Come diventare un artista? Consigli di artisti autodidatti di successo e creativi professionisti

Il cliché dell' "artista fallito" è fin troppo diffuso. Eppure, sono sempre più numerosi gli artisti che hanno costruito carriere di successo e prosperità nel mondo dell'arte, anche da autodidatti, completamente privi di formazione accademica o di percorsi artistici convenzionali.

Oggi, nel panorama artistico, sono numerosi gli artisti autodidatti affermati . Il fatto che siano autodidatti non rappresenta più un problema, poiché la loro arte, la loro conoscenza, la loro comprensione e il loro contributo all'arte sono molto più significativi di un pezzo di carta di una scuola d'arte o del nome di un insegnante.

Supponiamo che questo sia il nostro obiettivo. Ma come ci arriviamo? Soprattutto, richiede forte motivazione, disciplina, perseveranza e dedizione. La strada può essere accidentata, ma con passione e l'instancabile ricerca di guadagnarsi da vivere con la propria passione, è possibile avere successo come artisti autodidatti nel mondo dell'arte.

Non lasciare che i dubbi ti frenino e credi in te stesso: con un pizzico di talento, hai il potenziale per raggiungere grandi traguardi. Il successo, anche nel mondo dell'arte, è per l'1% ispirazione e per il 99% sudore.

Come posso diventare un artista? Impara con noi da artisti esperti e da artisti autodidatti di successo!

Questo articolo ti mostra in pochi passaggi come puoi migliorare le tue possibilità di successo come artista autodidatta . Parleremo di come apprendere autonomamente i contenuti di una scuola d'arte e da dove iniziare. Parleremo anche di come sviluppare la tua pratica artistica, come procedere come artista autodidatta e come avere successo nel mondo dell'arte. Ci basiamo sulle esperienze, le intuizioni e i consigli di artisti di successo.

"mondo dell'arte elitario" esiste spesso un certo stigma nei confronti dell'essere un artista autodidatta, che comporta diverse sfide per coloro che non hanno l'opportunità di frequentare una scuola d'arte.

A seconda della situazione socioeconomica o del sistema educativo del Paese, l'educazione artistica

Oggi, informazioni importanti per gli artisti autodidatti sono più accessibili che mai, a patto di sapere dove cercare. Diventare un artista professionista non è facile, figuriamoci un artista autodidatta professionista. Nonostante tutti gli ostacoli e le sfide lungo il percorso per diventare un artista, tuttavia, questo non dovrebbe scoraggiare un artista autodidatta dal farsi strada nel mondo dell'arte.

Quali sono i requisiti di base per diventare un artista?

Hai una creatività innata che ti dà nuove idee ogni giorno? Ti piace dipingere, disegnare e progettare? Hai un senso del colore, delle forme e dell'estetica, oltre a una vita emotiva vivace? Alcuni dicono che sei un po' eccentrico?

Se anche tu non hai bisogno di stabilità e prevedibilità, la vita da artista potrebbe fare al caso tuo. Come artista, puoi dipingere, creare, costruire, carteggiare, fotografare e filmare, creando le tue opere d'arte interamente secondo le tue idee.

Se le tue opere piacciono agli altri per la loro espressività, emotività, estetica o raffinatezza, puoi esporle in gallerie o venderle privatamente.

Incredibile varietà di campi di attività

Nel campo artistico esiste una grande diversità e abbondanza di campi di attività e forme, il che rende questa carriera particolarmente attraente per le persone creative.

Le prime cose che vengono in mente sono probabilmente le arti visive, come pittura, scultura, disegno e illustrazione. Oppure le arti performative, come teatro, opera, musica e recitazione. Al di là di questi campi tradizionali, tuttavia, è emersa un'incredibile gamma di opportunità. Che tu sia un tatuatore, un artista di strada, un game designer, un comico, un artista circense, un arteterapeuta, un clown, un mago, un ballerino di burlesque, un artista marziale, un intrattenitore, uno YouTuber, un truccatore o un ristoratore, le opportunità di guadagnare come professionista creativo sono praticamente infinite.

Su watchado anche approfondimenti interessanti su 34 di queste attività artistiche sotto forma di video-storie .

Anche al di fuori del mondo dell'arte e oltre al lavoro freelance, è possibile trovare impiego come creativi presso numerose aziende e istituzioni. I professionisti creativi sono ricercati e assunti nei seguenti settori:

• Istituzioni educative (scuole, università , istituti di istruzione superiore)
• Assistenza sanitaria (cliniche, centri terapeutici, ecc.)
• Istituzioni sociali (centri giovanili/di supporto, ecc.)
• Costruttori di mostre e società di eventi
• studi di architettura
• Aziende di media e pubblicità
• Teatri dell'opera, teatri, gallerie e altre istituzioni culturali
• Dipartimenti di comunicazione e marketing aziendale
• sviluppatori di giochi
• Editori e redazioni
• Web e grafica
• Intelligenza artificiale, mondi virtuali, big data, arte digitale

Il profilo di attività degli artisti

Il portale australiano per l'impiego Seek un'interessante infografica sul profilo professionale e sul ruolo di un artista . Utilizza 10 parametri per illustrare chiaramente i requisiti e i vantaggi del lavoro creativo. Le valutazioni si basano sui punteggi medi di 30 artisti intervistati.

Poiché è improbabile che il campo di attività di un artista in Germania differisca in modo significativo da quello australiano, questi risultati possono essere ampiamente applicati al nostro Paese. Le categorie "soddisfazione lavorativa" e "diversità" hanno ottenuto punteggi particolarmente elevati con 4,2 stelle, mentre "varietà lavorativa" ha ottenuto 4,3 stelle. Al livello più basso si trovano "sicurezza del lavoro", "potenziale di guadagno" e "opportunità di carriera".

Abilità importanti come artista

Come artista, la tua abilità più importante è, ovviamente, la creatività . Devi creare opere che nessuno ha mai immaginato o realizzato prima, e riesci a ispirare le persone con il tuo lavoro.

Naturalmente, è anche necessario comprendere e padroneggiare la propria arte, che si tratti di pittura, fotografia, scultura o progettazione visiva di videogiochi. Non è necessario essere necessariamente dei venditori, ma è sicuramente utile saper promuovere se stessi e il proprio lavoro .

