Roy Lichtenstein – La strada verso la fama e i record nel mercato dell’arte

Roy Lichtenstein, insieme ad Andy Warhol, uno di quegli artisti le cui opere sono riconosciute da tutti, (quasi) ovunque nel mondo. Ha prodotto la sua arte distintiva fin dagli anni '60, diventando rapidamente una delle figure di spicco dell'arte moderna.

E quindi, naturalmente, uno dei protagonisti principali della Pop Art ; la sua opera è considerata l'arte che ha definito in modo parodistico i requisiti fondamentali della Pop Art meglio di qualsiasi altro artista.

Lo stesso Lichtenstein descrisse la Pop Art come “non pittura ‘americana’, ma in realtà pittura industriale ”, ma uno sguardo alla carriera e all’ascesa dell’artista mostra che il prezzo delle sue opere si è sviluppato in un modo che ricorda non la produzione industriale di massa, ma piuttosto la costruzione di impianti nell’industria su larga scala.

L'inizio confortevole di Lichtenstein nel mondo dell'arte

Roy Fox Lichtenstein nacque nel 1923 a New York City da una famiglia ebrea della classe medio-alta, con un agente immobiliare come padre e una madre nel tradizionale ruolo di casalinga. Crebbe nell'Upper West Side, la zona esclusiva di Manhattan situata tra Central Park e le rive del fiume Hudson, e dopo aver frequentato la scuola elementare pubblica, frequentò la scuola privata Franklin School for Boys.

Lichtenstein disegnava fin dall'infanzia, ma poiché questo hobby non veniva insegnato alla Franklin, durante gli anni della scuola si iscrisse alla Parsons School of Design per dipingere ad acquerello il sabato.

Il giovane Lichtenstein era interessato anche all'antropologia e alle scienze naturali; trascorreva molto tempo all'American Museum of Natural History, che si trovava molto vicino alla casa dei suoi genitori.

È anche noto che Lichtenstein, da adolescente, ascoltava con passione i radiodrammi allora molto popolari. Si dice che prediligesse in particolare quelli le cui storie ruotavano attorno a (anti)eroi a volte oscuri, noti anche per i fumetti, come "The Shadow" , "Flash Gordon" o "Buck Rogers" .

In seguito, questa giocosa osservazione fu interpretata come segue: il giovane Roy aveva inconsciamente assorbito cliché eroici e mistici. L'adolescente versatile e ricettivo frequentava spesso i concerti jazz all'Apollo Theater di Harlem, dove disegnava con devozione i musicisti.

Durante il suo ultimo anno di liceo, Lichtenstein, precedentemente frequentante la Parsons School of Design, entrò a far parte dell'organizzazione che l'aveva fondata, l' Art Students League of New York , dove si iscrisse al corso estivo.

Qui lavorò sotto la supervisione di Reginald Marsh , un artista del regionalismo americano , nel quale, oltre a una rappresentazione realistica della vita rurale, si dava poco spazio alla comprensione dello sviluppo delle nuove tecnologie e quindi anche alla comprensione della nuova arte.

i "regionalisti realistici" fin dai tempi del liceo; erano molto apprezzati negli Stati Uniti negli anni '30. Durante il periodo della Grande Depressione, le immagini idilliache della vita rurale americana assolsero a uno scopo compensatorio simile a quello dei nostri film Heimat dopo la Seconda Guerra Mondiale.

Probabilmente Lichtenstein era emozionato all'idea di disegnare sotto la guida di una celebrità di cui aveva letto nel suo primo libro d'arte, "Thomas Craven's Modern Art" del 1934.

Sebbene Marsh rappresentasse certamente un realismo sociale che non si limitava a graziosi paesaggi, il suo allievo rimase presto deluso dalla richiesta di Marsh di una pratica artistica realistica, che trascurava sia il rapido sviluppo della tecnologia sia considerava superfluo lo sviluppo di un proprio stile artistico.

Forse Lichtenstein aveva tratto anche un'ispirazione completamente diversa dal regionalismo; in ogni caso, dopo il liceo decise di esplorare di più il suo paese e scelse di studiare all'Ohio State University (dal 1940).

Secondo la tradizione, questo fu un vero colpo di fortuna per l'aspirante artista, anche se inizialmente, su richiesta dei suoi genitori, aveva puntato a una qualifica per l'insegnamento: studiò con l' artista e professore Hoyt L. Sherman , che avrebbe notevolmente ampliato i suoi orizzonti artistici.

