Roy Lichtenstein – La vita con l’arte

L'articolo "La strada verso la fama di Roy Lichtenstein" descriveva questo percorso e come si concluse, ovvero con un aumento quasi incredibile del valore delle sue opere. Lichtenstein dovette attendere a lungo prima che le sue opere potessero anche solo sostenerlo.

Vita e arte, o vita per l'arte? Lichtenstein ci provò

Roy Lichtenstein aveva quasi 40 anni quando ebbe la sua svolta artistica, e c'erano delle ragioni per questo: Lichtenstein non era mai stato uno di quegli artisti puri la cui vita consiste nello studiare e creare arte, trascorrendo del tempo con artisti e industrie creative , e nient'altro.

Lichtenstein era un artista e un uomo comune: iniziò a prepararsi per una professione perfettamente normale (l'insegnamento) e fu arruolato nell'esercito. Non poté sfruttare il fatto che l'esercito lo avesse portato a Parigi per la sua crescita artistica (e per la sua conoscenza di Picasso) come previsto, perché dovette tornare a casa a causa della grave malattia del padre.

Dopo la guerra completò la sua formazione da insegnante presso l'Ohio State University e, sebbene avesse iniziato un Master of Fine Arts , nel 1949 pose un altro ostacolo al suo "libero sviluppo come artista" sposandosi e avendo due figli con la moglie Isabel Wilson negli anni successivi.

Lichtenstein era quindi in parte responsabile del sostentamento della famiglia e negli anni '50 svolse ogni sorta di lavoro che serviva meno al suo sviluppo artistico e più a garantirgli il sostentamento.

Nella prima parte della sua vita non ebbe molto tempo da dedicare alla sperimentazione artistica e alla ricerca di un proprio stile: partecipò a una vita reale e vibrante a tal punto che non era facile, nemmeno per una persona creativa, sviluppare idee artistiche altamente raffinate parallelamente.

Svegliati, Lichtenstein! Ovvero: Cosa può fare un nuovo lavoro

Questa vita in Ohio, con occasionali viaggi artistici a New York, a 750 km di distanza, avrebbe potuto continuare all'infinito. Questo sarebbe stato particolarmente vero se Lichtenstein non avesse accettato un incarico di insegnamento alla Rutgers University nel New Jersey nel 1960. Fu lì che si trovò in un ambiente altamente creativo e incontrò tutti gli artisti che oggi sono considerati i "padri della Pop Art "

Alcuni degli artisti contemporanei più importanti si erano riuniti all'università in Ohio: Jim Dine e Claes Oldenburg , Lucas Samaras e George Segal, George Brecht e Geoffrey Hendricks, Dick Higgins e sua moglie Allison Knowles, George Maciunas e Robert Whitman, tutti riuniti attorno a due professori campus della Rutgers University Allan Kaprow , "l'inventore dell'Happening" , e Robert Watts , scultore ed espressionista e amico di Fluxus.

Tale creatività ispirò ancora una volta Lichtenstein e lo incoraggiò a perseguire idee ancora più stravaganti. Fino a quel momento, l'espressione artistica di Lichtenstein aveva l'Espressionismo , la vera e propria "corrente artistica dominante" dell'epoca, all'interno della quale Lichtenstein non riusciva a collocarsi del tutto tra le due scuole dominanti: l '"Action Painting" o gli "Espressionisti introversi" che, con le loro applicazioni pittoriche su larga scala, "richiamavano alla meditazione".

Le opere nate da questi tentativi di posizionamento hanno finora attirato poca attenzione nelle mostre di New York, soprattutto quando, alla fine degli anni Cinquanta, cominciò a dubitare del suo stile.

Lichtenstein aveva già iniziato a sperimentare con la rappresentazione di vari personaggi dei fumetti e personaggi Disney , ma non espose mai pubblicamente queste prime immagini Disney. Piuttosto, le ricoprì lui stesso. In seguito ammise di considerarle atti di disperazione. Un vero peccato, perché queste immagini di Bugs Bunny, Paperino e Topolino gli avrebbero probabilmente fruttato un sacco di soldi non molti anni dopo.

