Pablo Picasso – nacido para ser artista

Pablo Picasso sigue siendo una figura destacada en el mundo del arte, apreciada por muchos conocedores y amantes del arte, y también en las ventas; en el año de subastas de 2013 (40 años después de su muerte) estuvo entre los artistas que alcanzaron las cifras de ventas más altas.

Esto es así desde hace mucho tiempo, al fin y al cabo, él lleva mucho tiempo “creando arte” (para Picasso simplemente “pintar” no es suficiente, porque no sólo pintaba, sino que también creaba obras de arte completamente diferentes).

Todo lo que tocó el artista cubista era bueno, excepcionalmente bueno, y cualquiera que lo estudie eventualmente querrá saber por qué, ya que uno parece poder aprender algo de su manera de abordar un tema o una vocación.

¿Puede uno, por ejemplo, explicar por qué una buena educación es la mejor base no sólo para ser bueno en "su campo", sino también para desarrollar criterios de evaluación propios e independientes y para seguir desarrollando su campo de conocimiento a través del pensamiento independiente?

Picasso mostró desde muy pequeño un talento innato para la pintura y el dibujo; incluso siendo un niño pequeño, se dice que aprovechaba cada rincón de la arena para dibujar. Si bien muchos niños pequeños hacen esto, Picasso simplemente tuvo suerte en el desarrollo temprano de su talento: su padre era pintor y también trabajaba como profesor de arte y dibujo en una escuela de artes aplicadas; reconoció el talento de su hijo muy pronto y lo cultivó desde el principio.

Sin duda, es un trampolín extraordinario cuando un niño superdotado tiene padres que trabajan (y también enseñan) en el mismo campo en el que el niño demuestra su talento.

Semejante golpe de suerte no es algo que se dé por sentado ni siquiera para los niños cuyos padres practican directamente el desarrollo del talento postnatal hasta un punto casi histérico. Ese no fue su caso, por cierto; el pequeño Pablo empezó a pintar a temprana edad bajo la guía de su padre, pero antes de eso, se le permitió simplemente "ser un niño" durante un buen tiempo. La educación infantil aún no se había inventado a finales del siglo XIX.

A Picasso se le permitió jugar sin ser molestado hasta los siete años; solo entonces su padre comenzó a guiarlo en la pintura. Con gran éxito, el primer óleo respetable se atribuye a "Pablito", de nueve años.

Terminada en 1890, "El pequeño picador" representa a un torero en la plaza de toros. Pablo había sido llevado a las corridas de toros por su padre cuando era niño; este típico "ritual de iniciación al mundo de la edad adulta" español hizo que el artista se sintiera fascinado por las corridas de toros durante toda su vida.

El “pequeño picador” era probablemente la expresión de un deseo secreto del pequeño Pablo; se le representa desproporcionadamente grande en relación con su caballo, y el caballo parece bastante desaliñado y un poco “pesado”.

Pero los rostros del público al fondo, y especialmente el hecho de que el niño de nueve años creara un fondo espacial sin ningún problema, ya sugieren que un talento increíble está en camino (para ver: pablo-ruiz-picasso.net/work-261.php).

Un año después, la familia Ruiz-Picasso se mudó al extremo opuesto de España, al noroeste, a La Coruña, en Galicia. Su padre había aceptado un puesto como profesor de arte en el Instituto da Guarda . El Instituto da Guarda era en realidad una escuela de artes y oficios, donde solo se impartían clases a mujeres, pero el aspirante a artista, que entonces tenía diez años, fue admitido en esta escuela de bellas artes por insistencia de su padre.

A los 13 años, el joven artista ya tenía la confianza suficiente para firmar sus obras, aunque todavía totalmente centrado en su padre, “P. Ruiz” (con el apellido de su padre) fue la primera firma de Picasso.

¿Quién fue Picasso? | Galileo (Vídeo)

La emancipación de Picasso como artista autodeterminado

En enero de 1895, la familia de Picasso sufrió una tragedia devastadora: su hermana Concepción falleció a los siete años por difteria. Como respuesta (y, se cree, también ante el ya evidente y excepcional talento de su hijo), su padre abandonó la pintura y se trasladó al otro extremo de España, a la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona, ​​en el extremo noreste.

Picasso pudo (de manera ciertamente excepcional) presentarse a los 14 años al examen de ingreso en esta academia de arte, que aprobó con nota, dejando atónitos a todos los que le rodeaban.

Se le permitió saltarse los dos primeros grados y se encontró inmediatamente con un material avanzado: la imitación perfecta de las pinturas de los “viejos maestros”, en este caso las obras de los pintores españoles del siglo XVII.

Picasso fue capaz de copiar estas obras a la perfección; en algunas de las pinturas creadas alrededor de 1895, se podían apreciar claros ecos de la maestría de Francisco de Zurbarán y del joven Diego Velázquez, ambos legendarios artistas visuales españoles del siglo XVII.

