Arte astratta: una panoramica del movimento artistico non oggettivo

Ti è mai capitato di trovarti di fronte a un'opera d'arte e di essere allo stesso tempo colpito dalla sua intensità visiva e completamente perplesso dal suo messaggio? Cosa dovrebbe rappresentare in realtà? È arte o può essere buttata via? Cosa sta cercando di trasmettermi l'artista?

Se ti è mai capitato di avere pensieri simili mentre guardavi un'opera d'arte e di non riuscire a liberartene, allora molto probabilmente si trattava di un'opera d'arte astratta.

Cos'è l'arte astratta? - Caratteristiche e definizione

L'arte astratta , nota anche come "arte non oggettiva" o "arte non rappresentativa" , è, per definizione, un termine collettivo per i movimenti artistici del XX secolo emersi dopo il 1900. Utilizza elementi di design pittorico che astraggono parzialmente o completamente dall'oggetto e quindi si sovrappongono al cubismo.

Anche le opere astratte vengono create completamente distaccate dalla natura e dagli oggetti reali. Gli artisti astratti rifiutano fondamentalmente qualsiasi rappresentazione. La loro coscienza e il loro impulso creativo si basano sull'estetica fine a se stessa.

L'arte astratta spiegata in modo semplice e riassunta in modo succinto:

L'arte astratta è un'arte che non cerca di creare una rappresentazione accurata di una realtà visiva, ma utilizza superfici, linee, colori, forme, texture e segni gestuali per ottenere il suo effetto.

Anche "Arte Concreta" frequentemente utilizzato in questo contesto, e una distinzione dall'Arte Astratta è solo parzialmente possibile. Il termine fu introdotto da Theo van Doesburg definito programmaticamente Art Concret nel 1930

In senso stretto, si tratta di un movimento artistico specifico che si basa idealmente su principi matematici e geometrici.

Insieme alla musica, l'arte non oggettiva forme più pure di espressione artistica . Offre agli artisti la completa libertà di comunicare sentimenti ed emozioni senza l'intralcio di elementi figurativi della realtà oggettiva.

L'arte astratta ha spesso anche una dimensione morale, rappresentando virtù come l'ordine, la purezza, la semplicità e la spiritualità e promuovendole pittoricamente. È stata un movimento centrale nell'arte moderna .

I dipinti astratti possono essere creati utilizzando una varietà di tecniche, e molti artisti utilizzano colori acrilici. i dipinti astratti a olio e gli acquerelli sono molto popolari tra gli artisti contemporanei. I loro dipinti su tela sono molto richiesti da collezionisti, commercianti e amanti dell'arte di tutto il mondo.

Qual è l'idea alla base di questo movimento artistico?

Come già accennato all'inizio, il tema chiave è l'estetica in quanto tale e la liberazione delle forme di espressione da un corsetto oggettivo.

Le radici ideologiche risalgono probabilmente all'antica Grecia. L'adattamento filosofico per classificare e valutare le qualità formali di un'opera deriva quindi da un'affermazione di Platone :

Le linee rette e i cerchi non sono solo belli, ma eternamente e assolutamente belli.”

In sostanza, Platone voleva esprimere che le immagini non oggettive (ad esempio le semplici forme geometriche) possiedono una bellezza assoluta e immutabile.

Di conseguenza, un'opera può essere apprezzata e valutata esclusivamente in base alle sue linee e ai suoi colori: non è obbligata a rappresentare un oggetto naturale o una scena figurativa.

Il pittore, litografo e teorico dell'arte francese Maurice Denis (1870-1943) era ovviamente ben consapevole di questa idea di Platone quando scrisse:

Ricorda che un dipinto, prima di diventare un cavallo da guerra o una donna nuda... è essenzialmente una superficie piana ricoperta di colori in un ordine specifico."

Alcuni artisti astratti descrivono anche le loro ambizioni come la creazione dell'equivalente visivo di un brano musicale, che può essere visto e apprezzato di per sé. Non ci si dovrebbe chiedere: "Di cosa parla realmente questo dipinto? "

La storia dell'astrazione artistica – dagli inizi ai giorni nostri

Precursori nell'età della pietra

Se torniamo un po' indietro nel tempo, l'arte astratta era già significativa circa 70.000 anni fa, con incisioni preistoriche. Ad esempio, due massi incisi con motivi geometrici astratti risalenti a questo periodo sono stati rinvenuti nella grotta di Blombos, in Sudafrica.

Poi ci sono stati i ritrovamenti archeologici di punti astratti di ocra rossa e stencil di mani rinvenuti nelle rupestri di El Castillo, risalenti al periodo compreso tra il 39.000 e il 34.000 a.C.

Da allora, i simboli astratti divennero a quanto pare la forma predominante dell'arte rupestre paleolitica per lungo tempo e furono rinvenuti circa il doppio delle volte rispetto alle immagini figurative.

Origine e inizi nel XIX secolo

Le forme d'arte astratte come le conosciamo oggi sono molto più recenti. Le loro origini risalgono al rifiuto della pittura accademica classica in Europa tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo.

