Jasper Johns: El arte como medio para explorar y afrontar la vida

Durante su amistad con Robert Rauschenberg y el círculo de John Cage, Johns se inspiró en Cage y trabajó con Rauschenberg; estos fueron los puntos de inflexión decisivos en el camino de su propio desarrollo artístico.

La obra de Jasper Johns despliega un interesante abanico de objetivos y matices:

Una y otra vez, banderas, dianas, números

A partir de 1954, se crearon las primeras banderas, dianas y números que se presentan con más detalle en el artículo "Jasper Johns: Artista nato, vida con y para el arte" , que posteriormente aparecerían una y otra vez en su obra:

• “Figura 8”, 1959
• "Bandera", 1971
• "Objetivo", 1958
• "Objetivo", 1960
• “Figura 2”, 1963
• “Figura Cinco”, 1963–64
• “Objetivo (ULAE 147)”, 1974

Johns también se dedicó a numerosos otros temas:

“False Start” y “Device Circle”, de 1959, son también dibujos y pinturas típicos de Jasper Johns, creados con un “brazo mecánico” (normalmente algún tipo de tira de madera) con el que Johns raspaba la pintura sobre el lienzo, a menudo en arcos, curvas o círculos, mientras el brazo se mantenía en contacto con el lienzo.

“ La percha” y “El bronce pintado” , claras incursiones en el arte pop que revelan la enorme influencia de Rauschenberg en el trabajo de John.

El arte como símbolo de la vida

Johns más tarde profundizaría en el tema de los “dispositivos” las “huellas corporales” , “una alegoría que lo abarca todo del arte como y desde el cuerpo”:

• “Periscopio (Hart Crane)”, 1962
• "Buzo", 1962-63

Esta mezcla de «dispositivo» e «huella corporal» aparece a partir de 1963. En «Periscope», «Diver», incluyendo pintura raspada e huella corporal .

El curador y jefe del Departamento de Arte Moderno y Contemporáneo de la Galería Nacional de Arte de Washington D.C. vio en esta técnica “la reinvención de la figuración en el arte moderno” ; la manifestación del proceso mecánico por sí sola otorga al cuerpo un nuevo lugar en las artes visuales.

El arte como historia de vida personal

En “Periscope” y “Diver”, Johns también procesó una convulsión personal, por un lado su desagradable separación de su compañero de vida de muchos años, Rauschenberg, y por otro lado el suicidio del poeta Hart Crane , por cuya poesía Johns quedó profundamente impresionado.

Nacido en 1899, el poeta Hart Crane, que era psicológicamente inestable e hipersensible, solo se había acarreado problemas financieros y malas críticas a pesar de una beca Guggenheim por sus dos volúmenes de poesía publicados, "White Buildings" (1926) y "The Bridge" (1930).

Luego, el 27 de abril de 1932, se quitó la vida de forma espectacular y pública, saltando del SS Orziba al Golfo de México con los brazos extendidos hacia el cielo. Su cuerpo nunca fue encontrado.

Johns incluyó el gesto de las manos extendidas en las fotografías; esta referencia visual al suicidio de Crane pretende expresar la angustia emocional de Johns ante la catástrofe de la separación de Rauschenberg.

Historias sobre el arte y el misterio de la vida

También en 1963, “Land’s End” , otro ejemplo de cómo las pinturas de John cuentan historias profundas y conmovedoras, esta vez no sobre la vida, sino sobre el arte:

En su cuadro de 1929 "La trahison des images" ("La traición de las imágenes"), René Magritte Magritte mostrar y demostrar con la pintura que incluso la representación más realista no es idéntica al objeto mismo.

En una línea muy similar, Johns se pregunta en «Land's End» (y en muchas de sus otras pinturas de la década de 1960) si el nombre de un color es lo mismo que el color en sí, y, quizás aún más importante, cómo se puede saber o creer que un color como el rojo no es en realidad amarillo, por ejemplo. ¿Dónde termina el rojo y dónde empieza el amarillo? ¿Se define el rojo por su opuesto, por ejemplo, por el hecho de que no es dinero ni azul? ¿Carece el rojo de toda cualidad inherente, siendo meramente una descripción de relaciones? ¿Quién decide eso?

A diferencia de Magritte, Johns no ofrece respuestas definitivas a estas preguntas; al contrario, su verdadero y gran mérito como artista reside en plantear interrogantes al mundo. Numerosas preguntas, y eso es precisamente lo que se busca que el espectador experimente al contemplar una obra de Johns: que se le invite a reflexionar sobre las muchas cuestiones de nuestra existencia para las que no existen respuestas concluyentes.

