¿Cómo puedo convertirme en artista? Consejos de artistas autodidactas exitosos y creativos profesionales.

El cliché del "artista en apuros" se invoca con demasiada frecuencia. Sin embargo, cada vez hay más artistas que han forjado carreras exitosas y prósperas en el mundo del arte, incluso como autodidactas, sin ninguna formación académica ni trayectoria artística convencional.

Hoy en día, existen numerosos artistas autodidactas consolidados en el panorama artístico . Que sean autodidactas ya no supone un problema, ya que su arte, sus conocimientos, su comprensión y su contribución al arte son mucho más importantes que un documento de una universidad de arte o el nombre de un profesor de arte.

Supongamos que ese es nuestro objetivo. Pero ¿cómo lo logramos? Sobre todo, requiere una fuerte motivación, disciplina, perseverancia y dedicación. El camino puede ser arduo, pero con pasión y la búsqueda incansable de vivir de tu pasión, es posible alcanzar el éxito como artista autodidacta en el mundo del arte.

No dejes que las dudas te detengan y cree en ti mismo: con un poco de talento natural, tienes el potencial de lograr grandes cosas. El éxito en el mundo del arte también se compone de un 1 % de inspiración y un 99 % de transpiración.

¿Cómo me convierto en artista? ¡Aprende con nosotros de artistas consagrados y autodidactas exitosos!

Este artículo te muestra en pocos pasos cómo puedes mejorar tus posibilidades de éxito como artista autodidacta . Analizamos cómo puedes aprender de forma independiente el material de una universidad de arte y por dónde empezar. También hablamos sobre cómo desarrollar tu práctica artística, cómo proceder como autodidacta y cómo triunfar en el mundo del arte. Nos basamos en las experiencias, perspectivas y consejos de artistas de éxito.

“mundo del arte de élite”, existe un cierto estigma asociado a ser un artista autodidacta, lo que genera diversos desafíos para quienes no tienen la oportunidad de asistir a una escuela de arte.

Dependiendo de la situación socioeconómica o del sistema educativo de un país, la educación artística

Hoy en día, la información esencial para artistas autodidactas es más accesible que nunca, siempre que se sepa dónde buscar. Convertirse en artista profesional, y mucho menos en autodidacta, no es tarea fácil. Sin embargo, a pesar de todos los obstáculos y desafíos en el camino, un artista autodidacta no debe desanimarse de hacerse un nombre en el mundo del arte.

¿Cuáles son los requisitos básicos para ser artista?

¿Tienes una creatividad natural que te inspira nuevas ideas a diario? ¿Disfrutas pintando, dibujando y diseñando? ¿Tienes sensibilidad para los colores, las formas y la estética, y una vida emocional vibrante? ¿Algunos dicen que eres un poco poco convencional?

Si además no necesitas mucha estabilidad ni previsibilidad, la vida de artista podría ser perfecta para ti. Como artista, puedes pintar, crear, construir, lijar, fotografiar y filmar, creando tus obras de arte según tu propia visión.

Si a otros les gustan tus obras por su expresividad, emotividad, estética o sofisticación, puedes exhibirlas en galerías o venderlas de forma privada.

Increíble variedad de campos de actividad

En el ámbito artístico existe una gran diversidad y abundancia de campos de actividad y formas, lo que hace que esta carrera sea especialmente atractiva para las personas creativas.

Probablemente lo primero que viene a la mente son las bellas artes, como la pintura, la escultura, el dibujo y la ilustración. O las artes escénicas, como el teatro, la ópera, la música y la actuación. Sin embargo, más allá de estas áreas tradicionales, ha surgido una increíble cantidad de oportunidades. Ya sea tatuador, artista callejero, diseñador de juegos, comediante, artista de circo, arteterapeuta, payaso, mago, bailarín burlesco, artista marcial, animador, youtuber, maquillador o restaurador, las posibilidades de ganar dinero para las personas creativas son prácticamente infinitas.

También encontrar información interesante sobre 34 de estas actividades artísticas en forma de historias en vídeo en watchado .

Incluso fuera del mundo del arte y más allá de trabajar como artista freelance, muchas empresas e instituciones ofrecen oportunidades de empleo para personas creativas. Los siguientes sectores tienen gran demanda y contratan profesionales creativos:

• Instituciones educativas (escuelas, universidades , institutos de educación superior)
• Atención sanitaria (clínicas, centros de terapia, etc.)
• Instituciones sociales (centros de juventud/apoyo, etc.)
• Constructores de stands para ferias y empresas de eventos
• firmas de arquitectura
• Empresas de medios y publicidad
• Teatros de ópera, teatros, galerías y otras instituciones culturales
• Departamentos de comunicación corporativa y marketing
• Desarrolladores de juegos
• Editores y redacciones
• Diseño web y gráfico
• Inteligencia artificial, mundos virtuales, big data, arte digital

El perfil de actividad de los artistas

El portal de empleo australiano Seek una infografía interesante sobre el perfil laboral y el rol de un artista . Utiliza 10 métricas para ilustrar claramente los requisitos y beneficios de trabajar como profesional creativo. El análisis se basa en los valores promedio de 30 artistas encuestados.

Dado que es poco probable que el campo de actividad de los artistas en Alemania difiera significativamente del de Australia, estos resultados probablemente puedan aplicarse en gran medida a nuestro país. Las áreas de "satisfacción laboral" (4,2 estrellas) y "variedad" (4,3 estrellas) obtuvieron resultados particularmente buenos. En el extremo inferior se situaron "seguridad laboral", "potencial de ingresos" y "oportunidades profesionales".

Habilidades importantes para un artista:

Como artista, tu habilidad más importante es, por supuesto, la creatividad . Debes crear obras que nadie haya imaginado ni realizado antes, y lograr inspirar a la gente con tu trabajo.

