Come diventare un artista? Consigli di artisti autodidatti di successo e creativi professionisti

Il cliché dell' "artista in difficoltà" è fin troppo spesso evocato. Tuttavia, sono sempre più numerosi gli artisti che hanno costruito carriere di successo e prosperità nel mondo dell'arte, anche da autodidatti, senza una formazione accademica o un percorso artistico convenzionale.

Oggigiorno, nel panorama artistico sono numerosi gli artisti autodidatti affermati . Il fatto che siano autodidatti non rappresenta più un problema, poiché la loro arte, la loro conoscenza, la loro comprensione e il loro contributo all'arte sono molto più significativi di un pezzo di carta di un'università d'arte o del nome di un insegnante d'arte.

Supponiamo che questo sia il nostro obiettivo. Ma come ci arriviamo? Soprattutto, richiede forte motivazione, disciplina, perseveranza e dedizione. Il percorso può essere accidentato, ma con passione e l'instancabile ricerca di guadagnarsi da vivere con la propria passione, è possibile avere successo come artista autodidatta nel mondo dell'arte.

Non lasciare che i dubbi ti frenino e credi in te stesso: con un pizzico di talento naturale, hai il potenziale per raggiungere grandi traguardi. Anche il successo nel mondo dell'arte è fatto per l'1% di ispirazione e per il 99% di sudore.

Come posso diventare un artista? Impara con noi da artisti affermati e da autodidatti di successo!

Questo articolo ti mostra in pochi passaggi come puoi migliorare le tue possibilità di successo come artista autodidatta . Parleremo di come puoi apprendere autonomamente il materiale di un'università d'arte e da dove dovresti iniziare. Parleremo anche di come sviluppare la tua pratica artistica, come procedere come autodidatta e come avere successo nel mondo dell'arte. Ci basiamo sulle esperienze, le intuizioni e i consigli di artisti di successo.

“mondo dell’arte d’élite”, essere un artista autodidatta è spesso stigmatizzato ,

A seconda della situazione socioeconomica o del sistema educativo di un Paese, l'educazione artistica

Oggi, le informazioni essenziali per gli artisti autodidatti sono più facilmente reperibili che mai, a patto di sapere dove cercare. Diventare un artista professionista, per non parlare di un artista autodidatta professionista, non è un'impresa facile. Nonostante tutti gli ostacoli e le sfide lungo il percorso, tuttavia, un artista autodidatta non dovrebbe scoraggiarsi dal farsi un nome nel mondo dell'arte.

Quali sono i requisiti di base per diventare un artista?

Possiedi una creatività innata che ti dà nuove idee ogni giorno? Ti piace dipingere, disegnare e progettare, hai un buon senso per i colori, le forme e l'estetica, e una vita emotiva vibrante? Alcuni dicono che sei un po' anticonformista?

Se anche tu non hai bisogno di stabilità e prevedibilità, allora la vita dell'artista potrebbe fare al caso tuo. Come artista, puoi dipingere, creare, costruire, carteggiare, fotografare e filmare, creando le tue opere d'arte interamente secondo la tua visione.

Se ad altri piacciono le tue opere per la loro espressività, emotività, estetica o raffinatezza, puoi esporle in gallerie o venderle privatamente.

Incredibile varietà di campi di attività

Nel campo artistico esiste una grande diversità e abbondanza di campi di attività e forme, il che rende questo percorso di carriera particolarmente attraente per le persone creative.

Le prime cose che probabilmente vengono in mente sono le belle arti, come pittura, scultura, disegno e illustrazione. O le arti performative, tra cui teatro, opera, musica e recitazione. Al di là di questi ambiti tradizionali, tuttavia, è emersa un'incredibile ricchezza di opportunità. Che si tratti di tatuatori, artisti di strada, game designer, comici, artisti circensi, arteterapeuti, clown, maghi, ballerini di burlesque, artisti marziali, intrattenitori, YouTuber, truccatori o restauratori, le possibilità di guadagno per i creativi sono praticamente infinite.

Su watchado anche approfondimenti interessanti su 34 di queste attività artistiche sotto forma di video-storie .

Anche al di fuori del mondo dell'arte e del lavoro freelance, molte aziende e istituzioni offrono opportunità di lavoro per creativi. I seguenti settori sono richiesti e in cerca di professionisti creativi:

• Istituzioni educative (scuole, università , istituti di istruzione superiore)
• Assistenza sanitaria (cliniche, centri terapeutici, ecc.)
• Istituzioni sociali (centri giovanili/di supporto, ecc.)
• Costruttori di stand fieristici e società di eventi
• studi di architettura
• Aziende di media e pubblicità
• Teatri dell'opera, teatri, gallerie e altre istituzioni culturali
• Dipartimenti di comunicazione e marketing aziendale
• Sviluppatori di giochi
• Editori e redazioni
• Web e grafica
• Intelligenza artificiale, mondi virtuali, big data, arte digitale

Il profilo di attività degli artisti

Il portale australiano per l'impiego Seek un'interessante infografica sul profilo professionale e sul ruolo di un artista . Utilizza 10 parametri per illustrare chiaramente i requisiti e i vantaggi del lavoro come professionista creativo. L'analisi si basa sui valori medi di 30 artisti intervistati.

Poiché è improbabile che l'ambito lavorativo degli artisti in Germania differisca in modo significativo da quello australiano, questi risultati possono probabilmente essere ampiamente applicati al nostro Paese. Le aree "soddisfazione lavorativa" (4,2 stelle) e "varietà" (4,3 stelle) hanno ottenuto risultati particolarmente positivi. Ai livelli inferiori si sono classificati "sicurezza del lavoro", "potenziale di guadagno" e "opportunità di carriera".

Competenze importanti per un artista:

Come artista, la tua abilità più importante è, ovviamente, la creatività . Devi creare opere che nessuno ha mai pensato o realizzato prima, e riesci a ispirare le persone con il tuo lavoro.

Naturalmente, devi anche comprendere e padroneggiare alla perfezione la tua arte, che si tratti di pittura, fotografia, scultura o progettazione visiva di videogiochi. Non devi necessariamente essere un venditore nato, ma è sicuramente utile saper promuovere te stesso e il tuo lavoro .

