Emilia e Ilya Kabakov o “El alma rusa de Nueva York” – Parte 1

Emilia e Ilya Kabakov se encuentran entre los pintores y artistas conceptuales llevan más de tres décadas arte ruso original desde Nueva York .

Nueva York no se encuentra precisamente en el corazón de Rusia; el hecho de que aquí se cree auténtico arte ruso es sorprendente, y debería serlo. Pero eso no es lo único sorprendente de los Kabakov y su historia: un vistazo a la vida de estos dos artistas revela una maravillosa narrativa artística tras otra, aderezada con un ingenio sutil y una rebeldía tan positiva como persistente.

Lo que es seguro es que los Kabakov se encuentran entre los artistas más célebres del mundo, conocidos allí donde se puede crear y apreciar el arte libremente (en la lista más neutral disponible de los mejores artistas del mundo, Emilia e Ilya Kabakov llevan mucho tiempo situándose justo fuera del top 100). A continuación, se revela un poco de lo que queda, más abierto a la interpretación, para despertar su curiosidad sobre el arte y los artistas:

La trayectoria de Ilya y Emilia Kabakov hacia el arte como hogar profesional

Ilya Kabakov nació el 30 de septiembre de 1933 en Dnipro, ciudad que se llamaba Dnepropetrovsk hasta 1991, cuando formaba parte de la URSS, y de nuevo Dnipropetrovsk hasta 2016, cuando ya formaba parte de Ucrania. En teoría, la vida en esta gran ciudad a orillas del río Dniéper (hoy la cuarta ciudad más grande de Ucrania, con casi un millón de habitantes) sería maravillosa, con un clima mediterráneo suave y el mar de Azov, una auténtica bañera al alcance de la mano, cuya temperatura del agua suele alcanzar los 30 °C en verano. Pero no fue así; hoy en día, las disputas entre los países de Europa del Este perturban la paz que allí reina; sin duda, no era así en la época del nacimiento de Ilya Kabakov.

La Segunda Guerra Mundial era inminente; el padre de Kabakov fue reclutado (y posteriormente murió en el frente), y Kabakov y su madre fueron evacuados a Samarcanda (actualmente Uzbekistán). Allí, a partir de 1943, se dice que Ilya Kabakov asistió a la escuela de arte de la Academia de Bellas Artes de Leningrado, que también había sido evacuada a Samarcanda.

Sea como fuere (la madre de Kabakov tenía cosas más importantes que hacer que organizar la educación artística gratuita de su hijo), fue una decisión brillante en plena guerra dejar vivir a un niño de 10 años.

La investigación cerebral ha establecido y confirmado que las actividades creativas generan neuronas y conexiones neuronales que contribuyen a un estado de ánimo positivo. De hecho, son tan eficaces para remodelar positivamente el cerebro (y, por ende, el resto del cuerpo) que las actividades creativas ocupan ahora un lugar destacado en la terapia del trauma.

El arte aporta alegría, quizá inicialmente (en la tensión, después del suceso trágico) solo en pequeñas dosis o durante un breve periodo de tiempo; en el peor de los casos, se trata únicamente de preservar cierto potencial humano positivo (esta es la razón por la que los soldados en el frente realizan todo tipo de actividades alegres, lo que a menudo se percibe como insensible desde fuera o en retrospectiva).

Pero una neurona es una neurona, en la guerra y en la paz; las experiencias/emociones placenteras siempre conllevan la liberación de ciertas sustancias; estas sustancias siempre promueven la formación de conexiones cerebrales que son beneficiosas para el cerebro y la persona.

Además, desde los siete u ocho años, el joven Kabakov había vivido en un entorno con un idioma extranjero (en Samarcanda se habla tayiko, no ruso ni ucraniano como en Dnipropetrovsk), por lo que asistir a la escuela de arte también fue un refugio en un entorno familiar de la infancia.

La semilla del "arte" ya estaba sembrada, y después de la guerra, Ilya Kabakov se trasladó a Moscú para ampliar su formación en este campo. De 1945 a 1951, asistió a una escuela de arte en Moscú, y de 1951 a 1957, estudió diseño gráfico e ilustración de libros en el Instituto de Arte Surikov de Moscú (una filial de la venerable Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, que, tras su división en arte y arquitectura, se dedicó a la formación artística), graduándose con un diploma.

Por lo tanto, Kabakov es un diseñador gráfico e ilustrador de libros cualificado , que estudió en las dos principales escuelas de arte de su país de origen.