Naturalmente, también debes comprender y dominar a la perfección tu oficio, ya sea pintura, fotografía, escultura o diseño de juegos visuales. No es necesario que seas un vendedor nato, pero sin duda es útil que puedas promocionarte a ti mismo y a tu trabajo .

tener conocimientos básicos de marketing y de redes sociales para dar a conocer tu trabajo al público más amplio posible y a compradores potenciales. También te ayudará ser franco: los contactos pueden llevarte muy lejos en el mundo del arte. Lo ideal es que no dudes en crear una red de contactos .

Los conocimientos de idiomas extranjeros también son muy útiles en tu profesión, especialmente el inglés, ya que te permiten comunicarte con la comunidad artística internacional y participar más fácilmente en exposiciones y otras oportunidades en el extranjero.

Finalmente, como artista, necesitas una buena dosis de valentía y disposición para asumir riesgos . Las posibilidades de vivir de tu arte son inicialmente escasas, y podrías buscar estabilidad en vano durante los primeros años (aunque a veces hay sorpresas positivas). Si no puedes aceptarlo, deberías reconsiderar tu elección profesional.

Formación en academia de arte vs. artista autodidacta

En las academias de arte, el enfoque principal es el desarrollo artístico personal, ya sea aprendiendo una habilidad específica o cultivando un estilo propio. Sin embargo, se ha comprobado que la mayoría de las instituciones no preparan adecuadamente a sus estudiantes para una carrera en el mundo del arte.

Entonces, antes de dar el primer paso, debemos descubrir qué hace que un artista tenga éxito .

El éxito como artista puede tener significados diferentes para cada persona. El objetivo final probablemente sea convertirse en un artista reconocido en el panorama artístico de alto nivel. Sin embargo, algunos simplemente quieren ganarse la vida como artistas. La experiencia nos dice que el éxito artístico a menudo también conlleva éxito comercial.

Cuando se trata de reconocimiento artístico , no hay límites. Es posible ser representado por galerías importantes, vender obras a precios elevados o incluso aparecer como artista de renombre en museos y publicaciones.

Dependiendo del tiempo que inviertas, de cuánto te beneficies de tu talento natural y de la influencia de factores externos como la suerte y el azar, iniciarse como artista autodidacta puede llevar distintos tiempos. Según una evaluación realista de CAI (Contemporary Art Issue) , una plataforma híbrida de artistas y galería de arte contemporáneo en Bélgica, el éxito inicial como artista autodidacta puede llegar en tan solo dos años .

Eso es menos tiempo del que requieren la mayoría de los programas de las escuelas de arte. No esperes consolidarte de inmediato, pero es posible alcanzar un reconocimiento serio como artista y tener un futuro prometedor en dos años.

Con este artículo, buscamos ofrecerte un punto de partida y una guía básica, revelando aspectos fundamentales que necesitas saber, aunque no se mencionan explícitamente, y mostrándote dónde encontrar la información necesaria para alcanzar el éxito artístico. Sin embargo, en última instancia, el éxito está en tus manos.

Da el 110%, sé paciente y apasionado, ¡y cree en ti mismo! Entonces tienes las mejores condiciones.

Consejos valiosos de creativos exitosos: paso a paso hacia el éxito como artista

Hasta este punto has podido obtener una visión completa de cómo podría ser tu trabajo diario como artista y qué debes llevar contigo para tener éxito en este campo.

¡Vayamos ahora, paso a paso, al camino para convertirse en un artista exitoso! ¿Qué se necesita para consolidarse en el mundo del arte? ¿Dónde están los obstáculos y qué factores conducen al mayor éxito? ¿A qué hay que prestar atención? ¿Y qué consejos son los más valiosos?

A continuación responderemos a estas preguntas junto a artistas que lo han logrado y están encantados de compartir sus fórmulas para el éxito.

Twist: Tres artistas femeninas y un artista masculino cuentan cómo lo lograron

Ser artista parece el trabajo soñado para muchos. Pero ¿solo requiere talento o también habilidad para promocionarse?

En el programa cultural "Twist" sobre arte, nos encontramos con diversas personalidades que arrojan más luz sobre esta cuestión. En primer lugar, conocemos a la estrella emergente del mundo del arte, Leon Löwentraut . A pesar de carecer de formación artística formal, goza de éxito internacional como pintor. Aunque las páginas de arte lo ignoran y algunos incluso lo critican con desprecio, conquista a muchos fans con apariciones espectaculares y una fuerte presencia en redes sociales. Sus pinturas ahora alcanzan precios elevados.

¿Es posible, entonces, lanzar la carrera artística en cualquier momento y lugar gracias a las redes sociales? La escultora francesa Latifa Echakhch , ganadora del Premio Marcel Duchamp y diseñadora del Pabellón Suizo de Venecia, nos muestra una forma diferente de abordar el arte como forma de comprender el mundo.

La profesora de pintura estadounidense Rajkamal Kahlon aborda en sus obras temas serios como el colonialismo y el racismo, reinterpretando representaciones de los pueblos indígenas del siglo XIX, devolviéndoles así su dignidad.

Annika Le Large , de Leipzig, por su parte, se gana la vida ilustrando libros infantiles, lo que demuestra que es posible tener éxito como artista incluso sin un título universitario de arte.

Estas diferentes historias muestran claramente que el camino hacia el éxito como artista puede ser muy individual y que el éxito tiene muchas facetas.

01 Motivación y Pasión: El Comienzo como Artista

Cada pintura que crea un artista lleva en sí una chispa de su propia alma. Es una conexión entre el artista y el lienzo, que cobra vida gracias a la seriedad y la dedicación. Artistas como Gerhard Richter y Vincent van Gogh han conmovido e inspirado al mundo con sus obras.

David Hockney y Marc Chagall también con sus singulares pinturas sobre lienzo . Como artista, es importante explorar constantemente nuevos temas y desarrollar la creatividad.