Nos arrastran las aguas turbulentas a nuestros pies; vemos la enorme ola en el horizonte, pero no podemos escapar de ella. Según Johns, no existe la estabilidad; no podemos confiar en nada ni en nadie con certeza. Nada tiene un valor intrínseco, sino que solo ostenta etiquetas descriptivas, se define por su relación con algo más, y por lo tanto, todo está conectado con todo lo demás.

Johns ilustra esto en «Land's End» mediante el uso de letras de colores primarios que, al igual que la imagen completa, carecen de color. La imagen gris en su conjunto es una mezcla de grises cálidos y fríos, marrones y azulados, lo que esencialmente explica cómo interactúa el gris con el color. El gris es el punto medio del espectro, una mezcla de blanco y negro, o el color que se obtiene al mezclar colores opuestos, como el famoso Gris Torrit Gamblin Artist Colors , que se obtiene mezclando todos los colores que Gamblin produce en su fábrica de pinturas. Por lo tanto, el gris puede estar repleto de color, incluso conteniendo todo el espectro, sin que seamos capaces de reconocer ninguno de los colores individuales.

De manera similar, «Según qué» ( 1964), compuesta por varios lienzos unidos, paneles pintados que incorporan diversos objetos encontrados, utilizando técnicas de obras anteriores, pinceladas, nombres de colores estarcidos e impresiones de partes del cuerpo. En esta obra, sin embargo, Johns amplió su repertorio visual al incluir elementos como páginas de periódicos serigrafiadas, que sitúan al Kremlin en el centro del cuadro y lo abren al debate.

Warhol y Rauschenberg utilizaron la serigrafía para transformar convenientemente fotografías en pinturas sin ninguna indicación de la mano del artista; Johns se involucra intensamente con la serigrafía artísticamente para reforzar la idea del entrelazamiento del artista y el dispositivo, que exploró en "Periscope"

En el extremo izquierdo, como oda a su mentor Marcel Duchamp, coloca un pequeño lienzo con la silueta de Duchamp, del cual solo es visible el reverso con la fecha, el título y la firma de John; encima de este lienzo, una silla boca abajo estira sus patas hacia el aire.

Estos objetos encontrados se añadieron porque Johns quería crear una pintura que "permitiera que las cosas cambiaran" a medida que la luz y la perspectiva del espectador se desplazaran alrededor de la obra; un cambio de enfoque que ilustra la creencia de Johns de que vemos el mundo a través de innumerables fragmentos diferentes, con cada cambio de contexto desde una perspectiva distinta.

El arte como medio para afrontar la vida

En esta misma línea se encuentra «Pensamientos acelerados », publicado en 1983. «Pensamientos acelerados» es un término reconocido en los países de habla inglesa para referirse a la sobrecarga mental asociada a diversas enfermedades o trastornos psicológicos. El propio Johns sufrió una forma leve de «pensamientos acelerados» en 1983; así se familiarizó con el término médico y le resultó muy curioso descubrir que se trata de un síndrome ampliamente conocido.

Con “Scent” (1973-74), un formato bastante grande, comienza una nueva era; aquí Johns establece las reglas básicas de sus “cuadros sombreados”.

Scent consta de nueve paneles, tres lienzos, cada uno dividido en tres por líneas trazadas. Los tres paneles de la izquierda y los tres de la derecha son idénticos, al igual que el tercero y el cuarto, y el sexto y el séptimo. Se pueden etiquetar (p. ej., de derecha a izquierda: ABC, CDE, EFA) y reagrupar (CDE, EFA, ABC); los bordes siempre coinciden.

Con el título Scent, Johns eligió un título que ya habían utilizado Rauschenberg y Jackson Pollock ; esto se considera una referencia y/o un gesto irónico hacia un arte que se ha convertido en historia del arte.

“Cadáver y espejo II” , 1974-75, es también una imagen de este tipo, cuyo patrón Johns dijo una vez: “Solo lo vi por un segundo, pero supe inmediatamente que lo usaría. Tenía todas las cualidades que me interesan: el indicio de una forma de letra, repetibilidad, cualidad obsesiva, orden silencioso y la posibilidad de permanecer completamente sin significado”.

Otras pinturas famosas del estilo Scent son los trípticos “Mujeres llorando” , de 1975, que se dice que las pinturas de desnudos de Picasso en su período cubista de 1907 a 1909 , y “Entre el reloj y la cama” , de 1981, inspirado en el “Autorretrato entre el reloj y la cama” , de 1940 a 1942, de Edvard Munch .

Arte e historia del arte

para crear “Noche peligrosa” , 1982, en un detalle del “Retablo de Isenheim” de Matthias Grunewald :

Los soldados abatidos por la brillante luz de Cristo resucitado en el segundo mural .

