Roy Lichtenstein – Camino a la fama y récords en el mercado del arte

Roy Lichtenstein, junto con Andy Warhol, uno de esos artistas cuyas obras son reconocidas por casi todo el mundo. Lleva creando su singular arte desde la década de 1960 y rápidamente se convirtió en una de las figuras más destacadas del arte moderno.

Y así, por supuesto, uno de los protagonistas centrales del Pop Art; su obra es considerada el arte que definió paródicamente los requisitos básicos del Pop Art mejor que la obra de cualquier otro artista.

El propio Lichtenstein describió el Pop Art como "no pintura 'americana', sino pintura industrial", pero un vistazo a la trayectoria y el ascenso del artista muestra que el precio de sus obras de arte evolucionó de una manera que recuerda no a la producción industrial en masa, sino más bien a la construcción de plantas en la industria a gran escala.

El cómodo comienzo de Lichtenstein en el mundo del arte

Roy Fox Lichtenstein nació en 1923 en la ciudad de Nueva York en el seno de una familia judía de clase media alta. Su padre era agente inmobiliario y su madre, ama de casa tradicional. Creció en el Upper West Side, la zona exclusiva de Manhattan situada entre Central Park y las orillas del río Hudson, y tras asistir a la escuela primaria pública, ingresó en la escuela privada Franklin School for Boys.

Lichtenstein ya dibujaba desde niño, pero como esta afición no se enseñaba en Franklin, se matriculó en la Parsons School of Design para pintar acuarelas los sábados.

El joven Lichtenstein también se interesó por la antropología y las ciencias naturales; pasó mucho tiempo en el Museo Americano de Historia Natural, situado muy cerca de la casa de sus padres.

También se sabe que Lichtenstein, en su adolescencia, escuchaba con pasión las radionovelas, entonces muy populares. Se dice que sentía especial predilección por aquellas cuyas historias giraban en torno a antihéroes, a veces oscuros, conocidos también por sus apariciones en cómics, como "The Shadow", "Flash Gordon" o "Buck Rogers".

Más tarde, esta observación lúdica se interpretó de la siguiente manera: el joven Roy había absorbido inconscientemente clichés heroicos y místicos. El versátil y receptivo adolescente asistía entonces con frecuencia a conciertos de jazz en el Teatro Apollo de Harlem, donde dibujaba con devoción a los músicos.

En su último año de secundaria, Lichtenstein, anteriormente de la Escuela de Diseño Parsons, encontró su camino hacia su antigua organización matriz, la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York, donde se inscribió en la clase de verano.

Allí trabajó bajo la supervisión de Reginald Marsh, un artista del regionalismo estadounidense, en el que, además de una representación realista de la vida rural, se dedicaba poco espacio a la comprensión del desarrollo de las nuevas tecnologías y, por lo tanto, también a la comprensión del nuevo arte.

los "regionalistas realistas" desde sus años de instituto; gozaban de gran prestigio en Estados Unidos en la década de 1930. Durante la Gran Depresión, las imágenes idílicas de la vida rural estadounidense cumplieron una función compensatoria similar a la que cumplieron nuestras películas Heimat después de la Segunda Guerra Mundial.

Probablemente Lichtenstein estaba encantado de dibujar bajo la tutela de una celebridad sobre la que había leído en su primer libro de arte, "El arte moderno de Thomas Craven", de 1934.

Aunque Marsh ciertamente representó un realismo social que no se limitaba a bellos paisajes, su estudiante pronto se sintió decepcionado por su demanda de una práctica artística realista, que descuidaba tanto el rápido desarrollo de la tecnología como consideraba superfluo el desarrollo de un estilo artístico propio.

Tal vez Lichtenstein también había tomado una inspiración completamente diferente del regionalismo; en cualquier caso, después del bachillerato decidió explorar más de su país y optó por estudiar en la Universidad Estatal de Ohio (a partir de 1940).

Según la tradición, esto fue un verdadero golpe de suerte para el aspirante a artista, aunque a petición de sus padres inicialmente aspiraba a obtener una titulación docente: estudió con el artista y profesor Hoyt L. Sherman, quien ampliaría significativamente sus horizontes artísticos.