Una conoscenza di base del marketing e una certa conoscenza dei social media sono oggigiorno fondamentali per presentare il proprio lavoro al pubblico più vasto possibile e ai potenziali acquirenti. Sarà anche utile non essere troppo timidi: i contatti possono portarti molto lontano nel mondo dell'arte. Idealmente, non dovresti avere paura di costruire una rete di contatti .

la conoscenza delle lingue straniere è molto utile nella tua professione, in particolare l'inglese, poiché ti consente di comunicare con la comunità artistica internazionale e di partecipare più facilmente a mostre e altre opportunità all'estero.

Infine, come artista, hai bisogno di una buona dose di coraggio e di propensione al rischio . Le prospettive di vivere della tua arte sono inizialmente scarse e potresti cercare invano la stabilità nei primi anni (anche se le sorprese positive possono capitare). Se non riesci ad accettare questo, dovresti riconsiderare la tua scelta di carriera.

Formazione accademica d'arte vs. artista autodidatta

Nelle accademie d'arte, l'attenzione è rivolta principalmente allo sviluppo artistico personale, che si tratti di apprendere una competenza specifica o di coltivare un proprio stile. Tuttavia, è emerso che la maggior parte delle istituzioni non prepara adeguatamente i propri studenti a una carriera nel mondo dell'arte.

Quindi, prima di fare il primo passo, dobbiamo scoprire cosa rende un artista di successo .

Il successo come artista può avere un significato diverso per ognuno. L'obiettivo finale è probabilmente diventare un artista riconosciuto nel panorama artistico di alto livello. Alcuni, tuttavia, vogliono semplicemente guadagnarsi da vivere come artisti. L'esperienza ci insegna che il successo artistico spesso porta anche al successo commerciale.

Quando si tratta di riconoscimento artistico , non ci sono limiti. È possibile essere rappresentati da importanti gallerie, vendere opere a prezzi elevati o persino essere menzionati come artisti rinomati in musei e pubblicazioni.

A seconda del tempo investito, di quanto si beneficia del talento naturale e dell'influenza di fattori esterni come fortuna e caso, iniziare a lavorare come artista autodidatta può richiedere tempi variabili. Secondo una valutazione realistica di CAI (Contemporary Art Issue) , una piattaforma ibrida per artisti e una galleria d'arte contemporanea in Belgio, il successo iniziale come artista autodidatta può arrivare dopo soli due anni .

È meno tempo di quanto richiedano la maggior parte dei programmi delle scuole d'arte. Non aspettatevi di affermarvi subito, ma è possibile ottenere un serio riconoscimento come artista e avere un futuro promettente entro due anni.

Con questo articolo, intendiamo fornirti un punto di partenza e una guida di base, rivelandoti gli aspetti fondamentali che devi sapere ma che non ti vengono esplicitamente spiegati; e mostrandoti dove trovare le informazioni necessarie per raggiungere il successo artistico. In definitiva, però, il successo è nelle tue mani.

Dai il 110%, sii paziente e appassionato, credi in te stesso! Allora hai i migliori prerequisiti.

Preziosi consigli da creativi di successo: passo dopo passo verso il successo come artista

Fino a questo punto hai potuto farti un'idea completa di come potrebbe essere il tuo lavoro quotidiano come artista e di cosa dovresti portare con te per avere successo in questo campo.

Passiamo ora, passo dopo passo, al percorso per diventare un artista di successo! Cosa serve per affermarsi nel mondo dell'arte? Dove si nascondono le insidie ​​e quali leve portano al massimo successo? A cosa bisogna prestare attenzione? E quali sono i consigli più preziosi?

Ora risponderemo a queste domande insieme ad artisti che ce l'hanno fatta e sono lieti di condividere le loro formule per il successo.

Twist: tre artiste e un artista raccontano come ce l'hanno fatta

Essere un artista sembra il lavoro dei sogni per molti. Ma richiede solo talento o anche capacità di autopromozione?

Nel programma culturale "Twist" sull'arte , ci confrontiamo con diverse personalità che gettano luce su questo tema. Incontriamo innanzitutto l'astro nascente del mondo dell'arte, Leon Löwentraut . Nonostante la mancanza di una formazione artistica formale, ha un successo internazionale come pittore. Sebbene le pagine d'arte lo ignorino e alcuni lo commentino persino in modo sprezzante, conquista molti fan con apparizioni spettacolari e una forte presenza sui social media. I suoi dipinti ora raggiungono prezzi elevati.

È quindi possibile lanciare la carriera di un artista in qualsiasi momento e in qualsiasi luogo, grazie ai social media? La scultrice francese Latifa Echakhch , vincitrice del Premio Marcel Duchamp e progettista del Padiglione svizzero a Venezia, ci mostra un approccio diverso all'arte come mezzo per comprendere il mondo.

La professoressa di pittura americana Rajkamal Kahlon affronta nelle sue opere temi seri come il colonialismo e il razzismo, reinterpretando le raffigurazioni dei popoli indigeni del XIX secolo, restituendo loro così la dignità.

Annika Le Large di Lipsia, invece, si guadagna da vivere illustrando libri per bambini, dimostrando che si può avere successo come artisti anche senza una laurea in una scuola d'arte.

Queste storie diverse dimostrano chiaramente che il percorso verso il successo come artista può essere molto individuale e che il successo ha molte sfaccettature.

01 Motivazione e passione: l'inizio come artista

Ogni dipinto che un artista crea porta in sé una scintilla della sua anima. È un legame tra l'artista e la tela, che prende vita attraverso impegno e dedizione. Artisti come Gerhard Richter e Vincent van Gogh hanno commosso e ispirato il mondo con le loro opere.

Anche David Hockney e Marc Chagall con i loro dipinti su tela unici . Come artista, è importante esplorare costantemente nuovi temi e svilupparsi creativamente.

L'editing delle immagini non dovrebbe mai stagnare, ma essere sempre nuovo e innovativo. Paul Klee e Karl Ernst Osthaus furono pionieri nei loro campi e dimostrarono che la loro passione per l'arte non conosceva limiti.

Il miglior prerequisito per essere un artista è proprio questa passione e questa insaziabile curiosità, che agiscono come una forza motrice instancabile di motivazione e ispirazione.

