¿Alguna vez has estado frente a una obra de arte y te has sentido impresionado por su intensidad visual y completamente perplejo por su mensaje? ¿Qué se supone que representa realmente? ¿Es arte o se puede tirar? ¿Qué intenta transmitirme el artista?
Si alguna vez has tenido esos pensamientos mientras mirabas una obra de arte y aún así no podías dejarlos ir, entonces lo más probable es que se tratara de una obra de arte abstracta.
¿Qué es el arte abstracto? – Características y definición
El arte abstracto , también conocido como “arte no representativo” o “arte no objetivo” , es, por definición, un término colectivo para los movimientos artísticos del siglo XX que surgieron después de 1900. Utiliza medios artísticos de expresión que son parcial o completamente abstractos del objeto y, por lo tanto, se superpone con el cubismo.
Los artistas abstractos crean obras completamente desvinculadas de la naturaleza y los objetos reales. Rechazan por completo cualquier forma de representación. Su conciencia y su impulso creativo se basan en la estética por sí misma.
El arte abstracto explicado de forma sencilla y concisa:
El arte abstracto es un arte que no intenta crear una representación precisa de una realidad visual, sino que utiliza superficies, líneas, colores, formas, texturas y signos gestuales para lograr su efecto
«Arte Concreto» también surge con frecuencia en este contexto, y una distinción clara del arte abstracto solo es posible hasta cierto punto. El término fue introducido por Theo van DoesburgArt Concret en 1930 .
El arte de la abstracción está inextricablemente ligado al concepto de arte concreto; este último, en sentido estricto, representa una rama del arte que se basa idealmente en principios matemáticos y geométricos. Fuente de la imagen: Freepik
Estrictamente hablando, representa una forma de arte específica que idealmente se basa en principios matemáticos y geométricos.
El arte abstracto, junto con la música, es posiblemente una de las formas más puras de expresión artística . Ofrece a los artistas plena libertad para comunicar sentimientos y emociones, sin la limitación de elementos figurativos dentro de la realidad objetiva.
El arte abstracto también suele tener una dimensión moral, representando virtudes como el orden, la pureza, la sencillez y la espiritualidad, y propagándolas pictóricamente. Ha constituido un movimiento central en el arte moderno .
Las pinturas abstractas se pueden crear con diversos medios, y muchos artistas utilizan pinturas acrílicas. Las pinturas abstractas al óleo y las acuarelas también son muy populares entre los artistas contemporáneos. Sus lienzos tienen una gran demanda entre coleccionistas, comerciantes y amantes del arte de todo el mundo.
¿Qué idea hay detrás de este movimiento artístico?
Arte abstracto: pintura abstracta y ejemplo de arte no figurativo. Fuente de la imagen: rawpixel.com, vía Freepik
Como se mencionó al principio, el tema clave es la estética como tal y la liberación de las formas de expresión de una restricción representacional.
Las raíces conceptuales probablemente se remontan a la antigua Grecia. El marco filosófico para clasificar y apreciar las cualidades formales de una obra de arte se deriva, por tanto, de una afirmación de Platón :
“Las líneas rectas y los círculos no sólo son bellos... sino eternamente y absolutamente bellos”
Básicamente, Platón quería expresar que las imágenes no representativas (por ejemplo, formas geométricas simples) poseen una belleza absoluta e inmutable.
Por tanto, una obra puede ser apreciada y valorada únicamente por sus líneas y colores: no está obligada a representar un objeto natural o una escena representativa.
Arte no figurativo: Obra abstracta del Museo de Bellas Artes de Boston, EE. UU. Imagen de lucia @luciadong, Unsplash.com
El pintor, litógrafo y teórico del arte francés Maurice Denis (1870-1943) era evidentemente muy consciente de esta idea de Platón cuando escribió:
Recuerde que una imagen, antes de convertirse en un caballo de guerra o en una mujer desnuda… es esencialmente una superficie plana cubierta de colores en un orden específico”
Algunos artistas abstractos describen su ambición como la de crear el equivalente visual de una pieza musical, una que pueda verse y apreciarse por sí misma. No quieren que el espectador tenga que preguntarse: "¿De qué trata realmente esta pintura? ".
La historia del arte abstracto: desde sus inicios hasta la actualidad
Precursores en la Edad de Piedra
Si nos remontamos un poco al pasado, el arte abstracto ya tenía importancia hace unos 70.000 años con grabados prehistóricos. Por ejemplo, dos rocas grabadas con patrones geométricos abstractos de este período se encontraron en la cueva de Blombos, en Sudáfrica.
Luego hubo hallazgos arqueológicos de puntos abstractos de ocre rojo y plantillas manuales utilizadas en las pinturas de la cueva de El Castillo del período 39.000-34.000 a. C.).
Después de eso, los símbolos abstractos aparentemente se convirtieron en la forma predominante del arte rupestre paleolítico durante mucho tiempo y se encontraron aproximadamente el doble de veces que las imágenes figurativas.
Orígenes y comienzos en el siglo XIX
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Las formas de arte abstracto, tal como las conocemos hoy, son mucho más recientes. Su origen se encuentra en el alejamiento de la pintura académica clásica en la Europa de finales del siglo XIX y principios del XX.