En 1896, su cuadro "La Primera Comunión" expuso en Barcelona y recibió críticas elogiosas en la prensa; el retrato de Felipe IV realizado por Picasso (basado en un dibujo de Velázquez, terminado en 1897) atrajo la atención; su primera composición importante, "Ciencia y Caridad" (1897), una variación de la pintura histórica, entonces popular, ganó premios en exposiciones de arte en Madrid y Málaga.

Su "talento de niño prodigio" le valió al cubista su primer estudio propio a los 15 años (instalado por su padre, cerca del apartamento de sus padres), pero la fama temprana le interesaba tan poco como seguir copiando a los antiguos maestros realistas; a los 16 años ya estaba harto de todo esto y se fue a estudiar a Madrid, a la Real Academia de San Fernando, por entonces la escuela de arte más prestigiosa del país.

El cubista ya estaba en esa época siguiendo la pista de su propio estilo; la pintura de su padre (el realismo académico) fue desestimada con las palabras: “Mi padre pintaba cuadros para comedores; perdices o tórtolas, pichones y conejos” (Jaime Sabartés: Picasso. Conversaciones y recuerdos, Die Arche, Hamburgo, 1992, p. 13).

Pronto abandonaría también la Real Academia de Arte; no le gustaban los métodos de enseñanza y encontraba más interesantes los museos y los lugares de reunión de artistas de la capital.

Tras una pausa forzada por enfermedad, Picasso regresó a Barcelona en 1898, donde conoció a los artistas de vanguardia españoles y donde se presentó su primera exposición individual en febrero de 1900 en el café, cabaret y lugar de encuentro de artistas "Els Quatre Gats" (Los Cuatro Gatos, en catalán) (recibió críticas bastante negativas y aún no fue un gran éxito de ventas).

Sin embargo, continuó desarrollando su estilo sin inmutarse hasta 1907 a través de numerosos viajes, a París para la Exposición Universal y de ida y vuelta entre París, Madrid y Barcelona.

Se reunió con artistas, marchantes de arte y galeristas, y comenzó su "Periodo Azul". Los expertos y empresarios del mundo del arte reconocieron el talento del joven artista; en 1901 tuvo lugar la primera exposición de Pablo Picasso en París, y las pinturas del Periodo Azul fueron mejor recibidas por la crítica que sus obras anteriores.

Sin embargo, el gran éxito comercial seguía sin llegarle; en el invierno de 1902, pintaba con aceite de lámpara y calentaba su casa con dibujos porque no tenía dinero para comprar pintura al óleo (aglutinante) ni carbón. No fue hasta 1905 que fue "descubierto" en París por el coleccionista de arte estadounidense Leo Stein, hermano de la legendaria escritora y coleccionista de arte Gertrude Stein, quien pronto también mostró interés por su obra.

Esto le abrió las puertas a Picasso para unirse al "Salón" de los Stein, una reunión social que se celebraba en días fijos donde se reunían importantes artistas parisinos, y a la que, naturalmente, los galeristas también asistían con frecuencia. El galerista parisino Vollard compró obras del genio artístico español por 2000 francos, una cantidad que podía sustentar a alguien durante bastante tiempo en aquel entonces.

El Periodo Azul (que comenzó con la muerte de un amigo) dio paso al Periodo Rosa, en el que la melancolía azul desaparece y aparecen arlequines, malabaristas y funambulistas. ¿Quizás la expresión, atribuida de forma algo ambigua, «ver las cosas de color rosa» provenga en realidad de Picasso? Sin embargo, sus comediantes provenían de la trágica Commedia dell'arte, y aquellos eran, en efecto, bufones melancólicos.

La búsqueda constante del propio estilo da sus frutos

Desde el invierno de 1906, preparó su primera obra importante con alrededor de 800 estudios: el cuadro «Las señoritas de Aviñón», que finalizó en julio de 1907. La pintura, de casi seis metros cuadrados, representa a varias mujeres desnudas; su estilo muestra claramente rasgos cubistas. Este cuadro marcó el inicio del «período negro» .

Los anteriores mecenas de Picasso no comprendían la "pintura inmoral"; solo el joven galerista franco-alemán Daniel-Henry Kahnweiler, que acababa de abrir su primera galería en París, supo apreciar la emergente tendencia del cubismo . Se convirtió en el mecenas más importante de Picasso y, a partir de entonces, expuso sus obras.

Hacia finales de este año crucial, Picasso Georges Braque , un encuentro que tendría enormes consecuencias para el curso posterior de la historia del arte: Braque y Picasso pintaron por separado durante el verano de 1908, pero, inspirados por el mismo espíritu, crearon cuadros muy similares, para los que pronto surgió el término cubismo en la crítica de arte.

Picasso y Braque (que fueron casi inseparables hasta mayo de 1909) y Kahnweiler elaboraron los principios básicos de la pintura cubista; en 1911 se les unió el pintor español Juan Gris; los amigos influirían posteriormente en muchos otros artistas de la época, como Fernand Léger y Robert Delaunay, quienes unieron fuerzas con Albert Gleizes, Jean Metzinger, Henri Le Fauconnier y otros en 1911 para formar el grupo cubista "Groupe de Puteaux" .

