Cubismo costruttivo: sintesi di struttura e intuizione

Una riflessione di teoria dell'arte a cura del Prof. Dr. Michael Kastor (Professore Emerito, pittore, musicista)

Quando consideriamo il Cubismo , ci troviamo di fronte a quello che è probabilmente il punto di svolta più radicale nella storia dell'arte moderna. Rappresentò un nuovo inizio quando i pionieri Pablo Picasso e Georges Braque ruppero con la tradizione secolare di rappresentazione mimetica della natura, nell'Impressionismo del XIX secolo

Il fondamento di questo sviluppo fu costituito dalle basi teoriche poste da Paul Cézanne, il quale, in una lettera a Émile Bernard datata 15 aprile 1904, raccomandava: "Tratta la natura secondo il cilindro, la sfera, il cono e poni il tutto nella giusta prospettiva, cioè in modo che ogni lato di un oggetto, di una superficie, conduca a un punto centrale" (Cézanne, Lettere, 1988, p. 299). È interessante notare che Cézanne non aderì rigorosamente a questa formula geometrica nelle sue opere. Per lui, la geometria rimase una struttura invisibile e stabilizzante, subordinata alla sua percezione intuitiva del colore; continuò a dipingere in modo organico e a ricercare un'"armonia parallela alla natura".

Furono Picasso e Braque a radicalizzare quest'idea anni dopo. Ispirati dalla rivoluzionaria retrospettiva di Cézanne a Parigi nel 1907, presero alla lettera il suo postulato geometrico e sezionarono sistematicamente il mondo visibile nelle sue componenti volumetriche.

Questa riduzione a superfici e forme privò il soggetto dell'immagine della sua funzione puramente rappresentativa. Non si trattava più della riproduzione esatta di ritratti, paesaggi o nature morte; piuttosto, il Cubismo aprì la strada alla scoperta dell'espressività nella forma bidimensionale e tridimensionale, infrangendo così definitivamente la prospettiva centrale classica.

Nel primo decennio del XX secolo, l'alienazione formale assunse un ruolo centrale, con la sovrapposizione di punti di vista e la presentazione simultanea di prospettive. Ciò che ebbe inizio con Picasso e Braque come una scomposizione in forme distinte si sviluppò in modo coerente: con il passaggio al Cubismo analitico intorno al 1910, altri pionieri del modernismo dissolsero quasi completamente i confini tra oggetto e spazio. Questo processo fu portato avanti dal rigore intellettuale di Juan Gris, dalla scomposizione della luce basata sul colore di Robert Delaunay e dal linguaggio formale dinamico e meccanico di Fernand Léger. La geometria tangibile culminò in una struttura ambigua di linee e stratificazioni spaziali che sfida lo spettatore a ricostruire lo spazio.

Questa fase si è poi evoluta nel Cubismo sintetico, che, attraverso l'integrazione di materiali reali, ha segnato un ritorno all'oggetto tangibile. Braque ha gettato le basi con il "papier collé", incollando carta da parati o ritagli di giornale direttamente sulla superficie del dipinto. Nel suo ulteriore sviluppo, artisti come Braque e Gris hanno utilizzato sempre più sabbia o particelle di legno, mentre Lyonel Feininger e Franz Marc hanno cercato un'esplorazione più intellettuale della forma.

La logica strutturale del Cubismo costituisce ancora oggi il fondamento per la comprensione delle composizioni pittoriche astratte. E chiunque abbia riconosciuto questa forza creativa del Cubismo guarda alle strutture geometriche del nostro mondo moderno con occhi completamente nuovi.

Ispirazione e visione: il Museo Wilhelm-Hack

La mia principale fonte d'ispirazione per esplorare il Cubismo, il Suprematismo e i loro effetti costruttivi e cromatici è il Wilhelm-Hack-Museum nella città industriale di Ludwigshafen am Rhein. In particolare, l'incontro con le opere di Kazimir Malevich e di altri rappresentanti dell'avanguardia russa ha plasmato la mia comprensione del potere della forma pura e non figurativa.

Un altro momento particolarmente significativo per me è stata la mostra celebrativa del 2009 intitolata "Everything", in cui il museo ha presentato l'intera collezione, comprese opere provenienti dai suoi archivi. Le pareti erano ricoperte di opere d'arte dal pavimento al soffitto; un cosmo travolgente di colori, forme ed emozioni di cui, da pittore, non mi stancherei mai. Questa densa atmosfera di impressioni ed espressioni continua a influenzare il mio lavoro e la mia comprensione dell'arte ancora oggi.