Una conoscenza di base del marketing e una certa conoscenza dei social media sono oggigiorno fondamentali per presentare il proprio lavoro al pubblico più vasto possibile e ai potenziali acquirenti. Sarà anche utile non essere troppo timidi: i contatti possono fare la differenza nel mondo dell'arte. Idealmente, non dovresti aver paura di costruire una rete di contatti .

la conoscenza delle lingue straniere è molto utile nella tua professione, in particolare l'inglese, poiché ti consentirà di comunicare con la comunità artistica internazionale e di partecipare più facilmente a mostre e altre opportunità all'estero.

Infine, ma non meno importante, come artista, hai bisogno di una buona dose di coraggio e di propensione al rischio . Le prospettive di vivere della tua arte sono inizialmente scarse e potresti avere difficoltà a trovare stabilità nei primi anni (anche se ci sono sempre delle piacevoli sorprese). Se non riesci ad accettare questo, dovresti riconsiderare la tua scelta di carriera.

Formazione presso un'accademia d'arte vs. artista autodidatta

Nelle scuole d'arte, l'attenzione è rivolta principalmente allo sviluppo artistico personale, che si tratti di apprendere una competenza specifica o di sviluppare un proprio stile. Tuttavia, è stato riscontrato che la maggior parte degli istituti di formazione non prepara adeguatamente i propri studenti a una carriera nel mondo dell'arte.

Quindi, prima di fare il primo passo, dobbiamo scoprire artista .

Il successo come artista può avere significati diversi per ognuno. L'obiettivo finale è probabilmente diventare un artista riconosciuto nel panorama artistico di alto livello. Alcuni vogliono semplicemente guadagnarsi da vivere come artisti. Sappiamo per esperienza che il successo artistico spesso porta al successo commerciale.

Quando si tratta di riconoscimento artistico , non ci sono limiti. È possibile essere rappresentati da importanti gallerie, vendere opere per cifre elevate o persino essere menzionati come artisti rinomati in musei e pubblicazioni.

A seconda di quanto tempo si investe, di come si sfrutta il talento naturale e dell'influenza di fattori esterni come fortuna e caso, può essere necessario un periodo di tempo variabile per iniziare a lavorare come artista autodidatta. Secondo una valutazione realistica di CAI (Contemporary Art Issue) , una piattaforma ibrida per artisti e una galleria d'arte contemporanea in Belgio, il successo iniziale come artista autodidatta arrivare in appena due anni.

È un tempo inferiore a quello richiesto dalla maggior parte dei programmi delle scuole d'arte. Non aspettatevi di affermarvi subito, però, ma è possibile ottenere un serio riconoscimento come artista e avere un futuro promettente entro due anni.

Con questo articolo, vogliamo fornirti un punto di partenza e una guida rudimentale che ti riveli le cose fondamentali che dovresti sapere ma che non ti vengono dette; e ti mostri dove trovare le informazioni necessarie che ti aiuteranno a raggiungere il successo artistico. In definitiva, però, il successo è nelle tue mani.

Dai il 110%, sii paziente e appassionato e credi in te stesso! Allora avrai i migliori prerequisiti.

Preziosi consigli da creativi di successo: passo dopo passo verso il successo come artista

Fino a questo punto hai potuto farti un'idea completa di come potrebbe essere la tua vita lavorativa quotidiana come artista e di cosa dovresti portare con te per avere successo in questo campo.

Diamo ora un'occhiata passo dopo passo al percorso per diventare un artista di successo! Cosa serve per affermarsi nel mondo dell'arte? Dove si nascondono le insidie ​​e quali leve assicurano il massimo impatto sul successo? Cosa bisogna tenere a mente? E quali consigli sono più preziosi?

Ora risponderemo a queste domande insieme ad artisti che ce l'hanno fatta e sono lieti di condividere le loro formule per il successo.

Twist: tre artisti raccontano come l'hanno realizzato

Lavorare come artista sembra il lavoro dei sogni per molti. Ma richiede solo talento o anche capacità di autopromozione?

Nel programma culturale "Twist" su arte , ci confrontiamo con diverse personalità che gettano luce su questo tema. Incontriamo innanzitutto l'astro nascente del mondo delle gallerie, Leon Löwentraut . Pur non avendo una laurea in arte, ha un successo internazionale come pittore. Sebbene le pagine d'arte lo ignorino e alcuni ne rilascino persino commenti denigratori, è riuscito a conquistare molti fan con performance spettacolari e una forte presenza sui social media. I suoi dipinti ora raggiungono prezzi elevati.

Quindi, è possibile diventare artisti in qualsiasi momento e ovunque grazie ai social media? La scultrice francese Latifa Echakhch , vincitrice del Premio Marcel Duchamp e autrice del Padiglione svizzero a Venezia, ci mostra un approccio diverso all'arte come mezzo per comprendere il mondo.

la professoressa d'arte americana Rajkamal Kahlon affronta temi seri come il colonialismo e il razzismo, reinterpretando le raffigurazioni dei popoli indigeni del XIX secolo, restituendo loro così la dignità.

Annika Le Large di Lipsia, invece, si guadagna da vivere illustrando libri per bambini, dimostrando che si può avere successo come artisti anche senza una laurea in una scuola d'arte.

Queste storie diverse dimostrano chiaramente che il percorso verso il successo come artista può essere molto individuale e che il successo ha molte sfaccettature.

01 Motivazione e passione: iniziare come artista

Ogni dipinto che un artista crea porta con sé una scintilla della sua anima. È un legame tra l'artista e la tela, reso vivo dalla serietà e dalla dedizione. Artisti come Gerhard Richter e Vincent van Gogh hanno commosso e ispirato il mondo con le loro opere.

Anche David Hockney e Marc Chagall con le loro tele uniche . Come artista, è importante esplorare continuamente nuovi temi e svilupparsi creativamente.

L'elaborazione delle immagini non dovrebbe mai stagnare, ma essere sempre nuova e innovativa. Paul Klee e Karl Ernst Osthaus furono pionieri nei loro campi e dimostrarono che la loro passione per l'arte non conosceva limiti.

Il miglior prerequisito per essere un artista è proprio questa passione e questa insaziabile curiosità, che agiscono come una forza motrice instancabile di motivazione e ispirazione.

