Les principaux mouvements de l'art abstrait et leurs artistes les plus importants

Dans notre article « L’art abstrait : tout sur le mouvement de l’art non figuratif », nous avons exploré l’art abstrait en tant que concept, mouvement artistique influent et différentes manières de l’appréhender. Nous avons appris que l ’« art non figuratif » ou « art non objectif » est un terme générique désignant les mouvements artistiques du XXe siècle apparus après 1900.

Le dénominateur commun le plus significatif des œuvres abstraites est l'abandon de la nature et des objets réels comme motifs, et par conséquent la rupture avec les principes traditionnels, profondément ancrés dans le milieu académique, du réalisme classique.

En résumé : les principes des artistes abstraits reposent sur le rejet de toute représentation. Leur conscience et leur élan créatif seraient guidés uniquement par l’esthétique pour l’esthétique.

Les racines de l'abstraction dans le dessin pictural remontent même à la Grèce antique, où Platon exprimait déjà le besoin d'un dessin non figuratif utilisant des formes et des motifs géométriques.

Naturellement, ce type d'art créatif n'est pas resté inchangé dans sa forme originale jusqu'à nos jours, mais a connu une évolution et un développement naturels. On peut l'imaginer comme la ramification d'un vieil arbre au tronc fier et aux racines profondes.

Au fil des décennies et des siècles, de nombreuses sous-formes, variations, mouvements parallèles et contre-tendances ont émergé, tous interconnectés et s'étant souvent influencés mutuellement.

Nous vous proposons donc un bref aperçu des phases les plus importantes et formatrices de l'art abstrait, concret et moderne . Dans la mesure du possible, nous nous efforçons de mettre en lumière les tournants décisifs, les liens et les relations de cause à effet afin de vous permettre d'en acquérir une compréhension cohérente.

S'il vous manquait une ou deux pièces du puzzle après avoir lu notre dernier article sur ce sujet, vous les trouverez peut-être ici.

Commençons par le tout début…

La peinture abstraite à l'âge de pierre

Les historiens de l'art s'accordent à dire que l'art abstrait était déjà utilisé sous forme de gravures préhistoriques il y a environ 70 000 ans.

En témoignent, par exemple, deux blocs erratiques gravés de motifs géométriques abstraits, découverts dans grotte de Blombos en Afrique du Sud. Puis, des dizaines de milliers d'années plus tard, on a mis au jour des points rougeâtres abstraits et des pochoirs de mains dans les peintures de la grotte d'El Castillo datant de 39 000 à 34 000 avant J.-C.

Les symboles abstraits étaient également la forme prédominante de l'art rupestre paléolithique et on les retrouvait environ deux fois plus souvent que les peintures figuratives lors des fouilles.

Le réalisme classique jusqu'à la fin du XIXe siècle

Presque jusqu'à la fin du XIXe siècle, les principes et les méthodes des artistes en peinture et en sculpture furent fortement influencés par les normes et les doctrines académiques.

Tout écart par rapport au modèle traditionnel du réalisme classique était mal vu et accueilli avec mépris. Les grandes académies d'art européennes s'arrogèrent le pouvoir d'interprétation et proclamèrent que le devoir primordial de l'art était de représenter une scène ou un objet reconnaissable.

Représentants importants du romantisme ayant influencé l'art abstrait :

• Joseph Mallord William Turner (1775-1851) : peintre, aquarelliste et dessinateur anglais. Sans doute l'artiste visuel le plus important d'Angleterre durant l' époque . Son expressionnisme a évolué vers l'abstraction.

Tendance à l'abstraction dans l'impressionnisme

Au cours du dernier quart du XIXe siècle, la tendance s'inverse peu à peu et le carcan conservateur commence à se fissurer. Premier mouvement subversif, l'art impressionniste (1870-1880) démontre que le style académique rigoureux de la peinture naturaliste n'est plus la seule voie authentique pour créer une œuvre d'art significative.

La palette technique des impressionnistes était généralement peu naturaliste, bien que l'art impressionniste restât généralement fermement et clairement inspiré du monde réel. Les mouvements intra-impressionnistes que sont le néo-impressionnisme pointilliste et le post-impressionnisme ont mis en lumière de façon remarquable le pouvoir de la couleur.

on observe l'utilisation du jaune vif dans les œuvres de Vincent van Gogh , on a presque l'impression que l'artiste y capture la lumière elle-même.

En observant de Claude Monet , les Nymphéas, il devient évident que même au sein de l'époque impressionniste, une tendance croissante à l'abstraction a émergé.