La edición de imágenes nunca debe estancarse, sino ser siempre nueva e innovadora. Paul Klee y Karl Ernst Osthaus fueron pioneros en sus campos y demostraron que su pasión por el arte no tenía límites.

La mejor condición para ser artista es precisamente esta pasión y esta curiosidad insaciable, que actúa como una fuerza impulsora incansable de motivación e inspiración.

02 Descubre, experimenta y experimenta

Antes de consolidarnos como artistas, debemos definir claramente lo que queremos, aconseja Julien Delagrange , historiador del arte, artista contemporáneo y director del CAI y de la Galería del CAI . Anteriormente, Delagrange trabajó para el Centro de Bellas Artes (BOZAR) de Bruselas, la Fundación Jan Vercruysse y la Biblioteca de la Universidad de Gante. Su práctica artística y su crítica de arte escrita están estrechamente entrelazadas, examinando el arte contemporáneo en busca de nuevas perspectivas dentro del mundo del arte.

Así pues, al iniciar nuestra carrera, planteémonos las siguientes preguntas:

• ¿Qué tipo de artista quieres ser?
• ¿Qué disciplina disfrutas más?
• ¿Qué estilo o técnica prefieres particularmente?

Antes de comprometernos con un medio, estilo, técnica o visión en particular, necesitamos la libertad y la oportunidad de explorar, experimentar y experimentar el arte. Es esencial explorar , experimentar y experimentar el arte a lo largo de nuestra vida y carrera artística para encontrar inspiración

Esto puede ocurrir con mayor intensidad y radicalidad en las primeras etapas de la carrera artística. Más adelante en la vida profesional, se vuelve más difícil lograr cambios radicales. Sin embargo, nuestro trabajo debe cambiar y evolucionar continuamente para seguir siendo interesante y relevante. Porque, como en la vida, la única constante en el arte es el cambio.

Más adelante podemos introducir una nueva disciplina o cambiar visualmente nuestro estilo, pero en este paso tenemos total libertad sin preocuparnos por las posibles consecuencias. Podemos probar cualquier cosa que nos guste: experimentar, explorar y experimentar.

Delagrange pone especial énfasis en la tercera “E”: Experiencia .

“El arte debe ser experimentado, tanto como espectador como artista”

Estas experiencias nos inspirarán, y lo que nos inspira nos animará a experimentar y absorber diferentes influencias, creando en última instancia una nueva síntesis de nuestra identidad artística.

Estos experimentos presentarán desafíos técnicos a los artistas autodidactas. Es hora de considerar apoyar estos experimentos con tutoriales en línea y, posiblemente, algunos cursos (consulta Skillshare , Udemy o Domestika). Gracias a internet, es posible aprender habilidades fácilmente en línea desde casa. YouTube es probablemente el mejor lugar para encontrar tutoriales adecuados.

Por lo tanto, Delagrange recomienda que investigues exhaustivamente y elijas un canal dirigido por un artista que te guste, y luego comiences a ver sus videos y a aprender y experimentar en el camino.

Hoy en día, existen innumerables tutoriales en línea de pintura y dibujo . Para formas de arte menos comunes, como la escultura o la instalación, conviene buscar cursos específicos, por ejemplo, en plataformas como Skillshare .

Ya no existen reglas fijas que rijan el proceso creativo artístico, lo que permite a los artistas autodidactas desarrollar su propio estilo. Es importante experimentar y probar nuevas técnicas para plasmar una visión e identidad personal en la obra.

03 Continúa tu formación en arte (historia)

Este paso también es fundamental para tu desarrollo artístico y tu credibilidad como autodidacta . Una pregunta frecuente de los artistas autodidactas es si poseen suficientes conocimientos de arte e historia del arte. Sin embargo, no hay razón para que no puedas convertirte en un experto en arte incluso sin una maestría en arte o historia del arte.

Es crucial la historia del arte para comprender a fondo el arte moderno y su importancia. Sería ingenuo creer que se puede triunfar en el mundo del arte sin conocimientos artísticos. Tus conocimientos e inteligencia se pondrán a prueba cuando intentes afianzarte en el panorama artístico.

Entonces, ¿cómo y dónde podemos profundizar nuestra formación? Delagrange recomienda primero familiarizarse con la historia del arte y leer libros de texto académicos como los que se utilizan en las universidades. Este paso puede considerarse una forma de educación formal , y es recomendable tomar apuntes.

No para exámenes, sino para crear un resumen personal de la historia del arte y tomar notas útiles para la propia práctica artística.

Comencemos con una introducción completa a la historia del arte y consideremos los siguientes libros, que podrían ser ideales para su educación continua:

“La historia del arte” de E.H. Gombrich

"Historia del Arte" de Ernst H. Gombrich ha sido una obra maestra insuperable durante 50 años y es uno de los libros de arte más conocidos y populares. El autor impresiona por su capacidad para presentar contextos histórico-culturales y problemas artísticos de forma clara y convincente.

Gracias a su comprensión de la psicología de las artes visuales, logra presentar la historia del arte como una evolución constante de intenciones artísticas. Cada obra de arte se considera dentro de su contexto histórico, independientemente de si se distingue de su predecesora o la imita.

Gombrich demuestra que el arte permanece conectado con épocas pasadas. En esta nueva forma, esta obra maestra seguirá introduciendo a las generaciones más jóvenes al mundo del arte e inspirando a los aficionados.

“Arte: La historia visual” de Andrew Graham-Dixon

Esta obra de referencia visual presenta las 2500 obras de arte más importantes de 30 000 años de historia del arte en todas las culturas. Con más de 3000 brillantes ilustraciones, 700 perfiles de artistas e información sobre períodos y movimientos, constituye un recurso excepcional para evaluar y comprender el arte.

