Jasper Johns: El arte como medio para explorar y afrontar la vida

Durante su amistad con Robert Rauschenberg y el círculo en torno a John Cage, Johns se inspiró en Cage y trabajó con Rauschenberg; éstos fueron los puntos de inflexión decisivos en el camino hacia su propio desarrollo artístico.

La obra de Jasper Johns despliega una gama interesante en sus objetivos y matices:

Una y otra vez, banderas, objetivos, números

A partir de 1954 se crearon las primeras banderas, dianas y números que se presentan con más detalle en el artículo “Jasper Johns: Artista nato, vida con y para el arte” , que posteriormente aparecerían una y otra vez en su obra:

• “Figura 8”, 1959
• "Bandera", 1971
• "Objetivo", 1958
• "Objetivo", 1960
• “Figura 2”, 1963
• “Figura cinco”, 1963–64
• “Objetivo (ULAE 147)”, 1974

Johns también se dedicó a muchos otros temas:

“False Start” y “Device Circle” de 1959 también son dibujos y pinturas típicos de Jasper Johns, realizados con un “brazo mecánico” (generalmente una especie de tira de madera) con el que Johns rayaba la pintura sobre el lienzo, como tan a menudo en arcos, curvas o círculos, mientras el brazo se mantenía en contacto con el lienzo.

La “Percha” y el “Bronce pintado” , claras incursiones en el Pop Art que revelan la enorme influencia de Rauschenberg en la obra de John.

El arte como símbolo de vida

Johns luego profundizaría en el tema de los “dispositivos” “huellas corporales” , “una alegoría que lo abarca todo del arte como y desde el cuerpo”:

• “Periscopio (Hart Crane)”, 1962
• "Buzo", 1962-63

Esta mezcla de "dispositivo" y "huella corporal" aparece a partir de 1963. En "Periscopio", "Buceador", que incluye pintura rayada e huella corporal .

El curador y jefe del Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo de la Galería Nacional de Arte de Washington DC, vio en esta técnica “la reinvención de la figuración en el arte moderno” : la manifestación del proceso mecánico por sí sola le da al cuerpo un nuevo lugar en las artes visuales.

El arte como historia de vida personal

En “Periscope” y “Diver”, Johns también trató trastornos personales: por un lado, su desagradable separación de su compañero de vida de muchos años, Rauschenberg, y por otro, el suicidio del poeta Hart Crane , cuya poesía impresionó profundamente a Johns.

Nacido en 1899, el poeta Hart Crane, psicológicamente inestable e hipersensible, sólo se trajo problemas financieros y malas críticas a pesar de haber obtenido una beca Guggenheim por sus dos volúmenes de poesía publicados, “White Buildings” (1926) y “The Bridge” (1930).

Luego se quitó la vida de forma espectacular y pública el 27 de abril de 1932, saltando del SS Orziba al Golfo de México con ambas manos alzadas. Su cuerpo nunca fue encontrado.

Johns incluyó el gesto de las manos extendidas en las imágenes; esta referencia visual al suicidio de Crane pretende expresar el estrés emocional de John por la catástrofe de la separación de Rauschenberg.

Historias sobre el arte y el misterio de la vida

También en 1963, “Land’s End” , otro ejemplo de cómo las pinturas de John cuentan historias profundas y profundas, esta vez no sobre la vida, sino sobre el arte:

En su obra de 1929 “La traición de las imágenes” , René Magritte planteó la cuestión fundamental de qué tiene que ver la imagen pintada de un objeto con el objeto mismo: según la interpretación más extendida en la historia del arte, Magritte mostrar y demostrar con la pintura que incluso la representación más realista no es idéntica al objeto mismo.

En una línea muy similar, Johns se pregunta en "Land's End" (y en muchas de sus otras pinturas de la década de 1960) si el nombre de un color es el mismo que el color en sí, y quizás más importante, cómo alguien puede saber o creer que un color como el rojo no es en realidad amarillo, por ejemplo. ¿Dónde termina el rojo y dónde empieza el amarillo? ¿Se define el rojo por su opuesto, por ejemplo, por el hecho de que no es dinero ni azul? ¿Acaso el rojo carece de cualidad inherente, es simplemente una descripción de relaciones? ¿Quién lo decide?

A diferencia de Magritte, Johns no ofrece respuestas definitivas a estas preguntas; al contrario, su verdadero y gran mérito como artista reside en plantear preguntas al mundo. Muchas preguntas, y eso es precisamente lo que se espera que experimente el espectador al contemplar una obra de Johns: se busca incitarlo a reflexionar sobre las numerosas preguntas de nuestra existencia para las que no existen respuestas definitivas.

