¿Alguna vez te has quedado frente a una obra de arte impresionado por su intensidad visual y, a la vez, completamente perplejo por su mensaje? ¿Qué se supone que representa? ¿Es arte o se puede desechar? ¿Qué intenta transmitirme el artista?
Si alguna vez has tenido pensamientos similares mientras contemplabas una obra de arte y, sin embargo, no podías dejar de pensar en ellos, entonces lo más probable es que se tratara de una obra de arte abstracta.
¿Qué es el arte abstracto? – Características y definición
El arte abstracto –también denominado "arte no representacional" o "arte no objetivo" – es, por definición, un término colectivo para los movimientos artísticos del siglo XX que surgieron después de 1900. Utiliza medios de expresión artística que son parcial o totalmente abstractos respecto al objeto y, por lo tanto, tiene cierta relación con el cubismo.
Los artistas abstractos crean obras completamente desligadas de la naturaleza y los objetos reales. Rechazan fundamentalmente cualquier forma de representación. Su conciencia e impulso creativo se basan en la estética por sí misma.
El arte abstracto explicado de forma sencilla y concisa:
El arte abstracto es aquel que no intenta crear una representación exacta de una realidad visual, sino que utiliza superficies, líneas, colores, formas, texturas y signos gestuales para lograr su efecto.
también «Arte Concreto» , y solo es posible, hasta cierto punto, una distinción clara con el Arte Abstracto. El término fue introducido por Theo van DoesburgArt Concret en 1930 .
El arte de la abstracción está intrínsecamente ligado al concepto de arte concreto; este último, en rigor, representa una rama del arte que idealmente se basa en principios matemáticos y geométricos. Fuente de la imagen: Freepik
En rigor, representa una forma de arte específica que, idealmente, se basa en principios matemáticos y geométricos.
El arte abstracto, junto con la música, es posiblemente una de las formas más puras de expresión artística . Otorga a los artistas total libertad para comunicar sentimientos y emociones sin las limitaciones de los elementos figurativos dentro de la realidad objetiva.
El arte abstracto también suele tener una dimensión moral, representando virtudes como el orden, la pureza, la sencillez y la espiritualidad, y propagándolas de forma pictórica. Ha constituido un movimiento central en el arte moderno .
Las pinturas abstractas pueden crearse con diversos medios, siendo el acrílico una de las técnicas más utilizadas por los artistas. Las pinturas abstractas al óleo y las acuarelas también gozan de gran popularidad entre los artistas contemporáneos. Sus obras sobre lienzo son muy apreciadas por coleccionistas, galeristas y amantes del arte de todo el mundo.
¿Qué idea subyace a este movimiento artístico?
Arte abstracto: pintura abstracta y ejemplo de arte no figurativo. Fuente de la imagen: rawpixel.com, vía Freepik.
Como se mencionó al principio, el tema clave es la estética en sí misma y la liberación de las formas de expresión de una restricción representacional.
Es probable que las raíces conceptuales se remonten a la antigua Grecia. El marco filosófico para clasificar y apreciar las cualidades formales de una obra de arte deriva, por tanto, de una afirmación de Platón :
Las líneas rectas y los círculos no solo son hermosos... sino eterna y absolutamente hermosos.
Básicamente, Platón quería expresar que las imágenes no representacionales (por ejemplo, las formas geométricas simples) poseen una belleza absoluta e inmutable.
En consecuencia, una obra puede ser apreciada y valorada únicamente en función de sus líneas y colores; no está obligada a representar un objeto natural o una escena figurativa.
Arte no figurativo – Obra abstracta del Museo de Bellas Artes de Boston, EE. UU. Imagen de lucia @luciadong, Unsplash.com
El pintor, litógrafo y teórico del arte francés Maurice Denis (1870-1943) era evidentemente muy consciente de esta idea de Platón cuando escribió:
Recuerda que antes de que una imagen se convierta en un caballo de guerra o en una mujer desnuda… es esencialmente una superficie plana cubierta de colores en un orden determinado.”
Algunos artistas abstractos describen sus ambiciones como la creación del equivalente visual de una pieza musical, una que pueda ser vista y apreciada por sus propios méritos. No quieren que los espectadores tengan que preguntarse: "¿De qué trata realmente este cuadro? ".
La historia del arte abstracto: desde sus inicios hasta la actualidad.
Precursores en la Edad de Piedra
Si retrocedemos un poco en el tiempo, el arte abstracto ya tenía relevancia hace unos 70.000 años con los grabados prehistóricos. Por ejemplo, en la cueva de Blombos, en Sudáfrica, se encontraron dos rocas grabadas con patrones geométricos abstractos de este período.
Luego se realizaron hallazgos arqueológicos de puntos abstractos de ocre rojo y plantillas de manos utilizadas en las pinturas de la cueva de El Castillo del período 39.000-34.000 a. C.).
Después de eso, aparentemente los símbolos abstractos se convirtieron en la forma predominante del arte rupestre paleolítico durante mucho tiempo y se encontraron con una frecuencia aproximadamente dos veces mayor que las imágenes figurativas.
Orígenes y comienzos en el siglo XIX
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Las formas de arte abstracto, tal como las conocemos hoy, son mucho más recientes. Su origen radica en la ruptura con la pintura académica clásica a finales del siglo XIX y principios del XX en Europa.
