene vengano utilizzati anche colori primari intensi, predominano i toni caldi della terra.

Allo stesso modo, Clyfford sperimentò un'astrazione ancora maggiore nelle sue opere. Così facendo, creò dipinti di grande formato con colori potenti e contrastanti. In questo modo, l'artista evocava una forte risposta emotiva.

La pittura a campi di colore, attraverso il suo approccio rivoluzionario, creò nuovi spazi per i sentimenti personali e suscitò emozioni nell'osservatore, evitando i metodi rappresentativi convenzionali. L'astrazione lirica , come forma concorrente di questo stile, apparve per la prima volta in Francia negli anni '50.

03 Astrazione geometrica

Questa forma d'arte più intellettuale, che impiega forme geometriche, emerse verso la fine del primo decennio del XX secolo. Una forma iniziale, ancora poco sviluppata, fu il Cubismo, in particolare il Cubismo Analitico.

Rifiutò completamente la prospettiva lineare e l'illusione di profondità spaziale nella pittura, rompendo con molti standard precedentemente prevalenti nel mondo dell'arte. Questo radicale riorientamento portò gli artisti a concentrarsi esclusivamente sugli aspetti bidimensionali di un'immagine.

L'astrazione geometrica è anche nota come arte concreta e arte non oggettiva , con una forte attenzione alle immagini non naturalistiche e all'uso di forme geometriche semplici come cerchi, quadrati, triangoli, rettangoli, ecc.

La totale assenza di qualsiasi riferimento o collegamento con il mondo naturale ne fa praticamente la forma più pura di astrazione.

Esempi di arte concreta includono:

• Cerchio nero (1913) di Kasimir Malevich (1878-1935) – esposto al Museo di Stato russo di San Pietroburgo
• Broadway Boogie-Woogie (1942) di Piet Mondrian (1872-1944) – esposto al MoMA di New York
• Composizione VIII (La mucca) (1918) di Theo van Doesburg (1883-1931) – esposta anche al MoMA di New York
• Un omaggio alla piazza di Josef Albers (1888-1976)

04 Arte ottica

L'arte ottica , a volte nota anche come Op Art , è nata negli anni '60. L'artista ungherese Victor Vasarely (1906–1997), che studiò approfonditamente i fenomeni ottici, diede una forma significativa a questo movimento.

Per creare illusioni visive, gli artisti dell'Op Art – tra cui artisti rinomati come Julio Le Parc , François Morellet e Yaacov Agam – giocavano con colori, forme e luci. Era una sorta di inversione del movimento dell'Espressionismo Astratto dei decenni precedenti.

Mentre l'Op Art si concentrava sull'ingannare lo sguardo dell'osservatore e indurre uno stato di ossessione visiva, gli artisti dell'Espressionismo Astratto comunicavano i loro sentimenti ed emozioni attraverso pennellate dinamiche. Motivi geometrici ed effetti illusori caratterizzavano questa corrente artistica.

Le immagini risultanti, create attraverso un sapiente gioco di contrasti di colore e forma, rendevano impossibile per l'osservatore distinguere il primo piano dallo sfondo o la rappresentazione realistica dal puro design. I creatori dell'Op Art non erano interessati solo all'esperienza estetica, ma anche al coinvolgimento attivo del pubblico.

Invitavano praticamente lo spettatore a guardare attraverso le illusioni visive e a risolvere il mistero nascosto nell'opera d'arte, mettendo alla prova i propri sensi. Grazie a questa componente interattiva, l'Op Art fu una tendenza artistica straordinaria.

L'optical art ha avuto un'enorme influenza anche su altri campi come il design e l'architettura. I suoi principi sono stati applicati alla progettazione di oggetti di uso quotidiano, facciate di edifici e persino alla moda.

05 Arte astratta emotiva o intuitiva

Si tratta di un tipo di arte . È fondamentalmente caratterizzata da una miscela di stili. È possibile identificare un tema comune, caratterizzato da una tendenza naturalistica.

Questa inclinazione al naturalismo si rivela nel modo di usare forme e colori. A differenza dell'astrazione geometrica, che fa quasi completamente a meno di riferimenti alla natura figurativa, questa forma d'arte prende una direzione leggermente diversa.

L'astrazione intuitiva cerca di dare vita alla natura nelle sue opere, ma in un modo meno rappresentativo.