Definizione: Cubismo costruttivo

Attraverso un intenso confronto con questi movimenti storici e con la mia pratica artistica, ho definito il termine Cubismo Costruttivista . Non intendo configurarlo come una categoria storico-artistica universalmente valida, bensì come il mio personale approccio concettuale. Questo approccio costituisce un ponte metodologico che collega la decostruzione cubista del mondo con una riorganizzazione costruttivista dello spazio pittorico. Mentre il Cubismo classico solitamente parte da un oggetto reale per decostruirlo, il mio metodo si rivolge direttamente alla forma geometrica primaria.

Inizio il mio lavoro con un oggetto centrale al centro dell'immagine o con una forma di base, come un quadrato, ad esempio in "CUBISM I". Partendo da questo nucleo, sviluppo prospettive spaziali che a volte sono ispirate puramente dall'intuizione, altre volte costruite rigorosamente da criteri matematici. L'attenzione non è rivolta all'esatta composizione spaziale, bensì alla creazione di una realtà pittorica autonoma.

I miei dipinti si caratterizzano soprattutto per l'approccio multiprospettico. Non miro a una composizione spaziale precisa; piuttosto, desidero che lo spettatore scopra le proprie prospettive e si apra alla libertà della propria visione interiore. Nuove prospettive si possono spesso ottenere ruotando il dipinto, che rivela continuamente nuovi punti di vista e di fuga. In questo, mi rifaccio consapevolmente alla tradizione di dissoluzione spaziale del Cubismo analitico , che osservava il soggetto da molteplici angoli simultaneamente, ma traduco questo approccio in una percezione libera e soggettiva.

D'altro canto, l'immagine può essere una composizione intuitiva: superfici e forme si uniscono a partire da una sensibilità estetica momentanea; forma e colore derivano dall'ispirazione, con l'ordine costruttivo di base che ne costituisce sempre il fondamento. In "MERRY CUBISTIC CHRISTMAS", creo quest'ordine attraverso una rete di linee diagonali che trasformano l'albero di Natale in una struttura architettonica. Le tonalità di verde variano da un verde smeraldo intenso a sfumature più chiare, con l'intento di conferire profondità spaziale alla composizione.

Questa struttura è coronata da una stella gialla luminosa, che funge da centro geometrico di luce. Nella parte inferiore dell'immagine, massicci blocchi cubici dai colori vivaci ancorano l'opera, formando una solida base. Il contrasto tra queste forme solide e i segmenti a ventaglio dello sfondo conferisce alla figura centrale un aspetto quasi scultoreo.

La psicologia del colore e della superficie

Come giustamente osservò Goethe: "I colori sono opere di luce, opere e sofferenze" (Goethe, 2003, Prefazione). Questa visione influenza profondamente la mia comprensione delle mie opere: per me, il colore è il legame vitale che connette il rigore matematico della costruzione con il livello soggettivo della percezione.

Attingendo alla teoria dei colori di Goethe e alla sua descrizione dell' "effetto sensoriale-morale" del colore, trasforma l'ordine geometrico in un'esperienza emotiva più profonda. Ciò è particolarmente evidente nel contesto del mio dipinto natalizio: qui, i colori non sono mera decorazione, ma attivano singole catene di associazioni e ricordi biografici. Disegno le superfici con tonalità classiche come il rosso, il blu, il giallo e il verde, e le combino con colori scintillanti (oro, argento, bronzo, rame) e con texture tattili, opache o ruvide.

Osservando quest'opera, la struttura puramente costruttiva si dissolve e lascia spazio alla luminosa esperienza della propria infanzia: il calore dell'albero colorato e l'attesa dei regali rivivono all'istante.

anche psicologia del colore un ruolo cruciale: Frieling intendeva il colore come un fattore biologico che influenza direttamente il sistema nervoso autonomo attraverso l'occhio, attivando così depositi di conoscenza inconsci, collettivi e personali. Il disegno cromatico crea una risonanza che bilancia il sistema di coordinate razionali e rende percepibile la dimensione spirituale dello spazio non solo come costruzione, ma anche come un ritorno emotivo a casa.

Frieling sottolinea questo potere con l'intuizione che il colore è un "riflesso dell'uomo" e della sua struttura psicologica (Frieling, 1983, p. 12). Questa affermazione di Frieling costituisce il nucleo della sua teoria: i colori funzionano come segnali psicosomatici immediati. Bypassano l'intelletto filtrante e permettono anche a me di collegare il rigore geometrico della costruzione con l'esperienza emotiva dello spettatore.

In "FUTURFLOWERS I" le premesse del Cubismo Costruttivo . Mentre l'architettura del dipinto successivo "Merry Cubistic Christmas" si basa sulla rigorosa scomposizione della forma, il dinamismo dei "fiori futuri" infrange la rigida statica geometrica. Qui, tuttavia, il fiore non è concepito come una rappresentazione puramente botanica, bensì come una struttura geometrica, biologicamente analoga, composta da elementi colorati.