Antes de eso, la pintura y la escultura los principios tradicionales del realismo clásico, tal como se enseñaban en las principales academias europeas . Estos principios establecían que la función primordial del arte era la representación de una escena reconocible o un objeto concreto.
La época de finales del siglo XIX y principios del XX, caracterizada por una gran abundancia de creación artística, produjo toda una serie de pintores que investigaron en detalle las conexiones y los mecanismos inherentes de la luz y la percepción visual.
Muchos artistas de renombre anteriores a esta época pintaron utilizando los métodos del realismo clásico , empleando perspectivas realistas, sombreado y otras técnicas para crear escenas y objetos históricos.
La época romántica se caracterizó por una actitud hacia el arte que rechazaba la imitación e idealización del clasicismo. En cambio, se enfatizaba el papel de la imaginación y el inconsciente como factores creativos esenciales .
Gradualmente, muchos pintores de este período comenzaron a apreciar la recién adquirida libertad creativa y las nuevas exigencias que acompañaron la convergencia de estas actitudes. El impresionismo como movimiento artístico (c. 1870-1880) ya mostraba los primeros indicios de un alejamiento de la pintura estrictamente figurativa .
En particular, las variantes del puntillismo neoimpresionista y del postimpresionismo llamaron la atención sobre el efecto especial del color como recurso estilístico.
En "El buitre en las rocas" de Karl Mediz (postimpresionismo) ya se puede ver un claro alejamiento del realismo.
El expresionismo alemán estableció finalmente el uso libre de formas y colores como piedra angular de la pintura. El posterior movimiento Art Nouveau (c. 1890-1914) también influyó en el desarrollo del arte abstracto.
Fuertes tendencias simbolistas se pueden ver ya en “Las muchachas” del representante del Art Nouveau Gustav Klimt
La cita de Maurice Denis de 1890 (véase más arriba) resume a la perfección este cambio. Resume con maestría el sentimiento predominante entre los artistas simbolistas y postimpresionistas de su época.
principios del siglo XX
Todos los grandes movimientos de las dos primeras décadas del siglo XX, incluido el fauvismo, el expresionismo , el cubismo y el futurismo, enfatizaron de alguna manera la brecha entre el arte y la apariencia natural de sus sujetos.
Sin embargo, existe una diferencia significativa entre simplemente abstraer la apariencia real de un sujeto y crear obras de arte a partir de formas, líneas y estructuras que no tienen equivalente en nuestro entorno natural.
En los años previos a la Primera Guerra Mundial, artistas como Robert Delaunay, Wassily Kandinsky, Kasimir Malevich y Vladimir Tatlin en el arte fundamentalmente abstracto.
"Sobre lo espiritual en el arte", publicado en 1911, se convirtió en un manifiesto fundacional.
Wassily Kandinsky: Pintura abstracta «Amarillo, rojo y azul» (1925)
Sin embargo, ahora se cree que la artista sueca Hilma af Klint creó la primera pintura abstracta en Estocolmo cinco años antes que Kandinsky. Sus obras futuristas, con formas biomórficas y geométricas sobre un fondo impactante, fueron revolucionarias para su época.
Mientras Vassily Kandinsky se forjó una reputación como pintor de éxito, las obras de Klint pasaron prácticamente desapercibidas durante mucho tiempo debido a su carácter discreto. Mantuvo la mayor parte de su obra en secreto y rara vez la expuso.
Pidió a su familia que pospusiera la publicación de sus obras hasta veinte años después de su muerte, creyendo que el mundo aún no estaba preparado para su visión. Su obra permaneció oculta hasta 1986, cuando despertó un gran interés.
Los diez más grandes, n.° 7, edad adulta, grupo IV, 1907 de Hilma af Klint
Este nuevo estilo de pintura se consideraba "arte puro" porque los motivos surgían exclusivamente de la mente de los artistas y no eran copiados ni referenciados en el mundo real. Se priorizaban las cualidades formales de una obra de arte por encima de su temática representativa.
Este abandono total de cualquier forma de representación fue visto con bastante crítica por la mayoría, incluso por los artistas progresistas de la época. Durante la Primera Guerra Mundial, el surgimiento del grupo De Stijl en los Países Bajos y del grupo Dada en Zúrich amplió aún más el espectro del arte abstracto.
Obra de arte abstracta al estilo de Action Painting y técnica de goteo de Jackson Pollock , por Paul Blenkhorn de Sensory Art House Abstract Art Studio @SensoryArtHouse, vía Unsplash.com
Paul Klee suele omitirse de la lista de nombres que se mencionan regularmente en los debates sobre la abstracción en el arte de principios del siglo XX, y esto es, sin duda, injustificado. Su extensa obra, que abarca tanto el período temprano como el tardío, ofrece una gran cantidad de ejemplos impresionantes del desarrollo de mundos visuales abstractos y de procesos efectivos de abstracción pictórica.
Mientras que sus artistas contemporáneos a menudo abordaban la temática de forma radical, impactando al público con sus composiciones no figurativas, Paul Klee se esforzó por encontrar conexiones y continuidades en sus pinturas abstractas. Integró elementos figurativos en muchas de sus obras y, mediante títulos cuidadosamente seleccionados, abrió nuevas posibilidades de interpretación. Esto incluso pudo haber sido una razón decisiva del notable éxito de este artista.