Prima di allora, dipinti e sculture i principi tradizionali del realismo classico, insegnati nelle principali accademie europee . Questi stabilivano il compito primario dell'arte di rappresentare una scena riconoscibile o un oggetto concreto.

L'epoca tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, caratterizzata da una così vasta ricchezza di creazione artistica, ha prodotto un'intera serie di pittori che hanno esaminato in dettaglio le relazioni e i meccanismi intrinseci della luce e della percezione visiva.

Molti artisti rinomati prima di questo periodo dipingevano utilizzando i metodi del realismo classico , utilizzando prospettive realistiche, ombreggiature e altre tecniche per creare scene e oggetti storici.

Il periodo romantico nei confronti dell'arte che rifiutava l'imitazione e l'idealizzazione del Classicismo. Al contrario, il ruolo dell'immaginazione e dell'inconscio veniva enfatizzato come fattori creativi essenziali.

Gradualmente, molti pittori di questo periodo apprezzarono la libertà creativa appena acquisita e le nuove esigenze che accompagnavano la convergenza di questi atteggiamenti. L'Impressionismo come periodo artistico (circa 1870-1880) rivelò già i primi segni di un allontanamento dalla pittura strettamente figurativa .

In particolare, le varianti del puntinismo neoimpressionista e del postimpressionismo hanno attirato l'attenzione sull'effetto speciale del colore come espediente stilistico.

L'Espressionismo tedesco stabilì definitivamente il libero uso di forme e colori come pietra angolare della pittura. Il successivo movimento Art Nouveau (1890-1914 circa) influenzò anche lo sviluppo dell'arte astratta.

La citazione di Maurice Denis del 1890 (vedi sopra) riassume questo sconvolgimento. Riassume abilmente il sentimento prevalente tra gli artisti simbolisti e postimpressionisti del suo tempo.

Inizio del XX secolo

Tutti i principali movimenti dei primi due decenni del XX secolo, tra cui il Fauvismo, l'Espressionismo , il Cubismo e il Futurismo, hanno in qualche modo sottolineato il divario tra l'arte e l'aspetto naturale dei suoi soggetti.

Tuttavia, esiste una differenza significativa tra la semplice astrazione dell'aspetto reale di un soggetto e la creazione di opere d'arte a partire da forme, linee e strutture che non hanno equivalenti nel nostro ambiente naturale.

Negli anni precedenti la prima guerra mondiale, artisti come Robert Delaunay, Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich e Vladimir Tatlin a un'arte fondamentalmente astratta.

"Sullo spirituale nell'arte", pubblicato nel 1911, divenne il manifesto fondativo.

Tuttavia, oggi si ritiene che l'artista svedese Hilma af Klint abbia creato il primo dipinto astratto a Stoccolma cinque anni prima di Kandinsky. Le sue opere futuristiche, caratterizzate da forme biomorfe e geometriche su sfondi suggestivi, furono rivoluzionarie per l'epoca.

Mentre Vassily Kandinsky si guadagnò la reputazione di pittore di successo, le opere di Klint rimasero in gran parte inosservate a causa della sua natura silenziosa. Teneva le sue opere per lo più per sé e raramente le esponeva.

Chiese alla sua famiglia di non pubblicare le sue opere fino a 20 anni dopo la sua morte, poiché riteneva che il mondo non fosse pronto per la sua visione. Le sue opere rimasero nell'ombra fino al 1986, quando suscitarono un notevole interesse.

Questo nuovo stile pittorico era considerato "arte pura" perché i motivi traevano origine esclusivamente dalla mente degli artisti e non venivano copiati o ripresi dal mondo reale. Le qualità formali di un'opera d'arte venivano enfatizzate rispetto al suo riferimento figurativo.

Tuttavia, questo completo abbandono di qualsiasi livello di rappresentazione fu visto con tono piuttosto critico dalla maggior parte degli artisti, anche progressisti, dell'epoca. Durante la Prima Guerra Mondiale, l'emergere del gruppo de Stijl nei Paesi Bassi e del gruppo Dada a Zurigo ampliò ulteriormente lo spettro dell'arte astratta.

Paul Klee viene spesso omesso dall'elenco dei nomi che compaiono regolarmente nelle discussioni sull'astrazione nell'arte del primo Novecento, e questo è davvero ingiustificato. La sua vasta opera, che abbraccia sia i primi che gli ultimi periodi creativi, offre una ricchezza di esempi impressionanti dello sviluppo di mondi visivi astratti e di efficaci processi di astrazione pittorica.

Mentre i suoi colleghi artisti contemporanei adottavano spesso un approccio radicale al soggetto e offendevano sinceramente il pubblico con le loro composizioni non figurative, Paul Klee si sforzava di creare connessioni e continuità con i suoi dipinti astratti. Integra elementi figurativi in ​​molte delle sue opere e apre nuove possibilità interpretative attraverso titoli ponderati. Questo potrebbe persino essere stato un motivo decisivo per il notevole successo di questo artista.

