Roy Lichtenstein – La vida con arte

El artículo «El camino a la fama de Roy Lichtenstein» describía este camino y cómo culminó en un aumento casi increíble del valor de sus obras. Lichtenstein tuvo que esperar mucho tiempo antes de que sus obras pudieran siquiera mantenerlo.

¿Vida y arte, o vida para el arte? Lichtenstein lo intentó

Roy Lichtenstein tenía casi 40 años cuando experimentó su gran avance artístico, y había razones para ello: Lichtenstein nunca había sido uno de esos artistas de pura cepa cuyas vidas consisten en estudiar y crear arte, pasar tiempo con artistas y las industrias creativas , y nada más.

Lichtenstein era un artista y un hombre común y corriente: comenzó a formarse para una profesión docente perfectamente normal y fue reclutado por el ejército. No pudo aprovechar el hecho de que el ejército lo hubiera llevado a París para su desarrollo artístico (y para conocer a Picasso) como estaba previsto, ya que tuvo que regresar a casa debido a la grave enfermedad de su padre.

Tras la guerra, completó su formación docente en la Universidad Estatal de Ohio y, aunque había comenzado una maestría en Bellas Artes , en 1949 puso otro obstáculo en el camino de su "libre desarrollo como artista" al casarse y tener dos hijos con su esposa Isabel Wilson en los años siguientes.

Lichtenstein era pues en parte responsable de alimentar a una familia, y en la década de 1950 trabajó en todo tipo de empleos que servían menos a su desarrollo artístico y más a su sustento.

En la primera parte de su vida, realmente no tuvo tiempo infinito para dedicarse a experimentos artísticos y a encontrar su propio estilo: participó en la vida real y vibrante hasta tal punto que no fue fácil incluso para una persona creativa desarrollar ideas artísticas altamente refinadas al margen.

¡Despierta, Lichtenstein! O: Lo que un nuevo trabajo puede hacer

Esta vida en Ohio, con viajes ocasionales relacionados con el arte a Nueva York, a 750 km de distancia, podría haber continuado indefinidamente. Esto habría sido especialmente cierto si Lichtenstein no hubiera aceptado un puesto de profesor en la Universidad de Rutgers, en Nueva Jersey, en 1960. Fue allí donde se encontró en un entorno sumamente creativo y conoció a todos los artistas que hoy se " consideran los "padres del Pop Art

Algunos de los artistas contemporáneos más importantes se habían reunido en la universidad de Ohio: Jim Dine y Claes Oldenburg, Lucas Samaras y George Segal, George Brecht y Geoffrey Hendricks, Dick Higgins y su esposa Allison Knowles, George Maciunas y Robert Whitman; todos ellos agrupados campus de la Universidad de Rutgers alrededor de dos profesores Allan Kaprow, el "inventor del Happening", y Robert Watts, escultor, expresionista y amigo de Fluxus.

Tal creatividad volvió a inspirar a Lichtenstein y lo animó a explorar incluso sus ideas más extravagantes. Hasta ese momento, la expresión artística de Lichtenstein se había el expresionismo , la corriente artística predominante de la época, dentro de la cual Lichtenstein no lograba ubicarse del todo entre las dos escuelas dominantes: la pintura de acción o los expresionistas introvertidosque, con sus aplicaciones pictóricas a gran escala, "invitaban a la meditación".

Las obras surgidas de estos intentos de posicionamiento han atraído hasta ahora poca atención en las exposiciones de Nueva York, especialmente cuando comenzó a dudar de su estilo a finales de los años 1950.

Lichtenstein ya había comenzado a experimentar con representaciones de diversos personajes de cómics y figuras de Disney , pero nunca exhibió públicamente estas primeras imágenes de Disney. En cambio, las repintó él mismo. Más tarde admitió que las consideraba actos de desesperación. Una lástima, la verdad, porque estas imágenes de Bugs Bunny, el Pato Donald y Mickey Mouse probablemente le habrían reportado una gran cantidad de dinero pocos años después.

Porque cuando Lichtenstein se dejó inspirar por las ideas de las personas creativas que le rodeaban, el resultado de esta fase experimental fue que deliberadamente "olvidó" por completo sus habilidades artísticas previamente adquiridas y creó precisamente un "cuadro cómico" como su primer cuadro sin influencia expresionista.

Así nació el estilo inconfundible de Lichtenstein. Tras "Mira a Mickey", creó varias otras pinturas con este nuevo estilo ese mismo verano de 1961. En este estilo, combinó imágenes nítidas definidas por líneas fuertes con áreas monocromáticas, elementos que imitaban técnicas de impresión industrial (puntos Ben-Day) y el bocadillo de diálogo característico de los cómics.