Plus tard, au cours des premières décennies du XXe siècle, d'autres techniques – telles que l'utilisation stylistique de la couleur, l'abandon de la représentation tridimensionnelle et le recours à des formes géométriques simples – allaient alimenter la quête de l' abstraction et fournir à ses artistes de nouveaux outils.

Représentants importants du (post-)impressionnisme ayant influencé l'art abstrait :

• James McNeill Whistler (1834-1903) était un peintre et graveur britannique installé aux États-Unis. Il était particulièrement connu pour ses peintures semi-abstraites en couleurs.
• Claude Monet – un important peintre français – a oscillé entre naturalisme et abstraction dans ses peintures après 1890.
• Vincent van Gogh – peintre et dessinateur néerlandais ; il est considéré comme l'un des fondateurs de la peinture moderne.
• Paul Gauguin – un peintre français influent. Son œuvre post-impressionniste a fortement influencé les Nabis et le symbolisme ; il fut cofondateur du synthétisme et pionnier de l’expressionnisme .
• Henri de Toulouse-Lautrec – Peintre et graveur français du post-impressionnisme
• Paul Cézanne (1839-1906) – Peintre français dont l'œuvre est associée à différents styles. Il a constamment cherché à renouveler les méthodes traditionnelles de composition en s'appuyant sur les principes impressionnistes. Ses natures mortes et ses paysages sont considérés comme des points de départ importants pour l'abstraction.
• Paul Sérusier (1864-1927) – Peintre post-impressionniste français. Fondateur du groupe d'artistes symbolistes Nabis et fortement influencé par Gauguin.

Mouvement Art Nouveau/Art Nouveau

Le développement de l'art abstrait a également été influencé par le mouvement Art nouveau (environ 1890-1914). Parmi les mouvements artistiques associés à l'Art nouveau figurent le style réformé (inspiré du mouvement de réforme) et le style Sécession (inspiré de la Sécession viennoise).

Le terme Jugendstil (Art nouveau) a été forgé par Georg Hirth à Munich à la fin de l'année 1895, dans une revue culturelle illustrée intitulée « Jugend » (Jeunesse). Ce mouvement artistique peut être perçu comme une réaction, principalement de jeunes artistes et artisans, contre l'historicisme passéiste de l'époque. Il constituait également une critique de la prétendue froideur de l'industrialisation du début du XXe siècle.

Cependant, c'est le terme français « Art nouveau » qui s'est imposé à l'international. Il provient de la galerie La Maison de l'Art nouveau, ouverte à Paris à la fin du XIXe siècle par le marchand d'art hambourgeois Siegfried Bing.

Les caractéristiques typiques de l'Art nouveau comprennent, d'une part, des lignes longues et courbes qui prennent pour modèle les formes organiques des plantes, mais aussi des ornements géométriques plats et linéaires avec une tendance à la conception asymétrique.

Le représentant le plus important du mouvement Art nouveau est le prodige viennois Gustav Klimt .

De l'expressionnisme allemand à la pierre angulaire de la peinture

L'utilisation de la couleur et de la forme a joué un rôle primordial dans le développement de l'art abstrait. L'impressionnisme a ouvert la voie à un usage plus fréquent de la couleur comme procédé stylistique, mais c'est l'expressionnisme allemand qui en a fait une pierre angulaire de la peinture.

L'ouvrage de Wassily Kandinsky, « Du spirituel dans l'art » (1911), est devenu une œuvre fondatrice de la peinture abstraite. Kandinsky était atteint de synesthésie, ce qui explique son extraordinaire sensibilité aux couleurs. Il ne se contentait pas de les voir, il les entendait aussi (perception bisensorielle). Il vivait, en quelque sorte, une fusion entre l'art visuel et la musique .

Il n'est donc pas étonnant que l'effet émotionnel de la forme, de la ligne et surtout de la couleur en peinture l'ait fasciné à un point tel et ait façonné l'ensemble de son œuvre.

Comme beaucoup d'autres artistes abstraits, Kandinsky pensait que la musique incarnait l'art abstrait dans son sens le plus pur, par sa capacité à être expressive sans représenter le monde réel. Kandinsky désignait ses œuvres comme des « compositions ».

Cependant, il a également averti à plusieurs reprises que le désir d'abstraction ne devait pas servir de simple ornementation, sans pour autant compromettre le sérieux de l'art.

De tous les arts, la peinture abstraite est la plus difficile. Elle exige de savoir bien dessiner, d'avoir un sens aigu de la composition et des couleurs, et d'être un véritable poète. Ce dernier point est essentiel

Kandinsky a été cité.