02 Scopri, sperimenta e vivi

Prima di affermarci come artisti, dobbiamo definire chiaramente ciò che vogliamo, consiglia Julien Delagrange , storico dell'arte, artista contemporaneo e direttore del CAI e della Galleria CAI . In precedenza, Delagrange ha lavorato per il Centre for Fine Arts (BOZAR) di Bruxelles, la Fondazione Jan Vercruysse e la Biblioteca Universitaria di Gand. La sua pratica artistica e la sua critica d'arte scritta sono strettamente intrecciate, esaminando l'arte contemporanea alla ricerca di nuove prospettive all'interno del mondo dell'arte.

Quindi, all'inizio della nostra carriera, poniamoci le seguenti domande:

• Che tipo di artista vuoi essere?
• Quale disciplina ti piace di più?
• Quale stile o tecnica preferisci in particolare?

Prima di impegnarci in un particolare medium, stile, tecnica o visione, abbiamo bisogno della libertà e dell'opportunità di esplorare, sperimentare e vivere l'arte. È essenziale esplorare , sperimentare e vivere l'arte durante tutta la nostra vita e la nostra carriera artistica per trovare ispirazione

Questo può accadere in modo più radicale e intenso nelle prime fasi della carriera di un artista. Più avanti nella vita professionale, diventa più difficile apportare cambiamenti radicali. Ciononostante, il nostro lavoro deve cambiare ed evolversi continuamente per rimanere interessante e rilevante. Perché, come nella vita, l'unica costante nell'arte è il cambiamento.

In seguito potremo introdurre una nuova disciplina o cambiare visivamente il nostro stile, ma in questa fase avremo completa libertà, senza doverci preoccupare delle possibili conseguenze. Possiamo provare tutto ciò che ci piace: sperimentare, esplorare e sperimentare.

Delagrange sottolinea in particolare la terza “E”: Esperienza .

L'arte deve essere vissuta sia come spettatore che come artista

Queste esperienze ci ispireranno e ciò che ci ispira ci incoraggerà a sperimentare e ad assorbire influenze diverse, creando infine una nuova sintesi della nostra identità artistica.

Questi esperimenti presenteranno sfide tecniche agli artisti autodidatti. È il momento di valutare la possibilità di supportare questi esperimenti con tutorial online ed eventualmente corsi (vedi Skillshare , Udemy o Domestika). Grazie al World Wide Web, le competenze possono essere apprese comodamente online da casa. YouTube è probabilmente il posto migliore per trovare tutorial adatti.

Delagrange consiglia quindi di fare ricerche approfondite e di scegliere un canale gestito da un artista che ti piace, per poi iniziare a guardare i suoi video e imparare e sperimentare strada facendo.

Oggigiorno, esistono innumerevoli tutorial online per la pittura e il disegno . Per forme d'arte meno comuni, come la scultura o le installazioni, vale la pena cercare corsi specifici, ad esempio su piattaforme come Skillshare .

Non esistono più regole fisse che governano il processo creativo artistico, il che consente agli artisti autodidatti di sviluppare il proprio stile. È importante sperimentare e provare nuove tecniche per realizzare infine una visione e un'identità personali nell'opera d'arte.

03 Approfondisci la tua formazione artistica (storia)

Questo passaggio è di grande importanza anche per il tuo sviluppo come artista e per la tua credibilità come autodidatta . Una domanda frequente degli artisti autodidatti è se possiedono una conoscenza sufficiente dell'arte e della storia dell'arte. Tuttavia, non c'è motivo per cui non si possa diventare esperti d'arte anche senza una laurea magistrale in arte o storia dell'arte.

la storia dell'arte è fondamentale per comprendere a fondo l'arte moderna e il suo significato. Sarebbe ingenuo credere di poter avere successo nel mondo dell'arte senza la conoscenza dell'arte stessa. La vostra conoscenza e la vostra intelligenza saranno messe a dura prova quando cercherete di affermarvi nel panorama artistico.

Quindi, come e dove possiamo approfondire la nostra formazione? Delagrange raccomanda innanzitutto di familiarizzare con la storia dell'arte e di leggere testi accademici, come quelli utilizzati nelle università. Questo passaggio può essere visto come una sorta di educazione formale , e prendere appunti è consigliabile.

Non per gli esami, ma per creare un riassunto personale della storia dell'arte e per prendere appunti utili per la propria pratica artistica.

Cominciamo con un'introduzione completa alla storia dell'arte e prendiamo in considerazione i seguenti libri, che potrebbero essere ideali per la tua formazione continua:

"La storia dell'arte" di E.H. Gombrich

"Storia dell'arte" di Ernst H. Gombrich è da 50 anni un capolavoro insuperato e uno dei libri d'arte più noti e popolari. L'autore colpisce per la sua capacità di presentare contesti storico-culturali e problemi artistici in modo chiaro e avvincente.

Grazie alla sua comprensione della psicologia delle arti visive, riesce a presentare la storia dell'arte come una costante evoluzione delle intenzioni artistiche. Ogni opera d'arte è considerata nel suo contesto storico, indipendentemente dal fatto che si distingua o imiti il ​​suo predecessore.

Gombrich dimostra che l'arte rimane legata alle epoche passate. In questa nuova forma, questo capolavoro continuerà a introdurre le giovani generazioni al mondo dell'arte e a ispirare gli appassionati.

"Arte: la storia visiva" di Andrew Graham-Dixon

Questa opera di consultazione visiva presenta le 2.500 opere d'arte più importanti di 30.000 anni di storia dell'arte in tutte le culture. Con oltre 3.000 splendide illustrazioni, 700 profili di artisti e informazioni su periodi e movimenti, è una risorsa straordinaria per la valutazione e la comprensione dell'arte.

Oltre a una presentazione dettagliata delle opere chiave, il libro affronta temi come l'amore, il paesaggio, il ritratto e il nudo. Dalle pitture rupestri alla moderna media art, vengono esplorate tutte le epoche e le culture. Questo libro illustrato di alta qualità offre approfondimenti sullo sviluppo dell'arte dalla preistoria ai giorni nostri, oltre a una panoramica di importanti movimenti e artisti.

È un'opera di riferimento altamente consigliata a tutti gli amanti dell'arte, convincente e istruttiva.

