¿Cómo puedo convertirme en artista? Consejos de artistas autodidactas exitosos y creativos profesionales.

El cliché del "artista en apuros" se utiliza con demasiada frecuencia. Sin embargo, cada vez hay más artistas que han construido carreras exitosas y prósperas en el mundo del arte, incluso siendo autodidactas, sin formación académica ni una trayectoria artística convencional.

Hoy en día, existen numerosos artistas autodidactas consagrados en el panorama artístico . El hecho de que sean autodidactas ya no supone un problema, puesto que su arte, sus conocimientos, su comprensión y su contribución al arte son mucho más valiosos que un título universitario o el nombre de un profesor de arte.

Supongamos que ese es nuestro objetivo. Pero ¿cómo lo conseguimos? Ante todo, se requiere una gran motivación, disciplina, perseverancia y dedicación. El camino puede ser difícil, pero con pasión y la incansable búsqueda de vivir de ella, es posible alcanzar el éxito como artista autodidacta en el mundo del arte.

No dejes que las dudas te frenen y cree en ti mismo: con un poco de talento natural, tienes el potencial para lograr grandes cosas. El éxito en el mundo del arte también se basa en un 1% de inspiración y un 99% de transpiración.

¿Cómo puedo convertirme en artista? ¡Aprende con nosotros de artistas consagrados y personas autodidactas exitosas!

Este artículo te muestra en pocos pasos cómo aumentar tus posibilidades de éxito como artista autodidacta . Analizamos cómo puedes aprender por tu cuenta el material de una universidad de arte y por dónde empezar. También abordamos cómo desarrollar tu práctica artística, cómo avanzar como autodidacta y cómo triunfar en el mundo del arte. Nos basamos en las experiencias, ideas y consejos de artistas exitosos.

“mundo artístico de élite”, existe cierto estigma asociado al artista autodidacta, lo que conlleva diversos desafíos para aquellos que no tienen la oportunidad de asistir a una escuela de arte.

Según la situación socioeconómica o el sistema educativo de un país, la educación artística

Hoy en día, la información esencial para artistas autodidactas está más disponible que nunca, siempre que se sepa dónde buscar. Convertirse en artista profesional, y más aún en un artista autodidacta profesional, no es tarea fácil. Sin embargo, a pesar de todos los obstáculos y desafíos que se presenten, un artista autodidacta no debería desanimarse a la hora de hacerse un nombre en el mundo del arte.

¿Cuáles son los requisitos básicos para convertirse en artista?

¿Posees una creatividad innata que te aporta nuevas ideas cada día? ¿Disfrutas pintando, dibujando y diseñando, tienes sensibilidad para los colores, las formas y la estética, y una vida emocional vibrante? ¿Te consideran un poco atípico?

Si tú también tienes poca necesidad de estabilidad y previsibilidad, entonces la vida de artista podría ser ideal para ti. Como artista, puedes pintar, crear, construir, lijar, fotografiar y filmar, creando tu obra de arte completamente según tu propia visión.

Si a otros les gustan tus obras por su expresividad, emotividad, estética o sofisticación, puedes exponerlas en galerías o venderlas de forma privada.

Increíble variedad de campos de actividad

En el ámbito artístico, existe una enorme diversidad y abundancia de campos de actividad y formas, lo que hace que esta trayectoria profesional resulte particularmente atractiva para las personas creativas.

Lo primero que probablemente viene a la mente son las bellas artes, como la pintura, la escultura, el dibujo y la ilustración. O las artes escénicas, incluyendo el teatro, la ópera, la música y la actuación. Sin embargo, más allá de estas áreas tradicionales, ha surgido una increíble variedad de oportunidades. Ya sea tatuador, artista callejero, diseñador de videojuegos, comediante, artista de circo, arteterapeuta, payaso, mago, bailarina de burlesque, artista marcial, animador, youtuber, maquillador o restaurador, las posibilidades para que las personas creativas ganen dinero son prácticamente infinitas.

También encontrar información muy interesante sobre 34 de estas actividades artísticas en forma de historias en vídeo en watchado .

Incluso fuera del mundo del arte y más allá del trabajo como artista independiente, muchas empresas e instituciones ofrecen oportunidades laborales para personas creativas. Los siguientes sectores tienen demanda y están contratando profesionales creativos:

• Instituciones educativas (escuelas, universidades , institutos de formación continua)
• Atención sanitaria (clínicas, centros de terapia, etc.)
• Instituciones sociales (centros juveniles/de apoyo, etc.)
• Constructores de stands para exposiciones y empresas de eventos
• estudios de arquitectura
• empresas de medios y publicidad
• Teatros de ópera, teatros, galerías y otras instituciones culturales
• departamentos de comunicación corporativa y marketing
• desarrolladores de juegos
• Editores y oficinas editoriales
• Diseño web y gráfico
• Inteligencia artificial, mundos virtuales, macrodatos, arte digital

Perfil de actividad de los artistas

El portal de empleo australiano Seek una infografía interesante sobre el perfil y el rol del artista . Utiliza 10 indicadores para ilustrar claramente los requisitos y beneficios de trabajar como profesional creativo. El análisis se basa en los valores promedio de 30 artistas encuestados.

Dado que el ámbito laboral de los artistas en Alemania probablemente no difiera significativamente del de Australia, estos resultados son en gran medida aplicables a nuestro país. Las áreas de «satisfacción laboral» (4,2 estrellas) y «variedad» (4,3 estrellas) obtuvieron resultados particularmente buenos. En el extremo inferior se situaron la «seguridad laboral», el «potencial de ingresos» y las «oportunidades de desarrollo profesional».

Habilidades importantes para un artista:

Como artista, tu habilidad más importante es, por supuesto, la creatividad . Tienes que crear obras que nadie haya imaginado o realizado antes, y lograr inspirar a la gente con tu trabajo.