Astrazione. Il freddo romanticismo di questo stile privo di pathos è inaudito,"

Klee annotò nel 1915. Un'altra affermazione sul grado di astrazione nell'arte, risalente allo stesso anno, sembra oggi più attuale che mai e può essere applicata universalmente all'esistenza moderna:

Quanto più terribile è questo mondo, tanto più astratta è l'arte, mentre un mondo felice produce un'arte mondana."

Queste intuizioni non solo dimostrano il profondo impegno di Klee nei confronti dell'arte, ma ci invitano anche a riscoprire la sua opera e a riflettere sulla sua rilevanza nel nostro tempo.

L'opera astratta di Klee "Fuoco alla luna piena" è un brillante esempio dell'uso di forme astratte per rappresentare un'idea complessa. Il fuoco e la luna sono simboleggiati da forme geometriche ripetute circondate da aree più scure che mettono in risalto le fiamme danzanti e l'attrazione gravitazionale lunare. I colori intensi rafforzano anche il senso di movimento pulsante, mentre le aree scure e grigie creano un contrasto rilassante.

Le opere astratte di Paul Klee sono profondamente radicate nei temi della natura, dell'architettura, della musica e dei personaggi. Questi elementi gli hanno permesso di distillare l'essenza della pittura. La sua arte mostra un uso ricco di linee e colori, rivelando una varietà di possibilità. Ad esempio, l'astrazione colorata del suo acquerello "Vedute di giardini da Hammamet" (1914) spazia dalle composizioni esplosive della Prima Guerra Mondiale.

Durante il periodo Bauhaus, la pittura Color Field, che raffigura alberi in fiore, si trasformò in forme minimaliste di associazioni architettoniche. Le sue opere successive, in cui simboli scuri evocano piante o scritte, sono particolarmente suggestive. Appassionato musicista, Klee trovò anche strutture ritmiche nelle sue composizioni astratte, da cui si possono udire toni e melodie musicali.

Guerre mondiali e periodo postbellico

L'avanzata di questo movimento artistico fu interrotta dalle guerre mondiali. Considerate le politiche totalitarie e i movimenti artistici che enfatizzavano sempre più le immagini del surrealismo e del realismo socialmente critico , le opere astratte ricevettero poca attenzione durante questo periodo.

Fu solo dopo la fine della Seconda Guerra Mondiale che emerse una vivace scuola americana di pittura astratta, chiamata "Espressionismo astratto" , che avrebbe avuto un'influenza importante e duratura sul mondo dell'arte.

A partire dagli anni '50, l'arte astratta è diventata un approccio riconosciuto e diffuso nella pittura e nella scultura europea e americana. Questo movimento artistico ha senza dubbio lasciato perplessi molti e probabilmente fa ancora scuotere la testa ad alcuni spettatori.

Tuttavia, per quegli amanti dell'arte che accettano e apprezzano il suo linguaggio non referenziale, non ci sono dubbi sul suo valore e sui risultati dei suoi artisti.

7 forme di arte non oggettiva in dettaglio

Per poter effettuare una classificazione logica all'interno di questo termine collettivo, in linea di principio è possibile distinguere stilisticamente i seguenti sei tipi fondamentali, in base a determinate caratteristiche:

01 Arte curvilinea

Questo tipo di astrazione curvilinea è strettamente associato all'arte celtica, che utilizzava una varietà di motivi e motivi astratti, tra cui nodi, trecce e spirali (tra cui triscele).

Sorprendentemente, i Celti non ne furono i creatori. Culture più antiche avevano già utilizzato questi motivi celtici nei secoli precedenti. Tuttavia, non si può negare che i Celti abbiano dato nuova vita a questa forma d'arte, sviluppandone ulteriormente il livello di dettaglio e la finezza e contribuendo in modo significativo alla sua diffusione.

In seguito, i motivi curvilinei tornarono durante il movimento celtico revival del XIX secolo e l'influente movimento Art Nouveau del XX secolo, in particolare nelle copertine dei libri, nei tessuti, nelle carte da parati e nei disegni in chintz di William Morris (1834-96) e Arthur Mackmurdo (1851-1942).

William Morris

William Morris nacque nei pressi di Londra, più precisamente a Walthamstow, nel 1834. La sua famiglia apparteneva alla fascia più agiata della società, poiché suo padre era attivo in borsa e gli lasciò quindi una considerevole eredità.

Gli interessi e le capacità di Morris erano molteplici e spaziavano dalla pittura alla poesia, dalle arti all'architettura.

Morris era un appassionato amante della natura, cosa che si rifletteva nelle sue elaborate decorazioni raffiguranti delicati fiori e uccelli. Le sue opere colorate mascheravano il suo temperamento a volte irascibile.

Sotto la sua guida, l'azienda si espanse rapidamente e ora produce anche tappeti, arazzi e carte da parati.

Sebbene Morris rimase impegnato nella sua attività fino alla morte, trovò comunque il tempo di coltivare la sua passione per la tessitura dei tappeti e di scrivere poesie e leggende.