"Arte moderna. Dall'impressionismo ai giorni nostri" di Hans Werner Holzwarth

L'arte moderna ebbe inizio circa 150 anni fa a Parigi con gli Impressionisti , che si allontanarono dall'arte accademica classica e rivoluzionarono il mondo dell'arte. Scelsero temi quotidiani e organizzarono le proprie mostre per sfidare l'establishment dell'arte.

Ciò ha portato alla nascita di una moltitudine di stili modernisti, come il Simbolismo, l'Espressionismo, il Futurismo, il Dadaismo, il Surrealismo e altri ancora. Il volume ripercorre lo sviluppo dell'arte moderna attraverso opere rivoluzionarie che hanno infranto le convenzioni esistenti e aperto nuove strade.

I saggi introduttivi spiegano i principali movimenti del modernismo e mettono in risalto artisti importanti e le loro opere.

"Interviste d'immagine: 100 capolavori in dettaglio" di Rainer e Rose-Marie Hagen

Questo libro di Rose-Marie e Rainer Hagen ci offre anche uno sguardo illuminante sul mondo della storia dell'arte. Svela le storie nascoste dietro alcuni dei dipinti più famosi, concentrandosi su dettagli sottili che rivelano molto sulle epoche passate. Gli autori attirano la nostra attenzione su aspetti apparentemente insignificanti, gettando così una nuova luce anche sui dipinti più noti.

Mentre leggiamo, ci immergiamo in epoche e culture diverse, incontriamo eroi greci e poeti tedeschi, esploriamo cattedrali e cabaret e viaggiamo dall'antichità all'Europa moderna. Analizziamo ogni immagine come un puzzle, ricomponiamo i pezzi e, così facendo, scopriamo segreti sulle persone, la politica, la moda e le opinioni di tempi passati.

Il libro offre spunti affascinanti sul mondo delle opere d'arte e ci aiuta a comprenderle meglio.

Queste magnifiche opere di indagine presentano il canone della storia dell'arte."

Per ogni movimento artistico o capitolo, consultate le note per scoprire ulteriore letteratura specialistica su un particolare periodo o artista. Tuttavia, le opere menzionate sono già molto esaustive e forniscono informazioni sufficienti per il momento.

Successivamente, ci concentreremo sull'arte contemporanea , dall'arte moderna ai giorni nostri. Le opere di riferimento consigliate sono "Art Since 1900" (edizione inglese), il già citato "Modern Art – From Impressionism to the Present" e "A History of Modern Art" di H.H. Arnason ed Elizabeth C. Mansfield (solo edizione inglese).

Questi tre libri sono senza dubbio le opere di riferimento più importanti sulla storia dell'arte moderna, e si consiglia addirittura di leggerli tutti e tre, se possibile. Mentre un'opera potrebbe bastare per la storia dell'arte, in questo caso più sono, meglio è.

Acquisire conoscenze artistiche specifiche

Ora che abbiamo stabilito una solida struttura per il canone artistico, è il momento di approfondire e concentrarci su specifici movimenti artistici, artisti e discipline .

La selezione delle pubblicazioni dovrebbe basarsi sui vostri interessi e sulla vostra esperienza, ma ci sono alcuni punti importanti su cui vorrei informarvi. Diffidate delle informazioni inesatte contenute nei libri autopubblicati. Al giorno d'oggi, chiunque può scrivere e pubblicare un libro. Anche le piccole case editrici spesso producono libri d'arte discutibili.

Pertanto, ti consiglio di libri di editori d'arte di buona reputazione come Taschen , Phaidon , Thames & Hudson , Skira , Prestel Publishing , Tate Publishing , Lund Humphries o altre rispettate istituzioni artistiche che fungono da editori, come musei o università.

Questi editori sono sinonimo di ricerca artistica di alta qualità, informazioni affidabili e autori e curatori rinomati. Phaidon, ad esempio, offre pubblicazioni eccellenti su praticamente ogni medium, dalla pittura alla scultura contemporanea. La collana "Fondamental Art" di Taschen è un'altra eccellente raccolta di libri su specifici movimenti artistici e artisti.

monografiche dei musei, abbinate alle retrospettive, sono sempre un'eccellente fonte di informazione. Questi esempi dimostrano una ricerca approfondita e un'autoformazione nel campo dell'arte affermata, ma che dire dell'arte meno affermata?

Diversi editori offrono oggi eccellenti pubblicazioni su questo argomento. Si considerino le serie di Phaidon sulle nuove prospettive nell'arte, come Vitamin P (pittura), Vitamin D (arte grezza) o Vitamin Photography. Vale la pena menzionare anche le pubblicazioni delle gallerie sugli artisti che rappresentano, con cui ci si può identificare.

Questo ci porta ad altre fonti per approfondire e rimanere aggiornati sull'arte contemporanea: si pensi a piattaforme artistiche autorevoli, riviste d'arte, istituzioni curatoriali e musei d'arte contemporanea. Informazioni ancora più specifiche si possono trovare nella letteratura accademica sull'arte contemporanea.

La collana "Documents on Contemporary Art" di Whitechapel è un eccellente esempio di editore che raccoglie gli scritti accademici più critici su un argomento specifico dell'arte contemporanea. Include anche opere accademiche con un collegamento indiretto con l'arte, come quelle di Foucault e Lacan.

Non lasciatevi intimidire dall'abbondanza di conoscenze e informazioni globali sull'arte. Non è necessario essere un esperto o uno studioso per avere successo. Esistono diversi livelli di conoscenza, con la storia dell'arte generale e moderna come fondamento.

Successivamente, a seconda dei tuoi interessi, puoi approfondire la letteratura più specifica. Esistono molti modi per approfondire l'arte contemporanea, ad esempio attraverso canali informativi su YouTube . Tuttavia, è importante notare che non tutte le informazioni sono uguali.

Alcuni canali, come Art Assignment e Great Art Explained, offrono contenuti ben documentati e concreti, mentre altri sono meno affidabili. Puoi anche seguire istituzioni, gallerie e piattaforme affidabili sui social media o iscriverti alle loro newsletter per rimanere aggiornato.

Organizzazioni come Artforum , Cura , il Museum of Modern Art e influencer del mondo dell'arte come Mary Lynn Buchanan sono ottimi punti di partenza. È importante rimanere curiosi, coltivare i propri interessi e impegnarsi costantemente nell'arte e nella storia dell'arte.