Nos dejamos llevar por las aguas turbulentas a nuestros pies; vemos la enorme ola en el horizonte, pero no podemos escapar de ella. Según Johns, no hay estabilidad; no podemos confiar en nada ni en nadie con certeza. Nada tiene valor intrínseco, sino que solo lleva etiquetas descriptivas, se define por sus relaciones con algo más y, por lo tanto, todo está conectado con todo lo demás.

Johns ilustra esto en "Land's End" mediante el uso de letras de colores primarios, que, como toda la imagen, no contienen mucho color. Toda la imagen gris es una mezcla de grises cálidos y fríos, marrones y azules, esencialmente una explicación de cómo el gris interactúa con el color. El gris es el medio del espectro, una mezcla de blanco y negro, o el color que se obtiene al mezclar colores opuestos, como el famoso Torrit Grey Gamblin Artist Colors , que se mezcla con todos los colores que Gamblin produce en su fábrica de pinturas. Por lo tanto, el gris puede estar lleno de color, incluso conteniendo todo el espectro, sin que podamos reconocer ninguno de los colores individuales.

De igual manera, “Según qué” (1964), compuesta por varios lienzos unidos, paneles pintados que incorporan diversos objetos encontrados, utilizando técnicas de obras anteriores, pinceladas, nombres de colores estampados con plantilla e impresiones de partes del cuerpo. En esta ocasión, sin embargo, Johns amplió su repertorio visual al incluir elementos como páginas de periódico serigrafiadas, que sitúan al Kremlin en el centro de la pintura y lo abren al debate.

Warhol y Rauschenberg utilizaron la serigrafía para transformar convenientemente fotografías en pinturas sin ninguna indicación de la mano del artista; Johns se involucra intensamente con la serigrafía artísticamente para reforzar la idea del entrelazamiento del artista y el dispositivo, que exploró en “Periscope”

En el extremo izquierdo, como una oda a su mentor Marcel Duchamp, coloca un pequeño lienzo con la silueta de Duchamp, del que sólo es visible el reverso con la fecha, el título y la firma de John; encima de este lienzo, una silla invertida extiende sus patas en el aire.

Estos objetos encontrados se agregaron porque Johns quería crear una pintura que "permitiera que las cosas cambiaran" a medida que la luz y la perspectiva del espectador cambiaban alrededor de la obra: un cambio de enfoque que ilustra la creencia de Johns de que vemos el mundo a través de innumerables fragmentos diferentes, con cada cambio de contexto desde una perspectiva diferente.

El arte como medio para afrontar la vida

También en esta tradición se encuentra "Pensamientos Acelerados" (1983). "Pensamientos Acelerados" es un término reconocido en países angloparlantes para la sobrecarga mental asociada con todo tipo de enfermedades o trastornos mentales. El propio Johns sufrió una forma leve de "pensamientos acelerados" en 1983; así, se familiarizó con el término médico y le causó gran sorpresa descubrir que los pensamientos acelerados son un síndrome ampliamente conocido.

Con “Scent” , 1973-74, un formato bastante grande, comienza una nueva era, aquí Johns establece las reglas básicas de sus “imágenes sombreadas”.

Aroma consta de nueve paneles, tres lienzos, cada uno dividido en tres por líneas dibujadas. Los tres paneles izquierdo y derecho son idénticos, al igual que el tercero y el cuarto, y el sexto y el séptimo. Se pueden etiquetar (por ejemplo, de derecha a izquierda, ABC, CDE, EFA) y reagrupar (CDE, EFA, ABC); los bordes siempre se alinean como antes.

Con el título Scent, Johns eligió un título que tanto Rauschenberg como Jackson Pollock ya habían utilizado; esto se ve como una referencia y/o una reverencia irónica al arte que se ha convertido en historia del arte.

“Cadáver y Espejo II” , 1974-75, es también una imagen sombreada, sobre cuyo patrón Johns dijo una vez: “Solo la vi un segundo, pero supe de inmediato que la usaría. Tenía todas las cualidades que me interesan: el indicio de una letra, la repetibilidad, la obsesión, el orden silencioso y la posibilidad de permanecer completamente sin sentido”.

Otras pinturas famosas en el estilo Scent son los trípticos “Mujeres llorando” , 1975, que se dice que hace a las pinturas de desnudos de Picasso en su período cubista 1907-1909 , y “Entre el reloj y la cama” , 1981, inspirado en el “Autorretrato entre el reloj y la cama” , 1940-42 de Edvard Munch .