Abstracción. El romanticismo sereno de este estilo, desprovisto de patetismo, no tiene precedentes
Klee lo señaló en 1915. Otra observación sobre el grado de abstracción en el arte del mismo año parece hoy más relevante que nunca y puede aplicarse universalmente a la existencia moderna:
Cuanto más aterrador es este mundo, más abstracto es el arte, mientras que un mundo feliz produce un arte terrenal
Estas reflexiones no sólo demuestran el profundo compromiso de Klee con el arte, sino que también nos invitan a redescubrir su obra y reflexionar sobre su relevancia en nuestro tiempo actual.
La obra abstracta de Klee, "Fuego en Luna Llena", es un ejemplo brillante del uso de formas abstractas para representar una idea multifacética. El fuego y la luna se simbolizan mediante formas geométricas repetidas rodeadas de zonas más oscuras que enfatizan las llamas danzantes y la atracción gravitatoria de la luna. Los colores intensos realzan aún más la sensación de movimiento palpitante, mientras que las zonas oscuras y grises proporcionan un contraste relajante.
Cuadro abstracto «Fuego en la luna llena» (1933) de Paul Klee, reproducción limitada
Las obras abstractas de Paul Klee están profundamente arraigadas en temas como la naturaleza, la arquitectura, la música y la escritura. Estos elementos le permitieron destilar la esencia de la pintura. Su arte exhibe un rico uso de la línea y el color, revelando una diversidad de posibilidades. Por ejemplo, la colorida abstracción de sus acuarelas "Vistas del jardín de Hammamet " (1914) difiere considerablemente de las explosivas composiciones que creó durante la Primera Guerra Mundial.
Durante la Bauhaus, las pinturas de campos de color de Klee, que representaban árboles en flor, se transformaron en formas minimalistas de asociaciones arquitectónicas. Sus últimas obras son particularmente impactantes, con formas oscuras que evocan plantas o caracteres escritos. Músico entusiasta, Klee también encontró estructuras rítmicas en sus composiciones abstractas, de las que se pueden discernir claramente tonos y melodías musicales.
Guerras mundiales y posguerra
El avance de este movimiento artístico se vio frenado por las Guerras Mundiales. Ante las políticas totalitarias y los movimientos artísticos que se centraban cada vez más en surrealista y realista socialmente crítica , las obras abstractas recibieron poca atención durante este período.
Sólo después del final de la Segunda Guerra Mundial surgió una enérgica escuela norteamericana de pintura abstracta, llamada “expresionismo abstracto” , que tendría una gran y duradera influencia en el mundo del arte.
Desde la década de 1950, el arte abstracto ha sido un enfoque reconocido y extendido en la pintura y la escultura europeas y americanas. Este movimiento artístico sin duda ha confundido a mucha gente y probablemente aún provoca desconcierto en algunos espectadores.
Sin embargo, para aquellos amantes del arte que aceptan y aprecian su lenguaje no referencial, no hay duda de su valor y de los logros de sus artistas.
7 formas de arte no representativo en detalle
Obras abstractas en la Galería de Arte, Wilson y Avenida Amazonas David Adam Kess [CC BY-SA]
Más pinturas y esculturas abstractas de la Galería de Arte Wilson y Avenida Amazonas David Adam Kess [CC BY-SA]
Para realizar una clasificación lógica dentro de este término colectivo, en principio se pueden distinguir estilísticamente los siguientes seis tipos básicos en función de ciertas características:
01 Arte curvilíneo
Este tipo de abstracción curvilínea está estrechamente relacionado con el arte celta, que empleaba diversos motivos y patrones abstractos, como nudos, trenzas y espirales (incluido el trisquel).
Sorprendentemente, los celtas no fueron los creadores. Culturas más antiguas ya utilizaban estos diseños celtas siglos antes. Sin embargo, es innegable que los celtas revitalizaron esta forma de arte, perfeccionaron su nivel de detalle y delicadeza, y contribuyeron significativamente a su difusión.
Más tarde, los motivos curvilíneos regresaron durante el Movimiento de Renacimiento Celta del siglo XIX y el influyente movimiento Art Nouveau del siglo XX, particularmente en cubiertas de libros, textiles, papeles pintados y diseños de chintz de William Morris (1834-96) y Arthur Mackmurdo (1851-1942).
William Morris
William Morris nació en 1834 cerca de Londres, concretamente en Walthamstow. Su familia pertenecía a la clase acomodada, ya que su padre trabajaba en la bolsa de valores, lo que le dejó una herencia considerable.
Los intereses y habilidades de Morris eran diversos y abarcaban desde la pintura y la poesía hasta las artes decorativas y la arquitectura.
Morris era un apasionado amante de la naturaleza, hecho que se reflejaba en sus elaboradas decoraciones adornadas con delicadas flores y pájaros. Sus coloridas obras ocultaban su temperamento, a veces exaltado.
Bajo su dirección, la empresa se expandió considerablemente y ahora también producía alfombras, tapices y papeles pintados.
Aunque Morris permaneció ocupado trabajando en su negocio hasta su muerte, aún encontró tiempo para disfrutar de su pasión por el tejido de alfombras y escribir poemas y leyendas.