Además de una presentación detallada de obras clave, el libro abarca temas como el amor, el paisaje, el retrato y el desnudo. Desde pinturas rupestres hasta el arte multimedia moderno, se exploran todas las épocas y culturas. Este libro ilustrado de alta calidad ofrece una visión general del desarrollo del arte desde la prehistoria hasta la actualidad, así como una visión general de movimientos y artistas importantes.

Es una obra de referencia muy recomendable para todos los amantes del arte, convincente e informativa.

“Arte Moderno. Del Impresionismo a la Actualidad” de Hans Werner Holzwarth

El arte moderno surgió hace unos 150 años en París con los impresionistas , quienes se distanciaron del arte académico clásico y revolucionaron el mundo del arte. Eligieron temas cotidianos y organizaron sus propias exposiciones para desafiar al establishment artístico.

Esto dio lugar a una multitud de estilos modernistas como el simbolismo, el expresionismo, el futurismo, el dadaísmo, el surrealismo y otros. El volumen rastrea el desarrollo del arte moderno a través de obras innovadoras que rompieron con las convenciones existentes y abrieron nuevos caminos.

Los ensayos introductorios explican los principales movimientos del modernismo y destacan artistas importantes y sus obras.

“Entrevistas de imagen: 100 obras maestras en detalle” de Rainer y Rose-Marie Hagen

Este libro de Rose-Marie y Rainer Hagen también nos ofrece una visión reveladora del mundo de la historia del arte. Revela las historias ocultas tras algunas de las pinturas más famosas, centrándose en detalles sutiles que revelan mucho sobre épocas pasadas. Los autores dirigen nuestra atención a aspectos aparentemente insignificantes, proyectando así incluso las pinturas más famosas bajo una nueva luz.

Al leer, nos sumergimos en diferentes épocas y culturas, conocemos héroes griegos y poetas alemanes, exploramos catedrales y cabarets, y viajamos desde la antigüedad hasta la Europa moderna. Analizamos cada imagen como un rompecabezas, la reconstruimos y, al hacerlo, descubrimos secretos sobre la gente, la política, la moda y las opiniones de tiempos pasados.

El libro ofrece una visión fascinante del mundo de las obras de arte y nos ayuda a comprenderlas mejor.

“Estas magníficas obras de revisión presentan el canon de la historia del arte”

Para cada movimiento artístico o capítulo, consulte las notas para descubrir más literatura especializada sobre un período o artista en particular. Sin embargo, las obras mencionadas son muy completas y, por ahora, proporcionan suficiente información.

A continuación, nos centraremos en el arte contemporáneo , desde el arte moderno hasta la actualidad. Las obras de referencia recomendadas son «Arte desde 1900» (edición en inglés), la ya mencionada «Arte moderno: del impresionismo al presente» y «Historia del arte moderno» de H.H. Arnason y Elizabeth C. Mansfield (edición solo en inglés).

Estos tres libros son, sin duda, las obras de referencia más importantes sobre la historia del arte moderno, e incluso se recomienda leerlos todos, si es posible. Si bien una sola obra podría ser suficiente para la historia del arte, en este caso, cuantas más, mejor.

Adquirir conocimientos artísticos específicos

Ahora que hemos establecido un marco sólido para el canon del arte, es hora de profundizar y centrarnos en movimientos artísticos, artistas y disciplinas específicos .

La selección de publicaciones debe basarse en sus intereses y práctica, pero hay algunos puntos importantes que me gustaría informarle. Tenga cuidado con la información inexacta en los libros autopublicados. Hoy en día, cualquiera puede escribir y publicar un libro. Incluso las editoriales pequeñas suelen producir libros de arte cuestionables.

Por lo tanto, recomiendo que libros de editoriales de libros de arte con buena reputación, como Taschen , Phaidon , Thames & Hudson , Skira , Prestel Publishing , Tate Publishing , Lund Humphries u otras instituciones de arte respetadas que actúen como editoriales (piensa en museos o universidades).

Estas editoriales son sinónimo de investigación artística de alta calidad, información fiable y autores y editores de renombre. Phaidon, por ejemplo, ofrece publicaciones excepcionales sobre prácticamente cualquier medio, ya sea pintura o escultura contemporánea. La serie de arte fundamental de Taschen es otra excelente colección de libros sobre movimientos artísticos y artistas específicos.

monográficas de museos, junto con sus retrospectivas, son siempre una excelente fuente de información. Estos ejemplos demuestran una investigación exhaustiva y un profundo conocimiento del arte consolidado, pero ¿qué ocurre con el arte menos consolidado?

Varias editoriales ofrecen actualmente excelentes publicaciones sobre este tema. Considere la serie de Phaidon sobre nuevas perspectivas en el arte, como Vitamin P (pintura), Vitamin D (arte puro) o Vitamin Photography. También vale la pena mencionar las publicaciones de galerías sobre los artistas que representan, con los que se puede identificar.

Esto nos lleva a otras fuentes para profundizar y mantenernos al día sobre el arte contemporáneo: plataformas de arte de prestigio, revistas de arte, instituciones curatoriales y museos de arte contemporáneo. Se puede encontrar información aún más especializada en la literatura académica sobre arte contemporáneo.

La serie "Documentos sobre Arte Contemporáneo" de Whitechapel es un excelente ejemplo de una editorial que recopila los escritos académicos más críticos sobre un tema específico del arte contemporáneo. También incluye obras académicas con una conexión indirecta con el arte, como las de Foucault y Lacan.

No te dejes intimidar por la abundancia de conocimiento e información global sobre arte. No necesitas ser un experto ni un erudito para tener éxito. Existen diferentes niveles de conocimiento, con la historia del arte general y moderna como base.

Después, según tus intereses, puedes adentrarte en literatura más específica. Hay muchas maneras de aprender sobre arte contemporáneo, por ejemplo, a través de canales informativos de YouTube . Sin embargo, es importante tener en cuenta que no toda la información es igual.