Arte e historia del arte

Johns se para crear “Noche peligrosa” “Retablo de Isenheim” de Matthias Grunewald :

Los soldados abatidos por la brillante luz de Cristo resucitado en el segundo mural .

Sin este conocimiento previo, "Noche peligrosa" es una imagen oscura y densa que, sin duda, no parece querer revelar su significado al espectador voluntariamente. Que las pinturas de John a menudo hacen referencia a la historia del arte era algo que los espectadores entendidos sabían, pero ni siquiera el crítico de arte más astuto estableció la conexión con el "Retablo de Isenheim", por lo que el propio John finalmente reveló la referencia.

En “Ventriloquist” , 1983, Johns organiza banderas, números y objetivos en un autorretrato simbólico, que no resulta inmediatamente obvio.

La composición parece bastante realista, con el clavo torcido en la sombra, la cesta de mimbre cuidadosamente pintada y la representación detallada de las pipas a la derecha. A la izquierda, hay algo para los entendidos y amantes del arte excéntrico: se dice que flota cerámica excéntrica del ceramista George Edgar Ohr, quien se hacía llamar "el Alfarero Loco de Biloxi", y una ballena está incrustada en las líneas del fondo (supuestamente basada en la famosa ilustración de 1979 de Moby-Dick de Herman Melville, realizada por el artista e ilustrador Barry Moser ).

Dos banderas estadounidenses, una sobre la otra y en tonos opuestos del círculo cromático, dividen las páginas, y la imagen en blanco y negro de la esquina superior derecha, al observarla más de cerca, también se revela como una copia invertida (de una litografía del artista Barnett Newman, a quien Johns veneraba): el ventrílocuo Johns tiene mucho que decirnos.

Al igual que en “Las estaciones (Verano)” , 1987, donde el pequeño colibrí en la rama es tan difícil de localizar como el carro copiado de “El Minotauro muda su casa” de Picasso , sobre el que Johns vuelve a disponer unas cuantas orejeras, atributos de sus propias obras y (en memoria de Leonardo da Vinci y Marcel Duchamp ) una Mona Lisa .

¿Cuál es el propósito del caballito de mar? Nunca lo adivinarás: pretende evocar la imagen del caballo dando a luz en el Minotauro de Picasso (aunque no está muy claro). Algunos también lo ven como una alusión a los estereotipos de género, ya que en los caballitos de mar el macho lleva a las crías. En 1986, se crearon las series de otoño, invierno y primavera de "Verano", y hay mucho por descubrir en ellas.

El arte como rompecabezas

Como en…

• “Al filo del espejo”, 1992
• “Las estaciones”, 1990
• “Nada en absoluto Richard Dadd”, 1992

En la década de 1990, nuevas voces pueblan las pinturas de John, y las viejas voces pueden leerse de una manera completamente nueva.

“Mirror's Edge” está basada en un plano de la casa de la infancia de John, “Nothing at All Richard Dadd” ; esta pintura está basada en el pintor inglés Richard Dadd , quien asesinó a su padre en el siglo XIX porque voces fantasmales le ordenaron hacerlo.

No sabemos cómo los “pensamientos acelerados” en esa época, pero Richard Dadd pasó el resto de su vida en un hospital para enfermos mentales criminales, donde escribió un largo poema sobre su obra maestra: “The Fairy Fellers” (Pintura de las hadas).

El último verso de este poema dice que “nada puede hacerse de la nada” : Dadd parecía crear arte a partir de una especie de necesidad interior, razón por la cual, según muchos historiadores del arte, Johns se refería a él.

Además, las tres imágenes presentan algunas similitudes, cuya identificación queda a criterio del observador curioso. Lo mismo ocurre con la interpretación de las dos últimas obras famosas de Johns:

“Cerca de la Laguna” , 2002-03, que el director del Instituto de Arte de Chicago describió como la obra maestra de un artista en plena madurez. Un artista que, a una edad avanzada, produjo una obra profunda en la que reflexionó sobre sí mismo y sobre la historia del arte, y que afirmó que los estadounidenses deberían abandonar de una vez por todas la idea errónea de que las primeras obras de un artista son siempre las más importantes.

“Fragmento de una carta” , 2009, en el que Johns, a la tierna edad de 81 años, demuestra que todavía es capaz de inventar formas visuales y modos de representación: las manos en el fragmento de carta de la izquierda hablan un lenguaje de signos descifrable, un ejercicio para mentes muy brillantes cuando el lado derecho permanece cubierto.

La obra de Jasper Johns en la esfera pública: Historia de las exposiciones y arte en colecciones públicas

En 1954 encontró su dirección artística y surgieron los primeros motivos típicos que hoy se asocian con el artista Jasper Johns: 'objetivos', banderas estadounidenses, mapas, imágenes con números, palabras y letras.