Antes de eso, las pinturas y esculturas los principios tradicionales del realismo clásico, tal como se enseñaban en las principales academias europeas . Estos principios establecían el deber primordial del arte como la representación de una escena reconocible o un objeto concreto.
La época de finales del siglo XIX y principios del XX, caracterizada por una abundancia tan completa de creación artística, produjo toda una serie de pintores que investigaron en detalle las conexiones y los mecanismos inherentes de la luz y la percepción visual.
Muchos artistas de renombre anteriores a esta época pintaron utilizando los métodos del realismo clásico , empleando perspectivas realistas, sombreado y otras técnicas para crear escenas y objetos históricos.
La época romántica se caracterizó por una actitud hacia el arte que rechazaba la imitación y la idealización del clasicismo. En cambio, se enfatizó el papel de la imaginación y el inconsciente como factores creativos esenciales .
Gradualmente, muchos pintores de este período llegaron a apreciar la libertad creativa recién adquirida y las nuevas exigencias que acompañaron la convergencia de estas actitudes. El impresionismo como movimiento artístico (c. 1870-1880) ya mostraba los primeros indicios de una ruptura con la pintura estrictamente figurativa .
En particular, las variantes neoimpresionista, puntillismo y postimpresionismo pusieron de relieve el efecto especial del color como recurso estilístico.
En "El buitre en las rocas" de Karl Mediz (Postimpresionismo), ya se puede apreciar una clara ruptura con el realismo.
El expresionismo alemán consolidó el uso libre de formas y colores como piedra angular de la pintura. El posterior movimiento Art Nouveau (c. 1890-1914) también influyó en el desarrollo del arte abstracto.
Ya se pueden apreciar fuertes tendencias simbolistas en "Las muchachas" del representante del Art Nouveau, Gustav Klimt.
La cita de Maurice Denis de 1890 (véase arriba) encapsula perfectamente este cambio. Resume hábilmente el sentimiento predominante entre los artistas simbolistas y postimpresionistas de su época.
Principios del siglo XX
Todos los grandes movimientos de las dos primeras décadas del siglo XX, incluyendo el fauvismo, el expresionismo , el cubismo y el futurismo, enfatizaron de alguna manera la brecha entre el arte y la apariencia natural de sus temas.
Sin embargo, existe una diferencia significativa entre simplemente abstraer la apariencia real de un sujeto y crear obras de arte a partir de formas, líneas y estructuras que no tienen equivalente en nuestro entorno natural.
En los años previos a la Primera Guerra Mundial, artistas como Robert Delaunay, Wassily Kandinsky, Kasimir Malevich y Vladimir Tatlin hacia un arte fundamentalmente abstracto.
"Sobre lo espiritual en el arte", publicado en 1911, se convirtió en un manifiesto fundacional.
Sin embargo, actualmente se cree que la artista sueca Hilma af Klint creó la primera pintura abstracta en Estocolmo cinco años antes que Kandinsky. Sus obras futuristas, que presentan formas biomórficas y geométricas sobre un fondo llamativo, fueron revolucionarias para su época.
Si bien Vassily Kandinsky se labró una reputación como pintor de éxito, la obra de Klint permaneció prácticamente inadvertida durante mucho tiempo debido a su carácter sobrio. Guardó la mayor parte de su trabajo para sí misma y rara vez lo expuso.
Pidió a su familia que pospusiera la publicación de sus obras hasta veinte años después de su muerte, pues creía que el mundo aún no estaba preparado para su visión. Su obra permaneció oculta hasta 1986, cuando despertó un gran interés.
Los diez más grandes, n.° 7, edad adulta, grupo IV, 1907 de Hilma af Klint
Este nuevo estilo pictórico se consideraba «arte puro» porque los motivos surgían exclusivamente de la imaginación de los artistas y no se copiaban ni se inspiraban en el mundo real. Se priorizaban las cualidades formales de la obra de arte sobre su temática.
Este abandono total de cualquier forma de representación fue visto con bastante escepticismo por la mayoría de los artistas, incluso los más progresistas de la época. Durante la Primera Guerra Mundial, el surgimiento del grupo De Stijl en los Países Bajos y del grupo Dadá en Zúrich amplió aún más el espectro del arte abstracto.
Obra de arte abstracta al estilo de la pintura de acción y la técnica del goteo de Jackson Pollock , por Paul Blenkhorn de Sensory Art House Abstract Art Studio @SensoryArtHouse, vía Unsplash.com
Paul Klee suele quedar fuera de la lista de nombres que se mencionan habitualmente en los debates sobre la abstracción en el arte de principios del siglo XX, y esto es, sin duda, injustificado. Su extensa obra, que abarca tanto su primera como su última etapa, ofrece una gran cantidad de ejemplos impresionantes del desarrollo de mundos visuales abstractos y de procesos eficaces de abstracción pictórica.
Mientras que sus contemporáneos solían abordar la temática de forma radical, impactando al público con sus composiciones no figurativas, Paul Klee buscaba conexiones y continuidades en sus pinturas abstractas. Integró elementos figurativos en muchas de sus obras y, mediante títulos cuidadosamente elegidos, abrió nuevas posibilidades de interpretación. Esto pudo haber sido un factor decisivo para el notable éxito de este artista.
Abstracción. El frío romanticismo de este estilo, desprovisto de patetismo, no tiene precedentes.