Por supuesto, también debes comprender y dominar a la perfección tu oficio, ya sea pintura, fotografía, escultura o diseño de videojuegos. No es necesario que seas un vendedor nato, pero sin duda te ayudará saber promocionarte a ti mismo y a tu trabajo .

tener conocimientos básicos de marketing y cierta familiaridad con las redes sociales resulta ventajoso para dar a conocer tu trabajo al público más amplio posible y a potenciales compradores. También te ayudará no ser demasiado tímido: los contactos pueden llevarte muy lejos en el mundo del arte. Lo ideal es que no temas crear una red de contactos .

El conocimiento de idiomas extranjeros también es muy útil en tu profesión, especialmente el inglés, ya que te permite comunicarte con la comunidad artística internacional y participar más fácilmente en exposiciones y otras oportunidades en el extranjero.

Finalmente, como artista, necesitas una buena dosis de valentía y disposición para asumir riesgos . Las perspectivas de vivir de tu arte son escasas al principio, y puede que busques en vano la estabilidad durante los primeros años (aunque a veces surgen sorpresas positivas). Si no puedes aceptarlo, deberías replantearte tu elección profesional.

Formación en Academia de Arte vs. Artista Autodidacta

En las academias de arte, el enfoque principal está en el desarrollo artístico personal, ya sea aprendiendo una técnica específica o cultivando un estilo propio. Sin embargo, se ha comprobado que la mayoría de las instituciones no preparan adecuadamente a sus estudiantes para una carrera en el mundo del arte.

Así que, antes de dar el primer paso, necesitamos averiguar qué hace a un artista exitoso .

El éxito artístico tiene diferentes significados para cada persona. La meta final probablemente sea convertirse en un artista reconocido en el circuito artístico de élite. Sin embargo, algunos simplemente desean ganarse la vida como artistas. La experiencia nos dice que el éxito artístico a menudo conlleva también el éxito comercial.

En lo que respecta al reconocimiento artístico , no existen límites. Es posible estar representado por galerías de renombre, vender obras a precios elevados o incluso figurar como artista consagrado en museos y publicaciones.

Dependiendo del tiempo invertido, del talento natural y de factores externos como la suerte, el tiempo necesario para iniciarse como artista autodidacta puede variar considerablemente. Según una evaluación realista de CAI (Contemporary Art Issue) , plataforma híbrida para artistas y galería de arte contemporáneo en Bélgica, el éxito inicial como artista autodidacta puede llegar en tan solo dos años .

Es menos tiempo del que requieren la mayoría de los programas de escuelas de arte. No esperes consolidarte de inmediato, pero es posible obtener un reconocimiento importante como artista y tener un futuro prometedor en dos años.

Con este artículo, pretendemos ofrecerte un punto de partida y una guía básica, revelando aspectos fundamentales que necesitas saber pero que no se mencionan explícitamente; y mostrándote dónde encontrar la información necesaria para ayudarte a alcanzar el éxito artístico. En última instancia, sin embargo, el éxito depende de ti.

¡Da el 110%, mantén la paciencia y la pasión, cree en ti mismo! Entonces tendrás las mejores condiciones.

Consejos valiosos de creativos exitosos: paso a paso hacia el éxito como artista

Hasta este punto, has podido obtener una visión completa de cómo podría ser tu trabajo diario como artista y de lo que debes aportar para tener éxito en este campo.

¡Ahora, veamos paso a paso cómo convertirse en un artista exitoso! ¿Qué se necesita para consolidarse en el mundo del arte? ¿Dónde están los obstáculos y qué factores conducen al mayor éxito? ¿A qué debes prestar atención? ¿Y qué consejos son los más valiosos?

Ahora responderemos a estas preguntas junto con artistas que lo han logrado y que están encantados de compartir sus fórmulas para el éxito.

Giro inesperado: Tres artistas femeninas y un artista masculino cuentan cómo lo hicieron.

Para muchos, ser artista parece un trabajo soñado. Pero, ¿basta con talento o también se necesita habilidad para la autopromoción?

En el programa cultural “Twist” sobre arte, diversas personalidades nos ayudan a esclarecer esta cuestión. En primer lugar, conocemos a la estrella emergente del mundo del arte, Leon Löwentraut . A pesar de carecer de formación artística formal, goza de éxito internacional como pintor. Si bien las páginas de arte lo ignoran e incluso algunos lo critican, se ha ganado a numerosos seguidores con sus espectaculares apariciones y su fuerte presencia en redes sociales. Sus pinturas alcanzan ahora precios elevados.

¿Es posible, por tanto, lanzar la carrera de un artista en cualquier momento y lugar gracias a las redes sociales? La escultora francesa Latifa Echakhch , ganadora del Premio Marcel Duchamp y diseñadora del Pabellón Suizo en Venecia, nos muestra un enfoque diferente del arte como forma de comprender el mundo.

La profesora de pintura estadounidense Rajkamal Kahlon aborda temas serios como el colonialismo y el racismo en sus obras, reinterpretando las representaciones del siglo XIX de los pueblos indígenas y restituyéndoles así su dignidad.

Annika Le Large , de Leipzig, se gana la vida ilustrando libros infantiles, demostrando que se puede tener éxito como artista incluso sin un título de una escuela de arte.

Estas diferentes historias demuestran claramente que el camino hacia el éxito como artista puede ser muy individual y que el éxito tiene muchas facetas.

01 Motivación y pasión: Los comienzos como artista

Cada pintura que crea un artista lleva consigo una chispa de su propia alma. Es una conexión entre el artista y el lienzo, que cobra vida gracias a la sinceridad y la dedicación. Artistas como Gerhard Richter y Vincent van Gogh han conmovido e inspirado al mundo con sus obras.

David Hockney y Marc Chagall también con sus singulares pinturas sobre lienzo . Como artista, es importante explorar constantemente nuevos temas y desarrollarse creativamente.