02 Scopri, sperimenta e vivi

Prima di poter lasciare il segno come artisti, dobbiamo definire chiaramente ciò che vogliamo, raccomanda Julien Delagrange , storico dell'arte, artista contemporaneo e direttore del CAI e della Galleria CAI . In precedenza, Delagrange ha lavorato per il Centre for Fine Arts (BOZAR) di Bruxelles, la Fondazione Jan Vercruysse e la Biblioteca Universitaria di Gand. La sua pratica artistica e la sua critica d'arte scritta sono strettamente intrecciate, esplorando l'arte contemporanea alla ricerca di nuove prospettive nel mondo dell'arte.

Quindi, all'inizio della nostra carriera, poniamoci le seguenti domande:

• Che tipo di artista vuoi essere?
• Quale disciplina ti piace di più?
• Quale stile o tecnica ti piace particolarmente?

Prima di impegnarci in un particolare medium, stile, tecnica o visione, abbiamo bisogno della libertà e dell'opportunità di esplorare, sperimentare e vivere l'arte. È importante esplorare , sperimentare e vivere l'arte durante tutta la nostra vita e la nostra carriera artistica per trovare ispirazione

Questo può accadere in modo più radicale e intenso nelle prime fasi della carriera di un artista. Più avanti nella carriera, diventa più difficile apportare cambiamenti radicali. Ciononostante, il nostro lavoro deve continuamente cambiare ed evolversi per rimanere interessante e rilevante. Perché, come nella vita, l'unica costante nell'arte è il cambiamento.

In seguito, potremo introdurre una nuova disciplina o cambiare visivamente il nostro stile, ma in questa fase abbiamo completa libertà, senza doverci preoccupare delle possibili conseguenze. Possiamo provare tutto ciò che ci piace: sperimentare, esplorare e sperimentare.

Delagrange sottolinea in particolare la terza “E”: Esperienza .

L'arte deve essere vissuta sia come spettatore che come artista."

Queste esperienze ci ispireranno e ciò che ci ispira ci incoraggerà a sperimentare e ad assorbire influenze diverse, creando infine una nuova sintesi della nostra identità artistica.

Questi esperimenti presenteranno sfide tecniche per gli artisti autodidatti. È il momento di valutare la possibilità di supportare questi esperimenti con tutorial online e magari qualche corso (vedi Skillshare , Udemy o Domestika). Grazie al World Wide Web, le competenze possono essere acquisite online comodamente da casa. YouTube è probabilmente il posto migliore per trovare tutorial adatti.

Delagrange consiglia quindi di fare ricerche approfondite e di scegliere un canale gestito da un artista che ti piace, quindi di iniziare a guardare i suoi video e di imparare e sperimentare strada facendo.

Oggigiorno, esistono innumerevoli tutorial online di pittura e disegno . Per forme d'arte meno comuni, come la scultura o l'installazione, vale la pena cercare corsi specifici, ad esempio su piattaforme come Skillshare .

Non ci sono più regole fisse che governano il processo di creazione artistica, il che consente agli artisti autodidatti di sviluppare il proprio stile. È importante sperimentare e provare nuove tecniche per realizzare una visione e un'identità personali nell'opera d'arte.

03 Studia l'arte (storia)

Anche questo passaggio è cruciale per il tuo sviluppo come artista e per la tua credibilità come autodidatta . Una domanda comune degli artisti autodidatti è se hanno una conoscenza sufficiente dell'arte e della storia dell'arte. Tuttavia, non c'è motivo per cui non si possa diventare un esperto d'arte anche senza una laurea magistrale in arte o storia dell'arte.

della storia dell'arte è fondamentale per acquisire una profonda comprensione dell'arte moderna e del suo significato. Sarebbe ingenuo credere di poter avere successo nel mondo dell'arte senza la conoscenza dell'arte stessa. La vostra conoscenza e la vostra intelligenza saranno messe a dura prova nel tentativo di affermarvi nel panorama artistico.

Quindi, come e dove possiamo approfondire la nostra formazione? Delagrange raccomanda innanzitutto di familiarizzare con la storia dell'arte e di leggere testi accademici, come quelli utilizzati nelle università. Questo passaggio può essere considerato una sorta di educazione formale , durante la quale è consigliabile prendere appunti.

Non per gli esami, ma per creare un riassunto personale della storia dell'arte e per prendere appunti utili per la propria pratica artistica.

Iniziamo con un'introduzione completa alla storia dell'arte e prendiamo in considerazione i seguenti libri che potrebbero essere ideali per la tua formazione continua:

“La storia dell’arte” di E.H. Gombrich

La "Storia dell'arte" di Ernst H. Gombrich è da 50 anni un capolavoro insuperato e uno dei libri d'arte più noti e popolari. L'autore colpisce per la sua capacità di presentare contesti storico-culturali e problematiche artistiche in modo chiaro e accattivante.

Grazie alla sua comprensione della psicologia delle arti visive, riesce a presentare la storia dell'arte come una continua trasformazione delle intenzioni artistiche. Ogni opera d'arte è vista come inserita in un contesto storico, indipendentemente dal fatto che contrasti o imiti ciò che l'ha preceduta.

Gombrich dimostra che l'arte odierna è ancora legata alle epoche passate. In una nuova forma, questo capolavoro continuerà a introdurre le giovani generazioni al mondo dell'arte e a ispirare gli amanti dell'arte.

“Arte: la storia visiva” di Andrew Graham-Dixon

Questa opera di consultazione visiva presenta le 2.500 opere d'arte più significative di 30.000 anni di storia dell'arte in tutte le culture. Con oltre 3.000 splendide illustrazioni, 700 profili di artisti e informazioni su epoche e movimenti, è uno strumento straordinario per la comprensione e l'apprezzamento dell'arte.

Oltre a una presentazione dettagliata delle opere chiave, il libro affronta temi come l'amore, il paesaggio, il ritratto e il nudo. Dalle pitture rupestri alla moderna media art, tutte le epoche e le culture sono illustrate. Questo libro illustrato di alta qualità offre approfondimenti sullo sviluppo dell'arte dalla preistoria ai giorni nostri, oltre a una panoramica di importanti movimenti e artisti.