L'expressionnisme allemand se caractérise par sa palette de couleurs saturées et l'association des couleurs aux émotions humaines. De manière générale, l'expérimentation avec la couleur et la capacité à susciter des émotions constituaient un intérêt primordial pour les artistes abstraits.

La plupart des expressionnistes allemands, comme Ernst Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Max Ernst, Alexei Jawlensky, Oskar Kokoschka, Franz Marc, August Macke et Max Beckmann , n'étaient pas des peintres abstraits au sens strict.

Cependant, leur palette vibrante – associée aux écrits théoriques de Kandinsky – a alarmé et encouragé d'autres artistes ayant une inclination plus abstraite à poursuivre cette voie avec force.

Il est généralement admis que des artistes tels que Piet Mondrian, Vassily Kandinsky et Kazimir Malevitch ont joué un rôle déterminant dans l'émergence de l'art abstrait. Cependant, certaines des premières œuvres connues proviennent de l'artiste pionnière Hilma af Klint . Initialement, elle créait des œuvres figuratives traditionnelles, mais ses peintures radicales sont nées de son intérêt pour le spiritualisme.

Le spiritisme était alors un mouvement extrêmement populaire dans les milieux artistiques et littéraires, qui prônaient la possibilité de communiquer avec les esprits des défunts. Avec quatre autres femmes, connues plus tard sous le nom des « Cinq », Klint organisait des séances de spiritisme et méditait. Elle acquit ainsi la conviction qu'un esprit nommé Amaliel lui avait commandé des peintures pour décorer un temple.

L'artiste a rapporté qu'Amaliel avait guidé sa main et travaillé avec une immense dévotion, créant un total de 193 peintures pour ce projet jusqu'en 1915. Consciente de la nature radicale de son travail, Klint l'a entouré de secret et a stipulé qu'il ne pourrait être rendu public que 20 ans après sa mort.

Malgré cette réglementation, son œuvre n'a attiré l'attention qu'en 1986 et n'est que maintenant reconnue à sa juste valeur : l'exposition Klint de 2019 au musée Guggenheim de New York a été l'exposition la plus visitée de l'histoire de l'institution jusqu'alors.

fauvisme

Le style d’avant-garde parisien parallèle du fauvisme (1905-08) n’a que marginalement mis l’accent sur l’effet de la couleur – par exemple avec des œuvres telles que « L’atelier rouge » (1911, MoMA, NY) d’ Henri Matisse .

Là aussi, le rejet de la perspective tridimensionnelle est une caractéristique déterminante. Le fauvisme représente les objets avec des couleurs intenses et arbitraires.

Henri Matisse était sans doute le plus célèbre des fauvistes, et des œuvres comme « La Rayure verte » (1905) sont encore citées comme des exemples emblématiques du style de ce mouvement artistique. Il s'agit d'un portrait de sa femme, dont la peau est verte et jaune sur un fond multicolore. Parmi les célèbres orphistes, on compte Robert Delaunay , dont les toiles « Fenêtres simultanées sur la ville » (1912) et « Le Premier Disque » (1912-1913) sont composées de multiples aplats ou segments de couleurs différentes. Georgia O'Keeffe est connue pour ses peintures de fleurs abstraites, colorées et aux cadrages serrés.

À l'instar de Matisse, Marlow Moss une artiste qui embrassa pleinement l'abstraction durant cette période. Le critique Charles Darwent, dans The Guardian , la qualifia de « fidèle disciple » de Mondrian. Si certains la considèrent comme une imitatrice du père du néoplasticisme, on peut également affirmer que l'influence fut réciproque. Ses œuvres postérieures à la redécouverte de Mondrian témoignent de son influence, mais c'est Moss qui, la première, intégra les doubles lignes à ses toiles quadrillées en 1931.

Un an plus tard, Mondrian reprit cette approche et créa « Composition avec double ligne et jaune » . Largement oubliée dans l'histoire de l'art abstrait, l'œuvre de Moss connaît aujourd'hui, à juste titre, une sorte de renaissance.

Le cubisme et la dissolution de la profondeur de champ et de la perspective

La naissance du cubisme (1908-1914) peut être perçue comme une réaction directe à la beauté décorative et à l'esthétique de l'impressionnisme. Pablo Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963) ont développé ce nouveau style en plusieurs étapes, conscients de cette influence.

L'œuvre semi-abstraite de Picasso « Les Demoiselles d'Avignon » de 1907 (aujourd'hui au MoMA, à New York) faisait encore partie de la première phase du prototype du cubisme.

L'étape suivante fut le cubisme analytique (voir « Nu descendant un escalier n° 2 » de 1912 de Marcel Duchamp (1887-1968)).