Hojas de acanto, rosa silvestre sobre fondo morado, siglo XIX (papel pintado), de William Morris
Arthur Heygate Mackmurdo fue un arquitecto y diseñador visionario inglés cuyas ideas influyeron significativamente en el movimiento Arts and Crafts . En particular, mediante la fundación del Century Guild of Artists en 1882, en colaboración con Herbert Horne, impulsó significativamente el desarrollo del arte abstracto.
Como pionero del estilo moderno , se le considera una fuerza impulsora del movimiento Art Nouveau mundial.
Página de título de las iglesias de la ciudad de Wren, diseño de Arthur Heygate Mackmurdo, grabado por G. Allen
La abstracción curvilínea también influyó en el arte islámico .
02 Arte con fuerte referencia al color y la luz
Ejemplos de este tipo son las obras de William Turner (1775-1851) y Claude Monet (1840-1926). Emplean el color o la luz con tanta habilidad que separan la obra de la realidad figurativa, mientras el objeto se disuelve en un remolino de pigmentos.
William Turner
William Turner , uno de los artistas ingleses más importantes, ingresó en la Real Academia en 1789. Paralelamente a sus estudios, también fue aprendiz del acuarelista Thomas Malton. Expuso sus acuarelas por primera vez en una exposición de la Real Academia en 1790 y presentó allí su primer óleo seis años después.
Tras un período de viajes que lo llevó a Escocia, Suiza y Francia, Turner abrió su propia galería en 1804. En 1807, fue nombrado profesor de la Real Academia y comenzó "Liber Studiorum ", un catálogo en el que categorizó la pintura según criterios específicos.
Un viaje a Italia en 1819-1820, durante el cual pasó una larga temporada en Roma, provocó un cambio en el estilo de Turner. Sus pinturas se distanciaron cada vez más del realismo, lo que provocó duras críticas. Algunas de sus últimas obras dejaron de exhibirse en la Real Academia debido a la desaparición de los elementos figurativos.
Posteriormente, Turner viajó repetidamente al sur de Europa, en particular a Venecia, ciudad que lo fascinó con sus colores transfigurados e inspiró varias pinturas. Con sus colores brillantes y puros, se le considera uno de los paisajistas más destacados del Romanticismo .
William Turner “Atardecer sobre un lago” (1840), impresión giclée enmarcada
De igual modo, varias obras fauvistas de Henri Matisse (1869-1954) pueden clasificarse como pertenecientes a este tipo. Lo mismo ocurre con varias pinturas expresionistas de Kandinsky y con obras de su colega Franz Marc (1880-1916).
Además, el pintor checo Frank Kupka (1871-1957) creó algunas de las primeras pinturas abstractas de gran intensidad cromática, que posteriormente Robert Delaunay (1885-1941). Delaunay, en su orfista , también inspirado en el cubismo, también se apoyó en el color.
Pintura de campos de color y abstracción lírica
A finales de la década de 1940 y en la de 1950, la abstracción relacionada con el color reapareció en forma de pintura de campos de color Mark Rothko (1903-70) y Barnett Newman (1905-70)
La pintura de campos de color, que utiliza grandes áreas de colores brillantes e intensos, también fue impulsada por Clyfford Still . Esta pintura se caracteriza por centrarse en la interacción de colores, más que en ideas o formas específicas. Se utilizaron lienzos de gran formato para dotar a las obras de una expresividad impactante.
Al abandonar las disposiciones pictóricas convencionales y las representaciones figurativas, se dio rienda suelta al impacto inmediato de los campos de color puros. Mark Rothko es uno de los representantes más importantes de este movimiento. Composiciones abstractas con numerosos campos rectangulares en diferentes tonos, de igual o similar carácter, definen su obra. Aunque también utiliza colores primarios intensos, predominan los tonos tierra cálidos.
De igual manera, Clyfford experimentó con una abstracción aún mayor en sus obras. Al hacerlo, creó pinturas de gran formato con colores intensos y contrastantes. De esta manera, el artista evocaba una fuerte respuesta emocional.
La pintura de campos de color, mediante su enfoque revolucionario, creó nuevos espacios para los sentimientos personales y provocó emociones en el espectador al evitar los métodos de representación convencionales. La abstracción lírica , como variante de este estilo, surgió por primera vez en Francia en la década de 1950.
03 Abstracción geométrica
Esta forma de arte más intelectual, que emplea formas geométricas, surgió hacia finales de la primera década del siglo XX. Una forma temprana, aún poco desarrollada, fue el cubismo, concretamente el cubismo analítico.
Rechazó por completo la perspectiva lineal y la ilusión de profundidad espacial en la pintura, rompiendo con muchos de los estándares previamente prevalecientes en el mundo del arte. Esta reorientación radical llevó a los artistas a centrarse por completo en los aspectos bidimensionales de la pintura.
La abstracción geométrica también se conoce como arte concreto y arte no objetivo , con un fuerte enfoque en imágenes no naturalistas, utilizando formas geométricas simples como círculos, cuadrados, triángulos, rectángulos, etc.
La completa falta de cualquier referencia o conexión con el mundo natural la convierte prácticamente en la forma más pura de abstracción.