Sherman, appassionato e maestro dell'arte moderna , introdusse Lichtenstein alle più importanti influenze artistiche dell'epoca: Cézanne e van Gogh , Mondrian e Gauguin, Matisse e Picasso e molti altri. Soprattutto, l'incoraggiamento di Sherman a ricercare un proprio approccio e il suo concetto di unità della percezione avrebbero avuto un'influenza duratura su Lichtenstein.

Lichtenstein iniziò ora ad approfondire la storia dell'arte; si potrebbe persino dire che volesse conoscere tutto sull'arte fin dalle prime pitture rupestri. A ricordo di questo periodo, la Fondazione Lichtenstein conserva una copia di "Art Through the Ages" (1936) di Elizabeth Gardner, con l'indirizzo di Lichtenstein a Columbus (capitale dell'Ohio e sede dell'università) stampato all'interno della copertina.

L'auto-scoperta artistica di Lichtenstein viene bruscamente interrotta

Nel 1943, la Seconda Guerra Mondiale colpì Lichtenstein; prestò servizio nell'esercito fino al 1945, anno in cui fu inviato in Europa. Dopo la guerra, Lichtenstein seguì corsi di storia e francese a Parigi e cercò di far visita al suo idolo Picasso, cosa che non poté fare perché fu richiamato a casa dopo sole sei settimane: suo padre stava morendo.

Lichtenstein completò la sua formazione da insegnante nell'estate del 1946 e iniziò un Master of Fine Arts , che terminò nel 1950. Nello stesso periodo, gli fu offerto un incarico di insegnante d'arte , che ricoprì regolarmente fino al 1951 e occasionalmente anche in seguito.

Nel frattempo, aveva sposato Isabell Wilson, con la quale si era trasferito a Cleveland perché lei aveva trovato lavoro lì. A differenza di Lichtenstein, che si dedicava a lavori di ogni tipo, come disegnatore e designer di lattine, poté esporre per la prima volta in una personale a Cleveland e tenne persino la sua prima mostra personale a New York nel 1951, ma l'attesa ondata di entusiasmo per i suoi dipinti poco astratti non si concretizzò inizialmente.

Lichtenstein viaggiò avanti e indietro tra Cleveland e New York, lavorò come disegnatore e vetrinista, ebbe il suo primo figlio nel 1954 e il secondo nel 1956 e nel frattempo dipinse anche un po'.

In questo periodo non accadde molto dal punto di vista artistico: Lichtenstein oscillava ancora tra espressionismo e cubismo e un'astrazione autodeterminata , deformò alcuni tipici dipinti americani e dipinse costruzioni in legno, si cimentò con sculture in legno e metallo e, fino al 1955, espose in totale tre volte a New York, ma non vendette quasi nulla.

Queste non erano le condizioni ideali per contribuire al sostentamento di una famiglia di quattro persone, così nel 1957 riprese l'attività di insegnante e nel 1958 gli fu offerto un posto come professore associato di arte alla New State University di Oswego, dove insegnò per i successivi anni.

Finalmente! – L'ascesa alla fama di Lichtenstein

Nel 1960 Lichtenstein si trasferì alla Rutgers University, nello stato del New Jersey. Qui incontrò Allan Kaprow , l' inventore degli "Happenings" , e tramite lui importanti artisti contemporanei come Robert Watts, Jim Dine, Claes Oldenburg , Robert Rauschenberg e Jasper Johns , ovvero i pionieri della Pop Art in forma concentrata.

Si dice che tutti questi incontri con le loro influenze abbiano innescato una sorta di scintilla iniziale in Lichtenstein; nel 1961 dipinse i suoi primi quadri Pop Art, sperimentando dapprima con immagini di chewing gum, poi pubblicandole in grande formato, rompendo poi con tutte le tradizioni del suo lavoro artistico precedente, incorporando il fumetto nei suoi quadri e utilizzando con entusiasmo tecniche di stampa industriale.

La sua prima opera di grande formato, in cui utilizzò figure dai contorni netti e punti Ben Day (speciali punti mezzatinta la cui tecnica di stampa fu inventata da Ben Day), fu l'opera "Look Mickey" del 1961, ora esposta alla National Gallery of Art di Washington DC.

Questa foto è stata scattata quando uno dei suoi figli ha tamburellato con il dito nel mezzo di un libro di Topolino e ha detto:

Scommetto che non sai dipingere così bene, eh, papà?" ("Scommetto che non sai dipingere così bene, vero, papà?").