La phase finale du cubisme synthétique était nettement plus axée sur le collage. Son concept fondamental reposait sur l'évolution de l'art impressionniste, visuellement attrayant mais superficiel, vers une forme d'art plus intellectuelle. L'objectif principal des cubistes était d'explorer de nouvelles méthodes de représentation du réel.

L'une des caractéristiques des œuvres cubistes était la dissolution de la méthode académique de représentation de la réalité par l'utilisation de la perspective linéaire (profondeur) pour obtenir l'effet tridimensionnel habituel d'une peinture.

À l'inverse, les cubistes conservaient tout sur un plan plat bidimensionnel, sur lequel ils disposaient différentes « vues » du même objet.

Bien que la plupart des œuvres cubistes tirent encore leur origine d'objets ou de scènes ayant des références au monde réel et ne puissent donc être considérées comme totalement abstraites, le rejet de la perspective traditionnelle par le mouvement a complètement sapé le réalisme naturaliste dans l'art, ouvrant ainsi grand la porte à l'abstraction pure.

Représentants importants du cubisme ayant influencé l'art abstrait :

• Francis Picabia (1879-1953) – Peintre français ayant influencé le cubisme, le dadaïsme et le surréalisme.
• Carlo Carra (1881-1966) – Connu pour ses premières peintures cubistes et futuristes.
• Albert Gleizes (1881-1953) – Peintre cubiste, co-auteur de Du Cubisme, le premier livre relié sur le cubisme.
• Jean Metzinger (1883-1957) – s’est inspiré du cubisme analytique ; a publié « Du Cubisme » avec Albert Gleizes.
• Roger de la Fresnaye (1885-1925) – Utilise la simplicité géométrique du cubisme pour formuler des déclarations concrètes et politiquement engagées.
• Juan Gris (1887-1927) – Peintre espagnol et principal théoricien du cubisme
• Constantin Brancusi (1876-1957) – sculpteur abstrait d'inspiration cubiste, a également été influencé par l'art africain et oriental.
• Raymond Duchamp-Villon (1876-1918) – a utilisé les outils du cubisme pour représenter le mouvement
• Jacques Lipchitz (1891-1973) – important sculpteur franco-américain du XXe siècle.

Orphisme

Ce style de peinture abstraite du début du XXe siècle était également cubisme orphique et visait à combiner la composition cubiste avec la couleur et la musique.

Le terme est dérivé du chanteur et joueur de lyre mythique Orphée et a été considérablement façonné par Guillaume Apollinaire en 1912 après les œuvres à forte intensité de couleur de Robert Delaunay .

L'orphisme se caractérise davantage par des aplats de couleurs vives que par des objets figuratifs. Les formes circulaires aux couleurs éclatantes sont avant tout les traits les plus marquants de ce mouvement artistique .

Représentants importants du vorticisme :

• Robert Delaunay – peintre d'avant-garde français qui a également écrit des ouvrages théoriques sur l'art
• Franz Kupka – peintre tchèque. La couleur a toujours joué un rôle crucial pour Kupka.

Vorticisme

Le vorticisme fortement influencé par la terminologie cubiste. Le terme dérive du latin « vortex », qui signifie « tourbillon » ou « tempête ».

Fondé par Percy Wyndham Lewis (1882-1957), le vorticisme se concevait explicitement comme une contribution spécifiquement anglaise au modernisme. À l'instar du cubisme, il s'opposait aux représentations réalistes en art. De plus, le vorticisme tout impératif moral et insistait sur l'autonomie de l'œuvre d'art.

Représentants importants du vorticisme :

• Richard Aldington – écrivain anglais et rédacteur en chef du magazine d'avant-garde « L'égoïste ».
• Malcolm Arbuthnot – est considéré comme l’inventeur de la « vortographie »
• Lawrence Atkinson – artiste, musicien et poète anglais
• Jessica Dismorr – peintre anglaise et l'une des deux seules femmes actives dans le mouvement vorticiste
• Henri Gaudier-Brzeska – sculpteur français
• Cuthbert Hamilton – artiste britannique
• Wyndham Lewis – écrivain et peintre britannique, cofondateur du vorticisme et rédacteur en chef du magazine Blast.
• Ezra Pound , poète américain, est considéré comme l'un des représentants les plus remarquables du modernisme littéraire.
• William Roberts – Peintre britannique du cubisme et cofondateur du vorticisme
• Helen Saunders – peintre anglaise
• Edward Wadsworth – peintre britannique qui s'est inspiré du futurisme et du cubisme pour développer un art géométrique jusqu'à l'abstraction.