La edición de imágenes nunca debe estancarse, sino ser siempre novedosa e innovadora. Paul Klee y Karl Ernst Osthaus fueron pioneros en sus respectivos campos y demostraron que su pasión por el arte no conocía límites.

El mejor requisito para ser artista es precisamente esta pasión y curiosidad insaciable, que actúa como una fuerza motriz incansable para la motivación y la inspiración.

02 Descubre, experimenta y vive.

Antes de poder consolidarnos como artistas, debemos definir con claridad lo que queremos, aconseja Julien Delagrange , historiador del arte, artista contemporáneo y director del CAI y de la Galería CAI . Anteriormente, Delagrange trabajó para el Centro de Bellas Artes (BOZAR) de Bruselas, la Fundación Jan Vercruysse y la Biblioteca de la Universidad de Gante. Su práctica artística y su crítica de arte escrita están estrechamente vinculadas, y en ellas examina el arte contemporáneo en busca de nuevas perspectivas dentro del mundo del arte.

Así pues, al comienzo de nuestra carrera, hagámonos las siguientes preguntas:

• ¿Qué tipo de artista quieres ser?
• ¿Qué disciplina disfrutas más?
• ¿Qué estilo o técnica prefiere usted particularmente?

Antes de comprometernos con un medio, estilo, técnica o visión en particular, necesitamos la libertad y la oportunidad de explorar, experimentar y vivir el arte. Es fundamental explorar , experimentar y vivir el arte a lo largo de nuestra vida y trayectoria artística para encontrar inspiración

Esto puede ocurrir de forma más radical e intensa en las primeras etapas de la carrera de un artista. Más adelante, resulta más difícil propiciar cambios radicales. Sin embargo, nuestra obra debe cambiar y evolucionar continuamente para seguir siendo interesante y relevante. Porque, como en la vida, lo único constante en el arte es el cambio.

Más adelante podremos introducir una nueva disciplina o cambiar visualmente nuestro estilo, pero en esta etapa tenemos total libertad sin preocuparnos por las posibles consecuencias. Podemos probar cualquier cosa que nos guste: experimentar, explorar y vivir nuevas experiencias.

Delagrange hace especial hincapié en la tercera “E”: Experiencia .

El arte debe ser experimentado, tanto como espectador como artista.

Estas experiencias nos inspirarán, y lo que nos inspire nos animará a experimentar y absorber diferentes influencias, creando en última instancia una nueva síntesis de nuestra identidad artística.

Estos experimentos supondrán un reto técnico para los artistas autodidactas. Es hora de considerar complementar estos experimentos con tutoriales en línea y, posiblemente, algunos cursos (véase Skillshare , Udemy o Domestika). Gracias a internet, es posible adquirir habilidades cómodamente desde casa. YouTube es probablemente el mejor lugar para encontrar tutoriales adecuados.

Por lo tanto, Delagrange recomienda que investigues a fondo y elijas un canal dirigido por un artista que te guste, y luego comiences a ver sus videos, aprendiendo y experimentando en el proceso.

Hoy en día existen infinidad de tutoriales en línea para pintar y dibujar . Para formas de arte menos comunes, como la escultura o las instalaciones, conviene buscar cursos específicos, por ejemplo, en plataformas como Skillshare .

Ya no existen reglas fijas que rijan el proceso creativo artístico, lo que permite a los artistas autodidactas desarrollar su propio estilo. Es importante experimentar y probar nuevas técnicas para, en última instancia, plasmar una visión e identidad personal en la obra.

03 Amplía tus estudios en arte (historia)

Este paso es fundamental para tu desarrollo como artista y tu credibilidad como autodidacta . Una pregunta frecuente entre los artistas autodidactas es si poseen suficientes conocimientos de arte e historia del arte. Sin embargo, no hay razón para que no puedas convertirte en un experto en arte incluso sin una maestría en arte o historia del arte.

Es fundamental la historia del arte para comprender a fondo el arte moderno y su significado. Sería ingenuo creer que se puede triunfar en el mundo del arte sin conocimientos artísticos. Tu conocimiento e inteligencia se pondrán a prueba cuando intentes abrirte camino en el panorama artístico.

¿Cómo y dónde podemos profundizar nuestra formación? Delagrange recomienda, en primer lugar, familiarizarse con la historia del arte y leer libros de texto académicos como los que se utilizan en las universidades. Este paso puede considerarse una forma de formación formal , y es aconsejable tomar apuntes.

No para exámenes, sino para crear un resumen personal de la historia del arte y tomar notas útiles para la propia práctica artística.

Comencemos con una introducción completa a la historia del arte y consideremos los siguientes libros, que podrían ser ideales para su formación posterior:

"Historia del arte" de E.H. Gombrich

de Ernst H. Gombrich, «Historia del arte», ha sido una obra maestra insuperable durante 50 años y es uno de los libros más conocidos y populares sobre arte. El autor impresiona por su capacidad para presentar los contextos histórico-culturales y los problemas artísticos de forma clara y convincente.

Gracias a su comprensión de la psicología de las artes visuales, logra presentar la historia del arte como una constante evolución de las intenciones artísticas. Cada obra de arte se considera dentro de su contexto histórico, independientemente de si se distingue de su predecesora o la imita.

Gombrich demuestra que el arte sigue conectado con épocas pasadas. En esta nueva forma, esta obra maestra continuará acercando a las nuevas generaciones al mundo del arte e inspirando a los amantes del arte.

"Arte: La historia visual" de Andrew Graham-Dixon

Esta obra de referencia visual presenta las 2500 obras de arte más importantes de 30 000 años de historia del arte en todas las culturas. Con más de 3000 magníficas ilustraciones, 700 perfiles de artistas e información sobre períodos y movimientos, constituye un recurso impresionante para evaluar y comprender el arte.

Además de una presentación detallada de obras clave, el libro abarca temas como el amor, el paisaje, el retrato y el desnudo. Desde las pinturas rupestres hasta el arte mediático moderno, se exploran todas las épocas y culturas. Este libro ilustrado de alta calidad ofrece una visión profunda del desarrollo del arte desde la prehistoria hasta nuestros días, así como un panorama de los movimientos y artistas más importantes.