Algunos ejemplos de arte concreto incluyen:
Círculo negro (1913) de Kasimir Malévich (1878-1935), expuesto en el Museo Estatal Ruso de San Petersburgo.
Broadway Boogie-Woogie (1942) de Piet Mondrian (1872-1944) – expuesta en el MoMA de Nueva York
Composición VIII (La vaca) (1918) de Theo van Doesburg (1883-1931), también expuesta en el MoMA de Nueva York
Un homenaje a la plaza de Josef Albers (1888-1976)
04 Arte óptico
El arte óptico , a veces también conocido como Op Art , surgió por primera vez en la década de 1960. El artista húngaro Victor Vasarely (1906-1997), que estudió intensamente los fenómenos ópticos, influyó significativamente en este movimiento.
Para crear ilusiones visuales, los artistas del Op Art, entre ellos artistas de renombre como Julio Le Parc , François Morellet y Yaacov Agam , jugaron con colores, formas y luz. Fue una especie de reversión del movimiento expresionista abstracto de las décadas anteriores.
Mientras que el arte óptico se centraba en engañar la mirada del espectador e inducir un estado de obsesión visual, los artistas del expresionismo abstracto comunicaban sus sentimientos y emociones mediante pinceladas dinámicas. Los patrones geométricos y los efectos ilusorios caracterizaban este movimiento artístico.
Las imágenes resultantes, creadas mediante una hábil interacción de contrastes de color y forma, hacían imposible al espectador distinguir el primer plano del fondo, o la representación realista del diseño puro. Los creadores del Op Art no solo buscaban una experiencia estética, sino también la participación activa del público.
Prácticamente invitaban al espectador a ver a través de las ilusiones visuales y a resolver el misterio de la obra de arte poniendo a prueba sus sentidos. Gracias a este componente interactivo, el arte óptico fue una tendencia artística notable.
El arte óptico también ejerció una enorme influencia en otros campos como el diseño y la arquitectura. Sus principios se aplicaron al diseño de objetos cotidianos, fachadas de edificios e incluso a la moda.
05 Arte abstracto emocional o intuitivo
Este tipo de arte . Se caracteriza fundamentalmente por una mezcla de estilos. Se puede identificar un tema común, marcado por una tendencia naturalista.
Esta inclinación hacia el naturalismo se revela en la manera de utilizar las formas y los colores. A diferencia de la abstracción geométrica, que prescinde casi por completo de referencias a la naturaleza figurativa, esta forma de arte adopta una dirección ligeramente diferente.
La abstracción intuitiva busca dar vida a la naturaleza en sus obras, pero de una manera menos representativa.
Dos fuentes importantes de este tipo de arte son la abstracción orgánica (también abstracción biomórfica ) y el surrealismo .
Mark Rothko, nacido en Rusia .
Reproducción del cuadro “Verde, rojo sobre naranja” de Mark Rothko enmarcado
Entre las obras ejemplares de abstracción intuitiva se incluyen, además de las pinturas de Mark Rothko:
Composición No. 4 (1911) y Composición VII (1913) de Wassily Kandinsky - expuestas en la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen y la Galería Tretjakow
El plato, tenedor y ombligo típicos (1923) de Jean Arp (1887-1966) – en una colección privada
Mujer (1934) de Joàn Miró (1893-1983) – también en colección privada
Inscape: Morfología psicológica n.º 104 (1939) de Matta (1911-2002), también en colección privada
Divisibilidad infinita (1942) de Yves Tanguy (1900-1955), expuesta en la Allbright-Knox Art Gallery de Buffalo (EE. UU.)
Ejemplos en escultura y tallado:
El beso (1907) de Constantin Brancusi (1876-1957) – Kunsthalle, Hamburgo
Madre e hijo (1934) de Barbara Hepworth (1903-1975), expuesta en la Tate Gallery
Pip gigante (1937) de Jean Arp – exhibido en el Museo Nacional de Arte, Centro Georges Pompidou, Francia
Tres figuras de pie (1953) de Henry Moore (1898-1986) – Museo Guggenheim, Venecia
06 Abstracción gestual
La abstracción gestual es una variante o subforma del expresionismo abstracto. En este estilo, se concede mayor importancia al proceso de creación de la pintura que antes.
Por ejemplo, aquí la pintura se puede aplicar de maneras inusuales. La pincelada también suele ser muy suelta, espontánea y rápida.
Entre los representantes estadounidenses famosos de la pintura gestual se incluyen Jackson Pollock (1912-1956), el inventor de la pintura de acción y la técnica del goteo , y su esposa Lee Krasner (1908-1984), quien lo inspiró con su propia forma de pintura de goteo.
Jackson Pollock describió el arte abstracto como una "energía y un movimiento revelados" a crear arte sin autocensura y de forma intuitiva, "desde las entrañas".
“Number IIA” (1948) de Jackson Pollock, Editions Pierre D'Harville (con licencia de J. Pollock/SOFAM Belgique)
Otras figuras importantes fueron Willem de Kooning (1904-97), famoso por su serie "Mujer", y Robert Motherwell (1912-56), que alcanzó fama mundial por su serie "Elegía a la República Española" .
ilustrada por el tachismo como por el grupo CoBrA , entre el que cabe destacar especialmente a Karel Appel
07 Minimalismo
Como contramovimiento a la pintura gestual del expresionismo abstracto, el minimalismo como un movimiento artístico de vanguardia en los EE. UU. Una especie de posmodernismo , por así decirlo.