Klee ya lo señaló en 1915. Otra observación sobre el grado de abstracción en el arte, del mismo año, parece más relevante hoy que nunca y puede aplicarse universalmente a la existencia moderna:
Cuanto más aterrador es este mundo, más abstracto es el arte, mientras que un mundo feliz produce un arte terrenal.
Estas reflexiones no solo demuestran el profundo compromiso de Klee con el arte, sino que también nos invitan a redescubrir su obra y a reflexionar sobre su relevancia en nuestro tiempo.
La obra abstracta de Klee, «Fuego en luna llena», es un brillante ejemplo del uso de formas abstractas para representar una idea multifacética. El fuego y la luna están simbolizados por formas geométricas repetidas, rodeadas de zonas más oscuras que enfatizan las llamas danzantes y la atracción gravitatoria de la luna. Los colores intensos realzan aún más la sensación de movimiento pulsante, mientras que las zonas oscuras y grises proporcionan un contraste sereno.
Pintura abstracta «Fuego en luna llena» (1933) de Paul Klee, reproducción limitada
Las obras abstractas de Paul Klee están profundamente arraigadas en los temas de la naturaleza, la arquitectura, la música y la escritura. Estos elementos le permitieron destilar la esencia de la pintura. Su arte exhibe un rico uso de la línea y el color, revelando una diversidad de posibilidades. Por ejemplo, la colorida abstracción de sus acuarelas de jardines de Hammamet (1914) difiere considerablemente de las composiciones explosivas que creó durante la Primera Guerra Mundial.
Durante el periodo de la Bauhaus, las pinturas de campos de color de Klee, que representaban árboles en flor, se transformaron en formas minimalistas con asociaciones arquitectónicas. Sus últimas obras son particularmente llamativas, con formas oscuras que recuerdan a plantas o caracteres escritos. Apasionado de la música, Klee también encontró estructuras rítmicas en sus composiciones abstractas, de las que se pueden discernir claramente tonos y melodías musicales.
Guerras mundiales y período de posguerra
El avance de este movimiento artístico se vio frenado por las Guerras Mundiales. Ante la política totalitaria y los movimientos artísticos que se centraban cada vez más en surrealista y el realismo con crítica social , las obras abstractas recibieron poca atención durante este período.
Solo después del final de la Segunda Guerra Mundial surgió una enérgica escuela estadounidense de pintura abstracta, llamada "Expresionismo Abstracto" , que tendría una gran y duradera influencia en el mundo del arte.
Desde la década de 1950, el arte abstracto ha sido una corriente reconocida y extendida en la pintura y la escultura europeas y estadounidenses. Este movimiento artístico, sin duda, ha desconcertado a muchos y probablemente aún provoca incredulidad en algunos espectadores.
Para aquellos amantes del arte que aceptan y aprecian su lenguaje no referencial, no cabe duda de su valor ni de los logros de sus artistas.
7 formas de arte no figurativo en detalle
Obras de arte abstractas en la Galería de Arte Wilson y Avenida Amazonas David Adam Kess [CC BY-SA]
Más pinturas y esculturas abstractas de la Galería de Arte Wilson y Avenida Amazonas David Adam Kess [CC BY-SA]
Para establecer una clasificación lógica dentro de este término colectivo, los siguientes seis tipos básicos pueden, en principio, distinguirse estilísticamente entre sí en función de ciertas características:
01 Arte curvilíneo
Este tipo de abstracción curvilínea está estrechamente relacionada con el arte celta, que empleaba una variedad de motivos y patrones abstractos. Estos incluían nudos, patrones trenzados y espirales (incluido el trisquel).
Sorprendentemente, los celtas no fueron los creadores originales. Culturas más antiguas ya habían utilizado estos diseños celtas siglos antes. Sin embargo, es innegable que los celtas revitalizaron esta forma de arte, desarrollaron aún más su nivel de detalle y refinamiento, y contribuyeron significativamente a su difusión.
Más tarde, los motivos curvilíneos regresaron durante el movimiento de renacimiento celta del siglo XIX y el influyente movimiento Art Nouveau del siglo XX, particularmente en cubiertas de libros, textiles, papeles pintados y diseños de chintz de William Morris (1834-96) y Arthur Mackmurdo (1851-1942).
Guillermo Morris
William Morris nació en 1834 cerca de Londres, más precisamente en Walthamstow. Su familia pertenecía a la clase alta de la sociedad, ya que su padre trabajaba en la bolsa de valores y, por lo tanto, le dejó una considerable herencia.
Los intereses y habilidades de Morris eran diversos, abarcando desde la pintura y la poesía hasta las artes decorativas y la arquitectura.
Morris era un apasionado amante de la naturaleza, un hecho que se refleja en sus elaboradas decoraciones adornadas con delicadas flores y pájaros. Sus coloridas obras enmascaraban su temperamento a veces fogoso.
Bajo su liderazgo, la empresa se expandió considerablemente y ahora también produce alfombras, tapices y papeles pintados.
Aunque Morris se mantuvo ocupado trabajando en su negocio hasta su muerte, aún encontraba tiempo para dedicarse a su pasión por el tejido de alfombras y la escritura de poemas y leyendas.