Sin este conocimiento previo, «Noche peligrosa» es una imagen oscura y densa que, sin duda, no parece querer revelar su significado al espectador de forma voluntaria. Que las pinturas de John a menudo hacen referencia a la historia del arte era algo que sabían los espectadores entendidos, pero ni siquiera el crítico de arte más perspicaz estableció la conexión con el «Retablo de Isenheim», por lo que el propio John acabó revelando la referencia.

En “Ventriloquist” (1983), Johns dispone banderas, números y dianas en un autorretrato simbólico, que no es inmediatamente obvio.

La composición resulta bastante realista, con el clavo torcido en la sombra, la cesta de mimbre pintada con esmero y la detallada representación de las tuberías a la derecha. A la izquierda, hay algo para los entendidos y amantes del arte excéntrico: se dice que flota allí una pieza de cerámica excéntrica del artista George Edgar Ohr, quien se hacía llamar «el Alfarero Loco de Biloxi» , y una ballena está integrada en las líneas del fondo (supuestamente basada en la famosa ilustración de 1979 de Moby-Dick de Herman Melville, realizada por el artista e ilustrador Barry Moser ).

Dos banderas estadounidenses, una encima de la otra y en tonos opuestos del círculo cromático, dividen las páginas, y la imagen en blanco y negro de la esquina superior derecha, al examinarla más de cerca, también se revela como una copia invertida (de una litografía del artista Barnett Newman, a quien Johns veneraba); el ventrílocuo Johns tiene mucho que contarnos.

Al igual que en “Las estaciones (Verano)” , de 1987, donde el pequeño colibrí en la rama es tan difícil de detectar como el carro copiado del “Minotauro trasladando su casa” de Picasso , en el que Johns vuelve a colocar algunos orejeros, atributos de sus propias obras y (en memoria de Leonardo da Vinci y Marcel Duchamp ) una Mona Lisa .

¿Cuál es el significado del caballito de mar? Jamás lo adivinarás: pretende evocar la imagen del parto de la yegua en el cuadro del Minotauro de Picasso (aunque no se aprecia con mucha claridad). Algunos también lo interpretan como una alusión a los estereotipos de género, ya que en los caballitos de mar el macho carga a las crías. Otoño, Invierno y Primavera se crearon en 1986 para el "Verano", y aún hay mucho por descubrir en ellos.

El arte como un rompecabezas

Como en…

• "Al filo del espejo", 1992
• "Las estaciones", 1990
• Nada en absoluto, Richard Dadd, 1992

En la década de 1990, nuevas voces pueblan las pinturas de John, y las antiguas voces pueden leerse de una manera completamente nueva.

“Mirror’s Edge” se basa en un plano de la casa de la infancia de John, “Nothing at All Richard Dadd” ; esta pintura se basa en el pintor inglés Richard Dadd , quien asesinó a su padre en el siglo XIX porque unas voces fantasmales se lo ordenaron.

Desconocemos cómo los "pensamientos acelerados" en ese momento, pero Richard Dadd pasó el resto de su vida en un hospital para criminales dementes, donde escribió un largo poema sobre su obra maestra: "Los leñadores de hadas" (Pintura de las hadas).

El último verso de este poema dice que “nada se puede hacer de la nada” – Dadd parecía crear arte a partir de una especie de necesidad interior, lo cual, según muchos historiadores del arte, es la razón por la que Johns se refería a él.

Además, las tres imágenes presentan ciertas similitudes, cuya identificación queda a criterio del espectador curioso. Lo mismo se aplica a la interpretación de las dos últimas obras famosas de Johns:

«Cerca de la laguna », 2002-03, que el director del Instituto de Arte de Chicago describió como la obra maestra de un artista plenamente maduro. Un artista que, a una edad avanzada, había producido una obra profunda en la que reflexionaba sobre sí mismo y sobre la historia del arte, y que afirmaba que los estadounidenses deberían abandonar de una vez por todas la idea errónea de que las primeras obras de un artista son siempre las más importantes.

“Fragmento de una carta” , 2009, en la que Johns, a la tierna edad de 81 años, demuestra que todavía es capaz de inventar formas visuales y modos de representación: las manos en el fragmento de carta de la izquierda hablan un lenguaje de signos descifrable, un ejercicio para mentes muy brillantes cuando el lado derecho permanece cubierto.

La obra de Jasper Johns en la esfera pública: Historia de las exposiciones y arte en colecciones públicas

En 1954, encontró su dirección artística y surgieron los primeros motivos típicos que ahora se asocian con el artista Jasper Johns: 'Dianas', banderas estadounidenses, mapas, imágenes con números, palabras y letras.