Arthur Heygate Mackmurdo

Arthur Heygate Mackmurdo è stato un architetto e designer visionario inglese, le cui idee influenzarono significativamente movimento Arts and Crafts Century Guild of Artists nel 1882, in collaborazione con Herbert Horne, diede un importante impulso allo sviluppo dell'arte astratta.

Pioniere dello stile moderno, è considerato una forza trainante del movimento mondiale Art Nouveau.

L'astrazione curvilinea ha influenzato anche l'arte islamica .

02 Arte con una forte attenzione al colore e alla luce

Esempi di questo tipo includono opere di William Turner (1775-1851) e Claude Monet (1840-1926). Usano il colore o la luce con tale abilità da staccare l'opera d'arte dalla realtà oggettiva, mentre l'oggetto si dissolve in un vortice di pigmento.

William Turner

William Turner , uno dei più importanti artisti inglesi, fu ammesso alla Royal Academy nel 1789. Oltre agli studi, si formò anche con l'acquerellista Thomas Malton. Partecipò per la prima volta a una mostra della Royal Academy con i suoi acquerelli nel 1790 e presentò il suo primo dipinto a olio sei anni dopo.

Dopo un periodo di viaggi che lo portò in Scozia, Svizzera e Francia, Turner aprì la sua galleria nel 1804. Nel 1807 fu nominato professore alla Royal Academy e iniziò il "Liber Studiorum ", un catalogo in cui classificava i dipinti secondo criteri specifici.

Un viaggio in Italia nel 1819/20, durante il quale trascorse un lungo periodo a Roma, portò a un cambiamento nello stile di Turner. Di conseguenza, i suoi dipinti si allontanarono progressivamente dal realismo, il che suscitò aspre critiche. Alcune delle sue opere successive non furono più esposte alla Royal Academy a causa della dissoluzione dell'arte figurativa.

Turner viaggiò ripetutamente nell'Europa meridionale, in particolare a Venezia, che lo affascinò con i suoi colori trasfigurati e ispirò diversi dipinti. Con i suoi colori brillanti e puri, è considerato uno dei più notevoli paesaggisti del Romanticismo .

Fauvismo

Allo stesso modo, diverse opere fauve di Henri Matisse (1869-1954) possono essere attribuite a questa tipologia. Lo stesso vale per diversi dipinti espressionisti di Kandinsky e per le opere del suo collega Franz Marc (1880-1916).

Inoltre, il pittore ceco Frank Kupka (1871-1957) creò alcuni dei primi dipinti astratti colorati, che in seguito Robert Delaunay (1885-1941). Delaunay si affidò anche al colore nel suo Orfismo , anch'esso ispirato al Cubismo.

Pittura a campi di colore e astrazione lirica

Verso la fine degli anni '40 e negli anni '50, l'astrazione legata al colore riemerse sotto forma di pittura a campi di colore Mark Rothko (1903-1970) e Barnett Newman (1905-1970)

Anche la pittura Color Field, che utilizza ampie superfici dai colori vivaci e intensi, era rappresentata da Clyfford Still . La pittura Color Field si caratterizza per l'enfasi sul gioco cromatico piuttosto che su idee o forme specifiche. Tele di grande formato venivano utilizzate per conferire alle opere un'espressione sorprendente.

Rifuggendo le convenzionali composizioni pittoriche e le rappresentazioni figurative, lasciò spazio all'impatto immediato delle superfici di colore puro. Mark Rothko è uno dei rappresentanti più importanti di questo movimento. Composizioni astratte con numerosi campi rettangolari in diverse tonalità dello stesso carattere o di un carattere simile dominano la sua opera. Sebbene vengano utilizzati anche colori primari intensi, predominano i toni caldi della terra.

Allo stesso modo, Clyfford sperimentò un'astrazione ancora maggiore nelle sue opere. Creò dipinti di grande formato con colori potenti e contrastanti, generando così una forte risposta emotiva.

La pittura Color Field, con il suo approccio rivoluzionario, creò nuovi spazi per i sentimenti personali e suscitò emozioni nell'osservatore, rifuggendo gli approcci rappresentativi convenzionali. L'astrazione lirica , una forma concorrente di questo stile, emerse per la prima volta in Francia negli anni '50.

03 Astrazione geometrica

Questa forma d'arte più intellettuale, che utilizza forme geometriche, emerse alla fine del primo decennio del XX secolo. Una forma iniziale, ancora poco sviluppata, fu il Cubismo, in particolare il Cubismo Analitico.

Rifiutò completamente la prospettiva lineare e l'illusione di profondità spaziale in un dipinto, rompendo con molti standard precedentemente prevalenti nel mondo dell'arte. Questo radicale riorientamento permise agli artisti di concentrarsi esclusivamente sugli aspetti bidimensionali di un'immagine.

L'astrazione geometrica è anche nota come arte concreta e arte non oggettiva , con una forte attenzione alle immagini non naturalistiche e basata su forme geometriche semplici come cerchi, quadrati, triangoli, rettangoli, ecc.

