Claes Oldenburg: Hay arte en cada cosa sencilla

Claes Oldenburg ha pasado una larga vida transformando la vida cotidiana en arte utilizando los medios más simples.

Arte amigable, arte travieso, arte ligeramente irónico: en resumen, el tipo de arte que muchos consideran un enriquecimiento bienvenido en su vida cotidiana. El arte de Claes Oldenburg es visto por muchos como un enriquecimiento bienvenido en su vida cotidiana. Por eso se le considera uno de los representantes más importantes del Pop Art estadounidense, a la altura de Andy Warhol y Roy Lichtenstein.

Pero Andy Warhol ocupa el primer puesto en el ranking mundial del arte, mientras que Claes Oldenburg se sitúa en el puesto 80. Hacia 2008, estuvo cerca del puesto 50, y desde entonces su posición ha fluctuado entre los puestos 60 y 80 aproximadamente. En cambio , Andy Warhol no presenta fluctuaciones, sino una trayectoria ascendente hacia su inamovible primer lugar.

Hay muchas razones para esto, pero todas comparten un principio común: en sociedades con mucha gente insegura, todas las ovejas siguen a un líder porque no se atreven a expresar su propia opinión. Y el líder siempre es quien más grita. En este caso, se trata claramente de Andy Warhol. Pero al menos no se propuso perjudicar a sus seguidores, a diferencia de las nuevas y siniestras figuras del escenario político.

El camino de Claes Oldenburg hacia el arte

Claes Oldenburg nació en Estocolmo en 1929, pero solo pudo disfrutar de una infancia sueca muy poco despreocupada: su padre estaba destinado en Nueva York como diplomático sueco, donde Oldenburg creció entre 1930 y 1933.

En su sexto y séptimo año, a Oldenburg le permitieron contar gnomos en Oslo, Noruega (no es exactamente su país natal, pero el pequeño Claes ciertamente tenía “más Suecia” a su alrededor en Oslo que en Nueva York).

¿Quizás incluso leyó uno de los cuentos navideños que Astrid Lindgren publicó anónimamente en un periódico de Estocolmo en 1933 como sus primeros intentos literarios? Durante muchos años, Lindgren escribió relatos cortos de forma anónima para revistas. En 1941, cuando su hija estaba enferma en cama, adoptó el seudónimo de Pippi Calzaslargas y pidió que le escribieran historias sobre la recién nacida protagonista. Este encuentro fortuito convirtió a Lindgren en escritora.

Astrid Lindgren inventó historias sobre Pippi Calzaslargas y con ella misma, y ​​también las escribió; "Pippi Calzaslargas" fue rechazada por algunas editoriales en 1944 y ganó el primer premio en un concurso organizado por una segunda editorial en 1945... pero Claes Oldenburg no podía imaginar en 1936 que una importante heroína pronto surgiría en el norte; más bien, siguió inocentemente a sus padres a Chicago, donde su padre fue nombrado Cónsul General de Suecia y donde Oldenburg asistió a la escuela hasta 1946.

Sin duda también fue importante haber logrado escapar en gran medida de la Segunda Guerra Mundial en su Europa natal.

Oldenburg asistió a la prestigiosa Latin School of Chicago, una escuela privada diurna en el barrio Gold Coast, donde se graduó en 1946. Desde la Latin School, tenía el camino a Yale abierto (para quienes acaban de despertar y nacieron en la era posterior a la Y: esto se refiere a la Universidad de Yale, la tercera universidad más antigua de Estados Unidos y una de las instituciones de élite más famosas que, además de personas increíblemente talentosas, también produce inadaptados como los hermanos Bush). Oldenburg estudió arte y literatura inglesa allí de 1946 a 1950.

Si Oldenburg alguna vez se vio obstaculizado en su libre desarrollo por el hogar de sus padres (lo cual es menos probable en los hogares diplomáticos que en el hogar promedio, porque los diplomáticos viajan por el mundo y porque el mundo lo hace a uno mundano), eso es historia después de su graduación de Yale:

Oldenburg cursó estudios en el Instituto de Arte de ChicagoEl Instituto de Arte de Chicago consta de un museo de arte (que, con su colección de 300.000 obras que abarcan cinco milenios, fue nombrado el mejor museo del mundo en los premios TripAdvisor Travelers' Choice Awards de 2014) y una escuela de arte, y aunque fue fundado por iniciativa de ciudadanos adinerados, es, como la mayoría de las instituciones artísticas, bastante liberal.