Nello stesso anno Lichtenstein realizzò altre sei opere d'arte raffiguranti personaggi noti tratti da involucri di gomme da masticare e cartoni animati; aveva ormai trovato il suo stile.

L'anno seguente trovò anche in Leo Castelli che gli garantiva l'affitto tramite pagamenti continuativi se Lichtenstein avesse lavorato esclusivamente per la sua galleria, una forma comune di sostegno per Castelli, che estendeva anche agli artisti promettenti.

Castelli aveva già esposto le opere di Lichtenstein in precedenza, ma non era mai stato disposto a offrire questo tipo di borsa di studio. La situazione cambiò bruscamente, poiché l'arte reinventata di Lichtenstein riscosse un successo clamoroso, tanto che la mostra personale del 1962 alla Galleria Castelli andò esaurita prima ancora di essere inaugurata.

Come Lichtenstein sta davvero portando il mercato dell'arte internazionale al passo con i tempi

Quello che segue è una digressione sull'artista Lichtenstein; tuttavia, la rappresentanza di Lichtenstein da parte di noti galleristi e l'aumento dei prezzi di vendita dei suoi dipinti costituiscono una breve storia molto interessante del settore delle gallerie di New York e, allo stesso tempo, un resoconto di come questo settore stia perdendo terreno a favore del mercato internazionale delle aste d'arte .

Come già accennato, Lichtenstein poté esporre a New York per la prima volta nel 1951, presso la Julius Carlebach Gallery . In questo periodo, ebbe anche la fortuna di attirare l'interesse del mecenate progressista Leo Castelli, che espose le opere di Lichtenstein nella sua galleria newyorkese a partire dagli anni '50 e, dopo la straordinaria mostra personale del 1962, assunse la rappresentanza esclusiva dell'artista. Da quel momento in poi, Castelli organizzò regolarmente mostre con opere di Lichtenstein.

Prima e dopo quest'anno, a New York vennero fondate numerose gallerie dedicate all'arte moderna e le opere di Lichtenstein finirono per essere esposte in ognuna di queste gallerie: inizialmente spesso da John Heller, nella Pace Gallery e nella Brooke Alexander Gallery , da Mary Boone e Rosa Esman, da Marilyn Pearl e James Goodman, da Blum Helman, Phyllis Kind, Hirschl & Adler, Getler Pall, da Holly Solomon e Condon Riley, nelle Sperone Westwater Galleries e da Mitchell-Innes & Nash.

Verso la fine della sua vita, la sua arte subì anche l'influenza del potente delle Gagosian Galleries : si potrebbe dire che Lichtenstein accompagnò con le sue opere la storia delle gallerie newyorkesi.

Sempre a partire dagli anni '60, l'opera di Lichtenstein fu presentata da Ileana Sonnabend (già Ileana Castelli) e dalla sua galleria di Parigi; è grazie a lei che si aprì un mercato europeo per Andy Warhol , Roy Lichtenstein e altri artisti della Pop Art. Altre gallerie esposero le sue opere in altre parti degli Stati Uniti, come la Ferus Gallery di Los Angeles, fondata nel 1957.

Grazie all'impegno di tutti questi galleristi, la fama di Lichtenstein crebbe costantemente, ma l'artista dovette il suo vero successo finanziario a una diversa forma di distribuzione: molto presto, le opere di Lichtenstein ottennero risultati eccezionali alle aste d'arte . Ad esempio, nel 1970, "Big Painting No. 6" (creato nel 1965) fu venduto per 75.000 dollari in un'asta tenuta da Sotheby's al mercante d'arte e gallerista tedesco Rudolf Zwirner.

Record così scarsi non sarebbero durati a lungo: "Torpedo…Los!" del 1963 fu venduto per 5,5 milioni di dollari di Christie's del novembre 1989, proiettando Lichtenstein nel triumvirato degli artisti pagati i prezzi più alti per singole opere d'arte.

Ovunque sia rimasta, nell'asta successiva di Christie's a New York, il "Kiss II" è stato venduto per 6 milioni di dollari, superato da "Happy Tears" nell'asta di Christie's del novembre 2002, che ha raggiunto i 7,1 milioni di dollari.

Poi è seguito un grande e gratificante balzo: nel 2005, "In the Car" (1963) è stato venduto per 16,25 milioni di dollari; nel 2010, "Ohhh...Alright..." del 1964 è stato battuto all'asta per 42,6 milioni di dollari; nel 2011, il dipinto di Lichtenstein "I Can See the Whole Room!...and There's Nobody in It!" del 1961 è stato venduto per 43 milioni di dollari, portando alla vedova del CEO di Time Warner Steve Ross un profitto di poco superiore al 2000 percento (Ross aveva acquistato il dipinto nel 1988 per 2,1 milioni di dollari).