La dinamica cromatica di Frieling si manifesta nella scelta di colori nella loro forma più pura: l'interazione tra tonalità vibranti e accenti metallici crea una vibrazione visiva che simula la crescita e la vitalità della natura. Le "Futurflowers" rappresentano quindi la simbiosi tra costruzione tecnica e sviluppo naturale: sono una visione della natura che ha trovato il suo nuovo, atemporale ordine nella chiarezza della geometria.

Il costante sviluppo di questa libertà creativa culmina infine nella quarta opera di questa serie, che combina i principi di dissoluzione e ricostruzione della forma, precedentemente sviluppati, in una visione di grande formato.

In “CUBISTIC WORLD”, rendo visibile e tangibile l’architettura della superficie nella sua forma più pura. L’opera è dominata da una struttura triangolare centrale che, come un centro prismatico, stabilizza l’intero spazio pittorico. Ampi ponti bianchi tagliano la composizione come uno scheletro, domando i luminosi campi di colore.

Questo rigore geometrico crea un senso di profondità. L'opera si ricollega direttamente alla chiarezza strutturale del Cubismo analitico, ma la libera dalla sua tavolozza storicamente ridotta e smorzata: attraverso l'uso deliberato di ampie e luminose zone di colore, la sua rigidità dogmatica viene spezzata e trasformata in un linguaggio formale vibrante e moderno. In particolare, nel terzo inferiore del segmento centrale, compaiono rettangoli verticali stilizzati, che ricordano uno skyline lontano o monumenti moderni, conferendo all'immagine una dimensione urbana.

La deliberata texturizzazione delle singole superfici delle linee curve del "cielo" crea accenti tattili che formano un contrasto stimolante con le uniformi campiture di colore, ammorbidendo il rigore matematico e conferendo un tocco organico a questo mondo costruito. Questo chiude il cerchio delle mie considerazioni teoriche: CUBISTIC WORLD non è una testimonianza del decadimento del mondo, bensì la creazione sovrana e costruttiva di una nuova realtà ordinata. È la mia personale riconciliazione tra ragione ed emozione.

Per me, il Cubismo Costruttivo è molto più di un insieme formale di regole; è il tentativo di unire la razionalità geometrica all'immediatezza indomita dell'emozione umana. All'interno di questa tensione, la tela diventa una cassa di risonanza dove la precisione matematica e gli effetti psicologici del colore si compenetrano. In definitiva, questo approccio è l'architettura della mia anima: un modo per utilizzare la profondità storica dell'avanguardia per creare una nuova realtà multiprospettica nel qui e ora.

Letteratura (estratto)

• Cézanne, Paul: Lettere, a cura di John Rewald, Diogenes, Zurigo 1988.
• Düchting, Hajo: Cubismo, Borse, Colonia 2000.
• Frieling, Heinrich: Vivere più consapevolmente con i colori, Musterschmidt, Göttingen 1983.
• Gage, John: Storia culturale del colore: dall'antichità ai giorni nostri, Ravensburger, Ravensburg 1999.
• Goethe, Johann Wolfgang von: Sulla teoria dei colori, dtv Verlagsgesellschaft, Monaco 2003.
• Malevich, Kazimir: Il mondo non oggettivo, New Bauhaus Books, Magonza/Berlino 1980.
• Spieler, Reinhard (a cura di): Tutto – 9236 opere, Wilhelm-Hack-Museum, Ludwigshafen 2009.
• Wilhelm-Hack-Museum (a cura di): Arte del XX secolo – Una selezione dalla collezione, Ludwigshafen 1999.

Informazioni sull'autore e sull'artista

Il professor Michael Kastor è undocente universitario in pensione, pittore e musicista.

Dove il rigore matematico incontra la risonanza dell'anima, emerge una nuova dimensione di astrazione. Nelle opere del Prof. Dr. Michael Kastor, l'ordine geometrico si risveglia a un cosmo vibrante attraverso la forza emotiva del colore. Il testo ci invita a guardare oltre la struttura razionale della costruzione e a immergerci negli spazi cromatico-psicologici dei nostri ricordi.

Quattro dipinti acrilici esemplari del Cubismo Costruttivo, realizzati dall'autore stesso, illustrano queste considerazioni di teoria dell'arte.

Michael Kastor

Il professor Michael Kastor, nato nel 1958, intende l'arte come "l'architettura dell'anima". Professore emerito, pittore e musicista appassionato, utilizza la geometria come struttura organizzativa per rendere tangibile il potere psicologico del colore. Nei suoi testi e dipinti, riflette sulla profondità storica del Cubismo e la trasforma in un linguaggio visivo atemporale e non figurativo.