Es una obra de referencia muy recomendable para todos los amantes del arte, convincente e informativa.

"Arte moderno. Del impresionismo al presente" por Hans Werner Holzwarth

El arte moderno surgió hace unos 150 años en París con los impresionistas , quienes se alejaron del arte académico clásico y revolucionaron el mundo del arte. Eligieron temas cotidianos y organizaron sus propias exposiciones para desafiar al establishment artístico.

Esto dio lugar a multitud de estilos modernistas como el simbolismo, el expresionismo, el futurismo, el dadaísmo, el surrealismo y otros. El libro recorre el desarrollo del arte moderno a través de obras innovadoras que rompieron con las convenciones existentes y abrieron nuevos caminos.

Los ensayos introductorios explican los principales movimientos del modernismo y destacan a artistas importantes y sus obras.

"Entrevistas con imágenes: 100 obras maestras al detalle" por Rainer y Rose-Marie Hagen

Este libro de Rose-Marie y Rainer Hagen nos ofrece una visión esclarecedora del mundo de la historia del arte. Revela las historias ocultas tras algunas de las pinturas más famosas, centrándose en detalles sutiles que revelan mucho sobre épocas pasadas. Los autores dirigen nuestra atención a aspectos aparentemente insignificantes, arrojando así una nueva luz incluso sobre las pinturas más conocidas.

Al leer, nos sumergimos en distintas épocas y culturas, conocemos a héroes griegos y poetas alemanes, exploramos catedrales y cabarets, y viajamos desde la antigüedad hasta la Europa moderna. Analizamos cada imagen como un rompecabezas, lo reconstruimos y, al hacerlo, desvelamos secretos sobre la gente, la política, la moda y las opiniones de tiempos pasados.

El libro ofrece una visión fascinante del mundo de las obras de arte y nos ayuda a comprenderlas mejor.

Estas magníficas obras de estudio presentan el canon de la historia del arte.”

Para cada movimiento artístico o capítulo, consulte las notas para descubrir bibliografía especializada adicional sobre un período o artista en particular. No obstante, las obras mencionadas son ya muy completas y proporcionan información suficiente por el momento.

A continuación, nos centraremos en el arte contemporáneo , desde el arte moderno hasta la actualidad. Las obras de referencia recomendadas son «Art Since 1900» (edición en inglés), la ya mencionada «Modern Art – From Impressionism to the Present» y «A History of Modern Art» de H.H. Arnason y Elizabeth C. Mansfield (solo en edición en inglés).

Estos tres libros son, sin duda, las obras de referencia más importantes sobre historia del arte moderno, e incluso se recomienda leerlos todos si es posible. Si bien una sola obra podría bastar para estudiar historia del arte, en este caso, cuantas más, mejor.

Adquirir conocimientos específicos sobre arte

Ahora que hemos establecido un marco sólido para el canon artístico, es hora de profundizar y centrarnos en movimientos artísticos, artistas y disciplinas específicas .

La selección de publicaciones debe basarse en tus intereses y práctica, pero hay algunos puntos importantes que me gustaría comentarte. Ten cuidado con la información inexacta en los libros autoeditados. Hoy en día, cualquiera puede escribir y publicar un libro. Incluso las pequeñas editoriales suelen producir libros de arte de dudosa calidad.

Por lo tanto, recomiendo que libros de editoriales de libros de arte de renombre como Taschen , Phaidon , Thames & Hudson , Skira , Prestel Publishing , Tate Publishing , Lund Humphries u otras instituciones artísticas respetadas que actúan como editoriales, como museos o universidades.

Estas editoriales son sinónimo de investigación artística de alta calidad, información fiable y autores y editores de renombre. Phaidon, por ejemplo, ofrece publicaciones excepcionales sobre prácticamente cualquier medio, desde pintura contemporánea hasta escultura. La colección Fundamental Art de Taschen es otra excelente recopilación de libros sobre movimientos artísticos y artistas específicos.

monográficas de los museos, junto con las retrospectivas, son siempre una excelente fuente de información. Estos ejemplos demuestran una investigación exhaustiva y una formación autodidacta en el ámbito del arte consagrado, pero ¿qué ocurre con el arte menos conocido?

Varias editoriales ofrecen actualmente excelentes publicaciones sobre este tema. Considere la serie de Phaidon sobre nuevas perspectivas en el arte, como Vitamin P (pintura), Vitamin D (arte crudo) o Vitamin Photography. También merece la pena mencionar las publicaciones de las galerías sobre los artistas que representan, con quienes puede identificarse.

Esto nos lleva a otras fuentes para profundizar y estar al día sobre el arte contemporáneo: plataformas de arte de prestigio, revistas especializadas, instituciones curatoriales y museos de arte contemporáneo. También se puede encontrar información más especializada en la literatura académica sobre arte contemporáneo.

La colección «Documentos sobre Arte Contemporáneo» de Whitechapel es un excelente ejemplo de una editorial que recopila los escritos académicos más importantes sobre un tema específico del arte contemporáneo. También incluye obras académicas con una conexión indirecta con el arte, como las de Foucault y Lacan.

No te dejes intimidar por la abundancia de conocimiento e información sobre arte a nivel mundial. No necesitas ser un experto ni un erudito para tener éxito. Existen diferentes niveles de conocimiento, siendo la historia del arte general y la historia del arte moderno las bases fundamentales.

Después, según tus intereses, puedes profundizar en bibliografía más específica. Hay muchas maneras de aprender sobre arte contemporáneo, por ejemplo, a través de canales informativos de YouTube . Sin embargo, es importante tener en cuenta que no toda la información es igual de fiable.

Algunos canales, como Art Assignment y Great Art Explained, ofrecen contenido bien documentado y objetivo, mientras que otros son menos fiables. También puedes seguir a instituciones, galerías y plataformas de renombre en redes sociales o suscribirte a sus boletines informativos para estar al día.