La última vez que el Instituto de Arte de Chicago sorprendió al público fue en 2016, cuando de Vincent Van Gogh "El dormitorio de Arlés" en Chicago y lo alquiló a través de Airbnb en colaboración con la agencia de publicidad Leo Burnett (Marlboro Man, entre otras).

La campaña llegó justo en el momento adecuado para Leo Burnett Chicago, ya que la agencia había perdido recientemente al asesino de energía McDonald's (para niños, preadolescentes y el área de Chicago), la bomba de azúcar Kellogg's Special K y también la (¿horriblemente fea?) Chevrolet Silverado como clientes; en comparación con las campañas de Always Ultra para su único cliente importante restante, Procter & Gamble, promocionar un dormitorio famoso es ciertamente una ganancia del 100% en sensualidad en la rutina de trabajo diaria.

Airbnb está contento con cualquier cosa que le proporcione dinero libre de impuestos, pero el verdadero ganador fue el Instituto de Arte de Chicago, que de esta manera de Van Goghatrajo la atención

Aunque aún era 1950, Claes Oldenburg ya tenía 21 años y, como cualquier joven en una época en la que la explotación no acechaba en ningún otro trabajo, aspiraba a la independencia. Por ello, trabajó como periodista y diseñador gráfico para el Chicago City News Bureau durante sus estudios.

Oldenburg expuso su obra por primera vez en 1953, presentando dibujos satíricos, en gran medida figurativos como sus primeras pinturas, pero fuertemente influenciados por el expresionismo abstracto . Ese mismo año, abrió su propio estudio y se nacionalizó estadounidense. Oldenburg estaba listo para conquistar el mundo del arte, pero el mundo del arte aún no estaba preparado para él.

Por lo tanto, en 1956 Oldenburg se trasladó por primera vez al centro del mundo artístico estadounidense, a la ciudad de Nueva Yorkcon un trabajo a tiempo parcial en la biblioteca del Museo Cooper Union de Artes Decorativas ganaba la vida

Durante el resto del tiempo conoció a otros artistas, Jim Dine, Red Grooms, Allan Kaprow, Lucas Samaras, George Segal y muchos otros artistas emergentes, quienes finalmente lo alejaron de las artes escénicas y despertaron su entusiasmo por los collages y los objetos .

A partir de 1958, Oldenburg comenzó objetos con papel maché y materiales de desecho , cubriéndolos con telas de colores brillantes. Su primera exposición de obras tridimensionales también incluyó estos objetos (mayo de 1959, Judson Gallery, Judson Memorial Church, Washington Square).

En 1960, su barrio de Oldenburg, en el Lower East Side, lo inspiró a crear nuevas esculturas: figuras, letras y letreros de trazo sencillo, hechos de cartón, yute y periódico. En 1961, diseñó esculturas hechas de malla de gallinero cubierta con lienzo empapado en yeso y pintura esmaltada, y por primera vez, objetos cotidianos como ropa o comida.

En 1960, Oldenburg también comenzó a crear happenings con sus nuevos amigos del Pop Art, el "Ray Gun Theater" junto a Lucas Samaras, Tom Wesselman, Carolee Schneemann, Oyvind Fahlstrom y Richard Artschwager. Su primera esposa , Patty Mucha, no solo cosía las esculturas blandas de Oldenburg, sino que también participaba regularmente en sus happenings. Los críticos de arte descubrieron colores llamativos y una sensación de alienación en su obra, pero inicialmente no mucho más.

Arte de Claes Oldenburg

Por lo tanto, hubo que esperar hasta 1962 para que Oldenburg lograra su gran avance.

Oldenburg tenía 33 años, se había casado hacía poco con Patty Mucha, cuyo nombre de nacimiento era Patricia Muschinski y que había llegado a su marido cumpliendo todos los clichés: era una de sus modelos desnudas cuando Oldenburg hizo incursiones en la pintura de retratos (y probablemente también en la pintura de desnudos, pero se necesitan muy pocas modelos desnudas para los retratos) en sus primeros años en Nueva York.

Patty Mucha también era artista, y la pareja comenzó a trabajar junta. Oldenburg había coqueteado brevemente con las "Esculturas Blandas" , pero la media femenina con aberturas rellena de periódico, ahora "Salchicha" veneradajessesartspace.wordpress.com), no logró cautivar al mundo del arte en aquel momento.