Algunos canales, como Art Assignment y Great Art Explained, ofrecen contenido bien documentado y factual, mientras que otros son menos confiables. También puedes seguir instituciones, galerías y plataformas de renombre en redes sociales o suscribirte a sus boletines para mantenerte al día.

Organizaciones como Artforum , Cura , el Museo de Arte Moderno y figuras influyentes del arte como Mary Lynn Buchanan son buenos puntos de partida. Es importante mantener la curiosidad, seguir los propios intereses y conectar continuamente con el arte y la historia del arte.

04 Conozca de primera mano el mundo del arte y sus reglas no escritas

A primera vista, este paso puede parecer menos significativo que los anteriores. Sin embargo, no es así. La tercera "E" que destacamos en el capítulo anterior —la experiencia— es fundamental aquí.

Porque la mejor manera de conocer el mundo del arte es experimentándolo uno mismo”

Quizás creas que ya estás bastante familiarizado con el mundo del arte. Quizás hayas visitado algunos museos y sigas a algunas galerías y artistas en redes sociales. Pero eso no es suficiente. El arte y el mundo del arte están llenos de sutiles detalles que, en definitiva, marcan la diferencia.

Ya se trate de crear una obra de arte, completarla y presentarla en una galería, o todo lo relacionado con las exposiciones de arte (como la creación de una serie de obras o cómo las obras interactúan entre sí en una exposición, el título de la exposición, la descripción de las obras y sus metadatos, la forma de hablar de ellas, la instalación, las inspiraciones para el diseño y la presentación, etc.), uno tiene que estar al tanto del mundo del arte.

• ¿Qué es popular en las galerías hoy en día?
• ¿Cómo se ven y se sienten las obras?

Para apreciar los matices artísticos que marcan la diferencia, es recomendable visitar no solo museos, sino también galerías de arte. Mientras que los museos exhiben principalmente arte consolidado, las galerías exhiben obras de artistas emergentes, así como nuevas piezas de artistas consagrados.

Las galerías de arte también son cruciales para una carrera en el mundo del arte . Por lo tanto, es importante ser crítico al elegirlas e investigarlas con antelación para asegurarse de encontrar una galería de gran prestigio.

Las características de calidad de las galerías de primera clase incluyen una serie de exposiciones cuidadosamente seleccionadas, una presentación profesional y elegante, un comunicado de prensa para cada exposición, muchos años de experiencia en operaciones de galerías, participación en ferias de arte y presencia en plataformas de renombre como Artsy o un sitio web de galería profesional.

Algunas de las galerías más prestigiosas del mundo, aquellas que logran implementar esto a la perfección, pertenecen a la categoría de megagalerías. Ofrecen una perspectiva única de las reglas y costumbres tácitas del arte y las galerías de arte de alta gama.

Algunos ejemplos destacados de megagalerías incluyen:

• Gagosiano
• Hauser y Wirth
• Galería Pace
• David Zwirner
• Cubo blanco
• Galería Lisson
• Tadeo Ropac
• Perrotín
• Lehman Maupin
• Victoria Miró
• Marian Goodman
• y muchos más…

Una buena estrategia es centrarse en galerías emergentes en lugar de contactar inmediatamente con las ya establecidas. La Guía de Arte Artforum puede ser un recurso útil en este sentido. Elige una ciudad artística cercana, explórala y empieza a recorrer galerías.

Esto te inspirará a descubrir obras de artistas emergentes que están en camino de hacerse un nombre. Observa con atención cómo estos artistas se distinguen de los demás y cómo presentan su trabajo en una exposición o incluso en varias. Esto puede ayudarte a encontrar nueva inspiración y a desarrollar aún más tu propia creatividad.

Si bien es posible contactar con directores de galería, te desaconsejo hacerlo, al menos por ahora, y no revelar que eres artista. Tú y tu obra probablemente aún no estén preparados para la mirada crítica de un director de galería, aunque creas estarlo, y estas oportunidades son escasas.

Es recomendable expresar primero su interés en la galería. Si el director de la galería inicia la conversación, podría surgir la oportunidad de hablar sobre sus actividades artísticas. Exposiciones de arte, conferencias, festivales de arte y eventos como la Bienal de Venecia o Art Basel ofrecen excelentes oportunidades para comprender mejor la escena artística y el mundo del arte contemporáneo.

Si bien asistir a dichos eventos implica viajar e invertir tiempo, puede tener un impacto significativo en su desarrollo personal, su comprensión y sus futuras oportunidades profesionales y, por lo tanto, no debe subestimarse.

05 Encontrar inspiración creativa: Consejos y trucos para el proceso artístico

Cuando la chispa creativa se enciende y el lienzo se extiende ante ti, el anhelo de inspiración . ¿Cómo puedes dar vida a tus ideas y hacer que tu arte brille? Artistas como Gerhard Richter o Vincent van Gogh encontraron su voz única explorando diversos temas y estilos.

Atrévete y experimenta con nuevas técnicas y materiales para expandir tu visión artística. Aprovecha la diversidad del mundo del arte para inspirarte en otros artistas. Ya sean obras abstractas o retratos realistas, deja que los diferentes estilos te inspiren para encontrar tu propia expresión única.

Al editar imágenes a tu manera personal, podrás descubrir nuevos caminos y dar rienda suelta a tu creatividad.

¿Estás familiarizado con esta situación?

Finalmente encuentras tiempo para ir a tu espacio de trabajo, y entonces te invade esa terrible sensación: rodeado de multitud de materiales, te sientes desmotivado para crear nada. Encontrar inspiración parece más difícil que cruzar el Atlántico remando.

Puede que te sientas completamente solo, pero cada uno de nosotros ya ha tenido esta experiencia: una vez, varias veces, a menudo.

Ninguna persona creativa puede trabajar sin inspiración. Para algunos, encontrarla es fácil y natural, mientras que para otros puede ser un desafío.