Sherman, un apasionado y maestro del arte moderno, introdujo a Lichtenstein en las influencias más importantes del arte de la época: Cézanne y van Gogh, Mondrian y Gauguin, Matisse y Picasso , entre muchos otros. Sobre todo, el aliento de Sherman para que buscara su propio enfoque y su concepto de la unidad de la percepción tendrían una influencia de por vida en Lichtenstein.

Lichtenstein comenzó entonces a profundizar en la historia del arte; incluso podría decirse que quería saberlo todo sobre el arte desde las primeras pinturas rupestres. Como recuerdo de este período, la Fundación Lichtenstein de Elizabeth Gardner "El arte a través de los tiempos" , con la dirección de Lichtenstein en Columbus (capital de Ohio y sede de la universidad) impresa en la contraportada.

El autodescubrimiento artístico de Lichtenstein se interrumpe abruptamente

En 1943, la Segunda Guerra Mundial alcanzó a Lichtenstein; sirvió en el ejército hasta 1945, año en que fue destinado a Europa. Tras la guerra, Lichtenstein cursó estudios de historia y francés en París e intentó visitar a su ídolo Picasso, algo que no pudo hacer porque tuvo que regresar a casa después de tan solo seis semanas: su padre estaba muriendo.

Lichtenstein completó su formación docente en el verano de 1946 y comenzó un programa de Maestría en Bellas Artes, que finalizó en 1950. Al mismo tiempo, le ofrecieron un puesto de profesor de arte , que desempeñó de forma regular hasta 1951 y ocasionalmente después.

Mientras tanto, se casó con Isabell Wilson, con quien se mudó a Cleveland porque ella había encontrado trabajo allí. A diferencia de Lichtenstein, quien aceptó todo tipo de trabajos, como dibujante y diseñador de latas, pudo exponer en solitario por primera vez en Cleveland e incluso tuvo su primera exposición individual en Nueva York en 1951, pero la esperada ola de entusiasmo por sus pinturas, poco entusiastas y abstractas, no se materializó inicialmente.

Lichtenstein viajó entre Cleveland y Nueva York, trabajó como dibujante de diseño y como escaparatista, tuvo su primer hijo en 1954 y el segundo en 1956, y también pintó un poco entre ambos.

En el ámbito artístico no hubo grandes acontecimientos durante este tiempo: Lichtenstein seguía oscilando entre el expresionismo, el cubismo y la abstracción autodeterminada; distorsionó algunas pinturas típicas estadounidenses y pintó construcciones de madera; experimentó con esculturas de madera y metal ; y expuso un total de tres veces en Nueva York hasta 1955, pero casi no vendió nada.

Éstas no eran buenas condiciones para contribuir al sustento de una familia de cuatro personas, por lo que en 1957 reanudó sus actividades docentes y en 1958 le ofrecieron un puesto en la New State University en Oswego como profesor asistente de arte, donde enseñó durante los siguientes años.

¡Por fin! – El ascenso de Lichtenstein a la fama

En 1960, Lichtenstein se trasladó a la Universidad de Rutgers, en el estado de Nueva Jersey. Allí conoció a Allan Kaprow , el inventor de los "Happenings", y a través de él a importantes artistas contemporáneos como Robert Watts, Jim Dine, Claes Oldenburg, Robert Rauschenberg y Jasper Johns, es decir, los pioneros del Pop Art en su forma más concentrada.

Se dice que todos estos encuentros con sus influencias desencadenaron una especie de chispa inicial en Lichtenstein; en 1961 pintó sus primeros cuadros Pop Art, primero experimentando con imágenes de chicles, luego publicándolos en gran formato, rompiendo después con todas las tradiciones de su trabajo artístico anterior, incorporando el bocadillo de diálogo del cómic a sus imágenes y utilizando con entusiasmo técnicas de impresión industrial.

Su primera obra de gran formato, en la que utilizó figuras de contornos definidos y puntos Ben Day (puntos de semitono especiales cuya técnica de impresión fue inventada por Ben Day), fue la obra "Look Mickey" de 1961, que ahora se exhibe en la Galería Nacional de Arte de Washington D.C.

Esta fotografía fue tomada cuando uno de sus hijos golpeó con el dedo el medio de un libro de Mickey Mouse y dijo:

Apuesto a que no puedes pintar tan bien, ¿verdad, papá? ("Apuesto a que no puedes pintar tan bien, ¿verdad, papá?").