Ahora volvió a abordar el tema de los Softies con Patty, creando en 1962 "de una sola vez" el "Floor Cake", una porción de pastel hecha de látex sobre lienzo, pintada con pintura de polímero sintético, rellena de gomaespuma y cartón: www.moma.org/collection/works/81450.

y el “Floor Cone”, un cono de helado producido de la misma manera: www.moma.org/collection/works/81461 y, para concluir los aburridos rellenos de estómago, la “Floor Burger”, que en realidad es una Whopper, completa con pan, hamburguesa y pepinillo.

Lo especial de estas tres obras eran sus dimensiones: “Floor Cake” 2,9 x 1,48 x 1,48 metros, “Floor Cone” 3,45 x 1,42 x 1,36 metros, “Floor Burger” 2,13 metros de diámetro y 1,3 metros de alto.

Las esculturas blandas fueron las estrellas de la exposición en la Green Gallery de Nueva York, y cautivaron de inmediato al público estadounidense. Incluso mientras el gigantesco cono de helado era transportado a la Green Gallery en una camioneta por la calle 57 Oeste, los niños vitoreaban desde los coches que pasaban, y los adultos aplaudían dentro de la galería; todo iba bien, Oldenburg era un hombre hecho y derecho.

¿Un pastel del tamaño de un sofá como obra de arte? ¿En serio?

Ya sea una rebanada de pastel del tamaño de un sofá, un helado gigante o una hamburguesa megalómana, nada de esto tendría la menor posibilidad de ser celebrado como una sensación en el mundo del arte actual. En el mejor de los casos, podría ser celebrado como una sensación en un restaurante en crisis cuyo dueño, sin ninguna habilidad culinaria, abre un restaurante XXL tras la visita de un chef famoso en un reality show. Pero un pastel del tamaño de un sofá es solo un éxito puntual.

¿Qué tenían estas obras de arte que cautivaban tanto a la gente en aquella época?

En términos simples: era arte para la gente; por más tonto que fuera, este arte tomaba a la gente en serio y estaba dirigido a TODAS las personas.

Hasta la llegada del Pop Art, apenas existía arte descarado y humorístico; el arte era algo reservado para gente culta que necesitaba que historiadores del arte aún más cultos les explicaran ese arte y las ideas que lo sustentaban en términos "profundos", para luego poder admirarlo con asombro.

Pero los jóvenes artistas de la década de 1960 —Oldenburg, Warhol, Liechtenstein y muchos otros a su alrededor— no querían crear arte que inspirara asombro; al contrario, querían desmantelar el asombro que rodeaba al arte y crear arte para todos de una manera verdaderamente democrática. Esto, a su vez, explica sus motivos: quienes desean crear arte para todos no llegarán lejos en torres de marfil, sino que deberían elegir motivos que sean familiares para todos.

Gracias a este enfoque, el arte enérgico de Oldenburg no solo alcanzó gran popularidad, sino que también proporciona una explicación basada en el contenido de por qué Warhol ascendió al número 1 en el mercado del arte, mientras que Oldenburg permaneció entre los años 50 y 80.

Warhol adoptó un enfoque aún más radical: no sólo liberó la obra de arte de su perturbadora seriedad, sino también, con su método de producción en serie, muy completamente del mito de la unicidad.

latas de sopa como arte —la obra de Andy Warhol, "Campbell's Soup Cans" , también apareció por primera vez en 1962— ya eran algo insólito, pues, comparadas con pasteles, hamburguesas y helados, eran alimentos cotidianos perfectamente comunes. Ahora, estas latas han aparecido plasmadas en pintura polimérica sobre nada menos que 32 lienzos. 32 porque existían 32 variedades de sopa Campbell. Este hecho ridiculizaba al venerable mundo del arte, que podía escribir, o al menos escribía, extensos libros sobre la singularidad de las obras de arte individuales, y lo hacía incluso con mayor profundidad que cualquier pastel o hamburguesa.

A pesar del riesgo de sonar sarcástico: Oldenburg sigue vivo. En cuanto a popularidad en el mundo del arte, Andy Warhol fue un Andy Warhol bastante desafortunado: abandonó el escenario en 1987 y Robert Rauschenberg en 2008, lo que permitió que su ahora limitada producción artística se revalorizara. Al mismo tiempo, los historiadores del arte finalmente tuvieron la oportunidad de comentar sobre las obras respectivas sin temor a ser contradichos por el artista.