Se formó en el estilo entonces predominante o impuesto de "realismo socialista ", pero se dice que estudió a Cézanne y todo el arte internacional que pudo conseguir, e incluso que realizó estudios de dibujo libre del natural (una desviación escandalosa para un trabajador en materia de arte impuesto por el Estado).

Es irrelevante si esto se debió a que el joven Kabakov había absorbido demasiada cultura islámica antigua y libertad de pensamiento islámica primigenia en las tierras altas de Uzbekistán como para poder tolerar realismo socialista a "trabajadores optimistas y con visión de futuro de una granja colectiva en un tractor "; su anhelo de libertad irrumpiría más tarde de forma imparable.

Inicialmente, tras graduarse, Kabakov trabajó diligentemente como ilustrador de libros infantiles durante un tiempo. Pero el simple hecho de haber visto a Cézanne fue un argumento tan sólido contra el intento de estropear los libros infantiles ilustrando las realidades socialistas del mundo laboral que esta labor no duró mucho: en 1965 se convirtió en miembro de la Unión de Artistas de la URSS, que en realidad era una rama ideológica del Partido Comunista.

La membresía le otorgaba a Kabakov el derecho a exhibir sus obras, pero de ninguna manera la oportunidad real de hacerlo. Por lo tanto, desde 1967, el ático de Kabakov en el centro de Moscú se convirtió cada vez más en un punto de encuentro para los artistas moscovitas inconformistas y disidentes que, en las dictaduras y los estados totalitarios, son llamados disidentes.

Un término desconocido en las democracias, porque en esos países toda persona tiene el derecho fundamental a expresar su opinión libremente y sin impedimentos (sin confundirlo con la incitación inconstitucional al odio o los insultos con relevancia penal que siguen a la frase "aún así, se debería permitir decirlo").

El propio Ilya Kabakov se convirtió en un artista conceptual moscovita cuyas obras, en un principio, reflejaban la mentalidad rusa y abordaban las limitaciones sociales y los problemas cotidianos de sus conciudadanos en la URSS. Pronto surgieron sus primeros diseños arquitectónicos utópicos, hasta que finalmente Kabakov se adentró en las utopías sociales y comenzó a explorarlas en profundidad. Lo hizo principalmente con humor e ironía, siempre con una conexión (agridulce) con la realidad.

A partir de 1978, Kabakov creó sus primeros murales, en los que parodiaba el "arte oficial" del sistema soviético , adornándolos a modo de collage con textos correspondientes. Posteriormente, amplió la técnica del collage en sus instalaciones, culminando en 1981 con la historia del hombre que nunca tiraba nada (una instalación con varias cajas llenas de papeles y partituras, rodeadas de toda la demás basura que forma parte de la identidad de este hombre).

Kabakov seguía involucrado cuando un grupo de artistas moscovitas rebeldes lanzó el "Conceptualismo Moscú" el Arte Soz (el resultado de la fusión del Realismo Socialista con elementos del Pop Art, dispersos en Rusia), y lo hicieron al margen de la escena artística soviética oficial. Sin embargo, Kabakov ya se preparaba para marcharse; poco después, obras que no se le permitía exponer en la URSS llegaron misteriosamente a Occidente.

En 1985, Kabakov fue invitado a sus primeras exposiciones individuales en Francia (del 11 de junio al 13 de julio de 1985, “Ilya Kabakov”, Galerie Dina Vierny, París) y Suiza (del 31 de agosto al 18 de noviembre de 1985, “Ilya Kabakov: Al límite”, Kunsthalle Bern) – 25 pinturas y 490 dibujos llegaron hasta allí, pero desafortunadamente al artista no se le permitió viajar.

Incluso sin él, las obras de Kabakov continuaron viajando a Marsella y Düsseldorf en 1986; Las primeras instalaciones llegaron a Suiza a través de caminos aventureros en 1986, hasta la exposición "Rauminstallationen und Bildwerke aus dem 80er Jahren" (15.08. – 03.09.1986, Neue Galerie, Schlössli Götzental, Dierikon), y la exposición "Ilya Kabakov" estuvo expuesta en el Centro Nacional de Artes Plásticas de París desde 19.11.1986 al 11.01.1987.