Ese mismo año, Lichtenstein produjo otras seis obras de arte que representaban personajes conocidos de envoltorios de chicles y dibujos animados: había encontrado su estilo.

Al año siguiente, también encontró en Leo Castelli que le garantizó el alquiler mediante pagos periódicos si Lichtenstein trabajaba exclusivamente para su galería, una forma común de apoyo para Castelli, que él extendía a los artistas prometedores.

Castelli ya había expuesto la obra de Lichtenstein, pero no estaba dispuesto a ofrecer este tipo de beca. Esto cambió abruptamente, ya que el arte reinventado de Lichtenstein fue un éxito rotundo, tanto que la exposición individual de 1962 en la Galería Castelli agotó las entradas incluso antes de su inauguración.

Cómo Liechtenstein está realmente poniendo al día el mercado internacional del arte

Lo que sigue es una digresión sobre el artista Lichtenstein; sin embargo, la representación de Lichtenstein por parte de conocidos galeristas y el aumento de los precios de venta de sus pinturas constituyen una breve e interesante historia del negocio de las galerías de arte en Nueva York y, al mismo tiempo, un informe sobre cómo este negocio está perdiendo clientes frente al mercado internacional de subastas de arte .

Como ya se mencionó, Lichtenstein pudo exponer en Nueva York por primera vez en 1951, en la Galería Julius Carlebach. Por esa época, también tuvo la fortuna de atraer el interés del mecenas progresista Leo Castelli, quien también exhibió las obras de Lichtenstein en su galería neoyorquina a partir de la década de 1950 y, luego, tras la asombrosa exposición individual de 1962, asumió la representación exclusiva del artista. A partir de entonces, Castelli organizó exposiciones periódicas con las obras de Lichtenstein.

Antes y después de este año, se establecieron en Nueva York numerosas galerías dedicadas al arte moderno, y las obras de Lichtenstein acabaron colgándose en todas ellas: inicialmente, con frecuencia en John Heller, en la Pace Gallery y la Brooke Alexander Gallery, en Mary Boone y Rosa Esman, en Marilyn Pearl y James Goodman, en Blum Helman, Phyllis Kind, Hirschl & Adler, Getler Pall, en Holly Solomon y Condon Riley, en las galerías Sperone Westwater y en Mitchell-Innes & Nash.

Hacia el final de su vida, su arte también se vio influenciado por el poderoso de las Galerías Gagosian ; podría decirse que Lichtenstein acompañó la historia de las galerías de Nueva York con sus obras de arte.

También a partir de la década de 1960, la obra de Lichtenstein fue presentada por Ileana Sonnabend (antes Ileana Castelli) y su galería en París; gracias a ella surgió un mercado europeo para Andy Warhol, Roy Lichtenstein y otros artistas del Pop Art. Otras galerías exhibieron su arte en otras partes de Estados Unidos, como la Galería Ferus en Los Ángeles, fundada en 1957.

Gracias a la dedicación de todos estos galeristas, la fama de Lichtenstein creció de forma constante, pero el artista debió su verdadero éxito financiero a una forma diferente de distribución: desde muy pronto, las obras de Lichtenstein lograron resultados sobresalientes en subastas de arte . Por ejemplo, en 1970, "Big Painting No. 6" (creada en 1965) se vendió por 75.000 dólares en una subasta celebrada por Sotheby'sal marchante de arte y galerista alemán Rudolf Zwirner.

Estos modestos récords no durarían; "Torpedo…Los!", de 1963, se vendió por 5,5 millones de dólares en la de Christie's en noviembre de 1989, lo que catapultó a Lichtenstein al trío de artistas que han pagado los precios más altos por obras de arte individuales.

Dondequiera que permaneciera, en la siguiente subasta de Christie's en Nueva York, en noviembre siguiente, el cuadro "Kiss II" se vendió por 6 millones de dólares, superado por "Happy Tears"en la subasta de Christie's de noviembre de 2002, que alcanzó los 7,1 millones de dólares.