Pero todo esto es una visión retrospectiva: cuando Oldenburg conquistó el mundo del arte, encabezaba las listas de artistas junto a Robert Rauschenberg (ahora número 13) y fue invitado a la Bienal de Venecia y a Documenta. Durante bastante tiempo, fue mucho más solicitado que Andy Warhol. Con tan solo 40 años, el MoMA de Nueva York le dedicó su primera gran exposición; eso fue en 1969.

Esta es quizás la conclusión más divertida o más macabra del espíritu de cambio de la década de 1960: hoy en día, los historiadores del arte siguen escribiendo voluminosos libros sobre las obras de arte y las personas de artistas como Oldenburg, Rauschenberg, Warhol, Lichtenstein y otros que querían liberar el arte de la historia del arte...

Décadas de arte en expansión mundial

Pero volvamos al arte reconfortante de Claes Oldenburg (que el poeta estadounidense Frank O'Hara, que puso en palabras las obras de sus amigos artistas hasta que lo atropelló un buggy de playa en 1966, describió como "mágico y extraño"):

Montañas de hamburguesas y porciones de pastel del tamaño de un sofá fueron las primeras creaciones de Claes Oldenburg. A estas les siguieron patatas fritas gigantes, hamburguesas dobles con queso y un inodoro derrumbado. A partir de 1965, aproximadamente, Claes Oldenburg decidió definitivamente ampliar nuestro mundo, al menos visualmente, mediante objetos colosales

• fue creada en 1969 “Lipstick (Ascending) on ​​Caterpillar Tracks”, Tower Pkwy, New Haven, CT 06511, EE. UU.
• 1970 el gran enchufe “Enchufe”
• 1976, The Clothespin, Market St & S 15th St, Filadelfia, PA 19102, EE. UU.

Luego Coosje van Bruggen y comenzó a trabajar con Oldenburg, después de haberle ayudado a instalar una obra de arte en los terrenos del Museo Kröller-Müller en Otterlo, Países Bajos. Eso fue en 1976; se casaron en 1977 y a partir de entonces crearon "Proyectos a Gran Escala".

• 1977 “Bolas de billar gigantes”, Proyectos de escultura Münster
• 1981 “Linterna”, Universidad de Nevada, Las Vegas
• en 1982 La escultura “Pico”, de 12 metros de altura y creada para la Documenta 7 en Kassel

Y así continuó, hasta la famosa "Punta de Cupido", hecha de fibra de vidrio y acero (2002, Rincon Park, San Francisco) y las "Tachuelas que caen" (2009, Parque de Esculturas Kistefos al norte de Oslo, última obra conjunta antes de la muerte de van Bruggen ese mismo año).

La obra más reciente e importante de Oldenburg es la impresionante "Paint Torch", un pincel hecho de acero y fibra de vidrio con iluminación LED, que fue presentada en 2001 frente a la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en Filadelfia.

El arte más bello para los juegos de arte

Estos son solo algunos ejemplos; el mundo está lleno del arte irónico y juguetón de Oldenburg. Este arte también puede ser muy divertido para las personas imaginativas, por ejemplo, como una búsqueda del tesoro. ¿Quién puede encontrar la bandeja de carne y el plato de pastel, las zapatillas de dama verdes, la tarta de queso, el lavabo independiente, el interruptor de luz sueco suave, las "Réplicas de conjuntos de dormitorio" y los "Tubos sostenidos por su contenido"?¡Después de todo, están por todo el mundo en formato gigante!

Una incursión en el arte de la explicación también podría resultar entretenida si el debate se basara en una obra de Claes Oldenburg: ¿Por qué hay una corbata de más de diez metros de altura, "ondeando" hacia arriba, frente a un rascacielos en Fráncfort del Meno? ¿Qué intenta decirnos el artista?

¿Perspectiva antropológica cultural, histórica contemporánea, ciencia textil, esotérica, mediático-teórica, sociológica de la religión, cienciométrica, pedagógico-didáctica, cibernética, ingeniería geodésica, médica humana?

Algunas obras de arte de Oldenburg desatan una explosión de ideas de reciclaje : ¿Qué más se podría hacer con la "Manguera de jardín con grifo", de Friburgo de Brisgovia, además de dejarla tirada en el parque?

Todo esto es una aproximación bastante indigna al arte de Claes Oldenburg, pero que al artista seguramente le habría gustado.