Futurisme

futuriste italien (1909-1913) a été en grande partie fondé par Marinetti (1876-1944) et s'est exprimé Gino Severini (1883-1966) et Giacomo Balla

Ce mouvement fut également influencé par le cubisme et, à son tour, inspira de nombreux peintres par son insistance sur le mouvement et la technologie. En sculpture, le futurisme eut l'impact le plus fort sur le développement de l'art cinétique et influença des sculpteurs abstraits tels que Naum Gabo (1890-1977) et Alexander Calder (1898-1976).

Tubisme

Presque simultanément, un autre mouvement artistique apparenté a émergé. En lien avec l'art de Fernand Léger (1881-1955), on ne pouvait plus parler de cubisme, mais de tubisme (art tubulaire) .

Dans cette approche, des éléments cylindriques et sphériques ont été utilisés à la place des éléments plats et superposés du cubisme. Il en a résulté de nombreuses peintures aux motifs mécaniques, reflétant la vision futuriste de Léger en matière de technologie.

Le suprématisme russe conduit à de nouvelles formes géométriques

Le mouvement russe d'art abstrait est connu sous le nom de suprématisme . Il a été nommé et fondé en 1915 par sa figure de proue, Kazimir Malevitch (1878-1935), comme expression de la supériorité des sentiments et des perceptions sensorielles dans l'art.

Influencé sans aucun doute par Kandinsky, Malevitch a créé une série de peintures abstraites d'avant-garde remarquables, caractérisées par des blocs rectangulaires monochromes sur fond blanc. Il a ainsi mis l'accent sur la planéité des formes dans les œuvres artistiques. À cet égard, il était probablement en avance sur son temps.

officiellement exposée dans son ouvrage intitulé « Le Monde non objectif »

Constructivisme et rayonnisme

Vladimir Tatline (1885-1953) est considéré comme le principal artisan de la fondation du constructivisme . Lioubov Popova (1889-1924) et Alexandre Rodtchenko (1891-1956) en furent également cofondateurs. Ce courant s'intéressait à l'espace, aux nouveaux matériaux, aux formes tridimensionnelles et au lien entre science et art. Lioubov Popova fut aussi une figure importante du mouvement suprématiste.

Un autre mouvement artistique russe intéressant, qui a donné naissance à un nouveau type de peinture, est le rayonisme (ou luchisme). Ce mouvement s'est étendu de 1912 à 1914 et a été initié Mikhaïl Larionov (1881-1964) et Natalia Gontcharova

Parmi les sculpteurs abstraits fortement influencés par les idées suprématistes/constructivistes, on peut citer Sophie Taeuber-Arp (1889-1943) et Naum Gabo (1890-1977).

Les influences de De Stijl

De Stijl était à l'origine un groupe néerlandais de peintres, d'architectes et de designers. Le nom a rapidement acquis une plus grande notoriété grâce à la création d'une association d'artistes et d'un magazine néerlandais de design et d'esthétique.

Cela a rapidement conduit au développement d'un mouvement artistique d'avant-garde principalement dédié à l'abstraction géométrique. Theo Van Doesburg (1883-1931) est considéré comme le fondateur de De Stijl et en a également pris la direction.

Le protagoniste incontesté du mouvement était cependant Piet Mondrian (1872-1944), connu pour ses séries de grilles rectangulaires simples ne contenant que du noir, du blanc et des couleurs primaires. Avec ses grilles plates, il cherchait à créer physiquement le concept d'infini.

Les concepts du mouvement De Stijl ont eu un impact non seulement sur les beaux-arts et l'architecture, mais aussi sur la conception de meubles et d'autres objets du quotidien, et ce jusqu'à nos jours.

Néoplasticisme et élémentarisme

Il nomma ce style néoplasticisme (Nieuwe Beelding). Figure majeure de l'art concret entre 1920 et 1944, il développa un style géométrique précis en réaction consciente au chaos émotionnel et à l'incertitude générale de la première moitié du XXe siècle.

Avec le groupe abstrait Cercle et Carré (1929-31) et le groupe Abstraction-Création, il a transféré son lieu de travail à New York en 1938.

néoplasticisme , l'élémentarisme durant sa période créative .

En 1930, il forgea également le terme « art concret » . Malheureusement, il mourut en 1931, mais ses idées furent perpétuées non seulement par les étudiants de l’école de design du Bauhaus, mais aussi par le groupe Abstraction Creation, mené par l’artiste belge Georges Vantongerloo , le peintre français Jean Hélion et Auguste Herbin .