Luego siguió un gran y gratificante salto: en 2005, "In the Car" (1963) se vendió por 16,25 millones de dólares; en 2010, "Ohhh...Alright..." de 1964 se subastó por 42,6 millones de dólares; en 2011, la pintura de Lichtenstein sobre una cerradura, "¡Puedo ver toda la habitación!... ¡y no hay nadie en ella!", de 1961, se vendió por 43 millones de dólares, lo que le reportó a la viuda del director ejecutivo de Time Warner, Steve Ross, una ganancia de poco más del 2000 por ciento (Ross había comprado la pintura en 1988 por 2,1 millones de dólares).

Todo volvió a aparecer en la subasta de Christie's en Nueva York en noviembre, salvo que en 2012 le tocó el turno a Sotheby's, ya que Christie's quería centrarse en los expresionistas abstractos; una buena idea, puesto que un cuadro de Mark Rothko se vendió por casi 87 millones de dólares. Sotheby's, por otro lado, solo logró recaudar 44,8 millones de dólares por "La niña durmiente" de Lichtenstein, de 1964, pero aun así supuso un nuevo récord para Lichtenstein.

En la subasta de primavera de 2013, las obras de Lichtenstein volvieron a Christie's, y el 15 de mayo de 2013, "Mujer con sombrero de flores" un nuevo precio récord de 56,1 millones de dólares, como es habitual.

Lamentablemente, el propio Lichtenstein sólo vivió para ver algunos de esos éxitos multimillonarios; murió en 1997.

Será interesante ver hasta dónde llegará la espiral de precios de sus obras, especialmente antes del H

Los registros de subastas en el siglo XXI

el precio más alto jamás pagado En noviembre de 2015, en Christie's de Nueva York, se alcanzó «Enfermera, 1964» se vendió por 95.365.000 dólares estadounidenses (aproximadamente 85 millones de euros). Originalmente titulada «Miedo», formaba parte de las colecciones de varios amantes del arte de renombre, entre ellos Leon Kraushar y Karl Ströher.

La pintura cuadrada de 1964 mide un metro de alto y ancho y fue valorada en más de 80 millones de dólares. "Enfermera" fue subastada en la venta especial "La Musa del Artista" , que incluye obras de pintores y escultores creadas entre las décadas de 1860 y 2000.

La pintura más caraque Lichtenstein haya creado podría ser su obra de 1962, "Obra maestra", que perteneció a Agnes Gund. Según se informa, Steven Cohen se la compró en una venta privada en 2017 por 165 millones de dólares. Las subastas públicas de obras de Lichtenstein aún no han alcanzado esta cifra. Sin embargo, con sus diez obras más caras en subastas públicas, el artista se encuentra entre los más vendidos y es considerado un pionero en el mercado del arte.

La segunda obra más cara es considerada "Sleeping Girl" del artista pop, que alcanzó casi 45 millones de dólares en Nueva York en 2012. La pintura de 1964 se vendió en una subasta de Sotheby's por 44.882.500 dólares (casi 35 millones de euros).

Las litografías firmadas y las serigrafías originales son muy codiciadas por los coleccionistas de arte de todo el mundo, a pesar de su producción en masa. Entre las serigrafías originales más famosas se encuentran «Chica a bordo», «Chica llorando» y «Lectura desnuda».

ALBERTINA celebró el centenario del nacimiento del maestro del Pop Art

Para conmemorar su centenario, el museo ALBERTINA este verano al maestro del Pop Art con una retrospectiva exhaustivaque incluyó más de 90 pinturas, esculturas y grabados del artista que combinó el arte popular y el arte culto de una manera tan singular.

Gracias a generosos préstamos de 30 renombrados museos de todo el mundo, las obras más importantes de su extensa producción artística llegan a Viena, incluidas exposiciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Whitney, la Galería Nacional de Washington, la Galería de Arte de la Universidad de Yale en New Haven, el Museo Ludwig de Colonia, el Museo Louisiana de Humlebæk, el Moderna Museet de Estocolmo y el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.

La exposición fue concebida en cooperación con la Fundación Roy Lichtenstein y se basó en una generosa donación de alrededor de 100 obras a ALBERTINA.

La exposición presentó obras tempranas de la década de 1960, incluyendo la obra maestra del Pop Art de esa época: "Look Mickey". También se exhibieron icónicas pinturas en blanco y negro de material publicitario, paisajes esmaltados y obras de arte inspiradas en Picasso, Dalí, Kirchner y Pollock.

Un punto especialmente impresionante fue una escultura monumental con pinceladas que se desprendía del lienzo y dominaba la sala.