Claes Oldenburg: vida pública, exposiciones, premios

Nadie se convierte en el artista número 80 del mundo sin tener presencia pública. Claes Oldenburg ha en más de 1000 exposiciones desde la década de 1960 , 100 de ellas solo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). Si se llegó a pensar que el hermano de Claes Oldenburg, Richard E. Oldenburg, historiador de arte y director del MoMA entre 1972 y 1993, tuvo algo que ver con esto, esta impresión se corrigió en 2009.

Este año, Claes Oldenburg vendió su escultura “Typewriter Eraser” (de 1976, una de las tres hermosas gomas de borrar grandes: c1.staticflickr.com/) por 2,2 millones de dólares a través de Christie’s Nueva York, a pesar de que su hermano, después de su paso por el MoMA, fue presidente de Sotheby’s para Norteamérica y Sudamérica hasta el año 2000 y posteriormente presidente honorario de Sotheby’s…

Premios y honores

Oldenburg cuenta con una impresionante lista de premios :

• 1970 Doctorado honorario del Oberlin College, Ohio
• Premio de Escultura de la Universidad Brandeis de 1971
• Medalla Skowhegan de Escultura de 1972
• 1975 Miembro de la Academia Estadounidense y del Instituto de Artes y Letras
• 1976 Instituto de Arte de Chicago, Primer Premio de Escultura en la 72.ª Exposición Americana
• Medalla del Instituto Americano de Arquitectos de 1977
• 1978 Miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias
• 1979 Doctorado honorario, Instituto de Arte de Chicago, Illinois
• 1980 Inducción a la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias
• 1981 Premio Wilhelm Lehmbruck de Escultura, Duisburg, Alemania
• Premio Wolf de Artes de 1989
• Premio de Artes Creativas de la Universidad Brandeis de 1993 por logros artísticos de toda una vida + Medalla Jack I. y Lillian Poses por escultura
• 1994 Distinción en Escultura, Sculpture Center, Nueva York (Oldenburg + Van Bruggen)
• Premio de la Fundación Rolf Schock 1995, Estocolmo, Suecia
• 1995 Doctorado honorario, Bard College, Nueva York
• Premio Nathaniel S. Saltonstall 1996, Instituto de Arte Contemporáneo, Boston (Oldenburg + Van Bruggen)
• 1996 Doctorado honorario Royal College of Art, Londres
• 1996 títulos honorarios del California College of the Arts, San Francisco, California (Oldenburg + Van Bruggen)
• 1999 Doctores honorarios Universidad de Teesside, Middlesbrough, Inglaterra (Oldenburg + Van Bruggen)
• Medalla Nacional de las Artes 2000, EE. UU
• 2002 Premio Socios en Educación, Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York (Oldenburg + Van Bruggen)
• Medalla 2004 de la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston (Oldenburg + Van Bruggen)
• 2005 Doctorados honorarios del Nova Scotia College of Art and Design, Halifax, Nueva Escocia (Oldenburg + Van Bruggen)
• 2005 Doctorados honorarios de la Facultad de Estudios Creativos de Detroit, Michigan (Oldenburg + Van Bruggen)

El artista, que en persona suele irradiar buen humor, vive ahora en Nueva York, se acerca a su década número 90 y como el "Abuelo del Pop Art" alienta constantemente a los jóvenes artistas a tomar el arte tan poco en serio como lo hizo él.

El sitio web oficial de Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen se podía encontrar en www.oldenburgvanbruggen.com (actualmente fuera de línea) y ofrecía una galería de imágenes de proyectos a gran escala con estudios de caso, biografías de los artistas y publicaciones seleccionadas (todo en inglés).

Unos días antes de que se escribiera este artículo, la revista de estilo del New York Times publicó un artículo sobre Claes Oldenburg y, entre otras cosas, sobre el misterioso arte funerario que creó hace mucho tiempo en Nueva York, del que casi nadie sabe nada hasta el día de hoy. Incluso a los 88 años, Claes Oldenburg seguía siendo capaz de sorprendernos; esperemos que siga haciéndolo durante mucho tiempo (www.nytimes.com/, con una presentación de diapositivas del arte de Claes Oldenburg "a lo largo de los años").