Hojas de acanto y rosa silvestre sobre fondo púrpura, siglo XIX (papel pintado), de William Morris
Arthur Heygate Mackmurdo fue un arquitecto y diseñador visionario inglés cuyas ideas influyeron significativamente en el movimiento Arts and Crafts . En particular, mediante la fundación del Century Guild of Artists en 1882 en colaboración con Herbert Horne, proporcionó un importante impulso para el desarrollo del arte abstracto.
Como pionero del estilo moderno , se le considera una fuerza impulsora del movimiento Art Nouveau a nivel mundial.
Portada de «Iglesias de la ciudad de Wren», diseño de Arthur Heygate Mackmurdo, grabado de G. Allen.
La abstracción curvilínea también influyó en el arte islámico .
02 Arte con una fuerte referencia al color y la luz
Son ejemplos de este tipo las obras de William Turner (1775-1851) y Claude Monet (1840-1926). Emplean el color o la luz con tal habilidad que separan la obra de arte de la realidad representacional, mientras que el objeto se disuelve en un remolino de pigmentos.
William Turner
William Turner , uno de los artistas ingleses más importantes, ingresó en la Real Academia en 1789. Paralelamente a sus estudios, fue aprendiz del acuarelista Thomas Malton. Expuso por primera vez sus acuarelas en una exposición de la Real Academia en 1790 y presentó su primer óleo seis años después.
Tras un período de viajes que lo llevó a Escocia, Suiza y Francia, Turner abrió su propia galería en 1804. En 1807, fue nombrado profesor de la Real Academia y comenzó "Liber Studiorum ", un catálogo en el que clasificó la pintura según criterios específicos.
Un viaje a Italia en 1819/20, durante el cual pasó una larga temporada en Roma, marcó un cambio en el estilo de Turner. Sus pinturas se alejaron cada vez más del realismo, lo que suscitó duras críticas. Algunas de sus últimas obras dejaron de exhibirse en la Royal Academy debido a la desaparición de los elementos figurativos.
Posteriormente, Turner viajó repetidamente al sur de Europa, en particular a Venecia, que lo fascinó con sus colores vibrantes e inspiró varias pinturas. Con sus colores brillantes y puros, se le considera uno de los paisajistas más destacados de la época romántica .
William Turner, «Atardecer sobre un lago» (1840), impresión giclée enmarcada
De igual modo, varias obras fauvistas de Henri Matisse (1869-1954) pueden clasificarse dentro de este tipo. Lo mismo ocurre con varias pinturas expresionistas de Kandinsky y con obras de su colega Franz Marc (1880-1916).
Además, el pintor checo Frank Kupka (1871-1957) creó algunas de las primeras pinturas abstractas con un uso intensivo del color, que posteriormente Robert Delaunay (1885-1941). Delaunay, en su órfico , también inspirado por el cubismo, igualmente recurrió al color.
Pintura de campos de color y abstracción lírica
A finales de los años 1940 y 1950, la abstracción relacionada con el color reapareció en forma de pintura de campos de color Mark Rothko (1903-70) y Barnett Newman (1905-70)
La pintura de campos de color, que utiliza grandes áreas de colores brillantes e intensos, también fue defendida por Clyfford Still . Esta técnica se caracteriza por centrarse en la interacción de los colores más que en ideas o formas específicas. Se utilizaban lienzos de gran formato para dotar a las obras de una expresividad impactante.
Al abandonar las composiciones pictóricas convencionales y las representaciones figurativas, se dio rienda suelta al impacto inmediato de los campos de color puro. Mark Rothko es uno de los representantes más importantes de este movimiento. Su obra se caracteriza por composiciones abstractas con numerosos campos rectangulares en diferentes tonalidades de un mismo color o de características similares. Si bien también utiliza colores primarios intensos, predominan los tonos tierra cálidos.
De igual modo, Clyfford experimentó con una abstracción aún mayor en sus obras. Para ello, creó pinturas de gran formato con colores intensos y contrastantes. De esta manera, el artista evocó una fuerte respuesta emocional.
La pintura de campos de color, con su enfoque revolucionario, creó nuevos espacios para los sentimientos personales y provocó emociones en el espectador al evitar los métodos representativos convencionales. La abstracción lírica , como forma alternativa de este estilo, surgió en Francia en la década de 1950.
03 Abstracción geométrica
Esta forma de arte más intelectual, que emplea formas geométricas, surgió hacia finales de la primera década del siglo XX. Una forma temprana, aún poco desarrollada, fue el cubismo, específicamente el cubismo analítico.
Rechazó por completo la perspectiva lineal y la ilusión de profundidad espacial en la pintura, rompiendo con muchos estándares previamente predominantes en el mundo del arte. Esta reorientación radical llevó a los artistas a centrarse exclusivamente en los aspectos bidimensionales de la imagen.
La abstracción geométrica también se conoce como arte concreto y arte no objetivo ; se caracteriza por un fuerte enfoque en imágenes no naturalistas, utilizando formas geométricas simples como círculos, cuadrados, triángulos, rectángulos, etc.
La completa ausencia de cualquier referencia o conexión con el mundo natural la convierte prácticamente en la forma más pura de abstracción.
Ejemplos de arte concreto incluyen:
El Círculo Negro (1913) de Kasimir Malevich (1878-1935) – expuesto en el Museo Estatal Ruso de San Petersburgo.