Si tratta di un'opera di riferimento consigliata a tutti gli amanti dell'arte, convincente e istruttiva.

“Arte moderna. Dall’impressionismo ai giorni nostri” di Hans Werner Holzwarth

L'arte moderna ebbe inizio circa 150 anni fa a Parigi con gli Impressionisti , che si allontanarono dall'arte accademica classica e rivoluzionarono l'arte. Scelsero temi quotidiani e organizzarono le proprie mostre per sfidare l'establishment artistico.

Ciò ha portato a una varietà di stili modernisti come il Simbolismo, l'Espressionismo, il Futurismo, il Dadaismo, il Surrealismo e altri ancora. Questo volume ripercorre lo sviluppo dell'arte moderna attraverso opere rivoluzionarie che hanno infranto le convenzioni esistenti e aperto nuove strade.

I saggi introduttivi spiegano i movimenti più importanti del modernismo e mettono in luce artisti importanti e le loro opere.

"Indagini d'immagine. 100 capolavori in dettaglio" di Rainer e Rose-Marie Hagen

Questo libro di Rose-Marie e Rainer Hagen offre anche uno sguardo illuminante sul mondo della storia dell'arte. Svela le storie nascoste dietro alcuni dei dipinti più famosi, concentrandosi su dettagli sottili che rivelano molto del passato. Gli autori attirano la nostra attenzione su aspetti apparentemente insignificanti, gettando così nuova luce anche sulle immagini più famose.

Mentre leggiamo, ci immergiamo in epoche e culture diverse, incontriamo eroi greci e poeti tedeschi, esploriamo cattedrali e cabaret e viaggiamo dall'antichità all'Europa moderna. Analizziamo ogni immagine come un puzzle, la ricomponiamo e scopriamo segreti su persone, politica, moda e opinioni di tempi passati.

Il libro offre spunti affascinanti sul mondo delle opere d'arte e ci aiuta a comprenderle meglio.

Queste magnifiche opere di indagine presentano il canone della storia dell'arte."

Consultate le note di ogni movimento artistico o capitolo per scoprire ulteriore letteratura specialistica su un'epoca o un artista in particolare. Tuttavia, le opere menzionate sono già piuttosto esaustive e forniscono informazioni sufficienti per ora.

Ci concentreremo poi sull'arte contemporanea , dall'arte moderna ai giorni nostri. Le opere di riferimento consigliate sono "Art Since 1900" (edizione inglese), il già citato "Modern Art: From Impressionism to the Present" e "A History of Modern Art" di H.H. Arnason ed Elizabeth C. Mansfield (solo edizione inglese).

Questi tre libri sono senza dubbio le opere di riferimento più importanti sulla storia dell'arte moderna, e si consiglia addirittura di leggerli tutti e tre, se possibile. Sebbene un solo libro possa bastare per la storia dell'arte, qui la regola è: più libri ci sono, meglio è.

Acquisire conoscenze artistiche specifiche

Ora che abbiamo stabilito una solida struttura per il canone artistico, è tempo di approfondire e concentrarci specifici movimenti artistici, artisti e discipline

La selezione delle pubblicazioni dovrebbe basarsi sui vostri interessi e sulla vostra pratica, ma ci sono alcuni punti importanti che vorrei condividere con voi. Diffidate delle informazioni inesatte contenute nei libri autopubblicati. Al giorno d'oggi, chiunque può scrivere e pubblicare un libro. Anche i piccoli editori spesso producono libri d'arte discutibili.

Pertanto, consiglio libri di editori d'arte di buona reputazione come Taschen , Phaidon , Thames & Hudson , Skira , Prestel Publishing , Tate Publishing , Lund Humphries o altre istituzioni artistiche rispettate che fungono da editori, come musei o università.

Questi editori sono sinonimo di ricerca artistica di alta qualità, informazioni affidabili e autori e curatori rinomati. Phaidon, ad esempio, offre pubblicazioni eccellenti su praticamente ogni medium, dalla pittura alla scultura contemporanea. La collana "Essential Art" di Taschen è un'altra eccellente raccolta di libri su specifici movimenti artistici e artisti.

Anche le pubblicazioni monografiche pubblicate dai musei sempre una fonte di informazione di prim'ordine. Questi esempi rappresentano un'approfondita ricerca e un'autoformazione nel campo dell'arte affermata. Ma che dire dell'arte meno affermata?

Diversi editori offrono ormai eccellenti pubblicazioni su questo argomento. Basti pensare alle serie di Phaidon dedicate alle nuove prospettive nell'arte, tra cui Vitamin P (Pittura), Vitamin D (Arte Grezza) o Vitamin Photography. Vale la pena menzionare anche le pubblicazioni delle gallerie sugli artisti che rappresentano e con cui ci si può identificare.

Questo ci porta ad altre fonti per approfondire e rimanere aggiornati sull'arte contemporanea: si pensi a piattaforme artistiche autorevoli, riviste d'arte, istituzioni curatoriali e musei d'arte contemporanea. Informazioni ancora più specifiche si possono trovare nella letteratura accademica sull'arte contemporanea.

La collana "Documents on Contemporary Art" di Whitechapel è un ottimo esempio di editore che raccoglie gli scritti accademici più critici su un argomento specifico dell'arte contemporanea. Sono presenti anche scritti accademici con riferimenti indiretti all'arte, come quelli di Foucault e Lacan.

Non lasciatevi intimidire dalla ricchezza di conoscenze e informazioni sull'arte a livello mondiale. Non è necessario essere esperti o studiosi per avere successo. Esistono diversi livelli di conoscenza, con la storia dell'arte generale e la storia dell'arte recente come base.

Successivamente, puoi approfondire la letteratura più specifica in base ai tuoi interessi. Esistono molti modi per conoscere l'arte contemporanea, ad esempio attraverso canali informativi su YouTube . Tuttavia, è importante notare che non tutte le informazioni sono uguali.

Alcuni canali, come Art Assignment e Great Art Explained, offrono contenuti approfonditi e concreti, mentre altri sono meno affidabili. Puoi anche seguire istituzioni, gallerie e piattaforme rinomate sui social media o iscriverti alle loro newsletter per rimanere aggiornato.