Parmi les autres membres du groupe figuraient des abstractionnistes européens tels que Jean Arp (1886-1966), Naum Gabo (1890-1977), El Lissitzky (1890-1941), Antoine Pevsner (1886-1962) et Barbara Hepworth (1903-1975), ainsi que Ben Nicholson (1894-1982).

L'ancien architecte, sculpteur et designer suisse du Bauhaus, Max Bill (1908-1994), fut un autre partisan qui contribua de manière significative à la promotion du genre en Suisse, en Italie, en Argentine et au Brésil.

Surréalisme et abstraction organique

L'abstraction organique est une autre sous-catégorie de l'art abstrait. De même, le surréalisme, apparu parallèlement au concrétisme géométrique, avec son imagerie quasi naturaliste, est un proche parent de l'abstraction.

Les grands modèles de ces styles d'abstraction biomorphique/organique étaient Jean Arp et Joan Miró , dont aucun ne s'appuyait sur la technique de l'automatisme.

Son collègue surréaliste Salvador Dali (1904-89) a également créé des peintures extraordinaires telles que « La Persistance de la mémoire » (1931, MoMA, NY) et « Construction molle avec des haricots bouillis » (1936, Philadelphia Museum of Art).

Jean Arp était également un sculpteur extrêmement prolifique, spécialisé dans l'abstraction organique. Les sculpteurs anglais Henry Moore (1898-1986) et Barbara Hepworth (1903-1975) ont suivi son exemple à cet égard.

Plusieurs artistes abstraits européens ont par la suite cherché refuge en Amérique, où ils ont rencontré et influencé une nouvelle génération de peintres abstraits autochtones.

Parmi ces émigrants influents figuraient des peintres tels que Hans Hofmann (1880-1966), Max Ernst (1891-1976), André Masson (1896-1987), Arshile Gorky (1904-1948), Yves Tangy (1900-1955) et d'autres.

Malgré la controverse entourant le salon des armes de New York de 1913, la métropole américaine développa un vif intérêt pour l'art abstrait. Le célèbre Museum of Modern Art (MoMA) fut fondé en 1929, et le Museum of Non-Objective Painting (rebaptisé plus tard Samuel R. Guggenheim Museum) en 1939.

Moins de géométrie, plus de couleur – l'expressionnisme abstrait

Bien que les artistes européens de l'après-guerre aient conservé leur intérêt pour l'art abstrait à travers le « Salon des Réalités Nouvelles » à Paris, le centre de l'art moderne s'était déplacé à New York à partir de 1945.

Dès lors, l'avant-garde y fut représentée par l' École de New York de l'expressionnisme abstrait . Ce mouvement est né de la Grande Dépression et de la Seconde Guerre mondiale.

La peinture expressionniste abstraite demeure une discipline mal définie, et aucun programme cohérent et établi ne lui a jamais été consacré. De ce fait, le terme est souvent employé, à tort et à travers, pour désigner des artistes qui n'étaient ni véritablement abstraits ni expressionnistes .

Il décrit généralement une forme de peinture abstraite (non figurative, non naturaliste) où la couleur prime sur la forme. Et cette dernière n'est plus géométrique.

Les premières œuvres de ce style occupaient généralement de grandes toiles, leur dimension imposante étant destinée à subjuguer le spectateur et à l'entraîner dans un autre univers. La préoccupation des expressionnistes abstraits pour les effets visuels, notamment l'impact de la couleur, reflétait leur objectif principal : l'inclusion et l'exploration des émotions humaines fondamentales.

Parmi leurs icônes figuraient sans aucun doute les grands artistes Jackson Pollock (1912-56), Mark Rothko (1903-70), Willem De Kooning (1904-97), Clyfford Still (1904-80), Barnett Newman (1905-70) et Adolph Gottlieb (1903-74).

Au début des années 1940, Pollock révolutionna la peinture avec ses œuvres totalement abstraites. Il posait ses toiles à même le sol et y versait et essuyait la peinture. Cette technique donnait naissance à des compositions denses, sans point focal, et remettait en question les concepts artistiques traditionnels. Ses œuvres reflétaient non seulement sa personnalité, notamment à travers les empreintes de pieds et de mains, mais aussi la nature dynamique de son processus créatif, qui le consacrait comme un véritable performeur.

L'approche de Pollock, qui mettait l'accent sur l'immédiateté du geste artistique, a fait de lui une figure majeure de l'expressionnisme abstrait. Inspirées par le mouvement surréaliste et la psychanalyse jungienne, ses peintures offraient une profonde compréhension de ses émotions et reflétaient la vie moderne.