Broadway Boogie-Woogie (1942) de Piet Mondrian (1872-1944) – exhibida en el MoMA de Nueva York
Composición VIII (La vaca) (1918) de Theo van Doesburg (1883-1931) – también expuesta en el MoMA de Nueva York
Un homenaje a la plaza por Josef Albers (1888-1976)
04 Arte Óptico
El arte óptico , a veces también conocido como Op Art , surgió por primera vez en la década de 1960. El artista húngaro Victor Vasarely (1906-1997), quien estudió intensamente los fenómenos ópticos, influyó significativamente en este movimiento.
Para crear ilusiones ópticas, los artistas del Op Art —entre ellos, renombrados artistas como Julio Le Parc , François Morellet y Yaacov Agam— jugaron con los colores, las formas y la luz. Fue como una inversión del movimiento expresionista abstracto de las décadas anteriores.
Mientras que el Op Art se centraba en engañar la mirada del espectador e inducir un estado de obsesión visual, los artistas expresionistas abstractos comunicaban sus sentimientos y emociones mediante pinceladas dinámicas. Los patrones geométricos y los efectos ilusorios caracterizaron este movimiento artístico.
Las imágenes resultantes, creadas mediante una hábil interacción de contrastes de color y forma, hacían imposible para el espectador distinguir el primer plano del fondo o la representación realista del diseño puro. Los creadores del Op Art no solo se preocupaban por la experiencia estética, sino también por la participación activa del público.
Prácticamente invitaban al espectador a ver más allá de las ilusiones ópticas y resolver el misterio tras la obra poniendo a prueba sus sentidos. Gracias a este componente interactivo, el Op Art se convirtió en una notable tendencia artística.
El arte óptico también tuvo una enorme influencia en otros campos como el diseño y la arquitectura. Sus principios se aplicaron al diseño de objetos cotidianos, fachadas de edificios e incluso moda.
05 Arte abstracto emocional o intuitivo
Este tipo de arte . Se caracteriza fundamentalmente por una mezcla de estilos. Se puede identificar un tema común, marcado por una tendencia naturalista.
Esta inclinación hacia el naturalismo se revela en el uso de las formas y los colores. A diferencia de la abstracción geométrica, que prescinde casi por completo de referencias a la naturaleza representativa, esta forma de arte adopta una dirección algo diferente.
La abstracción intuitiva busca dar vida a la naturaleza en sus obras, pero de una manera menos representativa.
Dos fuentes importantes para este tipo de arte son la abstracción orgánica (también abstracción biomórfica ) y el surrealismo .
Quizás el representante más famoso de esta forma de pintura fue el ruso Mark Rothko .
Reproducción enmarcada del cuadro "Verde y rojo sobre naranja" de Mark Rothko.
Entre las obras ejemplares de abstracción intuitiva se incluyen, además de las pinturas de Mark Rothko:
Composición No. 4 (1911) y Composición VII (1913) de Wassily Kandinsky - expuestas en la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen y la Galería Tretjakow
El plato típico, el tenedor y el ombligo (1923) de Jean Arp (1887-1966) – en una colección privada
Mujer (1934) de Joàn Miró (1893-1983) – también en una colección privada
Inscape: Morfología Psicológica n.º 104 (1939) de Matta (1911-2002) – también en una colección privada
Divisibilidad infinita (1942) de Yves Tanguy (1900-55) – exhibida en la Galería de Arte Allbright-Knox en Buffalo (EE. UU.)
Ejemplos en escultura y talla:
El beso (1907) de Constantin Brancusi (1876-1957) – Kunsthalle, Hamburgo
Madre e hijo (1934) de Barbara Hepworth (1903-1975) – expuesta en la Tate Gallery
Pip gigante (1937) de Jean Arp – expuesta en el Museo Nacional de Arte, Centro Georges Pompidou, Francia
Tres figuras de pie (1953) de Henry Moore (1898-1986) – Museo Guggenheim, Venecia
06 Abstracción gestual
La abstracción gestual es una variante o subforma del expresionismo abstracto. En este estilo, se otorga mayor importancia al proceso de creación pictórica que la que solía darse anteriormente.
Por ejemplo, aquí la pintura se puede aplicar de formas inusuales. La pincelada también suele ser muy suelta, espontánea y rápida.
Entre los famosos representantes estadounidenses de la pintura gestual se encuentran Jackson Pollock (1912-56), el inventor de la pintura de acción y la técnica del goteo , y su esposa Lee Krasner (1908-84), quien lo inspiró con su propia forma de pintura de goteo.
Jackson Pollock describió el arte abstracto como una "energía y un movimiento revelados" que liberaron su psique y le dieron voz. En esta forma de arte, encontró la libertad de crear más allá de las reproducciones fieles del entorno. Se animaba a los artistas abstractos a crear arte sin autocensura y de forma intuitiva, "desde las entrañas .
“Number IIA” (1948) de Jackson Pollock, Editions Pierre D'Harville (con licencia de J. Pollock/SOFAM Belgique)
Otras figuras importantes incluyen a Willem de Kooning (1904-97), famoso por su serie "Mujer", y a Robert Motherwell (1912-56), quien alcanzó fama mundial por su serie "Elegía a la República Española" .
ilustra con el tachismo como con el grupo CoBrA ; en especial, a Karel Appel
07 Minimalismo
Como contramovimiento a la pintura gestual del Expresionismo Abstracto, el Minimalismo como un movimiento artístico de vanguardia en Estados Unidos. Una especie de posmodernismo , por así decirlo.