En otoño de 1961, el profesor Kaprow le concertó una reunión con Ivan Karp, director de la prestigiosa galería Leo Castelli de Nueva York, a quien Lichtenstein le presentó algunas de sus pinturas del nuevo estilo. Karp consideró que las obras eran prometedoras y, por lo tanto, se las mostró a su jefe, Leo Castelli. "Niña con pelota", pero Se dice que Castelli decidió representar a Lichtenstein "Mira a Mickey",Karp no le mostró

Liechtenstein está “en boca de todos”, casi impensable sin Castelli

Quizás fue precisamente esta omisión la que impulsó la carrera de Lichtenstein, ya que Andy Warhol había comenzado a incorporar personajes de cómics a su arte casi al mismo tiempo. Se dice que también expuso estas imágenes de cómics en la Galería Castelli, donde fueron rechazadas. Por otro lado, el rechazo de Castelli y la apropiación de los cómics por parte de Lichtenstein llevaron a Warhol a alejarse de los cómics y a centrarse en los bienes de consumo, lo que lo sitúa ahora en el primer puesto del ranking histórico del arte, mientras que Roy Lichtenstein ocupa el puesto número 23.

Pero todo eso llegó mucho después. En 1961, Lichtenstein finalmente logró hacerse un hueco en una de las galerías neoyorquinas más cotizadas del momento, y a partir de ahí su carrera despegó: sus primeras pinturas se vendieron rápidamente, su primera exposición individual se agotó incluso antes de su inauguración, y Lichtenstein ahora podía vivir de sus pinturas.

Posteriormente, reorganizó por completo su vida: las décadas de inviernos compartidos en el interior del país, los años de lucha por la supervivencia y su matrimonio, por lo demás tenso, con Isabel Wilson terminaron en divorcio. Lichtenstein se mudó al centro artístico de Nueva York, conoció a otras figuras destacadas del Pop Art como Robert Rauschenberg y Jasper Johns , y se centró exclusivamente en la pintura. Castelli tenía buenos contactos en Europa. A través de su exesposa, Ileana Sonnabend, Lichtenstein también obtuvo reconocimiento en Europa.

Producción enérgica al estilo de Liechtenstein

Eso fue todo: en la década de 1960, Lichtenstein se hizo cada vez más famoso, y en 1963 creó la que probablemente sea su pintura más famosa, "¡Whaam!", que ya colgaba en la Tate Modern de Londres en 1966. En los años siguientes, creó multitud de obras de arte, dedicándose a una amplia variedad de temas, esculturas e instalaciones de objetos artísticos, y a menudo pintaba en series.

Quizás en un contraste consciente con Andy Warhol, Lichtenstein nunca utilizó fotografías como plantillas, sino que siguió recurriendo a tiras cómicas o materiales impresos comerciales, como el directorio comercial del que "Niña con pelota" , y siempre produjo obras visiblemente con el estilo distintivo de Lichtenstein.

En sus primeros trabajos, experimentó con diversos temas, a veces utilizando modelos reconocibles e incorporando objetos muy sencillos. Al igual que Warhol, en aquella época se vio influenciado por la nueva ola de publicidad comercial de productos de consumo innovadores. Esto dio como resultado pinturas como «Calcetín», «Roto Broil» y «Lavadora», todas de 1961, que fueron condenadas por la crítica de arte, pero recibidas con entusiasmo por los clientes de Castelli debido a su representación novedosa y sutil.

Lichtenstein buscó deliberadamente la conexión entre arte y comercio , cuyo primer punto culminante fue la pintura de 1962, "Arte", que representaba simplemente la palabra en sí misma en casi dos metros cuadrados. A esta le siguieron abstracciones al estilo de las tiras cómicas que recuerdan a las pinturas de Picasso, esculturas de cerámica y metal, paisajes y series de pinceladas; la composición de áreas de color con contornos negros marcados y áreas punteadas se mantuvo constante.

Esta producción marcó el inicio de importantes exposiciones: en 1964, Lichtenstein se convirtió en el primer estadounidense Tate Gallery en exponer Museo de Arte de Pasadena, en California, acogió la primera retrospectiva de su obra y su primera exposición individual en Europa, que itineró por Ámsterdam, Londres, Berna y Hannover. En 1968, Lichtenstein participó por primera vez en la documenta (IV) de Kassel , seguida en 1969 por su primera retrospectiva en el Museo Guggenheim de Nueva York.

La época de los honores, las exposiciones y las colecciones

también le encargó a Lichtenstein Gunter Sachs para la suite de arte pop de su hotel Palace en St. Moritz "Leda y el cisne" que pintara Academia Estadounidense de Artes y Ciencias y compró una cochera en Southampton, en Long Island, donde construyó un estudio y pasó un período de relativo aislamiento.