También se liberó de toda referencia y asociación externa. Se redujo a lo que realmente se ve, nada más.
El minimalismo suele adoptar formas geométricas o estructurarse según principios geométricos. Este movimiento artístico está dominado por la escultura y ha sido especialmente frecuente en la arquitectura y el diseño moderno desde la década de 1980.
el Museo Barberini de Potsdam presentó una impresionante exposición de más de noventa obras del pintor Gerhard Richter . La exposición se centró en el arte abstracto. Esta exposición amplió el contexto de las obras de Richter de más de cincuenta años. El de Berlin-av tuvo la oportunidad de conocer a Gerhard Richter en la inauguración de la exposición. En el vídeo, Richter analiza diversos aspectos de su obra artística durante una rueda de prensa.
Gerhard Richter, a menudo llamado el "Picasso del siglo XXI ", es reconocido por la diversidad de su obra. Una exposición en laHaus der Kunst en 2009 presentó, por primera vez, una selección completa de sus pinturas abstractas creadas desde la década de 1970. Estas obras de gran formato, en su mayoría creadas en serie, reflejan la intensa exploración de Richter sobre los principios y límites de la pintura.
Su proceso creativo se caracteriza por una "espontaneidad planificada ", en la que trabaja sin un motivo preconcebido e incorpora el azar. Utilizando pinceles, espátulas y rasquetas, crea capas tras capas de elementos de color cambiantes, que a menudo resultan en estructuras espaciales, pero nunca en objetos claramente reconocibles. Muchas de estas pinturas pasan por más de treinta etapas, y los restos del proceso permanecen cautivantes.
Las más de cincuenta obras de la exposición se caracterizan por su impresionante intensidad de color y son una experiencia visual de “cascadas de colores embriagadoramente psicodélicos” .
“1025 colores” (1974) de Gerhard Richter, reproducción en papel
Quizás a usted también le haya pasado esto: se encontró deteniéndose en una determinada obra de arte abstracta, observándola durante mucho tiempo y sintiendo una cierta atracción , sin poder comprender completamente por qué.
No es fácil de explicar, pero es innegable. El arte no figurativo puede evocar una fascinación única que cautiva nuestras mentes. Puede provocar diversas asociaciones y procesos de pensamiento en los espectadores, impulsando nuestra imaginación a un viaje.
Comprender el arte abstracto no es particularmente difícil en sí mismo: básicamente, todo lo que necesitas es una mente abierta y una buena dosis de imaginación.
El primer paso es desprenderse de las ideas habituales y las creencias arraigadas. Comprender el arte abstracto consiste principalmente en mirar más allá de cómo conocemos y percibimos las cosas. Solo entonces se despliega el verdadero poder de estas obras.
El dibujante y pintor nacido en Armenia Arshile Gorky lo resume así:
La abstracción permite al ser humano ver con la mente lo que no puede percibir físicamente con los ojos. El arte abstracto permite al artista percibir el infinito más allá de lo tangible y extraerlo de lo finito. Es la emancipación de la mente. Es una exploración de territorios desconocidos
(traducción aproximada del inglés)
La abstracción se basa en la intuición y la libertad (tanto para él como para el espectador). Es la capacidad del artista de usar su imaginación para ver más allá de lo físicamente visible y plasmar emociones inmateriales en el lienzo.
También es la capacidad del público de conectar con la intención del artista en el arte abstracto y liberar su propia mente de las limitaciones visuales.
Lo más importante que hay que entender sobre esta forma de arte es que no tiene por qué tener un significado específico, una historia o incluso una explicación clara.
Su propósito principal es fomentar la imaginación y un enfoque intuitivo. Esta forma de arte se centra principalmente en ofrecer al espectador una experiencia intangible y emocional, que suele ser completamente diferente para cada persona, dependiendo de su personalidad y estado de ánimo en el momento de la contemplación.
Todo esto hace que el arte abstracto sea increíblemente emocionante y enriquecedor.
Comprensión del arte abstracto: una breve guía
Hemos aprendido que no se trata de reconocer y encontrar figuras o patrones familiares en obras abstractas.
Si las explicaciones de la última sección son demasiado generales para usted y aún no está seguro de cómo proceder, entonces quizás los siguientes consejos le ayuden:
Al intentar comprender la abstracción, es importante reconocer que diferentes formas de abordar y clasificar el arte.
Para apreciar el arte moderno, el enfoque no debe estar en cuán realistamente el artista ha pintado algo o a alguien y cuántos detalles sofisticados están presentes, sino más bien en cuán exitosa es una obra en evocar emociones y crear una conexión profunda con el artista.
Las pinturas abstractas también pueden apreciarse en términos de sus elementos individuales : color, forma, línea, textura, espacio, intensidad, etc. La habilidad de un artista abstracto radica en su capacidad de utilizar colores y texturas de la manera más efectiva posible y crear una composición completa (armoniosa) a partir de estos elementos.