Las obras físicas de Claes Oldenburg se exhiben actualmente en Nueva York. La exposición “Shelf Life” en la Pace Gallery estará abierta hasta el 11 de noviembre de 2017 (obras de Oldenburg/van Bruggen; un artículo sobre la exposición aparecerá en The New Yorker el 6 de noviembre: www.newyorker.com/). “Three Dimensions: Modern & Contemporary Approaches to Relief and Sculpture” en Acquavella Galleries, Inc., estará abierta hasta el 17 de noviembre de 2017. Como alternativa, la exposición “Cultivating the Garden” hasta el 21 de enero de 2018 “The Show Must Go On – From the Contemporary Art Collection” se puede visitar

Colecciones de arte público

Si no puedes viajar allí ahora mismo, puedes encontrar sus obras en las pocas colecciones de arte públicas del mundo que han adquirido arte de Oldenburg:

• Australia: Galería Nacional de Australia, Canberra, ACT
• Bélgica: Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, Bruselas
• Brasil: Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC/USP), São Paulo
• Dinamarca: Museo Luisiana de Arte Moderno, Humlebæk; Museet for Samtidskunst / Museo de Arte Contemporáneo, Roskilde
• Alemania: Museo Ludwig, Colonia; Museo de Arte Moderno (MMK), Frankfurt/Main; Hamburguesa Kunsthalle; Museo Wilhelm Hack Ludwigshafen; Museo Städtisches Abteiberg, Mönchengladbach; Museo del Diseño Vitra, Weil am Rhein
• Finlandia: Kiasma – Museo de Arte Contemporáneo, Helsinki
• Francia: Musee d'Art Moderne et d'Art Contemporain Nice (MAMAC), Niza; Centro Pompidou, París; Museo de arte moderno y contemporáneo de Saint-Étienne (MAMC), Saint-Etienne
• Gran Bretaña: Pallant House Gallery, Chichester, West Sussex; Leeds Art Gallery; Tate Britain y Tate Modern, Londres.
• Canadá: Galería Nacional de Canadá – Museo de Bellas Artes de Canadá, Ottawa, ON; Galería de Arte de Ontario, Toronto, ON
• Colombia: Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO), Bogotá
• Israel: El Museo de Israel, Jerusalén
• Italia: Centro de Arte Moderna e Contemporanea della Spezia (CAMeC), La Spezia; Museo D'Arte Contemporanea Donna Regina (MADRE), Nápoles; Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Trento y Rovereto (MART), Rovereto; Castello di Rivoli Museo d'Arte Contemporanea, Turín
• Japón: Museo de la Ciudad de Kawasaki; Museo Hara de Arte Contemporáneo, Tokio
• Países Bajos: Museo Stedelijk de Ámsterdam, Ámsterdam; Museo Kröller-Müller, Otterlo; Museo Boijmans van Beuningen, Róterdam; Museo Vledder
• Austria: Museo de Arte Moderno Fundación Ludwig (MUMOK), Viena
• Portugal: Museo Berardo, Lisboa
• España: Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA), Alicante; Fundación Joan Miró y Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), Barcelona
• Suecia: Malmö Konsthall, Malmö; Museo Moderno, Estocolmo
• Suiza: Museo de Arte de Basilea
• Hungría: Museo Ludwig – Museo de Arte Contemporáneo de Budapest
• EE. UU.: Akron Art Museum, Akron, OH; The University of Michigan Museum of Art (UMMA), Ann Arbor, MI; Crystal Bridges Museum of American Art, Bentonville, AR; Cranbrook Art Museum, Bloomfield Hills, MI; Housatonic Museum of Art, Bridgeport, CT; List Visual Arts Center (LVAC), Cambridge, MA; Tarble Arts Center, Charleston, IL; Museum of Contemporary Art Chicago (MCA), Chicago, IL;
  Pomona College Museum of Art, Claremont, CA; Columbia Museum of Art, Columbia, SC; Meadows Museum, Dallas, TX; Nasher Sculpture Center, Dallas, TX; The Dayton Art Institute, Dayton, OH;
  Des Moines Art Center, Des Moines, IA; Koehnline Museum of Art, Des Plaines, IL; The Modern Art Museum of Fort Worth, Fort Worth, TX; Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park, Grand Rapids, MI; Faulconer Gallery, Grinnell, IA; The Menil Collection, Houston, TX; Museum of Fine Arts Houston (MFAH), Houston, TX; Museo Kemper de Arte Contemporáneo, Kansas City, MO; Museo de Arte Nelson-Atkins, Kansas City, MO; Galería de Arte y Arquitectura Ewing, Knoxville, TN; Museo de Arte Samek, Lewisburg, PA; Museo de Arte Sheldon, Lincoln, NE; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA), Los Ángeles, CA; MOCA Grand Avenue, Los Ángeles, CA; Museo de Arte Contemporáneo de Madison (MMoCA), Madison, WI; Fundación Chinati, Marfa, TX; Colección Margulies, Miami, FL; Museo de Arte Contemporáneo del Norte de Miami (MOCA), Miami, FL; Museo de Arte Weisman, Minneapolis, MN; Museo Solomon R. Guggenheim, Ciudad de Nueva York, NY; Museo de Arte Moderno (MoMA), Ciudad de Nueva York, NY; Museo Whitney de Arte Americano, Ciudad de Nueva York, NY; Museo de Arte Fred Jones Jr., Norman, OK; Museo de Arte Allen Memorial, Oberlin, OH; Museo de Arte de la Universidad de Miami, Oxford, OH; Museo de Arte Norton Simon, Pasadena, CA; The Fabric Workshop and Museum, Filadelfia, PA; Museo de Arte de Filadelfia, Filadelfia, PA; Museo de Arte de San Luis, San Luis, MO;
  Museo de Young, San Francisco, CA; Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA), San Francisco, CA; Museo de Arte de San José, San José, CA; Museo de Arte de Santa Bárbara, Santa Bárbara, CA; Centro de Arte de Sioux City, Sioux City, IA; Centro Iris & B. Gerald Cantor para las Artes Visuales, Stanford, CA; Galería de Arte de la Universidad Estatal de Indiana, Terre Haute, IN; Museo de Arte Palmer, University Park, PA; Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn, Washington, DC; Museo de Arte Norton, West Palm Beach, FL (probablemente se podría haber escrito: en casi todos los museos de EE. UU. con arte contemporáneo, pero eso sería un poco injusto para aquellos que quieren elegir un museo del artículo para su próximo viaje a EE. UU.)