La totale assenza di qualsiasi riferimento o collegamento con il mondo naturale ne fa la forma più pura di astrazione.

Esempi di opere di arte concreta includono:

• Cerchio nero (1913) di Kazimir Malevich (1878-1935) – esposto al Museo di Stato russo di San Pietroburgo
• Broadway Boogie-Woogie (1942) di Piet Mondrian (1872-1944) – esposto al MoMA di New York
• Composizione VIII (La mucca) (1918) di Theo van Doesburg (1883-1931) – esposta anche al MoMA di New York
• Omaggio al quadrato di Josef Albers (1888-1976)

04 Arte ottica

L'arte ottica , a volte nota come Op Art , è nata negli anni '60. L'artista ungherese Victor Vasarely (1906–1997), che si interessò intensamente ai fenomeni ottici, influenzò notevolmente questo movimento.

Per creare illusioni visive, gli artisti dell'Op Art, tra cui artisti rinomati come Julio Le Parc , François Morellet e Yaacov Agam, giocavano con colori, forme e luci. Era una sorta di inversione di tendenza rispetto al movimento dell'Espressionismo Astratto dei decenni precedenti.

Mentre l'Op Art si concentrava sull'ingannare lo sguardo dell'osservatore e immergerlo in uno stato di ossessione visiva, gli artisti dell'Espressionismo Astratto comunicavano i loro sentimenti ed emozioni con pennellate dinamiche. Motivi geometrici ed effetti illusionistici caratterizzavano questa corrente artistica.

Attraverso un sapiente gioco di contrasti di colore e forma, crearono immagini in cui l'osservatore non riusciva a distinguere il primo piano dallo sfondo, né la rappresentazione realistica dal puro design. I creatori dell'Op Art non erano interessati solo all'esperienza estetica, ma anche al coinvolgimento attivo del pubblico.

Invitavano praticamente gli spettatori a guardare attraverso le illusioni visive e a risolvere il mistero nascosto nell'opera d'arte, mettendo alla prova i propri sensi. Questa componente interattiva ha reso l'Op Art una tendenza artistica degna di nota.

L'optical art ha avuto un'enorme influenza anche su altri campi come il design e l'architettura. I suoi principi sono stati applicati alla progettazione di oggetti di uso quotidiano, facciate di edifici e persino alla moda.

05 Arte astratta emotiva o intuitiva

Questa è quella che viene definita arte intuitiva . È fondamentalmente caratterizzata da una miscela di stili. È possibile identificare un tema comune, caratterizzato da una tendenza naturalistica.

Questa tendenza al naturalismo è evidente nel modo in cui vengono utilizzate forme e colori. A differenza dell'astrazione geometrica, che rinuncia quasi completamente ai riferimenti alla natura oggettiva, questa forma d'arte prende una direzione leggermente diversa.

L'astrazione intuitiva cerca di dare vita alla natura nelle sue opere, ma in un modo meno rappresentativo.

Due fonti importanti per questo tipo di arte sono l'astrazione organica (detta anche astrazione biomorfica ) e il surrealismo .

Il rappresentante più famoso di questa forma di pittura è stato il russo Mark Rothko .

Opere esemplari di astrazione intuitiva sono, oltre ai dipinti di Mark Rothko:

• Composizione n. 4 (1911) e Composizione VII (1913) di Wassily Kandinsky - esposte alla Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen e alla Galleria Tretyakov
• Il tipico piatto, forchetta e ombelico (1923) di Jean Arp (1887-1966) – in una collezione privata
• Donna (1934) di Joàn Miró (1893-1983) – anch’essa in collezione privata
• Inscape: Morfologia psicologica n. 104 (1939) di Matta (1911-2002) – anche in una collezione privata
• Infinite Divisibility (1942) di Yves Tanguy (1900-55) – esposto alla Allbright-Knox Art Gallery di Buffalo (USA)

Esempi in sculture e scultura:

• Il bacio (1907) di Constantin Brancusi (1876-1957) – Kunsthalle, Amburgo
• Madre e figlio (1934) di Barbara Hepworth (1903–1975) – esposto alla Tate Gallery
• Giant Pip (1937) di Jean Arp – esposto al Museo Nazionale d'Arte, Centre Georges Pompidou, Francia
• Three Standing Figures (1953) di Henry Moore (1898-1986) – Museo Guggenheim, Venezia

06 Astrazione gestuale

L'astrazione gestuale è una variante o sottoforma dell'Espressionismo Astratto. Pone maggiore enfasi sul processo creativo del dipinto rispetto a quanto generalmente fatto fino a questo momento.

Ad esempio, la pittura può essere applicata in modi insoliti. Anche la pennellata è solitamente molto libera, spontanea e veloce.

Tra i più famosi rappresentanti americani della pittura gestuale ci sono Jackson Pollock (1912-56), l'inventore dell'action painting e della tecnica del dripping , e sua moglie Lee Krasner (1908-84), che lo ispirò con la sua personale forma di drip painting.