Organizaciones como Artforum , Cura , el Museo de Arte Moderno (MoMA ) e influyentes figuras del arte como Mary Lynn Buchanan son buenos puntos de partida. Es importante mantener la curiosidad, seguir tus propios intereses y estar en constante contacto con el arte y su historia.

04 Conozca de primera mano el mundo del arte y sus reglas no escritas.

A primera vista, este paso puede parecer menos significativo que los anteriores. Sin embargo, no es así. La tercera "E" que destacamos en el capítulo anterior —la experiencia— es fundamental aquí.

Porque la mejor manera de conocer el mundo del arte es experimentándolo uno mismo.

Quizás creas que ya conoces bastante bien el mundo del arte. Tal vez hayas visitado algunos museos y sigas a algunas galerías y artistas en redes sociales. Pero eso no es suficiente. El arte y el mundo del arte están llenos de detalles sutiles que, en definitiva, marcan la diferencia.

Ya sea para crear una obra de arte, completarla y presentarla en una galería, o todo lo relacionado con las exposiciones de arte —como la creación de una serie de obras o cómo interactúan las obras entre sí en una exposición, el título de la exposición, la descripción de las obras y sus metadatos, la forma de hablar de ellas, la instalación, las inspiraciones para el diseño y la presentación, etc.— hay que estar al tanto de las últimas tendencias del mundo del arte.

• ¿Qué es popular en las galerías hoy en día?
• ¿Qué aspecto y sensación transmiten las obras?

Para apreciar los matices del arte que marcan la diferencia, es recomendable visitar no solo museos, sino también galerías de arte. Mientras que los museos exhiben principalmente obras de artistas consagrados, las galerías muestran trabajos de artistas emergentes, así como nuevas creaciones de artistas reconocidos.

Las galerías de arte son fundamentales para una carrera en el mundo del arte . Por lo tanto, es importante ser crítico al elegir galerías e investigarlas previamente para asegurarse de terminar en una galería de gran prestigio.

Las características de calidad de las galerías de primer nivel incluyen una cuidada selección de exposiciones, una presentación profesional y elegante, una nota de prensa para cada exposición, muchos años de experiencia en la gestión de galerías, participación en ferias de arte y presencia en plataformas de renombre como Artsy o una página web profesional de la galería.

Algunas de las galerías más prestigiosas del mundo, aquellas que logran implementar esto a la perfección, pertenecen a la categoría de megagalerías. Ofrecen una perspectiva única sobre las reglas y costumbres tácitas del arte y las galerías de arte de alta gama.

Entre los ejemplos más destacados de megagalerías se incluyen:

• Gagosian
• Hauser & Wirth
• Galería Pace
• David Zwirner
• Cubo Blanco
• Galería Lisson
• Thaddaeus Ropac
• Perrotin
• Lehman Maupin
• Victoria Miro
• Marian Goodman
• y muchos más…

Una buena estrategia es centrarse en galerías emergentes en lugar de contactar directamente con las ya establecidas. La Guía de Arte de Artforum puede ser un recurso útil a este respecto. Elige una ciudad con una oferta artística cercana, explórala y empieza a visitar galerías.

Esto te inspirará a descubrir obras de artistas emergentes que están labrándose un nombre. Observa con atención cómo estos artistas se distinguen de los demás y cómo presentan su obra en una exposición o incluso en varias. Esto puede ayudarte a encontrar nueva inspiración y a desarrollar aún más tu propio trabajo creativo.

Si bien es posible contactar con directores de galerías, no lo recomiendo —al menos por ahora— ni tampoco revelar que eres artista. Probablemente ni tú ni tu obra estén preparados para la mirada crítica de un director de galería, aunque creas que sí, y estas oportunidades son escasas.

Es recomendable expresar primero tu interés en la galería. Si el director de la galería inicia la conversación, podría surgir la oportunidad de hablar sobre sus actividades artísticas. Exposiciones de arte, conferencias, festivales de arte y eventos como la Bienal de Venecia o Art Basel ofrecen excelentes oportunidades para conocer a fondo el panorama artístico y el mundo del arte contemporáneo.

Aunque asistir a este tipo de eventos implique viajes e inversión de tiempo, puede tener un impacto significativo en tu desarrollo personal, comprensión y futuras oportunidades profesionales, por lo que no debe subestimarse.

05 Encontrar inspiración creativa: Consejos y trucos para el proceso artístico

Cuando se enciende la chispa creativa y el lienzo se extiende ante ti, despierta el anhelo de inspiración . ¿Cómo puedes dar vida a tus ideas y hacer que tu arte brille? Artistas como Gerhard Richter o Vincent van Gogh encontraron su voz única explorando diversos temas y estilos.

Atrévete a experimentar con nuevas técnicas y materiales para expandir tu visión artística. Abraza la diversidad del mundo del arte para inspirarte en otros artistas. Ya sean obras abstractas o retratos realistas, deja que los diferentes estilos te estimulen a encontrar tu propia expresión única.

Al editar las imágenes a tu manera, puedes descubrir nuevos caminos y dar rienda suelta a tu creatividad.

¿Conoces esta situación?

Por fin encuentras un momento para ir a tu espacio de trabajo, y entonces te invade esa horrible sensación: rodeado de multitud de materiales, te sientes sin motivación para crear nada. Encontrar inspiración parece más difícil que cruzar el Atlántico a remo.

Puede que te sientas completamente solo, pero cada uno de nosotros ya ha tenido esta experiencia: una vez, varias veces, a menudo.

No existe persona creativa que pueda trabajar sin inspiración. Para algunos, encontrar inspiración es fácil y natural, mientras que para otros puede ser un reto.

Ninguna persona creativa es inmune a los bloqueos creativos; estos ocurren constantemente en toda práctica creativa.