04 Scopri in prima persona il mondo dell'arte e le sue regole non scritte

A prima vista, questo passaggio potrebbe sembrare meno significativo dei precedenti. Tuttavia, non è così. La terza "E" che abbiamo sottolineato nel capitolo precedente – l'esperienza – è qui centrale.

Perché il modo migliore per conoscere il mondo dell'arte è viverlo in prima persona."

Potresti pensare di avere già una certa familiarità con il mondo dell'arte. Forse hai visitato qualche museo e seguito qualche galleria e artista sui social media. Ma questo non è abbastanza esaustivo. L'arte e il mondo dell'arte sono pieni di dettagli sottili che alla fine fanno la differenza.

Che si tratti di creare un'opera d'arte, completarla e presentarla in una galleria, o di tutto ciò che riguarda le mostre d'arte (ad esempio, la creazione di una serie di opere o il modo in cui le opere interagiscono tra loro in una mostra, il titolo della mostra, la descrizione delle opere e i loro metadati, il modo di parlarne, l'installazione, le ispirazioni per la progettazione e la presentazione, ecc.), è necessario essere al passo con il mondo dell'arte.

• Cosa è di moda oggi nelle gallerie?
• Che aspetto hanno le opere e che sensazione danno?

Per apprezzare le sfumature dell'arte che fanno la differenza, è consigliabile visitare non solo i musei, ma anche le gallerie d'arte. Mentre i musei espongono principalmente opere d'arte affermate, le gallerie espongono opere di artisti emergenti e nuove opere di artisti affermati.

Anche le gallerie d'arte sono cruciali per una carriera nel mondo dell'arte . È quindi importante essere critici nella scelta delle gallerie e informarsi in anticipo per assicurarsi di finire in una galleria di grande reputazione.

Le caratteristiche qualitative delle gallerie di alto livello includono una serie di mostre attentamente curate, una presentazione professionale ed elegante, un comunicato stampa per ogni mostra, molti anni di esperienza nella gestione delle gallerie, la partecipazione a fiere d'arte e una presenza su piattaforme rinomate come Artsy o un sito web professionale della galleria.

Alcune delle gallerie più prestigiose al mondo, quelle che riescono a mettere in pratica questo principio alla perfezione, appartengono alla categoria delle mega-gallerie. Offrono uno sguardo unico sulle regole e le consuetudini nascoste dell'arte e delle gallerie d'arte di alto livello.

Tra i principali esempi di mega-gallerie troviamo:

• Gagosian
• Hauser & Wirth
• Galleria Pace
• Davide Zwirner
• Cubo bianco
• Galleria Lisson
• Taddeo Ropac
• Perrotin
• Lehman Maupin
• Victoria Mirò
• Marian Goodman
• e molti altri ancora…

Una buona strategia è concentrarsi sulle gallerie emergenti piuttosto che contattare immediatamente quelle affermate. La Guida all'Arte di Artforum può essere una risorsa utile in questo senso. Scegli una città d'arte vicino a te, esplorala e inizia a visitare le gallerie.

Questo ti ispirerà a scoprire opere di artisti emergenti che si stanno affermando. Osserva attentamente come questi artisti si distinguono dagli altri e come presentano le loro opere all'interno di una mostra o anche in più mostre. Questo può aiutarti a trovare nuova ispirazione e a sviluppare ulteriormente il tuo lavoro creativo.

Sebbene sia possibile contattare i direttori di galleria, sconsiglio di farlo – almeno per il momento – e di rivelare di essere un artista. Tu e le tue opere probabilmente non siete ancora pronti per l'occhio critico di un direttore di galleria, anche se credi di esserlo – e queste opportunità sono rare.

È consigliabile esprimere innanzitutto il proprio interesse per la galleria. Se il direttore della galleria avvia la conversazione, potrebbe esserci l'opportunità di discutere delle loro attività artistiche. Mostre d'arte, conferenze, festival d'arte ed eventi come la Biennale di Venezia o Art Basel offrono eccellenti opportunità per approfondire la scena artistica e il mondo dell'arte contemporanea.

Anche se partecipare a tali eventi comporta un investimento di tempo e di viaggio, può avere un impatto significativo sul tuo sviluppo personale, sulla tua comprensione e sulle tue future opportunità di carriera e pertanto non dovrebbe essere sottovalutato.

05 Trovare ispirazione creativa: consigli e trucchi per il processo artistico

Quando la scintilla creativa si accende e la tela è davanti a te, il desiderio di ispirazione . Come puoi dare vita alle tue idee e far risplendere la tua arte? Artisti come Gerhard Richter o Vincent van Gogh hanno trovato la loro voce unica esplorando temi e stili diversi.

Siate audaci e sperimentate nuove tecniche e materiali per ampliare la vostra visione artistica. Abbracciate la diversità del mondo dell'arte per trarre ispirazione da altri artisti. Che si tratti di opere astratte o ritratti realistici, lasciate che stili diversi vi stimolino a trovare la vostra espressione unica.

Modificando le immagini in modo personale, puoi scoprire nuovi percorsi e liberare la tua creatività.

Conosci questa situazione?

Finalmente trovi il tempo di andare alla tua postazione di lavoro, e poi ti assale questa terribile sensazione: circondato da una moltitudine di materiali, ti senti demotivato a creare qualsiasi cosa. Trovare l'ispirazione sembra più difficile che attraversare l'Atlantico in barca a remi.

Potresti sentirti completamente solo, ma ognuno di noi ha vissuto questa esperienza prima: una volta, più volte, moltissime volte.

Non esiste persona creativa che possa lavorare senza ispirazione. Per alcuni, trovare l'ispirazione è facile e naturale, mentre per altri può essere una sfida.

Nessuna persona creativa è immune ai blocchi creativi; questi si presentano costantemente in ogni pratica creativa."

È importante sapersi motivare e a volte bastano semplicemente alcune idee e suggerimenti per rimettersi in carreggiata.