¡No mires el reloj! No hace falta que te quedes frente a una obra abstracta durante horas. Pero tómate todo el tiempo que te dicte tu intuición. El tiempo no debería influir. Bajo ninguna circunstancia debes fijar un límite de tiempo de antemano.
Todos sabemos que el arte es subjetivo y que a veces hay obras con las que simplemente no conectamos, sobre todo cuando se trata de arte abstracto. Acepta este hecho o inténtalo de nuevo en otro momento.
¡No menosprecies la imaginación del artista ni su valor! Si no te gusta una obra o no conectas con ella, simplemente reflexiona sobre qué te hace sentir así. Quizás esto te abra una nueva perspectiva. Y ese, al fin y al cabo, es el secreto de este tipo de arte.
¡Ignora el título! En la mayoría de los casos, las pinturas abstractas tienen títulos extremadamente vagos (por ejemplo, "Número 4" o "Negro y Rojo"). No te dejes engañar. La mayoría de los artistas abstractos evitan deliberadamente usar títulos significativos o incluso promocionales. Enfatizan que interactúas con su arte y, en última instancia, encuentras tu propio significado personal en él. Solo en algunos casos un título puede ser útil para guiar tu imaginación en una dirección determinada.
Lea el texto mural o las explicaciones en las guías de arte o folletos que lo acompañan. Este contenido puede proporcionarle información importante sobre la trayectoria o la intención artística del artista. Consejo: Intente ver la obra sin contexto primero; esto le permitirá una experiencia más intensa y sin restricciones.
¡Deja que la pintura te hable! Despeja tu mente de cualquier otro pensamiento. Dale tiempo a la obra y deja que sus emociones resuenen contigo. Observa los colores y las texturas. ¿Qué sientes? ¿Qué pensamientos te rondan la mente? Jackson Pollock dijo una vez: «Deja que la pintura te haga preguntas, y no al revés».
¡No te presiones! No te preocupes si no sientes algo inmediatamente con cada cuadro. Una pintura abstracta no necesita evocar una conexión contextual; es decir, no tienes que sentir todas las emociones que transmite. Si no te transmite nada, es perfectamente aceptable. Las emociones negativas también son posibles y debes reconocerlas.
¡No olvides que la abstracción no tiene por qué tener significado! Si bien comprender una obra de arte puede evocar una sensación momentánea de victoria, sumergirse en su misterio brinda un placer duradero.
¿Qué es la fotografía abstracta?
En el mundo de la fotografía abstracta, los fotógrafos se inspiran en la estética y las técnicas del arte abstracto y las reproducen en la fotografía. Esto se logra mediante la combinación de objetos, escenas y técnicas fotográficas cotidianas para crear imágenes que se corresponden con otras formas de arte abstracto.
Barbara Crane fue una fotógrafa que utilizó primeros planos extremos, sombras exageradas y sobreexposición para crear ópticas experimentales que distorsionaban los paisajes urbanos tradicionales.
En su serie Loop, transformó rascacielos y bloques de apartamentos en imágenes geométricamente abstractas y de alto contraste. La artista describió su enfoque de la siguiente manera:
Aunque me baso en experiencias pasadas, intento desprenderme de viejos hábitos de visión y pensamiento. Busco constantemente algo visualmente nuevo. Al mismo tiempo, espero que forma y contenido se fusionen
Kimberly Poppe también usa su cámara para explorar nuevas perspectivas. Sus fotografías de paisajes están más influenciadas por las pinturas de Rothko que por los panoramas oceánicos que él fotografía. El expresionista abstracto estadounidense es una de sus influencias más importantes.
Sven Pfrommer, fotógrafo contemporáneo y artista visual residente en Berlín, también se dedica de forma impresionante a la fotografía abstracta y trabaja con gran éxito en todo el mundo.
¿En qué museos y exposiciones puedo encontrar obras abstractas significativas?
Si bien el arte no representativo se puede ver en la mayoría de los principales museos de arte del mundo, hay una serie de colecciones notables en museos prestigiosos que albergan obras importantes y especiales de esta forma de arte.
Merece especialmente la pena visitar los siguientes museos importantes:
Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York
Museo Samuel R. Guggenheim, Nueva York
Galería de Arte Albright-Knox, Buffalo, Nueva York
Galería Tate Modern, Londres
Centro Georges Pompidou, París
Guggenheim Bilbao
Guggenheim Venecia
Museo de Arte de Basilea
Museo Stedelijk, Ámsterdam
Museo Nacional de Arte Moderno, París
MOMAT, Museo Nacional de Arte Moderno, Tokio
Instituto de Arte de Chicago
Museo de Arte Contemporáneo de Sídney
Comprar arte abstracto: a qué debes prestar atención
A través de intercambios y discusiones con otras galerías, y también en los Art Trade Reports de los últimos años, hemos observado una tendencia hacia una nueva generación de jóvenes coleccionistas de arte que pueden clasificarse como nativos digitales y que compran arte casi exclusivamente en línea.
Además del arte urbano y el arte callejero , el arte abstracto es especialmente popular en las compras en línea. Se ha establecido un precio máximo de alrededor de 25.000 €, lo que representa un aumento significativo en el valor de las obras comercializadas en línea en los últimos años.