Organizzazioni come Artforum , Cura , il Museum of Modern Art e influencer del mondo dell'arte come Mary Lynn Buchanan sono ottimi punti di partenza. È importante rimanere curiosi, coltivare i propri interessi e impegnarsi costantemente nell'arte e nella storia dell'arte.

04 Scopri in prima persona il mondo dell'arte e le sue regole non scritte

A prima vista, questo passaggio potrebbe sembrare meno importante dei precedenti. Tuttavia, non è così. La terza "E" che abbiamo sottolineato nel capitolo precedente, l'esperienza , qui assume un ruolo centrale.

Perché il modo migliore per conoscere il mondo dell'arte è viverlo in prima persona."

Potresti pensare di essere già esperto del mondo dell'arte. Forse hai visitato qualche museo e seguito qualche galleria e artista sui social media. Ma questo non è abbastanza esaustivo. L'arte e il mondo dell'arte sono pieni di dettagli sottili che alla fine fanno la differenza.

Che si tratti di creare un'opera d'arte, completarla e presentarla in una galleria, o di qualsiasi cosa relativa alle mostre d'arte (come la creazione di una serie di opere o il modo in cui le opere interagiscono tra loro in una mostra, il titolo della mostra, la descrizione delle opere e i loro metadati, come parlarne, l'installazione, le ispirazioni per la progettazione e la presentazione, ecc.), è necessario avere il polso della situazione nel mondo dell'arte.

• Cosa c'è di nuovo nelle gallerie oggi?
• Che aspetto hanno le opere e che sensazione danno?

Per comprendere i dettagli artistici che fanno la differenza, è consigliabile visitare non solo i musei, ma anche le gallerie d'arte. Mentre i musei espongono principalmente opere d'arte affermate, le gallerie espongono opere di artisti emergenti e nuove opere di artisti affermati.

Anche le gallerie d'arte sono fondamentali per una carriera nel mondo dell'arte . È quindi importante essere esigenti nella scelta delle gallerie e informarsi in anticipo per assicurarsi di finire in una galleria di tutto rispetto.

Le caratteristiche qualitative delle gallerie di prima classe includono una serie di mostre attentamente curate, una presentazione professionale ed elegante, un comunicato stampa per ogni mostra, molti anni di esperienza nella gestione di gallerie, la partecipazione a fiere d'arte e la presenza su piattaforme rinomate come Artsy o un sito web professionale della galleria.

Alcune delle gallerie più prestigiose al mondo che riescono a raggiungere questo obiettivo alla perfezione appartengono alla categoria delle mega-gallerie. Offrono una visione unica delle regole e delle consuetudini nascoste dell'arte e delle gallerie d'arte di alto livello.

Tra i principali esempi di mega gallerie troviamo:

• Gagosian
• Hauser & Wirth
• Galleria Pace
• Davide Zwirner
• Cubo bianco
• Galleria Lisson
• Taddeo Ropac
• Perrotin
• Lehman Maupin
• Victoria Mirò
• Marian Goodman
• e molti altri ancora…

Una buona strategia è concentrarsi sulle gallerie emergenti piuttosto che rivolgersi subito a quelle affermate. La Guida all'arte di Artforum può essere una risorsa utile. Scegli una città d'arte vicino a te, esplorala e inizia a visitare le gallerie.

Questo ti ispirerà a scoprire opere di artisti emergenti che si stanno affermando. Osserva attentamente come questi artisti si distinguono dalla massa e come presentano le loro opere all'interno di una mostra o anche in diverse esposizioni. Questo può aiutarti a trovare nuova ispirazione e a sviluppare ulteriormente il tuo lavoro creativo.

Sebbene sia possibile contattare i direttori di galleria, lo sconsiglio vivamente, almeno per il momento, di non rivelare la propria identità di artista. Probabilmente tu e le tue opere non siete ancora pronti per l'occhio critico di un direttore di galleria, anche se pensi di esserlo, e queste opportunità sono rare.

È consigliabile esprimere innanzitutto il proprio interesse per la galleria. Una volta che il direttore della galleria avrà avviato la conversazione, potrebbe esserci l'opportunità di discutere delle loro attività artistiche. Mostre d'arte, conferenze specialistiche, festival d'arte ed eventi come la Biennale di Venezia o Art Basel offrono eccellenti opportunità per approfondire la scena artistica e il campo dell'arte contemporanea.

Anche se partecipare a tali eventi comporta un investimento di tempo e di viaggio, può avere un impatto significativo sul tuo sviluppo personale, sulla tua comprensione e sulle tue future opportunità di carriera e pertanto non dovrebbe essere sottovalutato.

05 Trovare l'ispirazione creativa: consigli e trucchi per il processo artistico

Quando il fuoco creativo arde e la tela è davanti a te, il desiderio di ispirazione . Come puoi dare vita alle tue idee e far risplendere la tua arte? Artisti come Gerhard Richter e Vincent van Gogh hanno trovato la loro voce unica nell'esplorare temi e stili diversi.

Sperimenta con coraggio nuove tecniche e materiali per ampliare la tua visione artistica. Approfitta della diversità del mondo dell'arte per trarre ispirazione da altri artisti. Che si tratti di opere astratte o ritratti realistici, lasciati ispirare da stili diversi per trovare la tua espressione personale.

Modificando le immagini in modo personale, puoi scoprire nuovi modi e liberare la tua creatività.

Conosci questa situazione?

Finalmente trovi il tempo di andare alla tua postazione di lavoro, e poi ti assale questa terribile sensazione: circondato da una moltitudine di materiali, ti senti demotivato a creare qualsiasi cosa. Trovare l'ispirazione sembra più difficile che attraversare l'Atlantico in barca a remi.

Potresti sentirti completamente solo, ma ognuno di noi ha vissuto questa esperienza prima: una volta, più volte, moltissime volte.

Non esiste persona creativa che possa lavorare senza ispirazione. Per alcuni, trovare l'ispirazione è facile e naturale, mentre per altri può essere una sfida.

Nessuna persona creativa è immune ai blocchi creativi; questi si presentano costantemente in ogni pratica creativa."

È importante sapersi motivare e a volte bastano poche idee e suggerimenti per rimettersi sulla strada giusta.