Due fonti importanti per questo tipo di arte sono l'astrazione organica (detta anche astrazione biomorfica ) e il surrealismo .

Forse il rappresentante più famoso di questa forma di pittura è stato il russo Mark Rothko .

Tra le opere esemplari di astrazione intuitiva figurano, oltre ai dipinti di Mark Rothko:

• Composizione n. 4 (1911) e Composizione VII (1913) di Wassily Kandinsky - esposte nella Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen e nella Galleria Tretjakow
• Il tipico piatto, forchetta e ombelico (1923) di Jean Arp (1887-1966) – in una collezione privata
• Donna (1934) di Joàn Miró (1893-1983) – anch’essa in collezione privata
• Inscape: Morfologia psicologica n. 104 (1939) di Matta (1911-2002) – anche in una collezione privata
• Infinite Divisibility (1942) di Yves Tanguy (1900-55) – esposto alla Allbright-Knox Art Gallery di Buffalo (USA)

Esempi di scultura e intaglio:

• Il bacio (1907) di Constantin Brancusi (1876-1957) – Kunsthalle, Amburgo
• Madre e figlio (1934) di Barbara Hepworth (1903–1975) – esposto alla Tate Gallery
• Giant Pip (1937) di Jean Arp – esposto al Museo Nazionale d'Arte, Centre Georges Pompidou, Francia
• Three Standing Figures (1953) di Henry Moore (1898-1986) – Museo Guggenheim, Venezia

06 Astrazione gestuale

L'astrazione gestuale è una variante o sottoforma dell'espressionismo astratto. In questo stile, si attribuisce maggiore importanza al processo creativo del dipinto rispetto al passato.

Ad esempio, la pittura può essere applicata in modi insoliti. Anche la pennellata è solitamente molto libera, spontanea e veloce.

Tra i più famosi rappresentanti americani della pittura gestuale si annoverano Jackson Pollock (1912-56), l'inventore dell'Action Painting e della tecnica del dripping , e sua moglie Lee Krasner (1908-84), che lo ispirò con la sua personale forma di drip painting.

Jackson Pollock descrisse l'arte astratta come "energia e movimento rivelati" a creare arte senza autocensura e in modo intuitivo, "di pancia".

Altre figure importanti sono Willem de Kooning (1904-97), famoso per la sua serie "Donna", e Robert Motherwell (1912-56), che raggiunse la fama mondiale per la sua serie "Elegia alla Repubblica spagnola" .

illustrata dal Tachismo e dal gruppo CoBrA , in particolare da Karel Appel

07 Minimalismo

Come controcorrente alla pittura gestuale dell'Espressionismo astratto, il Minimalismo come movimento artistico d'avanguardia negli Stati Uniti. Una sorta di postmodernismo , per così dire.

È stato anche liberato da ogni riferimento e associazione esterna. È ridotto a ciò che si vede realmente, a nient'altro.

Il minimalismo assume spesso forme geometriche o è strutturato secondo principi geometrici. Questo movimento artistico è dominato dagli scultori ed è particolarmente diffuso nell'architettura e nel design moderno a partire dagli anni '80.

il Museo Barberini di Potsdam ha presentato un'imponente mostra di oltre novanta opere del pittore Gerhard Richter . L'attenzione si è concentrata sull'arte astratta. Questa mostra ha inserito le opere di Richter, realizzate in oltre cinquant'anni di attività, in un contesto più ampio. Il di Berlin-av ha avuto l'opportunità di incontrare Gerhard Richter all'inaugurazione della mostra. Nel video, l'artista discute vari aspetti del suo lavoro artistico durante una conferenza stampa.

Gerhard Richter, spesso definito il "Picasso del XXI secolo ", è celebrato per la sua eterogenea produzione artistica. Una mostra alla Haus der Kunst nel 2009 ha presentato, per la prima volta, una selezione completa dei suoi dipinti astratti realizzati a partire dagli anni Settanta. Queste opere di grande formato, per lo più realizzate in serie, riflettono l'intensa esplorazione di Richter dei principi e dei limiti della pittura.

Il suo processo creativo è caratterizzato da una "spontaneità pianificata ", in cui lavora senza un motivo precostituito e incorpora il caso. Utilizzando pennelli, racle e spatole, crea strati su strati di elementi cromatici cangianti, spesso dando vita a strutture spaziali, ma mai a oggetti chiaramente riconoscibili. Molti di questi dipinti attraversano più di trenta fasi, e i residui del processo rimangono accattivanti e presenti.