Jackson Pollock descrisse l'arte astratta come "energia e movimento rivelati" che liberavano la sua psiche e le davano voce. In questa forma d'arte, trovò la libertà di creare al di là della fedele riproduzione dell'ambiente circostante. Gli artisti astratti erano incoraggiati a creare arte senza autocensura e in modo intuitivo, "di pancia .

Altri importanti rappresentanti sono Willem de Kooning (1904-97), famoso per la serie di opere “Donna”, e Robert Motherwell raggiunse la fama mondiale per la serie “Elegia alla Repubblica spagnola”

In Europa, questa forma di astrazione è esemplificata dal Tachismo e dal gruppo CoBrA – Karel Appel (1921-2006) è particolarmente degno di nota.

07 Minimalismo

il Minimalismo si affermò rapidamente come movimento artistico d'avanguardia negli Stati Uniti. Una sorta di postmodernismo .

È stato anche liberato da ogni riferimento e associazione esterna. È ridotto a ciò che si vede realmente, a nient'altro.

Il minimalismo assume spesso una forma geometrica o è strutturato dalla geometria. Questo movimento artistico è dominato dagli scultori ed è presente dagli anni '80, soprattutto nell'architettura e nel design moderno.

il Museo Barberini di Potsdam ha presentato un'imponente mostra di oltre novanta opere del pittore Gerhard Richter . L'attenzione si è concentrata sull'arte astratta. Questa mostra ha contestualizzato le opere di Richter, realizzate in oltre cinquant'anni di attività. Il di Berlin-av ha avuto l'opportunità di incontrare Gerhard Richter all'inaugurazione della mostra. In questo video, durante una conferenza stampa, l'artista illustra vari aspetti del suo lavoro artistico.

Gerhard Richter, spesso definito il "Picasso del XXI secolo ", è celebrato per la sua poliedricità. Una mostra alla Haus der Kunst nel 2009 ha presentato, per la prima volta, una selezione completa dei suoi dipinti astratti realizzati a partire dagli anni Settanta. Queste opere di grande formato, per lo più realizzate in serie, riflettono l'intensa esplorazione di Richter dei principi e dei limiti della pittura.

Il suo processo creativo è caratterizzato da una "spontaneità pianificata ", in cui lavora senza un motivo predefinito e abbraccia il caso. Utilizzando pennelli, racle e spatole, crea strati su strati di elementi cromatici cangianti che spesso danno origine a strutture spaziali, senza mai diventare oggetti chiaramente riconoscibili. Molti di questi dipinti attraversano oltre trenta stati, con i residui del processo che rimangono accattivanti e presenti.

Le oltre cinquanta opere in mostra sono caratterizzate da un'intensità cromatica mozzafiato e costituiscono un'esperienza visiva di "cascate di colori psichedelici inebrianti .

Perché l'arte astratta ci affascina così tanto?

Forse ti è capitato di essere attratto da una particolare opera d'arte astratta, di osservarla a lungo e di provare attrazione

Non è facile da spiegare, ma è innegabile. L'arte non figurativa può suscitare un fascino unico che cattura la nostra mente. Può innescare diverse associazioni e processi mentali negli spettatori, trasportando la nostra immaginazione in un viaggio.

All'inizio, comprendere l'arte astratta non è particolarmente difficile: tutto ciò che serve è una mente aperta e una buona dose di immaginazione.

Il primo passo è liberarsi dalla familiarità e dalle convinzioni radicate. Comprendere l'arte astratta significa innanzitutto guardare oltre ciò che conosciamo e riconosciamo. È qui che si dispiega il vero potere di queste opere.

L'illustratore e pittore di origine armena Arshile Gorky lo riassume così:

L'astrazione permette alle persone di vedere con la mente ciò che non possono percepire fisicamente con gli occhi. L'arte astratta permette all'artista di percepire l'infinito oltre il tangibile e di farlo emergere dal finito. È l'emancipazione della mente. È un'esplorazione di territori sconosciuti.

(tradotto dall'inglese)

L'astrazione affonda le sue radici nell '"intuizione" (dell'artista) e nella "libertà" (sia per l'artista che per lo spettatore). È la capacità dell'artista di usare la propria immaginazione per guardare oltre il visibile e trasferire emozioni intangibili sulla tela.

È anche la capacità del pubblico di entrare in contatto con l'intenzione dell'artista nell'arte astratta e di liberare la propria mente dai limiti visivi.

La cosa più importante da capire su questa forma d'arte è che non deve avere un significato specifico, una storia specifica o una spiegazione chiara.

Il suo scopo principale è piuttosto quello di stimolare l'immaginazione e un approccio intuitivo. Questa forma d'arte si propone principalmente di offrire agli spettatori un'esperienza intangibile ed emotiva, un'esperienza che di solito è completamente diversa per ogni persona, a seconda della personalità e dello stato d'animo al momento della visione.

Tutto ciò rende l'arte non oggettiva incredibilmente emozionante e arricchente.

Capire l'arte astratta: una breve guida

Abbiamo imparato che non si tratta di riconoscere e trovare figure o modelli familiari in opere astratte.