Infatti, quando Lichtenstein si lasciò ispirare dalle idee delle persone creative che lo circondavano, il risultato di questa fase sperimentale fu che egli "dimenticò" deliberatamente e completamente le sue capacità artistiche acquisite in precedenza e creò proprio un "quadro comico" come il suo primo quadro senza influenze espressioniste.

Nacque così lo stile distintivo di Lichtenstein. Dopo " Look Mickey", nella stessa estate del 1961 furono realizzati diversi altri dipinti in questo nuovo stile. In questo stile, Lichtenstein combinava immagini nitide, definite da linee decise, con aree monocromatiche, elementi che imitavano le tecniche di stampa industriale (i punti Ben-Day) e il fumetto tipico dei fumetti.

Nell'autunno del 1961, il professor Kaprow organizzò un incontro per lui con Ivan Karp, direttore della prestigiosa Leo Castelli Gallery di New York , al quale Lichtenstein presentò alcuni dei suoi dipinti nel nuovo stile. Karp li considerò promettenti e li mostrò al suo capo, Leo Castelli. Si dice che Castelli abbia deciso di rappresentare Lichtenstein "Ragazza con la palla", ma Karp non gli mostrò "Guarda Mickey",

Lichtenstein è “sulla bocca di tutti” – quasi impensabile senza Castelli

Forse fu proprio questa omissione a favorire la carriera di Lichtenstein, poiché Andy Warhol aveva iniziato a incorporare personaggi dei fumetti nelle sue opere più o meno nello stesso periodo. Si dice che abbia esposto queste immagini di fumetti anche alla Galleria Castelli, venendo respinto. D'altra parte, il rifiuto di Castelli e l'appropriazione dei fumetti da parte di Lichtenstein portarono Warhol ad allontanarsi dai fumetti e a rivolgersi ai beni di consumo, e quindi ora è al primo posto nella "classifica dell'arte di tutti i tempi", mentre Roy Lichtenstein è solo al 23° posto.

Ma tutto questo arriva molto più tardi. Ora, nel 1961, Lichtenstein è finalmente riuscito a ottenere un posto in una delle gallerie newyorkesi più ambite dell'epoca, e da lì la sua carriera decolla: i primi dipinti vengono venduti rapidamente, la sua prima mostra personale va esaurita prima ancora di essere inaugurata, e Lichtenstein può ora vivere dei suoi dipinti.

In seguito, riorganizzò completamente la sua vita: i decenni di inverni condivisi nell'entroterra, gli anni di lotta per la sopravvivenza e il suo matrimonio altrimenti teso con Isabel Wilson finirono con un divorzio; Lichtenstein si trasferì al centro d'arte di New York, incontrò altre figure di spicco della Pop Art come Robert Rauschenberg e Jasper Johns e si concentrò esclusivamente sulla pittura. Castelli aveva buoni contatti in Europa. Attraverso la sua ex moglie, Ileana Sonnabend, Lichtenstein ottenne anche riconoscimenti in Europa.

Produzione energetica in stile Lichtenstein

Fu così che negli anni '60 Lichtenstein divenne sempre più famoso e nel 1963 realizzò quello che è probabilmente il suo dipinto più famoso, "Whaam!" , che già nel 1966 era esposto alla Tate Modern di Londra. Negli anni successivi realizzò una moltitudine di opere d'arte, dedicandosi a un'ampia varietà di temi, sculture e installazioni di oggetti d'arte, spesso dipinti in serie.

Forse in consapevole contrasto con Andy Warhol, Lichtenstein non utilizzò mai fotografie come modelli, ma continuò a fare affidamento su fumetti o materiali stampati commerciali come la guida commerciale da cui "Girl with Ball" , e produsse sempre in modo visibile nel caratteristico stile Lichtenstein.