Le oltre cinquanta opere in mostra sono caratterizzate da un'intensità cromatica mozzafiato e rappresentano un'esperienza visiva di "cascate di colori psichedelici inebrianti" .

Perché l'arte astratta ci affascina così tanto?

Forse anche tu hai provato questa sensazione: ti sei soffermato a guardare a lungo un'opera d'arte astratta e hai sentito una certa attrazione , senza riuscire a comprenderne appieno il motivo.

Non è facile da spiegare, ma è innegabile. L'arte non figurativa può evocare un fascino unico che cattura la nostra mente. Può innescare diverse associazioni e processi mentali negli spettatori, trasportando la nostra immaginazione in un viaggio.

Di per sé, comprendere l'arte astratta non è particolarmente difficile: tutto ciò di cui hai bisogno è una mente aperta e una buona dose di immaginazione.

Il primo passo è abbandonare idee familiari e convinzioni radicate. Comprendere l'arte astratta significa innanzitutto guardare oltre il modo in cui conosciamo e percepiamo le cose. Solo allora si dispiega il vero potere di queste opere.

Il disegnatore e pittore di origine armena Arshile Gorky riassume così il concetto:

L'astrazione permette agli esseri umani di vedere con la mente ciò che non possono percepire fisicamente con gli occhi. L'arte astratta permette all'artista di percepire l'infinito oltre il tangibile e di farlo emergere dal finito. È l'emancipazione della mente. È un'esplorazione di territori sconosciuti

(traduzione approssimativa dall'inglese)

L'astrazione affonda le sue radici nell' "intuizione" e nella "libertà" (sia per l'artista che per lo spettatore). È la capacità dell'artista di usare la propria immaginazione per vedere oltre il visibile e tradurre emozioni immateriali sulla tela.

È anche la capacità del pubblico di entrare in sintonia con l'intenzione dell'artista nell'arte astratta e di liberare la propria mente dai limiti visivi.

La cosa più importante da capire su questa forma d'arte è che non deve avere un significato specifico, una storia specifica o una spiegazione chiara.

Il suo scopo principale è piuttosto quello di stimolare l'immaginazione e un approccio intuitivo. Questa forma d'arte si propone principalmente di offrire agli spettatori un'esperienza intangibile ed emotiva, un'esperienza che di solito è completamente diversa per ogni persona, a seconda della personalità e dello stato d'animo al momento della visione.

Tutto ciò rende l'arte astratta incredibilmente emozionante e arricchente.

Capire l'arte astratta: una breve guida

Abbiamo imparato che non si tratta di riconoscere e trovare figure o modelli familiari in opere astratte.

Se le spiegazioni nell'ultima sezione sono troppo generiche e non sei ancora sicuro di come procedere, forse i seguenti suggerimenti ti saranno utili:

• Quando si cerca di comprendere l'astrazione, è importante riconoscere che esistono diversi modi di approcciare e classificare l'arte.
• Per apprezzare l'arte moderna, l'attenzione non dovrebbe concentrarsi su quanto realisticamente l'artista abbia dipinto qualcosa o qualcuno e su quanti dettagli sofisticati siano presenti, ma piuttosto su quanto un'opera riesca a evocare emozioni e a creare un legame profondo con l'artista.
• I dipinti astratti possono essere apprezzati anche in termini di singoli elementi : colore, forma, linea, consistenza, spazio, intensità, ecc. L'abilità di un artista astratto risiede nella sua capacità di utilizzare colori e consistenze nel modo più efficace possibile e di creare una composizione completa (armoniosa) da questi elementi.
• Non guardare l'orologio! Non c'è bisogno di stare davanti a un'opera astratta per ore. Ma prenditi tutto il tempo che ti ispira intuitivamente. Il tempo non dovrebbe avere alcun ruolo. In nessun caso dovresti stabilire un limite di tempo in anticipo.
• Sappiamo tutti che l'arte è soggettiva e a volte ci sono opere con cui semplicemente non riusciamo a entrare in sintonia, soprattutto quando si tratta di arte astratta. Accetta questo fatto o riprova un'altra volta.
• Non sminuire l'immaginazione dell'artista o il suo valore! Se un'opera non ti piace o non riesci a entrare in sintonia con essa, rifletti semplicemente su ciò che ti suscita quella sensazione. Forse questo ti aprirà a una nuova prospettiva. E questo, dopotutto, è il segreto di questo tipo di arte.
• Ignorate il titolo! Nella maggior parte dei casi, i dipinti astratti hanno titoli estremamente vaghi (ad esempio, "Numero 4" o "Nero e Rosso"). Non lasciatevi ingannare. La maggior parte degli artisti astratti evita deliberatamente di usare titoli significativi o addirittura promozionali. Sottolineano che è possibile interagire con la loro arte e, in ultima analisi, trovare in essa il proprio significato personale. Solo in alcuni casi un titolo può essere utile per guidare l'immaginazione in una certa direzione.
• Leggete il testo a parete o le spiegazioni nelle guide o nelle brochure artistiche allegate. Questi contenuti possono fornirvi informazioni importanti sul background dell'artista o sulle sue intenzioni artistiche. Consiglio: provate prima a visualizzare l'opera senza alcun contesto: questo vi consentirà un'esperienza più intensa e libera.
• Lascia che il dipinto ti parli! Libera la mente da ogni altro pensiero. Concedi all'opera d'arte un po' di tempo e lascia che le sue emozioni risuonino in te. Osserva i colori e le texture. Cosa provi? Quali pensieri ti attraversano la mente? Jackson Pollock una volta disse: "Lascia che sia il dipinto a porsi le domande, piuttosto che il contrario".
• Non metterti pressione! Non preoccuparti se non provi immediatamente qualcosa con ogni quadro. Un dipinto astratto non ha bisogno di evocare una connessione contestuale; ovvero, non devi essere in grado di provare ogni emozione che potrebbe trasmettere. Se non ti suscita nulla, è perfettamente accettabile. Anche le emozioni negative sono possibili e dovrebbero essere riconosciute.
• Non dimenticare che l'astrazione non deve necessariamente avere un significato! Mentre comprendere un'opera d'arte può evocare un momentaneo senso di vittoria, immergersi nel suo mistero porta con sé un piacere duraturo.

Cos'è la fotografia astratta?

Nel mondo della fotografia astratta, i fotografi attingono all'estetica e alle tecniche dell'arte astratta e le riproducono in fotografia. Questo avviene attraverso una combinazione di oggetti, scene e tecniche fotografiche ordinarie per creare immagini che corrispondono ad altre forme di arte astratta.

Barbara Crane era una fotografa che utilizzava primi piani estremi, ombre esagerate e sovraesposizione per creare ottiche sperimentali che distorcevano i tradizionali paesaggi urbani.

Nella sua serie Loop, ha trasformato grattacieli e palazzi in immagini geometricamente astratte e ad alto contrasto. L'artista ha descritto il suo approccio come segue:

Pur basandomi sulle esperienze passate, cerco di abbandonare le vecchie abitudini visive e di pensiero. Sono costantemente alla ricerca di qualcosa che sia visivamente nuovo per me. Allo stesso tempo, spero che forma e contenuto si fondano."

Kimberly Poppe usa la sua macchina fotografica anche per esplorare nuove prospettive. Le sue fotografie di paesaggi sono più influenzate dai dipinti di Rothko che dai panorami oceanici da lui fotografati. L'espressionista astratto americano è una delle sue influenze più importanti.

Sven Pfrommer, fotografo contemporaneo e artista visivo residente a Berlino, si dedica in modo notevole anche alla fotografia astratta e lavora con grande successo in tutto il mondo.

In quali musei e mostre posso trovare opere d'arte astratte significative?

Sebbene l'arte non figurativa possa essere ammirata nella maggior parte dei principali musei d'arte del mondo, esistono numerose collezioni notevoli in musei prestigiosi che ospitano opere importanti e speciali di questa forma d'arte.