Il seguente breve elenco di libri fornisce un approccio utile quando l'ispirazione tarda ad arrivare:

Consigli di lettura per il flusso creativo

"Creativo: l'arte dell'essere" di Rick Rubin

Il bestseller "Creative: The Art of Being" svela i segreti del produttore musicale di successo che ha creato star come Johnny Cash, Adele, Run-DMC, Jay-Z e U2. Il libro illustra il lavoro della sua vita in modo chiaro e stimolante, mostrando un percorso artistico che tutti possiamo seguire.

Nel corso degli anni, Rubin ha capito che per gli artisti non conta solo la loro produzione, ma piuttosto il loro rapporto con il mondo. La creatività è essenziale per tutti e può essere coltivata da tutti. Ogni persona possiede un potere creativo innato: sta a noi liberarlo. "Creativo. L'arte di essere" (2023) è un messaggio appassionato che celebra la gioia della creazione artistica e della sperimentazione giocosa. Incoraggia a provare cose nuove, a commettere errori e a ricominciare da capo, semplicemente per il gusto di essere creativi.

Questo libro è rivolto agli amanti della musica e ai musicisti in cerca di ispirazione, alle persone creative con il blocco dello scrittore che vogliono superare le proprie paure e a coloro che cercano un significato e vogliono percepire consapevolmente le meraviglie del mondo.

"FLUSSO e Creatività" di Mihaly Csikszentmihalyi

Nel suo lavoro "FLOW and Creativity", Mihaly Csikszentmihalyi esplora il processo che ci conduce a nuove idee e intuizioni rivoluzionarie, liberando il nostro pieno potenziale artistico. In questo libro, Csikszentmihalyi risponde alle domande su dove e come nasce la creatività e su come ogni individuo possa scoprire e coltivare la propria fonte di ispirazione personale.

Sulla base di ampie interviste con rinomate personalità creative, mostra come possiamo promuovere in modo mirato la nostra creatività, non solo per migliorare il nostro lavoro artistico, ma anche per arricchire la nostra intera vita.

Questo libro è rivolto ad artisti e a tutte le menti creative in cerca di ispirazione. Con solide intuizioni e consigli pratici, "Creatività" una guida preziosa a chiunque desideri liberare e sviluppare ulteriormente il proprio potere creativo.

"La via dell'artista" di Julia Cameron

Questo libro, dal forte contenuto spirituale, ispira i lettori a scoprire il potenziale artistico nascosto in ognuno di noi. Mostra come possiamo risvegliare il nostro lato creativo per creare qualcosa di grandioso. Spesso, dubbi, esperienze negative o le opinioni altrui ci impediscono di liberare la nostra energia creativa.

Questo libro offre una guida su come riconnetterci con il nostro artista interiore e risvegliare le nostre capacità creative. Con preziosi esercizi e suggerimenti, possiamo rafforzare la nostra presenza artistica e intraprendere il percorso verso una vita artistica appagante.

Questo libro è particolarmente adatto a chiunque dubiti delle proprie capacità creative e cerchi ispirazione per liberare il proprio pieno potenziale.

Non arrenderti!: 10 modi per aumentare la creatività nei giorni buoni e cattivi di Austin Kleon

"Don't Give Up" è un libro stimolante per le persone creative che coltivano regolarmente la propria creatività. Offre numerosi consigli e metodi utili per rimanere motivati ​​anche nei periodi di mancanza di ispirazione. L'autore bestseller del New York Times, Austin Kleon, presenta dieci strategie per rimanere non solo creativi, ma anche fedeli a se stessi.

I suggerimenti sono rivolti principalmente ai creativi professionisti e agli artisti amatoriali, ma possono essere utili anche a chiunque voglia esprimere di tanto in tanto il proprio lato creativo.

06 Sviluppa il tuo lavoro completo: crea un'opera coerente

Ora giungiamo al sesto passo; ci troviamo di fronte a una svolta cruciale nel percorso dell'artista, in cui l'opera matura e prende forma un'opera d'arte totale, un'unità caratterizzata da una visione chiara, da una riconoscibilità visiva e da uno sviluppo continuo e affascinante.

Dopo una fase di sperimentazione, costruendo una solida struttura su cui sviluppare la propria visione artistica e la propria identità, e traendo ispirazione dall'arte contemporanea, si arriva gradualmente al punto in cui tutto si fonde.

Hai trovato un mezzo con cui ti senti a tuo agio, obiettivi chiari e una visione che vuoi realizzare con il tuo lavoro.

Ora è il momento di perfezionare e professionalizzare la tua produzione artistica e creare opere che considererai per sempre parte della tua opera. La coerenza è fondamentale nell'arte. Un esercizio cruciale per ottenere un corpus di opere coerente e uno sviluppo costante e significativo è scrivere una dichiarazione d'artista .

In questa sezione esplorerai la tua visione, i tuoi obiettivi, la tua filosofia, la tua metodologia e la tua tecnica. Tutti gli elementi dei passaggi precedenti si combinano per creare una sintesi altamente personale di chi sei come artista, di ciò che definisce la tua arte e di cosa si occupa. Questa affermazione, o visione artistica, guiderà il tuo sviluppo e garantirà continuità mentre continui a sperimentare, evolvere e migliorare.

La dichiarazione d'artista non serve solo per esporre le tue opere in gallerie o pubblicarle sul tuo sito web. Piuttosto, è uno strumento personale e una guida per uno sviluppo personale continuo e coerente . Ora che hai definito chiaramente le tue caratteristiche artistiche, è il momento di agire.

Scopri come puoi sviluppare ulteriormente la tua visione nella pratica artistica per distinguerti e aumentare il tuo riconoscimento. La vita di un artista è senza dubbio una delle professioni più affascinanti. Il mondo dell'arte è saturo di migliaia di artisti, più di quanti gallerie, collezionisti e curatori ne ricevano.

Pertanto, è fondamentale distinguersi dalla massa, indipendentemente dal fatto che si sia autodidatti o che si abbia un dottorato di ricerca in ambito artistico. Siate coerenti, personali e riconoscibili. Distinguetevi e rimanete fedeli alla vostra visione. L'importanza di questa coerenza a volte può essere difficile da comprendere.

Gallerie e collezionisti non apprezzano i cambiamenti radicali nel processo creativo di un artista, poiché potrebbero dare l'impressione che l'artista stia improvvisamente creando qualcosa di completamente nuovo dopo aver investito tempo o denaro. Tuttavia, questo non significa che si debba ripetere costantemente se stessi.