Ninguna persona creativa es inmune a los bloqueos creativos; ocurren constantemente en toda práctica creativa

Es importante poder motivarse y, a veces, simplemente se necesitan algunas ideas y sugerencias para volver al camino correcto.

La siguiente lista breve de libros proporciona un enfoque útil cuando la inspiración tarda en llegar:

Recomendaciones de libros para el flujo creativo

“Creativo: El arte de ser” de Rick Rubin

El bestseller "Creativo: El Arte de Ser" revela los secretos del exitoso productor musical detrás de estrellas como Johnny Cash, Adele, Run-DMC, Jay-Z y U2. El libro ilumina su obra de una manera clara e inspiradora, mostrando el camino del artista que todos podemos seguir.

Con los años, Rubin se ha dado cuenta de que para los artistas, no se trata solo de su producción, sino de su relación con el mundo. La creatividad es esencial para todos y todos pueden cultivarla. Cada persona posee un poder creativo innato; de nosotros depende liberarlo. “Creativo. El Arte de Ser” (2023) es un mensaje apasionado que celebra la alegría de la creación artística y la experimentación lúdica. Anima a probar cosas nuevas, a equivocarse y a empezar de cero, simplemente por el placer de ser creativo.

Este libro está dirigido a los amantes de la música y a los músicos que buscan inspiración, a las personas creativas con bloqueo de escritor que quieren superar sus miedos y a aquellos que buscan significado y quieren percibir conscientemente las maravillas del mundo.

“FLUJO y creatividad” de Mihaly Csikszentmihalyi

En su obra "FLUJO y Creatividad", Mihaly Csikszentmihalyi explora el proceso que nos lleva a nuevas ideas y perspectivas innovadoras, liberando todo nuestro potencial artístico. En este libro, Csikszentmihalyi responde a las preguntas de dónde y cómo surge la creatividad y cómo cada persona puede descubrir y cultivar su propia fuente de inspiración.

Basándose en extensas entrevistas con reconocidas personalidades creativas, muestra cómo podemos promover específicamente nuestra propia creatividad para no sólo mejorar nuestro trabajo artístico, sino también enriquecer toda nuestra vida.

Este libro está dirigido a artistas y a todas las mentes creativas que buscan inspiración. Con perspectivas sólidas y consejos prácticos, "Creatividad" una valiosa guía para quienes deseen liberar y desarrollar aún más su potencial creativo.

“El camino del artista” de Julia Cameron

Este libro, de carácter espiritual, inspira a los lectores a descubrir el potencial artístico oculto en cada uno de nosotros. Muestra cómo podemos despertar nuestra creatividad para crear algo grandioso. A menudo, las dudas, las experiencias negativas o las opiniones ajenas nos impiden liberar nuestra energía creativa.

Este libro ofrece orientación sobre cómo reconectar con nuestro artista interior y despertar nuestras capacidades creativas. Con valiosos ejercicios y consejos, podemos fortalecer nuestra presencia artística y emprender el camino hacia una vida artística plena.

Este libro es especialmente adecuado para cualquier persona que dude de sus propias capacidades creativas y busque inspiración para liberar todo su potencial.

¡No te rindas!: 10 maneras de aumentar la creatividad en los días buenos y malos” por Austin Kleon

"No te rindas" es un libro inspirador para personas creativas que buscan su creatividad con regularidad. Ofrece numerosos consejos y métodos útiles para mantener la motivación incluso en momentos de falta de inspiración. El autor superventas del New York Times, Austin Kleon, presenta diez estrategias para mantenerse no solo creativo, sino también fiel a uno mismo.

Las sugerencias están dirigidas principalmente a creativos profesionales y artistas aficionados, pero también pueden ayudar a cualquiera que quiera expresar su lado creativo de vez en cuando.

06 Desarrolla tu obra completa – crea una obra coherente

Ahora llegamos al sexto paso; nos encontramos en un punto de inflexión crucial en la carrera del artista, donde la obra madura y emerge una obra de arte total: una unidad caracterizada por una visión clara, reconocibilidad visual y un desarrollo continuo y fascinante.

Tras una fase de experimentación, construyendo un marco sólido como base para desarrollar la propia visión e identidad artística e inspirándose en el arte contemporáneo, llegamos poco a poco al punto en el que todo cuadra.

Has encontrado un medio con el que te sientes cómodo, objetivos claros y una visión que quieres hacer realidad con tu trabajo.

Ahora es el momento de perfeccionar y profesionalizar tu producción artística y crear obras que siempre considerarás parte de tu obra. La constancia es clave en el arte. Un ejercicio crucial para lograr una obra coherente y un desarrollo constante y significativo es escribir una declaración artística .

En esta sección, explorarás tu visión, objetivos, filosofía, metodología y técnica. Todos los elementos de los pasos anteriores se combinan para crear una síntesis muy personal de quién eres como artista, qué define tu arte y de qué se trata. Esta declaración, o visión artística, guiará tu desarrollo y garantizará la continuidad a medida que continúas experimentando, evolucionando y mejorando.

La declaración del artista no solo sirve para exhibir tu obra en galerías o publicarla en tu sitio web. Es una herramienta y guía personal para un desarrollo personal continuo y coherente . Ahora que has definido claramente tus características artísticas, es hora de actuar.

Explora cómo puedes desarrollar aún más tu visión en tu práctica artística para destacar y aumentar tu reconocimiento. La vida de artista es, sin duda, una de las profesiones más fascinantes. El mundo del arte está saturado de miles de artistas, más de los que buscan galerías, coleccionistas y curadores.

Por lo tanto, es crucial destacar entre la multitud, independientemente de si eres autodidacta o tienes un doctorado en artes. Sé coherente, personal y reconocible. Distínguete y mantente fiel a tu visión. La importancia de esta coherencia a veces puede ser un desafío.