Mark Rothko s'efforçait également d'exprimer des émotions humaines profondes par une utilisation novatrice de la couleur et de la forme. Dans ses premières œuvres, il combinait des formes reconnaissables avec des sources d'inspiration mythologiques et biologiques avant de les remplacer par d'intenses couches de couleur. Ces fines couches de peinture créent un mouvement vibrant et une atmosphère enveloppante.

Les œuvres de Rothko placent le spectateur à l'interface entre le monde physique et le monde transcendant, et il a délibérément choisi des chiffres comme titres afin d'éviter toute association personnelle. Son but était de susciter des expériences intemporelles et spirituelles et de favoriser un dialogue intime entre l'œuvre et le spectateur. L'importance accordée par Rothko à la couleur comme moyen d'expression a eu une influence durable sur le développement de l'art abstrait.

La génération suivante comprenait des peintres comme Robert Motherwell . Le nom du mouvement fut consacré par Robert Coates, critique d'art au New Yorker.

la « peinture gestuelle » de Pollock la « peinture de champs colorés » de Rothko , ainsi que l' « impressionnisme abstrait » de Philip Guston (1913-1980).

Peinture gestuelle, peinture de champs colorés et autres.

Plus tard, sous l'égide de l'abstraction post-picturale, l'expressionnisme abstrait, en tant que courant anti-gesturaliste, a donné naissance à plusieurs styles individuels. Parmi ceux-ci : la peinture Hard-edge , la peinture par éclaboussures de couleur , le mouvement Washington Color , l'abstraction lyrique américaine et la toile de forme particulière .

L'expressionnisme abstrait a également suscité des réactions d'avant-garde chez plusieurs autres artistes, notamment Cy Twombly (1928-2011), dont les croquis calligraphiques mêlent dessin et graffiti . On peut également citer le sculpteur abstrait californien Mark Di Suvero , connu pour ses sculptures monumentales en fer et en acier.

Art informel, tachisme et groupe CoBrA

Tandis que l'expressionnisme abstrait dominait la période d'après-guerre de l'autre côté de l'Atlantique, un nouveau mouvement artistique appelé Art informel a émergé sur le vieux continent à la fin des années 1940.

Bien que considérée comme une version européenne de l'expressionnisme abstrait, il s'agissait en fait d'un mouvement englobant plusieurs sous-variantes.

Ce mouvement comprenait le tachisme , une peinture abstraite caractérisée par des taches et des éclaboussures de couleur. Présenté comme la réponse française aux mouvements artistiques américains, ce courant a été principalement mis en lumière et reconnu par l'artiste d'avant-garde américain Mark Tobey (1890-1976). Son style calligraphique préfigurait même celui de Pollock.

les membres importants du Tachisme on peut citer Jean Fautrier (1898-1964), Georges Mathieu (1921-2012), Pierre Soulages (né en 1919) et l'artiste portugaise Maria Helena Vieira da Silva (1908-1992), ainsi que l'expressionniste abstrait américain Sam Francis (1923-1994).

Le groupe d'avant-garde CoBrA pratiquait également le style gestuel ou « action painting » de l'expressionnisme abstrait américain. CoBrA a été fondé par des peintres, des sculpteurs et des graphistes issus du groupe danois « Host », du groupe néerlandais « Reflex » et du Groupe surréaliste révolutionnaire belge.

Parmi leurs artistes figuraient, à l'avant-garde, Asger Jorn (1914-73), l'écrivain belge Christian Dotremont (1922-79), Pierre Alechinsky , Karel Appel (1921-2006) et Pol Bury (1922-2005), qui plus tard, cependant, abandonna la peinture au profit de la recherche sur les sculptures cinétiques.

L'art optique par l'illusion d'optique – l'Op Art était né

L’un des styles de peinture abstraite géométrique les plus distinctifs et peut-être les plus mémorables visuellement des temps modernes est le mouvement Op Art .

Leur caractéristique principale était la manipulation de l'œil par des formes et des motifs géométriques complexes, souvent monochromes, l'incitant à percevoir des couleurs et des formes qui n'existaient pas réellement. On pourrait les décrire comme des images savamment agencées créant délibérément des illusions d'optique.

Parmi les figures de proue de ce mouvement figuraient le peintre et graphiste hongrois Victor Vasarely (1908-1997) et la peintre anglaise Bridget Riley . Le mouvement disparut à nouveau au début des années 1970 après une brève période de popularité.

Le dernier chapitre (pour l'instant) – Le postmodernisme

Le postmodernisme, également d'art contemporain , est généralement situé au début des années 1960.
À partir de ce tournant, l'art contemporain tend à se fragmenter en de nombreuses écoles plus petites, plus régionales, voire plus locales.