Al contrario, se non ci si evolve, il proprio lavoro ristagnerà e diventerà noioso, e si rischia di essere etichettati come artisti da edizioni limitate. Qui incontriamo una delle sottigliezze del mondo dell'arte, già discussa nella sezione precedente: il gioco di equilibrio tra coerenza e cambiamento, o meglio, sviluppo.

Il fatto è che, finché si rimane fedeli alla propria visione originale (o si seguono visioni e priorità in continuo cambiamento), la varietà è sempre un vantaggio.

Delagrange lo illustra con i seguenti esempi:

La coerenza come esemplificata da Luc Tuymans

Luc Tuymans è uno dei pittori più importanti e coerenti della sua generazione. La sua opera spazia da dipinti raffiguranti scene dell'Olocausto e un murale di Topolino a nature morte e rappresentazioni di numeri. Tuttavia, la sua visione rimane coerente in tutte le sue opere.

Esplora la teoria dell'immagine nel contesto della pittura, affrontando temi come i simulacri, il sovraccarico di immagini, la storia e le complessità morali. Ciò che collega visivamente questi diversi temi sono le sue caratteristiche pennellate tremule e la sua delicata tavolozza cromatica. Questi elementi garantiscono coerenza e riconoscibilità, consentendo all'artista belga di dedicarsi a qualsiasi soggetto o motivo.

Tracey Emin – Autobiografia e controversie come filo conduttore

Molti artisti dimostrano una versatilità impressionante pur rimanendo coerenti nel loro lavoro. Un esempio lampante è Tracey Emin , che spazia con disinvoltura tra installazioni, sculture e pittura figurativa. Utilizza elementi autobiografici e controversie come base per la sua visione artistica.

Nella seguente intervista condivide 6 importanti lezioni che devono essere padroneggiate sulla strada del successo come artista:

Altri esempi…

Altrettanto impressionanti sono gli artisti che seguono determinati motivi nella loro vita e ne fanno il loro marchio di fabbrica, come i puntini e le zucche di Yayoi Kusama o le gabbie, i ragni e le spirali di Louise Bourgeois . È importante notare che questi motivi sono scelti consapevolmente e rappresentano il risultato diretto della loro visione e storia individuale.

Alcuni artisti dedicano l'intera vita a una sola cosa, perfezionando un'idea o una tecnica – si pensi a Mark Rothko o Carmen Herrera . Altri hanno una visione che include cambiamenti radicali come parte integrante – senza di essi, non c'è coerenza.

Si pensi all'approccio deliberatamente "no-style" di Maurizio Cattelan e Ryan Gander . O a Gerhard Richter, la cui opera pittorica è caratterizzata da una ricerca infinita delle possibilità della pittura, dal fotorealismo all'astrazione pura, dalla figurazione concettuale minimale ai dipinti hard-edge.

Le sfumature di queste visioni e l'interazione tra continuità e sviluppo sottolineano ancora una volta l'importanza dei nostri passi precedenti. È quindi consigliabile studiare l'opera di altri artisti per capire come creare la propria arte. Un buon punto di partenza include una visione chiara, una filosofia, una tecnica o una selezione di motivi.

Pertanto, scrivi la tua visione e perseguila con costanza nel tuo studio. Inizia a professionalizzare la tua pratica artistica utilizzando materiali di alta qualità e realizzando con cura ogni opera. Ogni opera dovrebbe essere di qualità costante, dagli esperimenti ai pezzi finiti, pronti per essere presentati al mondo.

È tempo di entrare a far parte anche tu del mondo dell'arte!

07 Crea un profilo artista professionista

Per avere successo nel mondo dell'arte, è fondamentale assicurarsi che tutto sia accurato, professionale e soddisfi gli standard di un artista serio, soprattutto per gli autodidatti. Questo passaggio tiene conto di tutti i dettagli rilevanti per garantire che il tuo profilo artistico sia convincente e professionale.

Questo mostrerà a un potenziale collezionista o gallerista interessato alle tue opere che tutto è stato fatto meticolosamente. Questo non solo aumenterà significativamente la tua credibilità come artista serio, ma migliorerà anche le tue possibilità di successo nel mondo dell'arte.

Secondo Delagrange, molti artisti, sia autodidatti che formati, falliscono in questo momento e perdono la strada, anche se possiedono un grande talento e potenziale.

Diamo ora una panoramica di ciò a cui dovresti prestare attenzione. È importante attenersi scrupolosamente ai punti menzionati qui. Il modo in cui ti presenti come artista online e nel mondo reale dovrebbe essere chiaro, formale, professionale e anche un po' misterioso.

Qualsiasi altra cosa che non sia presente in questa lista potrebbe danneggiare la tua credibilità come artista. Quindi, come possiamo preparare il nostro profilo artistico complessivo?

7.1 Documenta la tua arte

È essenziale fotografie professionali delle tue opere d'arte. Scatta foto di alta qualità delle tue immagini e assicurati di avere file ad alta risoluzione del tuo lavoro. Potrebbe anche essere utile creare delle viste di installazione o di studio delle tue opere d'arte in uno spazio adatto.

Evita di simulare il tuo lavoro con app in gallerie o spazi (i cosiddetti mockup). Prepara il tuo soggiorno o studio di conseguenza, affitta uno spazio o approfitta di una mostra per scattare foto di alta qualità. Questo aumenterà senza dubbio la tua credibilità.

Documenta accuratamente la tua opera d'arte e prendi nota di tutte le informazioni importanti: significato, titolo, anno, supporto e dimensioni.

Crea un catalogo completo con tutti i dati rilevanti da presentare a potenziali clienti e gallerie.

7.2. CV dell'artista – Il curriculum vitae – Curriculum dell'artista

Il passo successivo è creare un CV d'artista . Questo contiene tutte le informazioni rilevanti e serve da guida per gallerie, collezionisti e curatori per capire a che punto sei nella tua carriera.

Il tuo CV dovrebbe includere informazioni sul tuo anno e paese di nascita, il tuo attuale luogo di residenza, la tua formazione e le tue qualifiche, la tua esperienza professionale, la tua storia espositiva, pubblicazioni selezionate, copertura stampa, premi, collezioni e residenze. Essendo un autodidatta, sconsiglio di includere persone autodidatte nel tuo CV.