Es importante saber motivarse a uno mismo, y a veces simplemente se necesitan algunas ideas y sugerencias para volver a encarrilarse.

La siguiente breve lista de libros ofrece un enfoque útil cuando la inspiración tarda en llegar:

Recomendaciones de libros para el flujo creativo

"Creatividad: El arte de ser" de Rick Rubin

El bestseller "Creative: The Art of Being" revela los secretos del exitoso productor musical detrás de estrellas como Johnny Cash, Adele, Run-DMC, Jay-Z y U2. El libro ilumina su trayectoria profesional de una manera clara e inspiradora, mostrando el camino del artista que todos podemos seguir.

Con los años, Rubin ha comprendido que, para los artistas, lo importante no es solo su producción, sino su relación con el mundo. La creatividad es esencial para todos y cualquiera puede cultivarla. Todos poseemos un poder creativo innato; depende de nosotros liberarlo. «Creative. The Art of Being» (2023) es un mensaje apasionado que celebra la alegría de la creación artística y la experimentación lúdica. Anima a probar cosas nuevas, a aprender de los errores y a volver a empezar, simplemente por el placer de ser creativo.

Este libro está dirigido a amantes de la música y músicos que buscan inspiración, a personas creativas con bloqueo creativo que desean superar sus miedos, y a quienes buscan significado y desean percibir conscientemente las maravillas del mundo.

"FLUJO y Creatividad" de Mihaly Csikszentmihalyi

En su obra «FLUJO y Creatividad», Mihaly Csikszentmihalyi explora el proceso que nos conduce a nuevas ideas y perspectivas innovadoras, liberando todo nuestro potencial artístico. En este libro, Csikszentmihalyi responde a las preguntas de dónde y cómo surge la creatividad y cómo cada persona puede descubrir y cultivar su propia fuente de inspiración.

Basándose en extensas entrevistas con reconocidas personalidades creativas, muestra cómo podemos promover específicamente nuestra propia creatividad para no solo mejorar nuestro trabajo artístico, sino también enriquecer nuestras vidas en su totalidad.

Este libro está dirigido a artistas y a todas las mentes creativas que buscan inspiración. Con reflexiones profundas y consejos prácticos, «Creatividad» una valiosa guía para cualquiera que desee liberar y desarrollar aún más su poder creativo.

"El camino del artista" de Julia Cameron

Este libro, de carácter espiritual, inspira a los lectores a descubrir el potencial artístico oculto que reside en cada uno de nosotros. Muestra cómo podemos despertar nuestra creatividad para crear algo grandioso. A menudo, las dudas, las experiencias negativas o las opiniones ajenas nos impiden liberar nuestra energía creativa.

Este libro ofrece orientación sobre cómo reconectar con nuestro artista interior y despertar nuestras habilidades creativas. Con valiosos ejercicios y consejos, podemos fortalecer nuestra presencia artística y emprender el camino hacia una vida artística plena.

Este libro es especialmente adecuado para cualquier persona que dude de sus propias habilidades creativas y esté buscando inspiración para desarrollar todo su potencial.

¡No te rindas!: 10 maneras de aumentar la creatividad en los días buenos y malos, por Austin Kleon

«No te rindas» es un libro inspirador para personas creativas que cultivan su creatividad con regularidad. Ofrece numerosos consejos y métodos útiles para mantener la motivación incluso en momentos de falta de inspiración. autor de bestsellers del New York Times, presenta diez estrategias para mantenerse no solo activo creativamente, sino también fiel a uno mismo.

Las sugerencias están dirigidas principalmente a creativos profesionales y artistas aficionados, pero también pueden ayudar a cualquiera que desee expresar su lado creativo de vez en cuando.

06 Desarrolla tu obra completa: crea una obra coherente.

Llegamos ahora al sexto paso; nos encontramos en un punto de inflexión crucial en la carrera del artista, donde la obra madura y emerge una obra de arte total: una unidad caracterizada por una visión clara, una reconocibilidad visual y un desarrollo continuo y fascinante.

Tras una fase de experimentación, en la que se construye un marco sólido como base para desarrollar la propia visión e identidad artística, y se toma inspiración del arte contemporáneo, llegamos gradualmente al punto en que todo confluye.

Has encontrado un medio con el que te sientes cómodo, objetivos claros y una visión que quieres plasmar en tu trabajo.

Ahora es el momento de perfeccionar y profesionalizar tu producción artística y crear obras que siempre considerarás parte de tu trayectoria. La constancia es fundamental en el arte. Un ejercicio crucial para lograr una obra coherente y un desarrollo constante y significativo es escribir una declaración artística .

En esta sección, explorarás tu visión, objetivos, filosofía, metodología y técnica. Todos los elementos de los pasos anteriores se combinan para crear una síntesis muy personal de quién eres como artista, qué define tu arte y de qué trata. Esta declaración, o visión artística, guiará tu desarrollo y garantizará la continuidad a medida que sigas experimentando, evolucionando y mejorando.

La declaración artística no solo sirve para exponer tu obra en galerías o publicarla en tu sitio web. Es, más bien, una herramienta y guía personal para un desarrollo personal continuo y coherente . Ahora que has definido claramente tus características artísticas, es hora de pasar a la acción.

Explora cómo puedes desarrollar aún más tu visión artística para destacar y aumentar tu reconocimiento. La vida del artista es, sin duda, una de las profesiones más fascinantes. El mundo del arte está saturado con miles de artistas, más de los que buscan galerías, coleccionistas y curadores.

Por lo tanto, es fundamental destacar, independientemente de si eres autodidacta o tienes un doctorado en artes. Sé coherente, personal y reconocible. Distínguete y mantente fiel a tu visión. Lograr esta coherencia a veces puede ser todo un reto.

Las galerías y los coleccionistas no suelen apreciar los cambios radicales en el proceso creativo de un artista, ya que podría dar la impresión de que, tras haber invertido tiempo o dinero, el artista está creando algo completamente nuevo. Sin embargo, esto no significa que tengas que repetirte constantemente.