Claes Oldenburg, breve biografía

• Claes Oldenburg nació el 28 de enero de 1929 en Estocolmo
• De 1946 a 1950 estudió arte y literatura inglesa en la Universidad de Yale.
• De 1950 a 1954, Oldenburg asistió a cursos en el Instituto de Arte de Chicago
• Oldenburg expuso su arte en más de 1.000 exposiciones en todo el mundo desde 1960 en adelante
• Oldenburg se casó con su primera esposa, la artista Patty Mucha, en 1960; después de 10 años de trabajar juntos, este matrimonio terminó en divorcio en 1970
• Entre 1969 y 1977, Oldenburg vivió una relación sentimental y profesional con la artista estadounidense Hannah Wilke
• Oldenburg y el artista Coosje van Bruggen se casaron en 1977
• Desde 1977 hasta la muerte de van Bruggen en 2009, se crearon numerosas obras de arte colaborativas
• En 1992, Oldenburg y van Bruggen compraron el Château de la Borde, un pequeño castillo del Loira en Beaumont-sur-Dême, donde montaron su propio pequeño museo con obras de Le Corbusier, Charles y Ray Eames, Alvar Aalto, Frank Gehry y Eileen Gray.
• Oldenburg ha recibido numerosos premios, distinciones y doctorados honoris causa (en parte junto con Coosje van Bruggen)

Claes Oldenburg sobre el arte:

Estoy a favor del arte que emerge de los agujeros de las alcantarillas en la niebla invernal. Estoy a favor del arte que se parte al pisar un charco helado. Estoy a favor del arte del gusano en la manzana

(un pasaje raramente citado de su pieza más famosa, el manifiesto semisatírico “I Am For…” de 1961).

Claes Oldenburg falleció a la edad de 93 años

Claes Oldenburg, artista pop estadounidense de origen sueco, conocido por sus esculturas monumentales de objetos cotidianos, falleció el lunes 18 de julio de 2022 en su casa y estudio del barrio de SoHo de Manhattan. Tenía 93 años.

Su fallecimiento fue confirmado por Adriana Elgarresta, portavoz de la galería Pace de Nueva York, que, junto con la galería Paula Cooper, lo había representado durante mucho tiempo. Todos los principales periódicos, como el New York Times y el Süddeutsche Zeitung, informaron de la noticia.

Pocos encarnaron como él el éxito del arte público. Y pocos artistas reinterpretaron con tanta naturalidad la obra de Marcel Duchamp y el ready-made. El maestro del humor monumental nos deja un legado abrumador…