Las galerías y los coleccionistas no aprecian los cambios radicales en el proceso creativo de un artista, ya que podría dar la impresión de que, tras invertir tiempo o dinero, este está creando algo completamente nuevo. Sin embargo, esto no significa que tengas que repetirte constantemente.

Por el contrario, si no evolucionas, tu obra se estancará y se volverá aburrida, y corres el riesgo de ser etiquetado como un artista de edición limitada. Aquí nos topamos con una de las sutilezas del mundo del arte, ya comentada en nuestra sección anterior: la interacción entre la consistencia y el cambio, o mejor dicho, el desarrollo.

La cuestión es que, siempre que te mantengas fiel a tu visión original (o sigas visiones y prioridades que cambian constantemente), la variedad siempre es una ventaja.

Delagrange lo ilustra con los siguientes ejemplos:

La coherencia ejemplificada por Luc Tuymans

Luc Tuymans es uno de los pintores más importantes y consistentes de su generación. Su obra abarca desde pinturas de escenas del Holocausto y un mural de Mickey Mouse hasta bodegones y representaciones numéricas. Sin embargo, su visión se mantiene coherente en todas sus obras.

Explora la teoría de la imagen en el contexto de la pintura, abordando temas como los simulacros, la sobrecarga de imágenes, la historia y las complejidades morales. Lo que conecta visualmente estos diversos temas son sus características pinceladas trémulas y su sutil paleta de colores. Estos elementos garantizan la coherencia y la reconocibilidad, permitiendo al artista belga dedicarse a cualquier tema o motivo.

Tracey Emin: Autobiografía y controversias como hilo conductor

Muchos artistas demuestran una versatilidad impresionante, manteniendo la constancia en su obra. Un excelente ejemplo es Tracey Emin , quien se mueve con soltura entre instalaciones, esculturas y pintura figurativa. Utiliza elementos autobiográficos y controversias como base de su visión artística.

En la siguiente entrevista, comparte 6 lecciones importantes que se deben dominar en el camino hacia el éxito como artista:

Más ejemplos…

Igualmente impresionantes son los artistas que siguen ciertos motivos en sus vidas y los convierten en su sello distintivo, como los puntos y las calabazas de Yayoi Kusama o las jaulas, arañas y espirales de Louise Bourgeois . Es importante destacar que estos motivos son elegidos conscientemente y representan resultados directos de su visión e historia individuales.

Algunos artistas dedican toda su vida a una sola cosa, perfeccionando una idea o técnica; pensemos en Mark Rothko o Carmen Herrera . Otros tienen una visión que incluye cambios radicales como parte integral; sin ellos, no hay consistencia.

Pensemos en el enfoque deliberadamente sin estilo de Maurizio Cattelan y Ryan Gander . O pensemos en Gerhard Richter, cuya obra pictórica se caracteriza por una búsqueda incesante de las posibilidades de la pintura, desde el fotorrealismo hasta la abstracción pura, la figuración conceptual minimalista y las pinturas de bordes duros.

Los matices de estas visiones y la interacción entre continuidad y desarrollo subrayan una vez más la importancia de nuestros pasos anteriores. Por lo tanto, es recomendable estudiar la obra de otros artistas para comprender cómo crear arte propio. Un buen punto de partida incluye una visión, filosofía y técnica claras, o una selección de motivos.

Por lo tanto, plasma tu propia visión y persíguela con constancia en tu estudio. Empieza a profesionalizar tu práctica artística utilizando materiales de alta calidad y elaborando con esmero cada obra. Cada obra debe ser de una calidad constante, desde los experimentos hasta las piezas terminadas, listas para ser presentadas al mundo.

¡Es hora de que formes parte del mundo del arte!

07 Crea un perfil de artista profesional

Para triunfar en el mundo del arte, es fundamental garantizar que todo sea preciso, profesional y cumpla con los estándares de un artista serio, especialmente para los autodidactas. Este paso tiene en cuenta todos los detalles relevantes para garantizar que tu perfil artístico sea atractivo y profesional.

Esto demostrará a un posible coleccionista o galerista interesado en tu obra que todo se hace con meticulosidad. Esto no solo aumenta significativamente tu credibilidad como artista serio, sino que también mejora tus posibilidades de éxito en el mundo del arte.

En opinión de Delagrange, muchos artistas, ya sean autodidactas o formados, fracasan en este punto y pierden el rumbo, incluso si poseen un gran talento y potencial.

Veamos ahora un resumen de lo que debes tener en cuenta. Es importante seguir estrictamente los puntos mencionados. Tu forma de presentarte como artista, tanto en línea como en el mundo real, debe ser clara, formal, profesional e incluso un poco misteriosa.

Cualquier otra cosa que no esté en esta lista podría dañar tu credibilidad como artista. Entonces, ¿cómo preparamos nuestro perfil artístico?

7.1. Documenta tu arte

Es fundamental que fotografías profesionales de tu obra. Toma fotos de alta calidad y asegúrate de tener archivos de alta resolución. También podría ser útil crear vistas de instalación o de estudio de tu obra en un espacio adecuado.

Evita simular tu trabajo con aplicaciones en galerías o espacios (las llamadas maquetas). Prepara tu sala o estudio como corresponde, alquila un espacio o aprovecha una exposición para tomar fotos de alta calidad. Esto sin duda aumentará tu credibilidad.

Documente su obra de arte minuciosamente y registre toda la información importante: significado, título, año, medio y dimensiones.

Crea un catálogo completo con todos los datos relevantes que puedas presentar a potenciales clientes y galerías.

7.2. CV de artista – El currículum vítae – Currículum de artista

El siguiente paso es crear un CV de artista . Este contiene toda la información relevante y sirve como guía para que galerías, coleccionistas y curadores comprendan tu situación actual en tu carrera.

Su CV debe incluir información sobre su año y país de nacimiento, su lugar de residencia actual, su formación académica y cualificaciones, su experiencia profesional, su historial de exposiciones, publicaciones seleccionadas, cobertura de prensa, premios, colecciones y residencias. Como autodidacta, le desaconsejo incluir a personas autodidactas en su CV.