En la década siguiente, no añadió muchas novedades a su estilo; descubrió las ilusiones ópticas y realizó varios bodegones, también volvió a estudiar historia del arte y pintó cuadros basados ​​en modelos de artistas famosos, como el "Jinete Rojo" , inspirado en Carlo Carrà, y la "Escena del bosque", inspirada en Claude Monet.

Ya en la década de 1960, Lichtenstein había reproducido obras maestras de Cézanne, Picasso y Mondrian. En total, realizó más de cien interpretaciones de pinturas conocidas de colegas famosos. La exposición de 2010 «Roy Lichtenstein. El arte como motivo», en el Museo Ludwig de Colonia, exploró esta faceta de la obra del artista.

Este recorrido por la obra de Lichtenstein abarca el cubismo y el expresionismo, el futurismo y el modernismo, desde el estilo de la década de 1930 hasta el arte minimalista y la pintura abstracta. Lichtenstein no se limita a copiar, sino que encuentra interpretaciones personales tan interesantes para sus reinterpretaciones de los clásicos que su reducción exclusiva al arte pop de estilo cómic resulta quizás lamentable.

Durante este período, Lichtenstein también comenzó a reelaborar sus propias piezas, creando "Artist's Studio, Look Mickey" y otras reediciones en 1973 y 1974 como parte de su serie "Artist's Studio". También realizó otros encargos, incluyendo un Art Car para BMW en 1977, una lámpara escultórica para la iglesia de St. Mary en Georgia en 1978, y "Mermaid", un encargo público que ahora se encuentra frente al Fillmore Miami Beach en el Teatro Jackie Gleason. Lichtenstein también recibió su primer doctorado honoris causa en 1977 del Instituto de las Artes de California, y en 1980 fue galardonado con un doctorado honoris causa del Southampton College.

En la década de 1980, Lichtenstein evidentemente se cansó de los cómics y volvió a sus orígenes, creando paisajes como "Amanecer" de 1984 y "Paisaje con techo rojo" de 1985, así como toda una serie de "Bocetos de paisajes". Le siguieron otros encargos públicos: en 1984, creó la escultura "Pinceladas", que ahora se encuentra en el Aeropuerto Internacional Port Columbus; al año siguiente, el "Mural con pinceladas azules" para los Juegos Olímpicos "El Cap" ; y en 1994, el enorme mural en la estación de metro de Times Square en Nueva York.

Y otros honores: en 1987 recibió un doctorado honorario de la Universidad Estatal de Ohio, en 1993 recibió un doctorado honorario del Royal College of Art, en 1995 fue galardonado con el Premio de Kioto y la "Medalla Nacional de las Artes" estadounidense, en 1996 recibió un doctorado honorario de la Universidad George Washington de Washington DC, y en total recibió varios premios más.

Irónicamente, el último trabajo de Lichtenstein fue el logotipo de DreamWorks Records, ejecutado con su estilo característico, a pesar de que para entonces ya se había alejado considerablemente de su estilo de cómic. Si el espectador percibe una contradicción, sin duda no le habría preocupado al artista, quien falleció en 1997. Lichtenstein nunca se tomó demasiado en serio: «No creo que lo que se quiera decir con ello sea importante para el arte» es una cita suya muy conocida (que se encuentra en el libro «Roy Lichtenstein» de John Coplans, publicado en 1972 por Praeger en Nueva York, pág. 54).

Se dice que las críticas fueron bastante duras en algunos casos; por ejemplo, la revista "Life" publicó un artículo preguntando si Lichtenstein "el peor artista de Estados Unidos" ; también es legendaria la declaración del famoso autor de cómics y ganador del Premio Pulitzer, Art Spiegelman, según quien "Lichtenstein no hizo ni más ni menos por los cómics que Andy Warhol por la sopa".

Aunque se dice que Lichtenstein admitió en ocasiones que las críticas a veces le hacían daño, en general se le describe como un conversador amigable y notablemente sereno con respecto a sus evaluaciones.

Obra de Roy Lichtenstein en Pinterest

Regusto desagradable

Teniendo en cuenta los precios que se pagan hoy en día por un “Lichtenstein”, tenía motivos para mantener esa compostura: los millones que pagó durante su vida se han multiplicado por diez desde entonces.

Es aún más lamentable, por lo tanto, que incluso en 2013, más de una década y media después de la muerte del artista, aparezcan supuestas "musas" que, sin ningún respeto por el segundo matrimonio de casi tres décadas de duración de Lichtenstein, quieran sacar provecho de su conocimiento del artista en vísperas de una gran retrospectiva de sus obras.

O cuando el dueño de la galería que representó a Lichtenstein hacia el final de su vida y desde entonces ha comercializado su patrimonio aparece en los titulares principalmente por disputas legales en torno al arte de Lichtenstein..

sobre este galerista , pero ese es otro tema sobre el que podrás leer pronto.