Vale la pena visitare in particolare i seguenti importanti musei:

• Museo d'arte moderna (MoMA), New York
• Museo Samuel R. Guggenheim, New York
• Galleria d'arte Albright-Knox, Buffalo, NY
• Galleria Tate Modern, Londra
• Centro Georges Pompidou, Parigi
• Guggenheim Bilbao
• Guggenheim Venezia
• Museo d'arte di Basilea
• Museo Stedelijk, Amsterdam
• Museo Nazionale d'Arte Moderna, Parigi
• MOMAT, Museo Nazionale d'Arte Moderna, Tokyo
• Istituto d'arte di Chicago
• Museo di arte contemporanea, Sydney

Acquistare arte astratta: a cosa dovresti prestare attenzione

Attraverso scambi e discussioni con altre gallerie, e anche negli Art Trade Report degli ultimi anni, abbiamo osservato una tendenza verso una nuova generazione di giovani collezionisti d'arte che possono essere classificati come nativi digitali e che acquistano arte quasi esclusivamente online.

Oltre all'arte urbana e alla street art , l'arte astratta è particolarmente apprezzata per gli acquisti online. È emerso un limite massimo di prezzo di circa 25.000 euro, che rappresenta un aumento significativo del valore delle opere scambiate online negli ultimi anni.

Secondo l'Art Basel e l'UBS Global Art Market Report 2024, la fiducia nelle vendite online globali è aumentata nuovamente nel 2023, raggiungendo una cifra stimata di 11,8 miliardi di dollari USA a livello globale, con un aumento del 7% rispetto all'anno precedente (2022) e rappresentando il 18% delle vendite totali del mercato.

Arte astratta nella nostra galleria online

Nella nostra galleria d'arte virtuale avrete anche la possibilità di acquistare opere d'arte astratte uniche e colorate, direttamente dall'artista o dal nostro partner nella galleria.

Ognuno di questi dipinti è stato creato con la passione e l'abilità eccezionale di un artista di talento. Esplora la diversità delle forme artistiche più diverse nella loro espressione più astratta e lasciati ispirare da immagini che raccontano la tua storia personale.

Immergiti in un mondo ricco di ispirazione creativa con la nostra vasta gamma di squisiti capolavori astratti.

Le opere di questa collezione sono disponibili per l'acquisto, direttamente dall'artista o tramite la sua galleria. Basta cliccare sulle opere desiderate per saperne di più.

Dipinti astratti presso le nostre gallerie partner

le nostre gallerie partner Singulart  e Artfinder  offrono una variegata collezione di opere d'arte moderna. Queste gallerie online sono note per le loro collezioni accuratamente selezionate, che presentano artisti internazionali affermati ed emergenti.

ars mundi troverete opere di eccezionale espressività e diversità creativa .

Queste gallerie partner offrono un'ampia selezione di opere d'arte astratte adatte a ogni stile di interior design immaginabile, che si preferiscano colori vivaci, forme energiche o texture morbide.

Ulteriori suggerimenti e guide

Per maggiori informazioni, suggerimenti e consigli sull'acquisto di opere d'arte astratte, consulta i nostri articoli correlati:

• Come posso acquistare arte astratta online?
• Acquistare opere d'arte online: 10 consigli essenziali per l'acquisto di opere d'arte online

Arte contemporanea dell'astrazione espressiva tedesca e austriaca

Chi è alla ricerca di artisti contemporanei con una chiara tendenza verso forme di espressione non rappresentative troverà ciò che cerca nel cuore della città dell'arte e della cultura di Dresda .

Qui, Thomas Stephan Inspire Art, un centro per artisti incentrato sull'astrazione espressiva, che da allora è cresciuto costantemente e prosperato grazie in gran parte a un team di artisti talentuosi, autentici e dedicati, diventando un punto di riferimento per appassionati d'arte, artisti e mercanti d'arte.

Il nucleo consolidato di Inspire Art comprende Etienne Donnay, Florian Maiorescu, Marcin Marz, Mila Plaickner ed Elena Drobychevskaja.

la pittura informale può risultare confusa, bizzarra e opprimente. Il team di Inspire Art mira a contrastare questo fenomeno con il suo approccio che presenta le opere d'arte moderna in un modo che sia innanzitutto comprensibile e autentico. Nelle sale luminose della galleria d'arte di Dresda, discussioni coinvolgenti e creative sono espressamente incoraggiate.

Potete rimanere aggiornati sulle nuove uscite di artisti tedeschi e internazionali su www.inspire-art.de .

Sul sito web della galleria troverete anche una panoramica del suo vasto portfolio di arte moderna, nonché della sua affascinante e diversificata collezione di opere d'arte contemporanea appartenenti a diversi movimenti artistici, con una forte attenzione all'arte astratta.