Por el contrario, si no evolucionas, tu obra se estancará y se volverá aburrida, y corres el riesgo de ser etiquetado como un artista de edición limitada. Aquí nos encontramos con una de las sutilezas del mundo del arte, ya comentada en la sección anterior: el equilibrio entre la coherencia y el cambio, o mejor dicho, el desarrollo.

La cuestión es que, siempre y cuando te mantengas fiel a tu visión original —o sigas visiones y prioridades en constante cambio— la variedad siempre es una ventaja.

Delagrange ilustra esto con los siguientes ejemplos:

La coherencia, tal como la ejemplifica Luc Tuymans.

Luc Tuymans es uno de los pintores más importantes y constantes de su generación. Su obra abarca desde pinturas de escenas del Holocausto y un mural de Mickey Mouse hasta naturalezas muertas y representaciones numéricas. Sin embargo, su visión se mantiene coherente en todas sus piezas.

Explora la teoría de la imagen en el contexto de la pintura, abordando temas como los simulacros, la sobrecarga visual, la historia y las complejidades morales. Lo que conecta visualmente estos diversos temas son sus características pinceladas temblorosas y su sutil paleta de colores. Estos elementos garantizan coherencia y reconocibilidad, permitiendo al artista belga dedicarse por completo a cualquier tema o motivo.

Tracey Emin: Autobiografía y controversias como hilo conductor

Muchos artistas demuestran una versatilidad impresionante sin perder la coherencia en su obra. Un ejemplo paradigmático es Tracey Emin , quien transita con soltura entre instalaciones, esculturas y pintura figurativa. Utiliza elementos autobiográficos y controversias como base de su visión artística.

En la siguiente entrevista, comparte 6 lecciones importantes que deben dominarse en el camino hacia el éxito como artista:

Más ejemplos…

Igualmente impresionantes son los artistas que siguen ciertos motivos a lo largo de su vida y los convierten en su sello distintivo, como los puntos y las calabazas de Yayoi Kusama o las jaulas, arañas y espirales de Louise Bourgeois . Es importante destacar que estos motivos son elegidos conscientemente y representan el resultado directo de su visión e historia personal.

Algunos artistas dedican toda su vida a una sola cosa, perfeccionando una idea o técnica; pensemos en Mark Rothko o Carmen Herrera . Otros tienen una visión que incluye cambios radicales como parte integral; sin ellos, no hay coherencia.

Pensemos en el enfoque deliberadamente libre de estilo de Maurizio Cattelan y Ryan Gander . O consideremos a Gerhard Richter, cuya obra pictórica se caracteriza por una búsqueda interminable de las posibilidades de la pintura, desde el fotorrealismo hasta la abstracción pura, la figuración conceptual minimalista y las pinturas de bordes definidos.

Los matices de estas visiones y la interacción entre continuidad y desarrollo subrayan, una vez más, la importancia de nuestros pasos previos. Por lo tanto, es recomendable estudiar la obra de otros artistas para comprender cómo crear arte propio. Algunos buenos puntos de partida incluyen una visión clara, una filosofía, una técnica definida o una selección de motivos.

Por lo tanto, plasma tu visión por escrito y dedícale constancia en tu estudio. Comienza a profesionalizar tu práctica artística utilizando materiales de alta calidad y elaborando cuidadosamente cada obra. Cada trabajo debe mantener una calidad uniforme, desde los bocetos hasta las piezas terminadas listas para ser presentadas al mundo.

¡Es hora de que tú también formes parte del mundo del arte!

07 Crea un perfil de artista profesional

Para triunfar en el mundo del arte, es fundamental que todo sea preciso, profesional y cumpla con los estándares de un artista serio, sobre todo para los autodidactas. Este paso considera todos los detalles relevantes para garantizar que tu perfil artístico sea atractivo y profesional.

Esto demostrará a un posible coleccionista o galerista interesado en su obra que todo se realiza con meticulosidad. Esto no solo aumenta significativamente su credibilidad como artista serio, sino que también mejora sus posibilidades de éxito en el mundo del arte.

En opinión de Delagrange, muchos artistas —ya sean autodidactas o formados— fracasan en este punto y se pierden, incluso si poseen un gran talento y potencial.

A continuación, veremos los aspectos clave a los que debes prestar atención. Es fundamental seguir estrictamente los puntos aquí mencionados. Tu presentación como artista, tanto en línea como en persona, debe ser clara, formal, profesional e incluso con un toque de misterio.

Cualquier otra cosa que hagas que no esté en esta lista podría dañar tu credibilidad como artista. Entonces, ¿cómo preparamos nuestro perfil artístico integral?

7.1. Documenta tu arte

Es fundamental que de fotografías profesionales de su obra. Por favor, tome fotos de alta calidad y asegúrese de tener archivos de alta resolución. También sería útil crear algunas vistas de su obra instalada o en un espacio adecuado.

Evita simular tu trabajo con aplicaciones en galerías o espacios (los llamados mockups). Prepara tu sala de estar o estudio adecuadamente, alquila un espacio o aprovecha una exposición para tomar fotos de alta calidad. Esto, sin duda, aumentará tu credibilidad.

Documenta tu obra de arte minuciosamente y registra toda la información importante: significado, título, año, técnica y dimensiones.

Crea un catálogo completo con todos los datos relevantes que puedas presentar a clientes potenciales y galerías.

7.2. Currículum Vitae del Artista

El siguiente paso es crear un CV de artista . Este documento contiene toda la información relevante y sirve de guía para que galerías, coleccionistas y curadores comprendan en qué punto se encuentra su carrera.

Tu currículum debe incluir información sobre tu año y país de nacimiento, tu lugar de residencia actual, tu formación académica y cualificaciones, tu experiencia profesional, tu historial de exposiciones, publicaciones destacadas, cobertura mediática, premios, colecciones y residencias artísticas. Como persona autodidacta, te recomiendo no incluir a otras personas autodidactas en tu currículum.