D'après les historiens de l'art, cela pourrait s'expliquer par le fait que l'attitude dominante des mouvements artistiques contemporains consistait à considérer avec suspicion les grands styles du début du XXe siècle.

école du minimalisme fait exception à cette tendance , ayant su établir de manière durable un style d'abstraction géométrique fondamentalement nouveau.

Elle est particulièrement bien illustrée par des artistes postmodernes tels que les sculpteurs Donald Judd (1928-1994), Sol LeWitt (1928-2007), Robert Morris et Walter de Maria Richard Serra est un autre sculpteur minimaliste important .

Parmi les peintres abstraits bien connus associés au minimalisme figurent Ad Reinhardt (1913-1967), Frank Stella et le peintre irlando-américain Sean Scully, dont les formes rectangulaires de couleur semblent imiter les formes monumentales des structures préhistoriques.

Autres représentants importants du minimalisme :

• Morris Louis (1912-1962) – Minimaliste américain, a exploré la technique de la teinture par trempage avec Helen Frankenthaler
• Agnes Martin (1912-2004) – Peintre minimaliste, connue pour ses grilles au crayon sur fond monochrome
• Kenneth Noland – Peintre minimaliste étroitement lié au mouvement Hard Edge.
• Cy Twombly (1928-2011) – Peintre minimaliste, connu pour ses œuvres calligraphiques
• Helen Frankenthaler – Peintre minimaliste, a développé la technique du trempage-tache
• Robert Ryman – peintre minimaliste américain, connu pour ses compositions monochromes blanches
• Jo Baer – peintre et graphiste américaine. Elle est considérée comme une figure importante du minimalisme.
• Ellsworth Kelly – Peintre et sculpteur américain. Avec ses compositions, Kelly a transcendé le concept de la toile rectangulaire. Il fut une figure majeure du Color Field et du Hard Edge.
• Robert Mangold – peintre américain
• Brice Marden – un artiste américain que l'on peut notamment associer au minimalisme.

Outre la sculpture et la peinture, l'école du minimalisme a également trouvé sa place dans l'architecture et le design – avec un succès .

Le néo-expressionnisme comme dernière étape itérative

Parmi les développements les plus récents de l'art moderne figure le néo-expressionnisme. Ce mouvement était en partie une réaction contre l'austérité du minimalisme et, surtout, un mouvement figuratif apparu au début des années 1980.

Cependant, on comptait aussi parmi les disciples quelques peintres abstraits exceptionnels, notamment l'Anglais Howard Hodgkin et les artistes allemands Georg Baselitz et Anselm Kiefer .

Anish Kapoor lauréat du prix Turner , connu pour ses œuvres de grande envergure réalisées en pierre brute, en métal coulé et en acier inoxydable.

artistes abstraits contemporains

On trouve de nombreux peintres et sculpteurs contemporains, notamment au cœur de Dresde, métropole artistique et culturelle. La galerie « Abstract Moments » , fondée en 2005 par un collectif d’artistes, est devenue un haut lieu de l’art abstrait en Allemagne.

Le site web des artistes présente, dans son portfolio en constante expansion, non seulement à l'huile et acryliques, mais aussi des œuvres graphiques, des photographies et des sculptures .

Parmi les artistes actuellement exposés à la galerie, on peut citer :

• André Mimor
• Andy Larrett
• Alejandro Rojo
• Annette Freymuth
• Andreas Garbe
• Bozena Ossowski
• C. David Schwartz
• Christiane Middendorf
• Dirk Hille
• Frank Lorenz
• Frank-Ole Haake
• Gia Hung
• Hans-Jürgen Gorenflo
• Holger Mühlbauer-Gardemin
• Ilona Schmidt
• Jean-Jacques Piezanowski
• Jo Zipfel
• Julio Fernandez
• Klaus Boekhoff
• Koroush Namazi
• Lina Roth
• Maciej Cieśla
• Manuela Rathje
• Maja Kühne
• Martina Rick
• Maya
• Raphaël Roi
• Stefan Petrunov
• Torsten Peter
• Uwe Fehrmann

Et ensuite ?

Comme on dit, l'avenir a déjà commencé. En ce sens, le monde de l'art moderne continuera d'évoluer, donnant naissance à des mouvements, des styles et des orientations artistiques nouveaux et significatifs. Accueillons-les avec un esprit ouvert.

Art abstrait de notre galerie en ligne

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Chacune de ces peintures a été créée avec passion et un talent exceptionnel par un artiste de renom. Explorez la diversité des formes artistiques les plus abstraites et laissez-vous inspirer par des images qui racontent votre histoire personnelle.

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