Il seguente breve elenco di libri fornisce un approccio utile quando la musa tarda ad apparire:

Consigli di lettura per il flusso creativo

"Creativo. L'arte dell'essere" di Rick Rubin

Il bestseller "Creative. The Art of Being" svela il segreto del produttore musicale di successo che ha creato grandi nomi come Johnny Cash, Adele, Run-DMC, Jay-Z e U2. Il libro illustra il lavoro della sua vita in modo chiaro e stimolante, tracciando il percorso dell'artista affinché tutti noi possiamo seguirlo.

Nel corso degli anni, Rubin ha capito che gli artisti non si concentrano solo sulla loro produzione, ma piuttosto sul loro rapporto con il mondo. La creatività è importante per tutti e può essere sviluppata da chiunque. Ognuno possiede naturalmente poteri creativi: sta a noi liberarli. "Creative. The Art of Being" (2023) è un messaggio appassionato sulla gioia della creazione artistica e sulla sperimentazione giocosa. Incoraggia la sperimentazione, a commettere errori e a ricominciare, semplicemente per il gusto di essere creativi.

Questo libro è rivolto agli amanti della musica e ai musicisti in cerca di ispirazione, alle persone creative con il blocco dello scrittore che vogliono superare le proprie paure e a coloro che cercano un significato e vogliono percepire consapevolmente le meraviglie del mondo.

“FLUSSO e Creatività” di Mihaly Csikszentmihalyi

Nel suo libro "FLOW and Creativity", Mihaly Csikszentmihalyi esplora il processo che ci conduce a nuove idee e intuizioni rivoluzionarie, liberando il nostro pieno potenziale artistico. In questo libro, Mihaly Csikszentmihalyi risponde alle domande su dove e come nasce la creatività e su come ogni individuo possa scoprire e coltivare la propria fonte di ispirazione personale.

Sulla base di ampie interviste con rinomate personalità creative, mostra come possiamo promuovere in modo mirato la nostra creatività, migliorando così non solo il nostro lavoro artistico, ma anche arricchendo la nostra intera vita.

Questo libro è rivolto agli artisti e a tutte le menti creative in cerca di ispirazione. Con solide intuizioni e consigli pratici, "Creatività" una guida preziosa per chiunque desideri sviluppare e liberare il proprio potenziale creativo.

“La via dell’artista” di Julia Cameron

Questo libro, dal forte contenuto spirituale, ci ispira a scoprire il potenziale artistico nascosto in ognuno di noi. Mostra come possiamo risvegliare il nostro lato creativo per creare grandi cose. Spesso, dubbi, esperienze negative o le opinioni altrui ci impediscono di liberare la nostra energia creativa.

Questo libro offre una guida su come riconnetterci con il nostro artista interiore e risvegliare le nostre capacità creative. Con preziosi esercizi e suggerimenti, possiamo rafforzare la nostra presenza artistica e intraprendere il percorso verso una vita artistica appagante.

Il libro è particolarmente adatto a chiunque dubiti delle proprie capacità creative e cerchi ispirazione per raggiungere il proprio pieno potenziale.

Non arrenderti!: 10 modi per essere più creativi nei giorni buoni e in quelli cattivi di Austin Kleon

"Don't Give Up" è un libro stimolante per le persone creative che coltivano regolarmente la propria creatività. Offre numerosi consigli e metodi utili per rimanere motivati ​​anche nei periodi di mancanza di ispirazione. L'autore bestseller del New York Times, Austin Kleon, condivide dieci strategie per rimanere creativi e fedeli a se stessi.

I suggerimenti sono rivolti principalmente ai creativi professionisti e agli artisti amatoriali, ma possono essere utili anche a chiunque voglia esprimere di tanto in tanto il proprio lato creativo.

06 Sviluppa il tuo corpus di lavoro: crea un'opera coerente

Arriviamo ora al sesto passo; ci troviamo a un punto di svolta cruciale nel percorso dell'artista, in cui l'opera matura e nasce un'opera d'arte totale, un'unità caratterizzata da una visione chiara, da una riconoscibilità visiva e da uno sviluppo continuo e affascinante.

Dopo un periodo di sperimentazione, costruendo solide basi su cui sviluppare la nostra visione artistica e la nostra identità, e traendo ispirazione dall'arte contemporanea, arriviamo gradualmente al punto in cui tutto si unisce.

Hai trovato un mezzo con cui ti senti a tuo agio, obiettivi chiari e una visione che vuoi realizzare con il tuo lavoro.

Ora è il momento di perfezionare e professionalizzare la tua produzione artistica e creare opere che considererai per sempre parte della tua opera. La coerenza è fondamentale nell'arte. Un esercizio cruciale per ottenere un corpus di opere coerente e uno sviluppo costante e significativo è redigere una dichiarazione d'arte .

In questa dichiarazione, esplorerai la tua visione, i tuoi obiettivi, la tua filosofia, la tua metodologia e la tua tecnica. Tutti gli elementi dei passaggi precedenti creano una sintesi profondamente personale di chi sei come artista, di ciò che definisce la tua arte e di cosa si occupa. Questa dichiarazione d'artista, o visione, guiderà il tuo sviluppo e garantirà continuità anche mentre continui a sperimentare, evolvere e migliorare.

La dichiarazione d'artista non serve solo per esporre le tue opere nelle gallerie o pubblicarle sul tuo sito web. Piuttosto, è uno strumento personale e una guida per uno sviluppo personale continuo e coerente . Ora che hai definito chiaramente i tuoi tratti artistici, è il momento di agire.

Scopri come puoi sviluppare ulteriormente la tua visione nella pratica artistica per distinguerti e aumentare il tuo riconoscimento. La vita di un artista è senza dubbio una delle professioni più affascinanti. Il mondo dell'arte è saturo di migliaia di artisti, più di quanti gallerie, collezionisti e curatori ne ricevano.

Pertanto, è fondamentale distinguersi dalla massa, che si sia autodidatti o con un dottorato di ricerca in ambito artistico. Siate coerenti, personali e riconoscibili. Distinguetevi e rimanete fedeli alla vostra visione. L'importanza di questa coerenza può a volte rappresentare un problema.