Este grupo de cubistas expuso en el Salón de los Independientes , lo que supuso un hito para el cubismo en el panorama artístico parisino. El posterior debate público sobre el cubismo también contribuyó a que las obras de Picasso y Braque alcanzaran gran notoriedad.

¿Un efecto secundario agradable para los cubistas de galería Picasso y Braque, que no querían tener nada que ver con los “cubistas de salón” y ni siquiera les permitieron el acceso a sus estudios?

Aunque dudoso, las dos ramas del cubismo discutieron ferozmente, incluso en una serie de informes de prensa y en organismos políticos, y de todos modos Picasso fue lo suficientemente bueno como para desarrollar su propio cubismo.

Paralelamente a esta guerra artística parisina, Picasso hacía tiempo que había conquistado el mundo y otros centros de arte mostraban un gran interés por el artista: antes de la Primera Guerra Mundial, había expuesto varias veces en Alemania, Inglaterra y Estados Unidos, y despertó entusiasmo en gran parte del mundo artístico interesado en la vanguardia.

Con ello, logró el reconocimiento como artista. Mientras que la escena artística europea, con Alemania como uno de sus centros, se vio significativamente ralentizada por las Guerras Mundiales y el turbulento período de entreguerras, el arte moderno, en todas sus formas, resurgió rápidamente tras la Segunda Guerra Mundial, y él se encontraba ahora en el centro de la escena artística moderna internacional.

Se mostró por primera vez en la 25ª Bienal de Venecia en 1950, luego en la Documenta 1 de Kassel en 1955 y en la Documenta 2 en 1959. Continuó en esta línea: en 1960 estuvo en la 30ª Bienal de Venecia, en 1964 en la Documenta 3, en 1976 en la 37ª Bienal de Venecia, en 1977 en la Documenta 6 y en 1978 en la 38ª Bienal de Venecia.

Picasso nunca deja de evolucionar

Las exposiciones mencionadas anteriormente son solo algunas de las más importantes de Picasso; hubo muchas más durante su vida. En los últimos tres casos, el artista ya había fallecido, pero su obra apenas comenzaba a revelar su verdadero impacto. Estas pocas exposiciones durante su vida contrastan con las cerca de 2000 exposiciones póstumas realizadas hasta la fecha en todos los centros de arte contemporáneo, tanto consagrados como emergentes, del mundo.

13 días en la vida de Pablo Picasso (Parte 1)

Película de Pierre Daix, Pierre Philippe y Pierre-André Boutang, 1999: «En 13 capítulos, este extraordinario documental muestra momentos clave en la vida y obra de Pablo Picasso. Testimonios de testigos presenciales, material de archivo y documentos inéditos dan vida al hombre y al artista de forma vívida, en el contexto de su época».

Este documental, junto con los otros 12, se puede encontrar en la lista de reproducción del canal de YouTube de moriundmori – Documentales de Arte.

Su excelente formación es, sin duda, una de las razones por las que Picasso sigue fascinando a los amantes del arte. Pero eso no es todo; ante todo, destaca la increíble amplitud de su obra. Picasso modeló y creó esculturas, realizó grabados y diseño gráfico, dibujó carteles e ilustraciones para libros, diseñó escenografías y vestuario, hizo cerámica, decoró platos y bandejas, escribió poemas y obras de teatro y, además de todo eso, inventó rápidamente algo nuevo, como un nuevo compuesto de arcilla y la pintura fotográfica con luz.

Por supuesto, Picasso no se limitó al cubismo; retomó las tradiciones clásicas y mantuvo un largo diálogo con el surrealismo. Su proceso artístico de plasmar las guerras que lo conmovieron dio como resultado la pintura antibélica más famosa de todos los tiempos, y su obra tardía reinterpreta el arte de los antiguos maestros, añadiéndoles ingenio e ironía y experimentando con todo lo que estaba a su alcance.

Puedes leer más sobre esta increíble diversidad del gran artista en el artículo “Art-o-Gramm: Picasso – Arte famoso y su secreto” .

Tampoco hay que olvidar el siguiente factor: Picasso dispuso de una cantidad increíble de tiempo para crear arte a lo largo de su vida. Estuvo activo de forma continua desde finales de su primera década, y el pintor español vivió hasta la asombrosa edad de 91 añosrelata la vida de Picasso «Art-o-Gram: Picasso – Una larga vida para el arte».

Y nunca permitió que las circunstancias adversas de la vida frenaran su poder creativo, aunque los acontecimientos actuales a menudo trastocaban sus planes, como se puede leer en “Art-o-Gramm: Picasso: un artista y tres guerras”.

Retrato del genio de la pintura española por Frédéric Rossif (1981)

Todo es comprensible, pero todavía queda una pregunta: ¿por qué el arte de Picasso fue consistentemente tan bueno?

El artículo «Art-o-Gram: Picasso – Arte famoso y su secreto» y, sin duda, también el artículo «Art-o-Gram: Picasso – El artista, la vida y el amor». Finalmente, analizaremos su enorme y perdurable impacto en los artículos «Art-o-Gram: Picasso – Una garantía para los primeros puestos» y «Art-o-Gram: Picasso hoy».