Indique la formación académica y profesional solo si son relevantes; de lo contrario, deje este campo en blanco. Utilice esta estructura como guía y analice los CV de artistas consolidados o sitios web de galerías. Mantenga el mismo diseño, estructura y enfoque profesional.

No te preocupes si tu CV artístico contiene poca información. Nuestro próximo paso será mejorarlo y ampliarlo año tras año. Es perfectamente normal que hayas tenido pocas o ninguna exposición hasta ahora; todos empezamos con poco.

De hecho, el equipo de CAI ha escrito un artículo detallado sobre cómo crear un CV como artista con poca o ninguna experiencia. Puedes encontrar una guía completa aquí , que incluye ejemplos y una plantilla de CV para artistas.

7.3. El sitio web del artista/portafolio en línea

El sitio web del artista sirve como y portafolio digital , que debe reflejar la profesionalidad del artista.

Un diseño minimalista y de alta calidad es esencial para alcanzar el reconocimiento en el mundo del arte. Inspírate en las páginas web de artistas reconocidos y presenta tu sitio web con una página de inicio clara y concisa , una selección de tus mejores obras (portafolio), tu CV e incluso un texto biográfico en tercera persona.

Un paso crucial para convertirse en un artista exitoso es la presentación hábil de su obra. Un portafolio bien diseñado, ya sea digital o impreso, ofrece a clientes potenciales y galerías una visión completa de su visión y diversidad artística.

Una página de contacto completa la oferta. Sin embargo, elementos como un blog, una tienda online o productos de merchandising son superfluos para un artista profesional. En el mundo del arte, es habitual que los compradores potenciales pregunten precios y disponibilidad directamente por correo electrónico. Por lo tanto, no es necesario publicar precios online ni crear una tienda online.

7.4. Automarketing como artista: ¿Cómo encuentro a mi público objetivo?

Encontrar a tu público objetivo puede ser una experiencia emocionante que impulsará tu carrera artística a un nuevo nivel. Es fundamental comprender las necesidades e intereses de tu público de forma seria y centrada. Al interactuar activamente con los comentarios y presentar tu trabajo estratégicamente, puedes forjar una conexión auténtica con tus potenciales seguidores.

Aprovecha la diversidad de plataformas digitales y redes sociales para que tu arte sea accesible a un público más amplio. Damien Hirst , Takashi Murakami , Wolfgang Tillmans, Nan Goldin y Cindy Sherman han encontrado a su público objetivo y han logrado conectar con él.

Atrévete, experimenta con diferentes estrategias de marketing para descubrir tu propio camino. Tu arte merece ser apreciado y apoyado por las personas adecuadas. Encuentra tu nicho y transmite confianza: tu público objetivo ya está esperando a que lo descubras.

Sin embargo, encontrar el equilibrio adecuado también es importante en el ámbito de las redes sociales . Como regla general, deberíamos centrarnos en la plataforma de redes sociales más potente actualmente para los artistas: Instagram . Es impresionante la cantidad de galeristas y coleccionistas que descubren y contactan con nuevos artistas a través de Instagram.

Una presencia en línea te permite crear una base de fans y, por lo tanto, aumentar tu credibilidad. YouTube el "vlogging" como artista todavía está mal visto , a pesar de que todas las principales organizaciones artísticas tienen representación en YouTube. No obstante, el director de la galería CAI, Julien Delagrange, aconseja centrarse completamente en Instagram por ahora y mantener un tono profesional en tus publicaciones.

08 Desarrolla tu carrera de forma orgánica y piensa a largo plazo

Instagram ya se ha considerado una excelente plataforma para descubrir artistas. Sin embargo, para tener éxito, los artistas deben tomar algunas medidas adicionales. Antes de analizar las acciones específicas que puedes tomar, hablemos de lo que debes evitar .

La autopromoción agresiva no es bien recibida en el mundo del arte

El éxito no se puede forzar. Por lo tanto, es recomendable no promocionarse demasiado: evite llamar en frío a galerías, revistas, coleccionistas e instituciones. No considere su arte como un producto puramente comercial que se vende mediante publicidad, folletos o descuentos. Manténgase profesional y no se presione a nadie.

El objetivo es más bien seguir una carrera orgánica y pensar a largo plazo dejando tu huella en el mundo del arte , lo que en última instancia conducirá a que galerías, coleccionistas y revistas se pongan en contacto contigo.

Sumérgete activamente en la escena artística visitando exposiciones y galerías, como se recomendó en el paso anterior. Construye relaciones auténticas hablando de arte por interés genuino, no por interés propio. Crea redes con personas afines y participa en el mundo del arte para impulsar tu éxito.

Incluso si eres introvertido y no te consideras un experto en redes sociales, puedes mejorar activamente tus posibilidades de desarrollar una carrera en el mundo del arte buscando oportunidades en este campo. Considera convocatorias abiertas para exposiciones, residencias artísticas , concursos de arte , becas , convocatorias abiertas de proyectos de arte público y oportunidades similares.

Una excelente manera de descubrir estas oportunidades es a través de la plataforma Artenda.net , que te mantiene al día sobre las oportunidades artísticas más emocionantes. Es importante estar presente y prepararse bien como artista. Confía en el proceso.

Si tu arte es de alta calidad y todo tu perfil artístico está diseñado profesionalmente sin resultar intrusivo, sino que se integra de forma natural y orgánica, la gente notará tu trabajo. Y si encuentran tu perfil artístico atractivo y profesional, se pondrán en contacto contigo, independientemente de si eres autodidacta o no.

En este punto, todo empieza a cambiar. En cuanto participas en una exposición, ya sea a través de una convocatoria abierta, una invitación de una galería o colaborando con otros artistas, se abren nuevas puertas.