Gallerie e collezionisti non apprezzano i cambiamenti radicali nel processo creativo di un artista, poiché potrebbero dare l'impressione che l'artista stia improvvisamente creando qualcosa di completamente nuovo dopo aver investito tempo o denaro. Tuttavia, questo non significa che si debba ripetere costantemente se stessi.

Al contrario, se non ti evolvi, il tuo lavoro ristagnerà e diventerà noioso, e rischierai di essere etichettato come un artista da edizioni limitate. Questo ci porta a una delle sottigliezze del mondo dell'arte, già discussa nel passaggio precedente: il gioco di equilibrio tra permanenza e cambiamento, o meglio, evoluzione.

Il fatto è che, finché si rimane fedeli alla propria visione originale (o si seguono visioni e priorità in continuo cambiamento), la varietà è sempre vantaggiosa.

Delagrange lo illustra con i seguenti esempi:

Coerenza usando l'esempio di Luc Tuymans

Luc Tuymans è uno dei pittori più importanti e costanti della sua generazione. Alterna dipinti raffiguranti scene dell'Olocausto, un murale di Topolino, nature morte e la rappresentazione di numeri. La sua visione, tuttavia, rimane coerente in tutte le sue opere.

Esplora la teoria dell'immagine nel contesto della pittura, affrontando temi come i simulacri, il sovraccarico di immagini, la storia e le complessità morali. Ciò che collega visivamente questi diversi temi sono le sue caratteristiche pennellate tremolanti e la sua delicata tavolozza di colori. Questi elementi garantiscono coerenza e riconoscibilità, consentendo all'artista belga di dedicarsi a qualsiasi tema o motivo.

Tracey Emin – Autobiografia e controversie come filo conduttore

Molti artisti dimostrano una versatilità impressionante pur mantenendo coerenza nel loro lavoro. Un esempio lampante è Tracey Emin , che passa con disinvoltura da installazioni, sculture e dipinti figurativi, utilizzando elementi autobiografici e controversie come base per la sua visione artistica.

Nella seguente intervista, condivide con noi 6 importanti lezioni da apprendere sulla strada del successo come artista:

Ancora più esempi…

Altrettanto impressionanti sono gli artisti che perseguono determinati motivi nella loro vita e ne fanno il loro marchio di fabbrica, come i pois e le zucche di Yayoi Kusama o le gabbie, i ragni e le spirali di Louise Bourgeois . È importante notare che questi motivi sono scelti consapevolmente e rappresentano il risultato diretto della loro visione e storia individuale.

Alcuni artisti dedicano l'intera vita a una singola opera, perfezionando un'idea o una tecnica – si pensi a Mark Rothko o Carmen Herrera . Altri hanno una visione che include il cambiamento radicale come parte integrante – senza di esso, la coerenza non emerge.

Si pensi allo stile deliberatamente "no-style" di Maurizio Cattelan e Ryan Gander . O a quello di Gerhard Richter, la cui opera pittorica è caratterizzata da una ricerca infinita delle possibilità della pittura, dal fotorealismo e dall'astrazione pura alla figurazione concettuale minimale e ai dipinti hard-edge.

Le sfumature di queste visioni e l'interazione di equilibrio tra permanenza e sviluppo sottolineano ancora una volta l'importanza dei nostri passi precedenti. È quindi consigliabile studiare l'opera di altri artisti per capire come creare la propria arte. Un buon punto di partenza include una visione chiara, una filosofia, una tecnica o una selezione di motivi.

Quindi, metti per iscritto la tua visione e perseguila con costanza nel tuo studio. Inizia a professionalizzare la tua pratica artistica utilizzando materiali di alta qualità e realizzando con cura ogni opera. Ogni lavoro dovrebbe essere di qualità costante, dagli esperimenti ai pezzi finiti, pronti per essere presentati al mondo.

È tempo di entrare a far parte anche tu del mondo dell'arte!

07 Crea un profilo artista professionista

Per avere successo nel mondo dell'arte, è fondamentale garantire che tutto sia accurato e professionale, rispettando gli standard di un artista serio, soprattutto per gli autodidatti. Questa fase considera tutti i dettagli rilevanti per garantire che il tuo profilo artistico appaia accattivante e professionale.

Questo farà sapere a un potenziale collezionista o gallerista interessato alle tue opere che tutto è stato fatto con cura. Questo non solo aumenterà significativamente la tua credibilità come artista stimato, ma aumenterà anche le tue possibilità di successo nel mondo dell'arte.

Secondo Delagrange, molti artisti, sia autodidatti che formati, falliscono in questo momento e perdono il filo, anche se hanno grande talento e potenziale.

Ora ti diamo una panoramica di ciò a cui dovresti prestare attenzione. È importante attenersi scrupolosamente ai punti menzionati qui. Il modo in cui ti presenti come artista online e nel mondo reale dovrebbe essere chiaro, formale, professionale e anche un po' misterioso.

Qualsiasi altra cosa che non sia presente in questa lista potrebbe danneggiare la tua credibilità come artista. Quindi, come possiamo preparare il nostro profilo artistico complessivo?

7.1 Documenta la tua arte

È fondamentale di fotografie professionali delle tue opere d'arte. Scatta foto di alta qualità delle tue immagini e assicurati di avere file ad alta risoluzione del tuo lavoro. Potrebbe anche essere utile scattare alcune foto di installazione o di studio delle tue opere d'arte in uno spazio adatto.

Evita di usare app per simulare il tuo lavoro in gallerie o spazi (i cosiddetti mockup). Prepara il tuo soggiorno o studio di conseguenza, affitta uno spazio o approfitta di una mostra per scattare foto di alta qualità. Questo aumenterà senza dubbio la tua credibilità.

Documenta accuratamente la tua opera d'arte, annotando tutte le informazioni importanti: significato, titolo, anno, tecnica e dimensioni.

Crea un catalogo completo con tutti i dati rilevanti da presentare a potenziali clienti e gallerie.

7.2. CV dell'artista – Il CV – Curriculum dell'artista

Il passo successivo è creare un CV d'artista . Questo contiene tutte le informazioni rilevanti e serve da guida per gallerie, collezionisti e curatori per capire a che punto sei nella tua carriera.