Para un episodio de TateShots, los reporteros visitaron a la pareja de artistas Kabakov en su casa de Long Island en Nueva York, donde han vivido durante más de treinta años, mientras preparaban su primera gran exposición en un museo del Reino Unido en la Tate Modern (2018):

A principios de 1986, Mijaíl Gorbachov inició el proceso de reestructuración y modernización de la Unión Soviética, conocido como Perestroika; esto estuvo acompañado de Glasnost, literalmente apertura, libertad de información, libertad de expresión, también se podría hablar simplemente de libertad de opinión y de prensa o democratización del Estado.

Con las obras para la exposición “Arte contemporáneo de la Unión Soviética: Ilya Kabakov e Ivan Tchuikov” (20 de febrero – 20 de abril de 1987, Museo de Arte Contemporáneo, Basilea, Suiza), al artista finalmente se le permitió abandonar el país, permaneciendo inicialmente en Occidente con una beca de la Asociación de Arte de Graz, y no regresaría a casa mientras su patria todavía se llamara URSS.

Del 20 de marzo al 8 de abril de 1988, obras "rescatadas" y nuevas de Kabakov se exhibieron en la exposición "Antes de la cena" (organizada por la Asociación de Arte de Graz) en el vestíbulo de la Ópera de Graz; también en abril de 1988, el arte y los artistas dieron el salto de Austria al otro lado del Atlántico: del 30 de abril al 4 de junio de 1988, exposición "Diez personajes", Ronald Feldman Fine Arts, Nueva York, EE. UU.

Aquí es donde entra Emilia , entonces todavía Emilia Lekach; una emigrante rusa que había estado trabajando como curadora y marchante de arte en Nueva York desde 1975.

Emilia Lekach nació en la URSS en 1945. De 1952 a 1959 estudió en la Escuela de Música de Moscú, de 1962 a 1966 en el Conservatorio de Irkutsk y de 1969 a 1972 en la Universidad Estatal de Moscú, donde estudió lengua y literatura españolas. En 1973 emigró a Israel con toda su familia. En 1975 se trasladó de Israel a Nueva York, donde pronto comenzó a trabajar como curadora y galerista, puesto que aún ocupa. Y lo mejor de todo —casi increíble—: Emilia Kabakov Lekach también nació en Dnipropetrovsk.

Emilia Lekach e Ilja Kabakov, dos personas procedentes de una de las docenas de grandes ciudades de un país cuya superficie, incluso en su forma actual más reducida, es exactamente 47,84 veces mayor que la de Alemania, se encuentran a 7.904 km de esa ciudad, en Nueva York, y ambos trabajan en el campo del arte contemporáneo.

Un hombre y una mujer, de 54 y 42 años respectivamente, con una formación y pasiones similares, y experiencias terribles parecidas bajo gobiernos que desprecian los derechos humanos, incluso se conocieron en su juventud en Moscú; ¿no sería bastante extraño que no se casaran?

El hecho de que esta historia aún no se haya convertido en un cuento de hadas de Disney se debe probablemente a la edad de los protagonistas.

Esta no es la historia de una princesa rubia y soñadora que conoce a su héroe aparentemente despreocupado, sino la de dos artistas contemporáneos consagrados que, por muchas razones válidas, deciden vivir y trabajar juntos. Incluso sin Disney, su historia se desarrolla como un cuento de hadas, y con su fuerza combinada, están destinados a alcanzar la fama mundial en poco tiempo.

Mundo libre, mente libre, buen trabajo

Ilja Kabakov permaneció en Nueva York y comenzó a trabajar con Emilia Lekach en 1989. La pareja de artistas desarrolló un estilo de trabajo colaborativo en el que cada uno de ellos dio, y sigue dando, lo mejor de sí mismo, en distintos grados según el proyecto.

En 1992, Ilja Kabakov y Emilia Lekach se convirtieron en pareja de artistas y, con este paso, pasaron a formar parte de una sociedad artística en la que la mujer o el hombre son cada uno “una mitad del artista” (si alguien cree que puede expresar esta constelación con el lenguaje de género correcto: ¡Por favor, con mucho gusto!).

Esta colaboración laboral, tan a menudo ensalzada como algo muy especial, no tiene mucho de espectacular si se examina más de cerca: dos personas trabajan juntas (en igualdad de condiciones, por supuesto) y se preocupan por aprovechar al máximo los talentos del otro y por compensar sus debilidades lo mejor posible.

Un modelo básico sensato para cualquier proyecto que las personas emprendan juntas y que debería funcionar a largo plazo sin reprimir a los socios.