Nei suoi primi lavori, sperimentò molti temi, a volte utilizzando modelli riconoscibili e incorporando oggetti molto semplici. Come Warhol, fu influenzato all'epoca dalla nuova ondata di pubblicità commerciale per nuovi beni di consumo. Ciò diede vita a dipinti come "Sock" , "Roto Broil" e "Washing Machine" , tutti del 1961, che furono tutti condannati dai critici d'arte ma accolti con entusiasmo dai clienti di Castelli per la loro rappresentazione nuova e sottile.

Lichtenstein perseguì deliberatamente il legame tra arte e commercio , raggiungendo il suo primo punto culminante con il dipinto "Art" , che raffigurava solo la parola stessa su quasi due metri quadrati. Seguirono astrazioni in stile fumetto che ricordavano i dipinti di Picasso, sculture in ceramica e metallo, dipinti di paesaggi e serie di pennellate; la composizione di aree colorate con contorni neri marcati e aree punteggiate rimase coerente.

Questa produzione segnò l'inizio di importanti mostre: nel 1964, Lichtenstein fu il primo americano a esporre Tate Gallery Pasadena Art Museum in California ospitò la prima retrospettiva del suo lavoro e la sua prima mostra personale in Europa, che toccò Amsterdam, Londra, Berna e Hannover. Nel 1968, Lichtenstein partecipò per la prima volta a documenta (IV) a Kassel , seguita nel 1969 dalla sua prima retrospettiva al Guggenheim Museum di New York.

Il tempo degli onori, delle mostre e delle collezioni

Nel 1969, Lichtenstein ricevette anche l'incarico da Gunter Sachs di dipingere "Leda e il cigno" per la suite Pop Art del suo Palace Hotel di St. Moritz Academy of Arts and Sciences e acquistò una rimessa per carrozze a Southampton, a Long Island, dove costruì uno studio e trascorse un periodo di relativo isolamento.

Nel decennio successivo non si aggiunsero molte novità al suo stile; scoprì le illusioni ottiche e realizzò diverse nature morte, studiò nuovamente la storia dell'arte e dipinse quadri basati sui modelli di artisti famosi, come il "Cavaliere rosso" da Carlo Carrà e la "Scena del bosco" da Claude Monet .

Già negli anni '60, Lichtenstein aveva riprodotto capolavori di Cézanne, Picasso e Mondrian. In totale, ha prodotto più di 100 interpretazioni di noti dipinti di celebri colleghi. La mostra del 2010 "Roy Lichtenstein. L'arte come motivo" al Museum Ludwig di Colonia ha esplorato questo aspetto dell'opera dell'artista.

Questo viaggio attraverso l'opera di Lichtenstein tocca Cubismo ed Espressionismo, Futurismo e Modernismo, dallo stile degli anni '30 alla Minimal Art e alla pittura astratta . Lichtenstein non si limita a copiare, ma trova interpretazioni personali così interessanti per le sue reinterpretazioni dei classici che la sua esclusiva riduzione alla Pop Art in stile fumetto è forse deplorevole.

In questo periodo, Lichtenstein iniziò anche a rielaborare le sue opere, creando "Artist's Studio, Look Mickey" e altre riedizioni nel 1973 e nel 1974 come parte della sua serie "Artist's Studio". Accettò anche altre commissioni, tra cui un'Art Car per BMW nel 1977, una lampada scultorea per la chiesa di St. Mary in Georgia nel 1978 e "Mermaid" , una commissione pubblica che ora si trova di fronte al Fillmore Miami Beach, al Jackie Gleason Theater. Lichtenstein ricevette anche la sua prima laurea honoris causa nel 1977 dal California Institute of the Arts e nel 1980 gli fu conferita una laurea honoris causa dal Southampton College.