Se le spiegazioni nell'ultima sezione ti sembrano troppo generiche e non sai ancora come gestirle, i seguenti suggerimenti potrebbero esserti utili:

• Quando si cerca di comprendere l'astrazione, è importante riconoscere che esistono diversi modi di approcciare e classificare l'arte.
• Per apprezzare l'arte moderna, l'attenzione non dovrebbe concentrarsi sul realismo con cui l'artista ha dipinto qualcosa o qualcuno e sulla quantità di dettagli intricati presenti, ma piuttosto su quanto un'opera riesca a evocare emozioni e a stabilire un legame profondo con l'artista.
• I dipinti astratti possono essere apprezzati anche in termini di singoli elementi : colore, forma, linea, consistenza, spazio, intensità, ecc. Le capacità di un artista astratto risiedono nella sua capacità di utilizzare colori e consistenze al meglio delle proprie capacità e di creare una composizione completa (solida) a partire da questi elementi.
• Non guardare l'orologio! Non c'è bisogno di stare davanti a un'opera astratta per ore. Ma prenditi tutto il tempo che ti permette di essere intuitivamente toccato da un'opera. Il tempo non dovrebbe essere un problema. In nessun caso dovresti stabilire un intervallo di tempo in anticipo.
• Sappiamo tutti che l'arte è soggettiva e a volte ci sono opere con cui non riusciamo a entrare in sintonia, soprattutto quando si tratta di arte astratta. Accetta questo fatto o riprova un'altra volta.
• Non sminuire l'immaginazione dell'artista o il suo valore! Se un'opera non ti piace o non riesci a entrare in sintonia con essa, rifletti semplicemente su ciò che ti suscita quella sensazione specifica. Forse questo ti aprirà a una nuova prospettiva. Ed è proprio qui che risiede il segreto di questo tipo di arte.
• Ignorate il titolo! Nella maggior parte dei casi, i dipinti astratti hanno titoli estremamente vaghi (ad esempio, "Numero 4" o "Nero e Rosso"). Non lasciatevi scoraggiare. La maggior parte degli artisti astratti evita deliberatamente di usare titoli descrittivi o addirittura promozionali. Piuttosto, sottolineano che siete voi a interagire con la loro arte e, in ultima analisi, a trovare un significato per voi stessi. Solo in alcuni casi possono essere utili per guidare la vostra immaginazione in una certa direzione.
• Leggete il testo a parete o le spiegazioni nelle guide o nelle brochure artistiche allegate. Questi contenuti possono fornirvi informazioni significative sul background dell'artista o sulle sue intenzioni artistiche. Consiglio: provate prima senza alcun contesto: questo vi offrirà un'esperienza più intensa e libera.
• Lascia che il dipinto ti parli! Libera la mente da ogni altro pensiero. Concedi all'opera un po' di tempo e lascia che il dipinto ti trasmetta le sue emozioni. Osserva i colori e le texture. Cosa provi? Quali pensieri ti attraversano la testa? Jackson Pollock una volta disse: "Lascia che sia il dipinto a porsi le domande, invece che il contrario".
• Non metterti sotto pressione! Non preoccuparti se non provi immediatamente qualcosa con ogni dipinto. Un dipinto astratto non deve necessariamente evocare un aspetto contestuale, il che significa che non devi essere in grado di provare ogni emozione che può trasmettere. Se non ti suscita nulla, va bene lo stesso. Anche le emozioni negative sono possibili e dovrebbero essere tollerate.
• Ricorda che l'astrazione non deve necessariamente significare nulla! Mentre comprendere un'opera d'arte può evocare un momentaneo senso di trionfo, immergersi nel suo mistero regala un piacere duraturo.

Cos'è la fotografia astratta?

Nel mondo della fotografia astratta, i fotografi attingono all'estetica e alle tecniche dell'arte astratta e le riproducono in fotografia. Questo avviene attraverso una combinazione di oggetti, scenari e tecniche fotografiche comuni per creare immagini coerenti con altre forme di arte astratta.

Barbara Crane era una fotografa che utilizzava primi piani estremi, ombre esagerate e sovraesposizione per creare ottiche sperimentali che distorcevano i tradizionali paesaggi urbani.

Nella sua serie Loop, ha trasformato grattacieli e palazzi in immagini geometricamente astratte e ad alto contrasto. L'artista ha descritto il suo approccio come segue:

Anche se mi baso sulle esperienze passate, cerco di abbandonare le vecchie abitudini visive e di pensiero. Sono sempre alla ricerca di qualcosa che sia visivamente nuovo per me. Allo stesso tempo, spero che si crei una fusione tra forma e contenuto.

Kimberly Poppe usa la sua macchina fotografica anche per esplorare nuove prospettive. Le sue fotografie di paesaggi sono più influenzate dai dipinti di Rothko che dai suoi panorami oceanici fotografati. L'Espressionismo Astratto Americano è una delle sue influenze più importanti.

il fotografo e artista visivo contemporaneo Sven Pfrommer, , si dedica con grande impegno alla fotografia astratta e lavora con grande successo in tutto il mondo.