Según el Informe Global Art Market Report 2024 de Art Basel y UBS, la confianza en las ventas globales en línea aumentó nuevamente en 2023, alcanzando un estimado de 11.800 millones de dólares estadounidenses a nivel mundial, lo que representa un aumento del 7% respecto al año anterior (2022) y representa el 18% de las ventas totales del mercado.
Arte abstracto en nuestra galería online
En nuestra galería de arte virtual, también tienes la oportunidad de adquirir obras de arte abstractas únicas y coloridas, directamente del artista o de la galería asociada.
Cada una de estas pinturas fue creada con la pasión y la excepcional destreza de un artista talentoso. Explora la diversidad de las formas artísticas más abstractas e inspírate con imágenes que cuentan tu historia personal.
Sumérjase en un mundo lleno de inspiración creativa con nuestra amplia gama de exquisitas obras maestras abstractas.
Las obras de esta colección están disponibles para su compra, ya sea directamente del artista o a través de su galería. Simplemente haga clic en las piezas que desee para obtener más información.
Pinturas abstractas en nuestras galerías asociadas
Nuestras galerías asociadas, Singulart y Artfinder, ofrecen una variada colección de obras de arte moderno. Estas galerías en línea son conocidas por sus colecciones cuidadosamente seleccionadas, que muestran tanto a artistas internacionales consagrados como emergentes.
ars mundi encontrará obras de excepcional expresividad y diversidad creativa .
Estas galerías asociadas ofrecen una amplia selección de obras de arte abstractas que se adaptan a cualquier estilo de diseño de interiores imaginable, ya sea que prefiera colores vibrantes, formas enérgicas o texturas suaves.
Más consejos y guías
Para obtener más información, consejos y recomendaciones sobre la compra de obras de arte abstractas, consulte nuestros artículos relacionados:
Arte contemporáneo de la abstracción expresiva alemana y austriaca
Quien busque artistas contemporáneos con una clara tendencia hacia formas de expresión no representativas, encontrará lo que busca en el corazón de la ciudad del arte y la cultura de Dresde .
Aquí, Thomas Stephan Inspire Art, un centro para artistas centrados en la abstracción expresiva, que desde entonces ha crecido de manera constante y florecido gracias en gran parte a un equipo de artistas talentosos, auténticos y dedicados, convirtiéndose en un centro para entusiastas del arte, artistas y comerciantes de arte.
El grupo central establecido de Inspire Art incluye a Etienne Donnay, Florian Maiorescu, Marcin Marz, Mila Plaickner y Elena Drobychevskaja.
la pintura informal puede ser confusa, extraña y abrumadora. El equipo de Inspire Art busca contrarrestar esto con su enfoque de presentar obras de arte modernas de una manera comprensible y auténtica. Se fomentan debates participativos y creativos en las luminosas salas de la galería de arte de Dresde.
Puede mantenerse actualizado sobre los nuevos lanzamientos de artistas alemanes e internacionales en www.inspire-art.de .
En el sitio web de la galería también encontrará una descripción general de su extensa cartera de arte moderno, así como su fascinante y diversa colección de posiciones de arte contemporáneo de diferentes movimientos artísticos, con un fuerte enfoque en el arte abstracto.
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Propietaria y directora general de Kunstplaza. Publicista, editora y bloguera apasionada en los ámbitos del arte, el diseño y la creatividad desde 2011. Licenciada en diseño web (2008). Ha perfeccionado sus técnicas creativas mediante cursos de dibujo a mano alzada, pintura expresiva y teatro/actuación. Posee un profundo conocimiento del mercado del arte, fruto de años de investigación periodística y numerosas colaboraciones con figuras e instituciones clave del sector artístico y cultural.
Como cualquier otra área de estudio, el arte contiene una gran cantidad de terminología, expresiones, abreviaturas y palabras extranjeras específicas de la materia.
En esta sección, nos gustaría presentarles algunos de los términos más importantes y comunes que se utilizan a lo largo del tiempo.
aprenderá y profundizará en su comprensión de una amplia gama de información, definiciones, términos litúrgicos, notas, términos técnicos comunes y sus abreviaturas, así como conceptos de teoría del arte, historia del arte
En el arte, los artistas y las obras de arte se clasifican en períodos estilísticos . Estos se basan en características comunes de las obras de arte y los productos culturales de una época determinada.
La división en épocas sirve como herramienta para estructurar y clasificar obras y artistas dentro de un marco temporal y un acontecimiento histórico-cultural.
El conocimiento de los periodos artísticos desempeña un papel fundamental, especialmente en el comercio del arte , así como en la teoría del arte y el análisis de la imagen clásica.
En esta sección del blog de arte, nos gustaría ayudarle a comprender mejor estas épocas, estilos y movimientos.
Estilos y movimientos artísticos
El estilo artístico o estilo de las obras de arte se refiere a la expresión uniforme de las obras de arte y productos culturales de una época, un artista o grupo de artistas, un movimiento artístico o una escuela de arte.
Se trata de una herramienta para clasificar y sistematizar la diversidad del arte. Señala similitudes que difieren de otras.
El término está relacionado temáticamente con el período artístico , pero no se limita a un período de tiempo específico y, por lo tanto, es mucho más amplio.
En esta sección, nos gustaría ayudarle a comprender mejor los estilos y movimientos artísticos.
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