Negli anni '80, Lichtenstein evidentemente si stancò dei fumetti e tornò alle sue radici, creando paesaggi come "Alba" del 1984 e "Paesaggio con tetto rosso" del 1985, oltre a un'intera serie di "Schizzi di paesaggio ". Seguirono altre commissioni pubbliche: nel 1984, creò la scultura "Brushstrokes ", che ora si trova all'aeroporto internazionale di Port Columbus; l'anno seguente, il "Mural with Blue Brushstrokes" "El Cap" per i Giochi Olimpici ; e nel 1994, l'enorme murale nella stazione della metropolitana di Times Square a New York.

E altri riconoscimenti: nel 1987 ha ricevuto una laurea honoris causa dall'Ohio State University, nel 1993 ha ricevuto una laurea honoris causa dal Royal College of Art, nel 1995 gli è stato conferito il Kyoto Prize e la "National Medal of the Arts" americana, nel 1996 ha ricevuto una laurea honoris causa dalla George Washington University di Washington DC e in totale ha ricevuto molti altri premi.

Ironicamente, l'ultima opera di Lichtenstein fu un logo aziendale per la DreamWorks Records, eseguito nel suo stile inconfondibile, nonostante si fosse ormai allontanato notevolmente dalle sue immagini da fumetto. Se un osservatore dovesse cogliere una contraddizione, di certo non avrebbe infastidito l'artista, scomparso nel 1997. Lichtenstein non si prese mai troppo sul serio: "Non credo che qualunque cosa significhi sia importante per l'arte" è una sua celebre citazione (riportata nel libro "Roy Lichtenstein" di John Coplans, pubblicato nel 1972 da Praeger a New York, p. 54).

Si dice che in alcuni casi le critiche siano state piuttosto dure; ad esempio, la rivista "Life Magazine" pubblicò un articolo in cui si chiedeva se Lichtenstein "il peggior artista degli Stati Uniti" ; leggendaria è anche l'affermazione del famoso autore di fumetti e vincitore del premio Pulitzer Art Spiegelman , secondo cui "Lichtenstein non ha fatto né più né meno per i fumetti di quanto Andy Warhol abbia fatto per la zuppa".

Sebbene si dica che Lichtenstein abbia occasionalmente ammesso che le critiche a volte lo ferivano, in genere viene descritto come un conversatore amichevole e straordinariamente composto per quanto riguarda le sue valutazioni.

Opera d'arte di Roy Lichtenstein su Pinterest

Retrogusto sgradevole

Considerando i prezzi pagati oggi per un “Lichtenstein”, aveva davvero tutte le ragioni per mantenere tale compostezza: i milioni pagati durante la sua vita sono da allora aumentati di circa dieci volte.

È quindi ancora più deplorevole che ancora nel 2013, più di quindici anni dopo la morte dell'artista, appaiano delle presunte "muse" che, senza alcun rispetto per il secondo matrimonio di Lichtenstein, durato quasi trent'anni, vogliono trarre profitto dalla loro conoscenza con l'artista alla vigilia di una grande retrospettiva delle sue opere.

Oppure quando il gallerista che ha rappresentato Lichtenstein verso la fine della sua vita e da allora ha commercializzato la sua eredità finisce sui giornali soprattutto per le controversie legali che circondano l'arte di Lichtenstein..

su questo gallerista , ma questo è un altro argomento di cui potrete leggere presto.

Joachim Rodriguez y Romero

Titolare e amministratore delegato di Kunstplaza. Pubblicista, redattrice e blogger appassionata di arte, design e creatività dal 2011. Laureata in web design (2008). Ha approfondito le tecniche creative attraverso corsi di disegno a mano libera, pittura espressiva e teatro/recitazione. Ha una profonda conoscenza del mercato dell'arte acquisita attraverso anni di ricerca giornalistica e numerose collaborazioni con attori e istituzioni chiave del settore artistico e culturale.

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