En 1957, Johns Leo Castelli , un banquero con gran experiencia artística que había emigrado de Europa a Nueva York en 1941 y estaba en proceso de establecer su galería, recientemente inaugurada en su sala de estar, como punto de encuentro para las escenas artísticas europea y estadounidense. A diferencia de las galerías establecidas, mayoritariamente conservadoras, a Castelli le interesaba la "originalidad" de sus artistas; organizó una exposición colectiva para Johns ese mismo año y la primera exposición individual de Jasper Johns en 1958 .

Además, en 1958, el historiador de arte y director fundador del Museo de Arte Moderno Alfred Barr las primeras obras para el MoMA, Johns produjo un concierto retrospectivo de John Cage con Rauschenberg y Emile de Antonio en el Town Hall de Nueva York, y comenzó el ascenso imparable.

A partir de 1958, Johns expuso regularmente en Castelli (1960, 1961 y 1963) y ganó así gran popularidad también en Europa: en 1964 se celebró la primera exposición de Jasper Johns en la Whitechapel Art Gallery de Londres ; por iniciativa de la ex esposa y compañera de Castelli, Ileana Sonnabend, Johns pudo exponer en la II Bienal de París .

Johns participó en la Bienal de Venecia (1970, 1978, 1988) , en la Documenta de Kassel (1964 Documenta 3, 1968 Documenta 4, 1972 Documenta 5, 1977 Documenta 6), colaboró ​​con Samuel Beckett en París (1973) y creó gráficos y diseños de libros para las ocho piezas breves en prosa de Beckett, Fizzles (1977). Diseñó vestuario, escenografía y carteles para John Cage y Merce Cunningham y su compañía de danza.

Banderas, Dianas y Números debería resultar familiar para cualquier amante del arte. Quienes afirmen tener una formación artística más profunda también estarán familiarizados con las otras obras de Jasper Johns mencionadas anteriormente. Ha habido muchas oportunidades de admirarlas:

Jasper Johns puede hoy recordar más de 150 exposiciones individuales y casi 700 exposiciones colectivas .

La mayoría están en Estados Unidos (594) y en la Galería Leo Castelli (61), pero también 33 en el Museo de Arte Moderno (MoMA), 24 en el Museo Whitney de Arte Americano de Manhattan, 15 en la Galería Margo Leavin de Los Ángeles y 12 en la Galería Nacional de Arte de Washington, DC.

Jasper Johns ha realizado 68 exposiciones individuales en Alemania, 34 en Gran Bretaña, 20 en España y 18 en Italia, y su historial de exposiciones está lejos de terminar (para las exposiciones actuales, consulte el artículo “Jasper Johns: artista nato, viviendo con y para el arte” ).

Sin embargo, no es necesario esperar a que haya una exposición; puedes ver las obras de Jasper Johns en una de las muchas colecciones públicas:

• Dinamarca: ARTE Museo de Arte Moderno de Aalborg, Museet for Samtidskunst / Museo de Arte Contemporáneo de Roskilde
• Alemania: Foro Ludwig para el Arte Internacional de Aquisgrán, Museo Ludwig de Colonia, K20 Düsseldorf, Museo de Arte Moderno (MMK) y Museo Städel de Frankfurt am Main, Colección Reinking de Hamburgo, Museo Ludwig en la Deutschherrenhaus Koblenz, Museo Städtisches Abteiberg Mönchengladbach
• Finlandia: Museo Kiasma de Arte Contemporáneo, Helsinki
• Francia: Musée d'Art Moderne et d'Art Contemporain Nice (MAMAC), Niza
• Irán: Museo de Arte Contemporáneo de Teherán
• Israel: El Museo de Israel de Jerusalén
• Italia: Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Villa Croce Génova, Centro de Arte Moderna e Contemporanea della Spezia (CAMeC) La Spezia, Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto (MART) Rovereto
• Japón: Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad de Hiroshima, Museo de Arte de la Ciudad de Iwaki, Museo de la Ciudad de Kawasaki, Museo de Arte de Yokohama, Nishi-ku Yokohama, Museo de Arte Contemporáneo Hara de Tokio
• Canadá: Galería Nacional de Canadá Museo de Bellas Artes de Canadá Ottawa ON, Galería de Arte de Vancouver Vancouver BC
• Macedonia: Museo de Arte Contemporáneo de Skopje
• Países Bajos: Museo Stedelijk de Ámsterdam
• Noruega: Centro de Arte Henie Onstad Høvikodden
• Austria: Albertina y Museo de Arte Moderno Fundación Ludwig (MUMOK) Viena
• Suiza: Kunstmuseum de Basilea
• Hungría: Museo Ludwig – Museo de Arte Contemporáneo de Budapest
• EE. UU.: Addison Gallery of American Art Andover MA, Bechtler Museum of Modern Art Charlotte NC, Berman Museum of Art Collegeville PA, Boca Museum Art Boca Raton FL, Boise Art Museum BAM ID, Cantor Arts Center en Stanford University CA, Columbia Museum of Art SC, Dallas Museum of Art TX, Des Moines Art Center IA, Figge Art Museum Davenport IA, Fred Jones Jr. Museum of Art Norman OK, Gibbes Museum of Art Charleston SC, Glenstone Potomac MD, Greenville County Museum of Art (GCMA) SC, Guild Hall Museum East Hampton NY, Harry Ransom Center Austin TX, Honolulu Museum of Art HI, Kemper Museum of Contemporary Art Kansas City MO, Los Angeles County Museum of Art (LACMA) CA, Mary & Leigh Block Museum of Art Evanston IL, Marywood University Art Gallery Scranton PA, Museum of Fine Arts Houston (MFAH) TX, Middlebury College Museum of Art VT, Milwaukee Art Museum (MAM) WI, MIT List Visual Arts Center Cambridge MA, MOCA Grand Ave Los Angeles CA, Museum of Contemporary Art Chicago (MCA) IL, Museo de Arte Contemporáneo de North Miami (MOCA) FL, Museo de Arte Contemporáneo de San Diego (MCASD) La Jolla CA, Museo de Arte Moderno (MoMA) Nueva York NY, Centro de Escultura Nasher Dallas TX, Museo de la Academia Nacional Nueva York NY, Museo de Arte de Palm Springs CA, Museo de Arte de Filadelfia PA, Museo de Arte Polk Lakeland FL, Museo de Arte de Pomona College Claremont CA, Museo de Arte de la Universidad de Princeton NJ, Museo de Arte Americano Reynolda House Winston-Salem NC, Museo de Arte de la Universidad de Saint Louis (SLUMA) MO, Museo de Arte Samek Lewisburg PA, Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMoMA) CA, Museo de Arte de Santa Bárbara CA, Museo de Arte de Savannah (SCAD) GA, Museo de Arte de Seattle WA, Centro de Artes Tarble Charleston IL, Museo de Arte Allen Memorial Oberlin OH, Instituto de Arte de Chicago IL, Museo de Arte de la Universidad de Kentucky Lexington KY, Museo de Arte de Baltimore MD, Museo de Arte de Cleveland OH, Instituto de Arte de Detroit MI, Museo de Arte McNay San Antonio TX, The Colección Menil Houston, TX; Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, NY; Galería Nacional de Arte, Washington DC; Colección Phillips, Washington DC; Museo de Arte Rose, Waltham, MA; Museo de Arte de Tucson, AZ; Museo de Arte de la Universidad de Arizona (UAMA), Tucson, AZ; Museo de Bellas Artes de Utah, Salt Lake City, UT; Museo de Bellas Artes de Virginia, Richmond, VA; Centro de Arte Walker, Minneapolis, MN; Museo Whitney de Arte Estadounidense, Nueva York, NY; Galería de Arte de la Universidad de Yale, New Haven, CT

La lista de colecciones públicas en los EE.UU. es larga y se reproduce intencionadamente en su totalidad: cualquier europeo amante del arte que viaje a los EE.UU. no puede dejar de ver a Jasper Johns en vivo y en persona, ya que el artista Jasper Johns pertenece a un círculo muy ilustre.

Entre los 100 artistas más famosos y exitosos del mundo, solo hay alrededor de dos docenas de artistas estadounidenses nacidos entre 1900 y 1950. Estos son los artistas que establecieron el arte moderno en los EE. UU., y Jasper Johns se encuentra entre la primera docena de estos artistas.

Por último, una motivación para visitar los museos con más frecuencia : los museos de los países europeos y de los EE.UU. contienen lo que el mundo occidental considera la “historia del arte del mundo” (por cierto, la ciencia de la historia del arte se desarrolló en Alemania).

Los alemanes deberíamos apresurarnos más que nadie a comprender y comprender los lineamientos básicos de esta historia del arte del mundo occidental. Porque tenemos la privilegiada posición de acoger en nuestra sociedad a muchas personas que pueden, y con gusto, nos ayudarán a comprender gran parte de la historia del arte fuera del mundo occidental si se lo pedimos