También se eliminó toda referencia o asociación externa. Se redujo a lo que realmente se ve, nada más.
El minimalismo suele adoptar una forma geométrica o estructurarse según principios geométricos. Este movimiento artístico, dominado por escultores, ha tenido una presencia especialmente notable en la arquitectura y el diseño moderno desde la década de 1980.
el Museo Barberini de Potsdam presentó una impresionante exposición de más de noventa obras del pintor Gerhard Richter . La muestra se centró en el arte abstracto y contextualizó la obra de Richter, que abarca más de cincuenta años. El de Berlin-av tuvo la oportunidad de entrevistar a Gerhard Richter en la inauguración. En el vídeo, Richter habla sobre diversos aspectos de su trabajo artístico durante una rueda de prensa.
Gerhard Richter, a menudo llamado el "Picasso del siglo XXI ", es célebre por la diversidad de su obra. Una exposición en laHaus der Kunst en 2009 presentó, por primera vez, una selección completa de sus pinturas abstractas creadas desde la década de 1970. Estas obras de gran formato, en su mayoría realizadas en series, reflejan la profunda exploración que Richter ha llevado a cabo de los principios y los límites de la pintura.
Su proceso creativo se caracteriza por una «espontaneidad planificada », en la que trabaja sin un motivo preconcebido e incorpora el azar. Mediante pinceles, espátulas y rasquetas, crea capa tras capa de elementos cromáticos cambiantes, que a menudo dan como resultado estructuras espaciales, aunque nunca objetos claramente reconocibles. Muchas de estas pinturas atraviesan más de treinta etapas, y los vestigios del proceso permanecen presentes de forma cautivadora.
Las más de cincuenta obras de la exposición se caracterizaban por su impresionante intensidad cromática y constituyen una experiencia visual de “cascadas de colores embriagadores y psicodélicos” .
«1025 colores» (1974), de Gerhard Richter, reproducción en papel.
Tal vez tú también lo hayas experimentado: te has encontrado contemplando una obra de arte abstracta en particular, observándola durante un largo rato y sintiendo cierta atracción , sin poder comprender del todo por qué.
No es fácil de explicar, pero es innegable. El arte no figurativo puede evocar una fascinación única que cautiva nuestra mente. Puede desencadenar diversas asociaciones y procesos de pensamiento en los espectadores, llevando nuestra imaginación de viaje.
Comprender el arte abstracto no es particularmente difícil en sí mismo; básicamente, todo lo que se necesita es una mente abierta y una buena dosis de imaginación.
El primer paso es abandonar ideas familiares y creencias arraigadas. Comprender el arte abstracto consiste principalmente en mirar más allá de cómo conocemos y percibimos las cosas. Solo entonces se despliega el verdadero poder de estas obras.
El dibujante y pintor de origen armenio Arshile Gorky lo resume de la siguiente manera:
La abstracción permite a los seres humanos visualizar con la mente aquello que no pueden percibir físicamente con los ojos. El arte abstracto permite al artista percibir el infinito más allá de lo tangible y plasmarlo a partir de lo finito. Es la emancipación de la mente. Es la exploración de territorios desconocidos.
(traducción aproximada del inglés)
La abstracción se basa en la intuición y en la libertad (tanto del artista como del espectador). Es la capacidad del artista para usar su imaginación para ver más allá de lo físicamente visible y plasmar emociones inmateriales en el lienzo.
También se trata de la capacidad del público para conectar con la intención del artista en el arte abstracto y liberar su propia mente de las limitaciones visuales.
Lo más importante que hay que entender sobre esta forma de arte es que no tiene por qué tener un significado específico, una historia definida, ni siquiera una explicación clara.
Su principal objetivo es fomentar la imaginación y la intuición. Esta forma de arte busca, fundamentalmente, ofrecer al espectador una experiencia intangible y emocional, la cual suele ser completamente diferente para cada persona, dependiendo de su personalidad y estado de ánimo al momento de contemplarla.
Todo esto hace que el arte abstracto sea increíblemente emocionante y enriquecedor.
Comprender el arte abstracto: una breve guía
Hemos aprendido que no se trata de reconocer y encontrar figuras o patrones familiares en obras abstractas.
Si las explicaciones de la sección anterior le resultan demasiado generales y aún no está seguro de cómo proceder, tal vez los siguientes consejos le sean de ayuda:
Al intentar comprender la abstracción, es importante reconocer que diferentes maneras de abordar y clasificar el arte.
Para apreciar el arte moderno, la atención no debe centrarse en cuán realista haya pintado el artista algo o a alguien ni en cuántos detalles sofisticados estén presentes, sino más bien en cuán exitosa sea una obra al evocar emociones y crear una conexión profunda con el artista.
Las pinturas abstractas también pueden apreciarse en términos de sus elementos individuales : color, forma, línea, textura, espacio, intensidad, etc. La habilidad de un artista abstracto radica en su capacidad para utilizar los colores y las texturas de la manera más efectiva posible y para crear una composición completa (armoniosa) a partir de estos elementos.