In quali musei e mostre posso trovare importanti opere d'arte astratta?

Sebbene l'arte non figurativa possa essere ammirata nella maggior parte dei principali musei d'arte del mondo, esistono numerose collezioni degne di nota in musei prestigiosi che ospitano opere importanti e speciali di questa forma d'arte.

Vale la pena visitare in particolare i seguenti importanti musei:

• Museo d'arte moderna (MoMA), New York
• Museo Samuel R. Guggenheim, New York
• Galleria d'arte Albright-Knox, Buffalo, NY
• Galleria Tate Modern, Londra
• Centro Georges Pompidou, Parigi
• Guggenheim Bilbao
• Guggenheim Venezia
• Museo d'arte di Basilea
• Museo Stedelijk, Amsterdam
• Museo Nazionale d'Arte Moderna, Parigi
• MOMAT, Museo Nazionale d'Arte Moderna, Tokyo
• Istituto d'arte di Chicago
• Museo di arte contemporanea, Sydney

Acquistare arte astratta: a cosa dovresti prestare attenzione

Negli scambi e nelle discussioni con altre gallerie, nonché negli Art Trade Report degli ultimi anni, abbiamo osservato una tendenza verso una nuova generazione di giovani collezionisti d'arte che possono essere classificati come nativi digitali e che acquistano arte quasi esclusivamente online.

Oltre all'arte urbana e alla street art , l'arte astratta è particolarmente popolare online. Il limite massimo di prezzo si aggira intorno ai 25.000 euro, il che rappresenta un aumento significativo del valore delle opere scambiate online negli ultimi anni.

Secondo l'Art Basel e l'UBS Global Art Market Report 2024, la fiducia nelle vendite online globali è aumentata nuovamente nel 2023, raggiungendo una cifra stimata di 11,8 miliardi di dollari a livello globale, con un incremento del 7% rispetto all'anno precedente (2022) e rappresentando il 18% delle vendite totali del mercato.

Arte astratta nella nostra galleria online

Nella nostra galleria d'arte virtuale avrete anche la possibilità di acquistare opere d'arte astratte uniche e colorate, direttamente dall'artista o dal nostro partner nella galleria.

Ognuno di questi dipinti è stato creato con passione e straordinaria abilità da un artista di talento. Esplora la diversità delle forme artistiche più diverse nella loro espressione più astratta e lasciati ispirare da immagini che raccontano la tua storia personale.

Immergiti in un mondo di ispirazione creativa con la nostra vasta gamma di squisiti capolavori astratti.

Le opere di questa collezione sono disponibili per l'acquisto, direttamente dall'artista o tramite la sua galleria. Basta cliccare sulle opere desiderate per saperne di più.

Dipinti astratti presso le nostre gallerie partner

Anche Singulart  e Artfinder  offrono una variegata collezione di opere d'arte moderna. Queste gallerie online sono note per le loro collezioni accuratamente selezionate, che includono artisti internazionali affermati ed emergenti.

ars mundi troverete opere dalla particolare forza espressiva e dalla varietà di design .

Queste gallerie partner offrono un'ampia selezione di opere d'arte astratte adatte a ogni stile d'interni immaginabile, che si preferiscano colori vivaci, forme energiche o texture morbide.

Ulteriori suggerimenti e consigli

Per maggiori informazioni, suggerimenti e consigli sull'acquisto di opere d'arte astratte, consulta i nostri articoli in evidenza:

• Come posso acquistare arte astratta online?
• Acquistare opere d'arte online: 10 consigli essenziali per l'acquisto di opere d'arte online

Arte contemporanea dell'astrazione espressiva tedesca e austriaca

Chi cerca artisti contemporanei con una chiara tendenza verso forme di espressione non oggettive troverà ciò che cerca nel cuore di Dresda, .

Qui, Thomas Stephan Inspire Art, un punto di riferimento per artisti con un focus sull'astrazione espressiva. Da allora, lo spazio è cresciuto costantemente e, anche grazie a un team di artisti talentuosi, autentici e dedicati, è fiorito, diventando un punto di riferimento per appassionati d'arte, artisti e mercanti d'arte.

Il nucleo consolidato di Inspire Art comprende Etienne Donnay, Florian Maiorescu, Marcin Marz, Mila Plaickner ed Elena Drobychevskaja.

la pittura informale può sembrare confusa, bizzarra e opprimente. Il team di Inspire Art mira a contrastare questo fenomeno con il suo approccio volto a presentare le opere d'arte moderna in modo comprensibile e autentico. È espressamente auspicabile che discussioni stimolanti e creative si svolgano negli spazi luminosi della galleria d'arte di Dresda.

rimanere regolarmente aggiornati sulle nuove pubblicazioni di artisti tedeschi e internazionali su www.inspire-art.de

La presenza online della galleria offre anche una panoramica del suo vasto portfolio di arte moderna, nonché della sua affascinante e diversificata collezione di arte contemporanea di vari movimenti artistici, con una forte attenzione all'arte astratta.