Incluya su formación académica y profesional solo si es relevante; de ​​lo contrario, deje este campo en blanco. Utilice esta estructura como guía y analice los currículos de artistas consagrados o las páginas web de galerías. Siga el mismo formato, estructura y enfoque profesional.

No te preocupes si tu currículum artístico contiene poca información. Nuestro siguiente paso será mejorarlo y ampliarlo año tras año. Es perfectamente normal que hasta ahora hayas tenido pocas o ninguna exposición; todos empezamos poco a poco.

De hecho, el equipo de CAI ha escrito un artículo detallado sobre cómo crear un currículum para artistas con poca o ninguna experiencia. Puedes encontrar una guía completa aquí , que incluye ejemplos y una plantilla de currículum para artistas.

7.3. Sitio web del artista / portafolio en línea

La página web del artista funciona como tarjeta de presentación digital y portafolio , y debe reflejar su profesionalismo.

Un diseño minimalista y de alta calidad es esencial para lograr reconocimiento en el mundo del arte. Inspírate en las páginas web de artistas reconocidos y presenta la tuya con una página de inicio clara y concisa , una selección de tus mejores obras (portafolio), tu currículum y, si lo deseas, un texto biográfico en tercera persona.

Un paso crucial para convertirse en un artista de éxito es la presentación experta de su obra. Un portafolio bien elaborado, ya sea digital o impreso, ofrece a clientes potenciales y galerías una visión integral de su visión artística y su diversidad.

Una página de contacto completa la oferta. Sin embargo, elementos como un blog, una tienda online o la venta de productos son superfluos para un artista profesional. En el mundo del arte, es habitual que los posibles compradores pregunten por precios y disponibilidad directamente por correo electrónico. Por lo tanto, no es necesario publicar precios en línea ni crear una tienda virtual.

7.4. Autopromoción como artista: ¿Cómo encuentro a mi público objetivo?

Encontrar a tu público objetivo puede ser una aventura apasionante que impulsará tu carrera artística a un nuevo nivel. Es fundamental comprender sus necesidades e intereses de forma seria y precisa. Al interactuar activamente con sus comentarios y presentar tu trabajo estratégicamente, podrás construir una conexión auténtica con tus potenciales seguidores.

Aprovecha la diversidad de plataformas digitales y redes sociales para que tu arte llegue a un público más amplio. Damien Hirst , Takashi Murakami , Wolfgang Tillmans, Nan Goldin y Cindy Sherman: todos ellos han encontrado a su público objetivo y han logrado conectar con él con éxito.

Atrévete, experimenta con diferentes estrategias de marketing para descubrir tu propio camino. Tu arte merece ser apreciado y apoyado por las personas adecuadas. Encuentra tu nicho y transmite confianza: tu público objetivo ya está esperando a que lo descubras.

Sin embargo, encontrar el equilibrio adecuado también es importante en el ámbito de las redes sociales . Como regla general, conviene centrarse en la plataforma de redes sociales más potente para artistas actualmente: Instagram . Es impresionante la cantidad de galeristas y coleccionistas que descubren y contactan con nuevos artistas a través de esta plataforma.

Tener presencia en línea te permite crear una base de seguidores y, por lo tanto, aumentar tu credibilidad. YouTube el «vlogging» como artista aún se ve con malos ojos , a pesar de que todas las principales organizaciones artísticas están representadas en YouTube. Sin embargo, Julien Delagrange, director de la galería CAI, te aconseja que por ahora te centres exclusivamente en Instagram y que mantengas un tono profesional en tus publicaciones.

08 Desarrolla tu carrera de forma orgánica y piensa a largo plazo.

Instagram ya se ha destacado como una excelente plataforma para descubrir artistas. Sin embargo, para alcanzar el éxito, los artistas deben dar algunos pasos más. Antes de analizar acciones específicas que puedes emprender, hablemos de lo que debes evitar .

La autopromoción agresiva no es bien recibida en el mundo del arte.

El éxito no se puede forzar. Por lo tanto, es recomendable no autopromocionarse en exceso: evite contactar por teléfono a galerías, revistas, coleccionistas e instituciones sin previo aviso. No considere su arte como un producto puramente comercial para vender mediante publicidad, folletos o descuentos. Mantenga una actitud profesional y no presione a nadie.

El objetivo es más bien desarrollar una carrera orgánica y pensar a largo plazo dejando tu huella en el mundo del arte , lo que en última instancia hará que galerías, coleccionistas y revistas se pongan en contacto contigo.

Sumérgete activamente en el mundo del arte visitando exposiciones y galerías, como se recomendó en el paso anterior. Cultiva relaciones auténticas conversando sobre arte por interés genuino, no por interés propio. Conecta con personas afines y participa en el mundo del arte para potenciar tu éxito.

Incluso si eres introvertido y no te consideras un experto en networking, puedes aumentar tus posibilidades de desarrollar una carrera en el mundo del arte buscando oportunidades en este ámbito. Considera convocatorias abiertas para exposiciones, residencias artísticas , concursos de arte , becas , convocatorias para proyectos de arte público y oportunidades similares.

Una excelente manera de descubrir estas oportunidades es a través de la plataforma Artenda.net , que te mantiene al día sobre las oportunidades artísticas más interesantes. Como artista, es importante estar presente y prepararse bien. Confía en el proceso.

Si tu arte es de alta calidad y tu perfil artístico está diseñado profesionalmente sin resultar intrusivo, integrándose de forma natural y orgánica, tu trabajo llamará la atención. Y si tu perfil les resulta atractivo y profesional, se pondrán en contacto contigo, independientemente de si eres autodidacta o no.

En este punto, las cosas empiezan a moverse. Tan pronto como participas en una exposición, ya sea a través de una convocatoria abierta, una invitación de una galería o colaborando con otros artistas, se abren nuevas puertas.