Il tuo CV dovrebbe includere informazioni sul tuo anno e paese di nascita, il tuo attuale luogo di residenza, la tua formazione e le tue qualifiche, la tua esperienza professionale, la tua storia espositiva, pubblicazioni selezionate, comunicati stampa, premi, collezioni e residenze. Come artista autodidatta, sconsiglio di includere la dicitura "autodidatta" nel tuo CV.

Elencare le attività formative e di formazione solo se pertinenti; in caso contrario, lasciare vuoto questo campo. Utilizzare questa struttura come guida e analizzare i curriculum di artisti affermati o i siti web delle gallerie. Utilizzare la stessa struttura, layout e approccio professionale.

Non preoccuparti se il tuo curriculum artistico contiene ancora poche informazioni. Il nostro prossimo passo sarà quello di migliorarlo e arricchirlo anno dopo anno. È perfettamente normale che tu abbia avuto poche o nessuna mostra finora; tutti iniziano in piccolo.

Infatti, il team del CAI ha scritto un articolo dettagliato su come creare un curriculum per artisti con poca o nessuna esperienza. Una , inclusi esempi e un modello di curriculum per artisti, è disponibile qui

7.3 Il sito web dell'artista / portfolio online

Il sito web dell'artista funge da e portfolio digitale , che dovrebbe riflettere la professionalità dell'artista.

Un design minimalista e di alta qualità è essenziale per essere percepiti correttamente nel mondo dell'arte. Ispiratevi ai siti web di artisti rinomati e presentate una homepage chiara , una selezione delle vostre migliori opere (portfolio), il vostro curriculum e magari anche un testo biografico in terza persona.

Un passo fondamentale per diventare un artista di successo è presentare con competenza il proprio lavoro. Un portfolio ben strutturato, digitale o cartaceo, offre a potenziali clienti e gallerie una panoramica completa della propria visione artistica e della propria diversità.

Una pagina di contatto completa l'offerta. Tuttavia, come artista professionista, elementi come un blog, un negozio online o il merchandising sono superflui. Nel settore dell'arte, è comune che i potenziali acquirenti chiedano informazioni su prezzi e disponibilità direttamente via e-mail. Pertanto, non è necessario pubblicare i prezzi online o creare un negozio online.

7.4. Autopromozione come artista: come trovo il mio pubblico di riferimento?

Trovare il tuo pubblico di riferimento può essere un viaggio entusiasmante che porterà la tua carriera artistica a un livello superiore. È importante essere seri e concentrati nel comprendere le esigenze e gli interessi del tuo pubblico. Interagendo attivamente con il feedback e presentando il tuo lavoro in modo mirato, puoi stabilire un legame autentico con i tuoi potenziali sostenitori.

Utilizza la varietà di piattaforme digitali e canali social per rendere la tua arte accessibile a un pubblico più ampio. Damien Hirst , Takashi Murakami , Wolfgang Tillmans, Nan Goldin e Cindy Sherman hanno tutti trovato il loro pubblico di riferimento e lo hanno coinvolto con successo.

Sii audace, sperimenta diverse strategie di marketing per scoprire la tua strada. La tua arte merita di essere apprezzata e promossa dalle persone giuste. Trova la tua nicchia e trasmetti sicurezza: il tuo pubblico di riferimento aspetta già di essere scoperto da te.

Tuttavia, è anche importante trovare il giusto equilibrio sui social media . Una regola generale è quella di concentrarsi sulla piattaforma social più potente per gli artisti: Instagram . È impressionante quanti galleristi e collezionisti scoprano e contattino nuovi artisti tramite Instagram.

Una presenza online ti permette di costruire un seguito e quindi di aumentare la tua credibilità. YouTube è una piattaforma potente, ma nel mondo dell'arte tradizionale, il vlogging , sebbene tutte le principali organizzazioni artistiche siano rappresentate su YouTube. Ciononostante, Julien Delagrange, direttore della Galleria CAI, consiglia di concentrarsi esclusivamente su Instagram per il momento e di mantenere un tono professionale nei post.

08 Sviluppa la tua carriera in modo organico e pensa a lungo termine

Instagram è già stato citato come un'eccellente piattaforma per la scoperta di artisti. Tuttavia, per avere davvero successo, gli artisti dovrebbero adottare qualche accorgimento in più. Prima di entrare nei dettagli, parliamo degli errori da evitare .

L'autopromozione aggressiva è malvista nel mondo dell'arte."

Il successo non può essere forzato. Pertanto, è consigliabile non esagerare con la promozione: evitare di contattare a freddo gallerie, riviste, collezionisti e istituzioni. Non pensare alla tua arte come a un prodotto puramente commerciale da vendere tramite pubblicità, volantini o sconti. Rimani professionale e non forzare troppo.

L'obiettivo è piuttosto quello di intraprendere una carriera organica e pensare a lungo termine, lasciando un segno nel mondo dell'arte che alla fine porterà gallerie, collezionisti e riviste a contattarti.

Immergiti attivamente nel mondo dell'arte visitando mostre e gallerie, come consigliato nel passaggio precedente. Costruisci relazioni autentiche discutendo di arte per genuino interesse piuttosto che per interesse personale. Fai networking con persone che condividono i tuoi stessi interessi e partecipa attivamente al mondo dell'arte per promuovere il tuo successo.

Anche se sei un introverso che non si considera un esperto di networking, puoi migliorare attivamente le tue possibilità di intraprendere una carriera nel mondo dell'arte cercando opportunità in questo campo. Pensa a bandi per mostre, residenze artistiche , concorsi d'arte , borse di studio , bandi per progetti di arte pubblica e simili.

Un ottimo modo per scoprire queste opportunità è la Artenda.net , che ti tiene aggiornato sulle opportunità artistiche più interessanti. È importante essere presenti e ben preparati come artisti. Fidati del processo.

Se la tua arte è di alta qualità e il tuo profilo è progettato professionalmente, senza essere eccessivamente invadente, ma scorrendo in modo naturale e organico, le persone noteranno il tuo lavoro. E se trovano il tuo profilo accattivante e professionale, interagiranno con te, indipendentemente dal fatto che tu sia autodidatta o meno.

È qui che inizia il vero movimento. Non appena si partecipa a una mostra, che sia tramite un open call, un invito da una galleria o una collaborazione con altri artisti, si aprono nuove porte.