Tutto è stato nuovamente presentato all'asta di Christie's a New York nel novembre 2012, tranne che nel 2012 è toccato a Sotheby's, che ha voluto concentrarsi sugli espressionisti astratti – un'ottima idea, visto che un dipinto di Mark Rothko è stato venduto per quasi 87 milioni di dollari. Sotheby's, d'altra parte, è riuscita a raggiungere solo 44,8 milioni di dollari per "Ragazza addormentata" di Lichtenstein del 1964, ma si è trattato comunque di un nuovo record per Lichtenstein.

Nell'asta di primavera del 2013, le opere di Lichtenstein sono tornate da Christie's e il 15 maggio 2013, la "Donna con cappello a fiori" il nuovo prezzo record di 56,1 milioni di dollari, come di consueto.

Sfortunatamente, Lichtenstein visse solo per vedere alcuni di questi successi multimilionari: morì nel 1997 .

Sarà interessante vedere quanto in alto arriverà la spirale dei prezzi delle sue opere, soprattutto prima dell'H

Record d'asta nel 21° secolo

Il prezzo più alto mai pagato per un dipinto di Roy Lichtenstein è stato raggiunto da Christie's a New York nel novembre 2015. L'opera "Nurse 1964" è passata di mano per 95.365.000 dollari (circa 85 milioni di euro). Originariamente intitolata "Frightenedness", faceva parte delle collezioni di diversi rinomati amanti dell'arte, tra cui Leon Kraushar e Karl Ströher.

Il dipinto quadrato del 1964 misura un metro di altezza e larghezza ed è stato stimato per oltre 80 milioni di dollari. "Nurse" è stato battuto all'asta speciale "The Artist's Muse" , che comprende opere di pittori e scultori realizzate tra il 1860 e il 2000.

Il dipinto più costoso mai creato da Lichtenstein potrebbe essere "Masterpiece" del 1962, precedentemente di proprietà di Agnes Gund. Steven Cohen, secondo quanto riferito, l'ha acquistato da lei in una vendita privata nel 2017 per 165 milioni di dollari. Le aste pubbliche delle opere di Lichtenstein non hanno ancora raggiunto questa cifra. Ciononostante, con i suoi dieci risultati più alti nelle aste pubbliche, l'artista è tra gli artisti con le maggiori vendite ed è considerato un pioniere nel mercato dell'arte.

La seconda opera più costosa è considerata "Sleeping Girl" dell'artista pop, che ha raggiunto quasi 45 milioni di dollari a New York nel 2012. Il dipinto del 1964 è stato venduto a un'asta di Sotheby's per 44.882.500 dollari (quasi 35 milioni di euro).

Le litografie firmate e le serigrafie originali sono molto ricercate dai collezionisti d'arte di tutto il mondo, nonostante siano prodotte in serie. Tra le stampe originali più famose ci sono "Shipboard Girl" , "Crying Girl" e "Nude Reading" .

ALBERTINA ha festeggiato il centenario della nascita del maestro della Pop Art

Per celebrare il suo 100° compleanno, quest'estate ALBERTINA retrospettiva completa , che comprendeva oltre 90 dipinti, sculture e stampe dell'artista che ha saputo unire l'arte bassa e l'arte alta in modo unico.

Grazie a generosi prestiti da 30 rinomati musei di tutto il mondo, le opere più importanti della sua vasta produzione artistica giungono a Vienna, tra cui pezzi provenienti dal Museum of Modern Art di New York, dal Whitney Museum, dalla National Gallery di Washington, dalla Yale University Art Gallery di New Haven, dal Museum Ludwig di Colonia, dal Louisiana Museum di Humlebæk, dal Moderna Museet di Stoccolma e dal Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid.

La mostra è stata concepita in collaborazione con la Fondazione Roy Lichtenstein e si basa su una generosa donazione di circa 100 opere all'ALBERTINA.

La mostra presentava opere giovanili degli anni '60, tra cui il capolavoro della Pop Art di quell'epoca: "Look Mickey" . Erano esposti anche iconici dipinti in bianco e nero di materiale pubblicitario, paesaggi in smalto e opere d'arte ispirate a Picasso, Dalí, Kirchner e Pollock.

Un elemento particolarmente suggestivo era una monumentale scultura realizzata con pennellate che si staccava dalla tela e dominava la stanza.