¡No mires el reloj! No es necesario estar horas frente a una obra abstracta. Dedica el tiempo que te inspire intuitivamente. El tiempo no debe ser un factor determinante. Bajo ninguna circunstancia te fijes un límite de tiempo de antemano.
Todos sabemos que el arte es subjetivo y que a veces hay obras con las que simplemente no conectamos, sobre todo en el arte abstracto. Acéptalo o inténtalo de nuevo en otra ocasión.
¡No subestimes la imaginación del artista ni su valor! Si una obra no te gusta o no logras conectar con ella, simplemente reflexiona sobre qué es lo que te hace sentir así. Quizás esto te abra a una nueva perspectiva. Y ese, al fin y al cabo, es el secreto de este tipo de arte.
No te dejes engañar por el título! En la mayoría de los casos, las pinturas abstractas tienen títulos muy vagos (por ejemplo, «Número 4» o «Negro y Rojo»). No te dejes llevar por esto. La mayoría de los artistas abstractos evitan deliberadamente usar títulos significativos o incluso promocionales. Buscan que interactúes con su arte y, en última instancia, encuentres tu propio significado personal en él. Solo en algunos casos un título puede ser útil para guiar tu imaginación en una dirección determinada.
Lea el texto explicativo en la pared o las explicaciones en las guías o folletos que acompañan a la obra. Este contenido puede brindarle información importante sobre la trayectoria del artista o su intención artística. Consejo: Intente ver la obra sin ningún contexto primero; esto le permitirá una experiencia más intensa y libre.
¡Deja que el cuadro te hable! Libera tu mente de todo lo demás. Dale tiempo a la obra y permite que sus emociones resuenen en ti. Observa los colores y las texturas. ¿Qué sientes? ¿Qué pensamientos te invaden? Jackson Pollock dijo una vez: «Deja que el cuadro haga las preguntas, en lugar de al revés».
¡No te presiones! No te preocupes si no sientes algo inmediatamente con cada cuadro. Una pintura abstracta no tiene por qué evocar una conexión contextual; es decir, no tienes que ser capaz de sentir todas las emociones que pueda transmitir. Si no te produce ninguna emoción, es perfectamente aceptable. Las emociones negativas también son posibles y deben reconocerse.
¡No olvides que la abstracción no tiene por qué tener significado! Si bien comprender una obra de arte puede evocar una sensación momentánea de victoria, sumergirse en su misterio proporciona un placer duradero.
¿Qué es la fotografía abstracta?
En el mundo de la fotografía abstracta, los fotógrafos se inspiran en la estética y las técnicas del arte abstracto y las reproducen en la fotografía. Esto se logra mediante una combinación de objetos cotidianos, escenas y técnicas fotográficas para crear imágenes que se corresponden con otras formas de arte abstracto.
Barbara Crane fue una fotógrafa que utilizó primeros planos extremos, sombras exageradas y sobreexposición para crear una óptica experimental que distorsionaba los paisajes urbanos tradicionales.
En su serie Loop, transformó rascacielos y bloques de apartamentos en imágenes abstractas geométricas de alto contraste. La artista describió su enfoque de la siguiente manera:
Aunque me baso en experiencias pasadas, intento desprenderme de viejos hábitos de percepción y pensamiento. Busco constantemente algo visualmente novedoso para mí. Al mismo tiempo, espero que forma y contenido se fusionen.
Kimberly Poppe también utiliza su cámara para explorar nuevas perspectivas. Sus fotografías de paisajes están más influenciadas por las pinturas de Rothko que por los panoramas oceánicos que él fotografía. El expresionista abstracto estadounidense es una de sus influencias más importantes.
Sven Pfrommer, fotógrafo y artista visual contemporáneo residente en Berlín, también se dedica de manera impresionante a la fotografía abstracta y trabaja con gran éxito a nivel mundial.
¿En qué museos y exposiciones puedo encontrar obras de arte abstracto significativas?
Si bien el arte no figurativo puede verse en la mayoría de los principales museos de arte del mundo, existen varias colecciones notables en museos prestigiosos que albergan obras importantes y especiales de esta forma de arte.
Merece especialmente la pena visitar los siguientes museos importantes:
Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York
Museo Samuel R. Guggenheim, Nueva York
Galería de Arte Albright-Knox, Buffalo, Nueva York
Galería Tate Modern, Londres
Centro Georges Pompidou, París
Guggenheim Bilbao
Guggenheim Venecia
Museo de Arte de Basilea
Museo Stedelijk, Ámsterdam
Museo Nacional de Arte Moderno, París
MOMAT, Museo Nacional de Arte Moderno, Tokio
Instituto de Arte de Chicago
Museo de Arte Contemporáneo de Sídney
Comprar arte abstracto: en qué debes fijarte
A través de intercambios y debates con otras galerías, y también en los informes sobre el mercado del arte de los últimos años, hemos observado una tendencia hacia una nueva generación de jóvenes coleccionistas de arte que pueden clasificarse como nativos digitales y que compran arte casi exclusivamente en línea.
Además del arte urbano y el arte callejero , el arte abstracto goza de gran popularidad en las compras en línea. Se ha establecido un límite máximo de precio de alrededor de 25 000 €, lo que representa un aumento significativo en el valor de las obras comercializadas en línea durante los últimos años.