Elencare istruzione e formazione solo se pertinenti; in caso contrario, lasciare questo campo vuoto. Utilizzare questa struttura come guida e analizzare i CV di artisti affermati o i siti web delle gallerie. Seguire lo stesso layout, la stessa struttura e lo stesso approccio professionale.

Non preoccuparti se il tuo CV d'artista contiene attualmente poche informazioni. Il nostro prossimo passo sarà migliorarlo e ampliarlo anno dopo anno. È perfettamente normale che tu abbia avuto poche o nessuna mostra finora: tutti iniziano in piccolo.

Infatti, il team del CAI ha scritto un articolo dettagliato su come creare un CV per artisti con poca o nessuna esperienza. Potete trovare una guida completa qui , inclusi esempi e un modello di CV per artisti.

7.3. Il sito web dell'artista / portfolio online

Il sito web dell'artista funge da e portfolio digitale , che dovrebbe riflettere la professionalità dell'artista.

Un design minimalista e di alta qualità è essenziale per ottenere riconoscimento nel mondo dell'arte. Trai ispirazione dai siti web di artisti rinomati e presenta il tuo sito con una homepage chiara e concisa , una selezione dei tuoi migliori lavori (portfolio), il tuo CV e, magari, anche un testo biografico in terza persona.

Un passo fondamentale per diventare un artista di successo è la presentazione professionale del proprio lavoro. Un portfolio ben strutturato, digitale o cartaceo, offre a potenziali clienti e gallerie una panoramica completa della propria visione artistica e della propria diversità.

Una pagina di contatto completa l'offerta. Tuttavia, elementi come un blog, un negozio online o un'offerta di merchandising sono superflui per un artista professionista. Nel mondo dell'arte, è prassi comune per i potenziali acquirenti chiedere informazioni su prezzi e disponibilità direttamente via e-mail. Pertanto, non è necessario pubblicare i prezzi online o creare un negozio online.

7.4. Autopromozione come artista: come trovo il mio pubblico di riferimento?

Trovare il tuo pubblico di riferimento può essere un viaggio entusiasmante che porterà la tua carriera artistica a un nuovo livello. È essenziale comprendere le esigenze e gli interessi del tuo pubblico in modo serio e mirato. Interagendo attivamente con il feedback e presentando strategicamente il tuo lavoro, puoi costruire un legame autentico con i tuoi potenziali sostenitori.

Sfrutta la diversità delle piattaforme digitali e dei canali social per rendere la tua arte accessibile a un pubblico più ampio. Damien Hirst , Takashi Murakami , Wolfgang Tillmans, Nan Goldin e Cindy Sherman hanno tutti trovato il loro pubblico di riferimento e lo hanno coinvolto con successo.

Sii audace, sperimenta diverse strategie di marketing per scoprire la tua strada. La tua arte merita di essere apprezzata e sostenuta dalle persone giuste. Trova la tua nicchia e trasmetti sicurezza: il tuo pubblico di riferimento aspetta già di essere scoperto da te.

Tuttavia, trovare il giusto equilibrio è importante anche nell'ambito dei social media . Una regola generale è quella di concentrarsi sulla piattaforma social media attualmente più potente per gli artisti: Instagram . È impressionante il numero di galleristi e collezionisti che scoprono e contattano nuovi artisti tramite Instagram.

Una presenza online ti permette di costruire una base di fan e quindi di aumentare la tua credibilità. YouTube il "vlogging" come artista è ancora mal visto , sebbene tutte le principali organizzazioni artistiche siano rappresentate su YouTube. Ciononostante, il direttore della galleria CAI Julien Delagrange consiglia di concentrarsi esclusivamente su Instagram per il momento e di mantenere un tono professionale nei tuoi post.

08 Sviluppa la tua carriera in modo organico e pensa a lungo termine

Instagram è già stato citato come un'eccellente piattaforma per scoprire artisti. Tuttavia, per avere davvero successo, gli artisti dovrebbero adottare qualche accorgimento in più. Prima di esaminare le azioni specifiche che puoi intraprendere, parliamo di ciò che è meglio evitare .

L'autopromozione aggressiva non è ben accolta nel mondo dell'arte

Il successo non può essere forzato. Pertanto, è consigliabile non esagerare con la promozione: evitare di contattare a freddo gallerie, riviste, collezionisti e istituzioni. Non pensare alla tua arte come a un prodotto puramente commerciale da vendere tramite pubblicità, volantini o sconti. Rimani professionale e non imporre la tua presenza a nessuno.

L'obiettivo è piuttosto quello di intraprendere una carriera organica e pensare a lungo termine, lasciando il segno nel mondo dell'arte , che alla fine porterà gallerie, collezionisti e riviste a contattarti.

Immergiti attivamente nel mondo dell'arte visitando mostre e gallerie, come consigliato nel passaggio precedente. Costruisci relazioni autentiche discutendo di arte per genuino interesse, non per interesse personale. Fai networking con persone che condividono i tuoi stessi interessi e partecipa attivamente al mondo dell'arte per aumentare il tuo successo.

Anche se sei un introverso che non si considera un esperto di networking, puoi migliorare attivamente le tue possibilità di carriera nel mondo dell'arte cercando opportunità in questo campo. Prendi in considerazione bandi per mostre, residenze artistiche , concorsi d'arte , borse di studio , bandi per progetti di arte pubblica e opportunità simili.

Un ottimo modo per scoprire queste opportunità è attraverso la piattaforma Artenda.net , che vi tiene aggiornati sulle opportunità artistiche più interessanti. È importante essere presenti e prepararsi bene come artisti. Fidatevi del processo.

Se la tua arte è di alta qualità e il tuo profilo è progettato professionalmente senza essere invadente, ma si integra in modo naturale e organico, le persone noteranno il tuo lavoro. E se troveranno il tuo profilo accattivante e professionale, ti contatteranno, indipendentemente dal fatto che tu sia autodidatta o meno.

A questo punto, le cose cominciano a muoversi. Non appena si partecipa a una mostra – che sia tramite un open call, un invito da una galleria o collaborando con altri artisti – si aprono nuove porte.