Según el Informe del Mercado Global del Arte 2024 de Art Basel y UBS, la confianza en las ventas globales en línea aumentó nuevamente en 2023, alcanzando un estimado de 11.800 millones de dólares estadounidenses a nivel mundial, lo que representa un aumento del 7% con respecto al año anterior (2022) y representa el 18% de las ventas totales del mercado.
Arte abstracto en nuestra galería online
En nuestra galería de arte virtual, también tienes la oportunidad de adquirir obras de arte abstractas únicas y coloridas, directamente del artista o de la galería asociada.
Cada una de estas pinturas fue creada con la pasión y la excepcional habilidad de un artista talentoso. Explora la diversidad de las formas artísticas más abstractas y déjate inspirar por imágenes que narran tu historia personal.
Sumérgete en un mundo lleno de inspiración creativa con nuestra amplia gama de exquisitas obras maestras abstractas.
Las obras de esta colección están disponibles para su compra, directamente del artista o a través de su galería. Simplemente haga clic en las piezas de su elección para obtener más información.
Pinturas abstractas en nuestras galerías asociadas
Nuestras galerías asociadas, Singulart y Artfinder, ofrecen una variada colección de arte moderno. Estas galerías en línea son conocidas por sus colecciones cuidadosamente seleccionadas, que presentan tanto a artistas internacionales consagrados como emergentes.
ars mundi encontrarás obras de excepcional expresividad y diversidad creativa .
Estas galerías asociadas ofrecen una amplia selección de obras de arte abstractas que se adaptan a cualquier estilo de diseño de interiores imaginable, tanto si prefiere colores vibrantes, formas enérgicas o texturas suaves.
Más consejos y guías
Para obtener más información, consejos y recomendaciones sobre la compra de obras de arte abstractas, consulte nuestros artículos relacionados:
Arte contemporáneo de la abstracción expresiva alemana y austriaca
Quien busque artistas contemporáneos con una clara tendencia hacia formas de expresión no figurativas encontrará lo que busca en el corazón de la ciudad artística y cultural de Dresde .
Aquí, Thomas Stephan Inspire Art, un centro para artistas centrado en la abstracción expresiva, que desde entonces ha crecido de forma constante y ha prosperado gracias, en gran medida, a un equipo de artistas talentosos, auténticos y dedicados, convirtiéndose en un centro para entusiastas del arte, artistas y marchantes de arte.
El grupo central consolidado de Inspire Art incluye a Etienne Donnay, Florian Maiorescu, Marcin Marz, Mila Plaickner y Elena Drobychevskaja.
la pintura informal puede resultar confusa, extraña y abrumadora. El equipo de Inspire Art busca contrarrestar esto presentando obras de arte moderno de una manera principalmente comprensible y auténtica. Se fomentan las conversaciones participativas y creativas en las luminosas salas de la galería de arte de Dresde.
Puedes mantenerte al día sobre los nuevos lanzamientos de artistas alemanes e internacionales en www.inspire-art.de .
En la página web de la galería también encontrará una descripción general de su extenso catálogo de arte moderno, así como su fascinante y diversa colección de obras de arte contemporáneo de diferentes movimientos artísticos, con un fuerte enfoque en el arte abstracto.
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Propietaria y directora general de Kunstplaza. Publicista, editora y bloguera apasionada en los ámbitos del arte, el diseño y la creatividad desde 2011. Licenciada en diseño web (2008). Ha perfeccionado sus técnicas creativas mediante cursos de dibujo a mano alzada, pintura expresiva y teatro/actuación. Posee un profundo conocimiento del mercado del arte, fruto de años de investigación periodística y numerosas colaboraciones con figuras e instituciones clave del sector artístico y cultural.
Como cualquier otra área de estudio, el arte contiene una gran cantidad de terminología, expresiones, abreviaturas y palabras extranjeras específicas de la materia.
En esta sección, nos gustaría presentarles algunos de los términos más importantes y comunes que se utilizan a lo largo del tiempo.
aprenderá y profundizará en su comprensión de una amplia gama de información, definiciones, términos litúrgicos, notas, términos técnicos comunes y sus abreviaturas, así como conceptos de teoría del arte, historia del arte
En el arte, los artistas y las obras de arte se clasifican en períodos estilísticos . Estos se basan en características comunes de las obras de arte y los productos culturales de una época determinada.
La división en épocas sirve como herramienta para estructurar y clasificar obras y artistas dentro de un marco temporal y un acontecimiento histórico-cultural.
El conocimiento de los periodos artísticos desempeña un papel fundamental, especialmente en el comercio del arte , así como en la teoría del arte y el análisis de la imagen clásica.
En esta sección del blog de arte, nos gustaría ayudarle a comprender mejor estas épocas, estilos y movimientos.
Estilos y movimientos artísticos
El estilo artístico o estilo de las obras de arte se refiere a la expresión uniforme de las obras de arte y productos culturales de una época, un artista o grupo de artistas, un movimiento artístico o una escuela de arte.
Se trata de una herramienta para clasificar y sistematizar la diversidad del arte. Señala similitudes que difieren de otras.
El término está relacionado temáticamente con el período artístico , pero no se limita a un período de tiempo específico y, por lo tanto, es mucho más amplio.
En esta sección, nos gustaría ayudarle a comprender mejor los estilos y movimientos artísticos.
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Elegante espejo de metal "Schlichto"
El precio original era: 165,00 €135,00 €El precio actual es: 135,00 €.