En 1957, Johns conoció a Leo Castelli , un banquero entendido en arte que había emigrado de Europa a Nueva York en 1941 y estaba en pleno proceso de establecer su galería, recientemente inaugurada en su sala de estar, como punto de encuentro para las escenas artísticas europea y estadounidense. A diferencia de las galerías establecidas, en su mayoría conservadoras, Castelli se interesaba por la originalidad de sus artistas; organizó una exposición colectiva para Johns ese mismo año y la primera exposición individual de Jasper Johns en 1958 .

Además, en 1958, el historiador del arte y director fundador del Museo de Arte Moderno, Alfred Barr , compró las primeras obras para el MoMA, Johns produjo un concierto retrospectivo de John Cage con Rauschenberg y Emile de Antonio en el Town Hall de Nueva York, y el ascenso comenzó, imparable.

Desde 1958 en adelante, Johns expuso regularmente en Castelli (1960, 1961 y 1963) y así obtuvo una gran popularidad también en Europa: en 1964 se celebró la primera exposición de Jasper Johns en la Whitechapel Art Gallery de Londres ; a instancias de la ex esposa y socia de Castelli, Ileana Sonnabend, Johns pudo exponer en la II Bienal de París .

Johns participó en la Bienal de Venecia (1970, 1978, 1988) , en la documenta de Kassel (documenta 3 en 1964, documenta 4 en 1968, documenta 5 en 1972 y documenta 6 en 1977), trabajó con Samuel Beckett en París (1973) y creó la gráfica y el diseño del libro para los ocho textos breves en prosa de Beckett, Fizzles (1977). Diseñó vestuario, escenografía y carteles para John Cage y Merce Cunningham y su compañía de danza.

Banderas, Dianas y Números deberían resultar familiares para cualquier persona que se considere amante del arte. Quienes afirmen tener una formación artística más profunda también estarán familiarizados con las demás obras de Jasper Johns mencionadas anteriormente. Ha habido numerosas oportunidades para admirarlas.

Jasper Johns puede ahora mirar atrás a más de 150 exposiciones individuales y casi 700 exposiciones colectivas .

La mayoría están en los Estados Unidos (594) y en la Galería Leo Castelli (61), pero también 33 en el Museo de Arte Moderno (MoMA), 24 en el Museo Whitney de Arte Estadounidense en Manhattan, 15 en la Galería Margo Leavin en Los Ángeles y 12 en la Galería Nacional de Arte en Washington, DC.

Jasper Johns ha realizado 68 exposiciones individuales en Alemania, 34 en Gran Bretaña, 20 en España y 18 en Italia, y su historial de exposiciones está lejos de haber terminado (para ver las exposiciones actuales, consulte el artículo “Jasper Johns: Artista nato, que vive con y para el arte” ).

Sin embargo, no es necesario esperar a una exposición; se pueden ver las obras de Jasper Johns en una de las muchas colecciones públicas:

• Dinamarca: ARTE Museo de Arte Moderno de Aalborg, Museet for Samtidskunst / Museo de Arte Contemporáneo de Roskilde
• Alemania: Foro Ludwig para el Arte Internacional de Aquisgrán, Museo Ludwig de Colonia, K20 Düsseldorf, Museo de Arte Moderno (MMK) y Museo Städel de Frankfurt am Main, Colección Reinking de Hamburgo, Museo Ludwig en la Deutschherrenhaus Koblenz, Museo Städtisches Abteiberg Mönchengladbach
• Finlandia: Museo Kiasma de Arte Contemporáneo, Helsinki
• Francia: Musée d'Art Moderne et d'Art Contemporain Nice (MAMAC), Niza
• Irán: Museo de Arte Contemporáneo de Teherán
• Israel: El Museo de Israel Jerusalén
• Italia: Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Villa Croce Génova, Centro de Arte Moderna e Contemporanea della Spezia (CAMeC) La Spezia, Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto (MART) Rovereto
• Japón: Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad de Hiroshima, Museo de Arte de la Ciudad de Iwaki, Museo de la Ciudad de Kawasaki, Museo de Arte de Yokohama, Nishi-ku Yokohama, Museo Hara de Arte Contemporáneo de Tokio
• Canadá: Galería Nacional de Canadá Museo de Bellas Artes de Canadá Ottawa ON, Galería de Arte de Vancouver Vancouver BC
• Macedonia: Museo de Arte Contemporáneo de Skopje
• Países Bajos: Museo Stedelijk de Ámsterdam
• Noruega: Centro de Arte Henie Onstad Høvikodden
• Austria: Albertina y Museo de Arte Moderno Fundación Ludwig (MUMOK) Viena
• Suiza: Kunstmuseum de Basilea
• Hungría: Museo Ludwig – Museo de Arte Contemporáneo de Budapest
• EE. UU.: Addison Gallery of American Art, Andover, MA; Bechtler Museum of Modern Art, Charlotte, NC; Berman Museum of Art, Collegeville, PA; Boca Museum of Art, Boca Raton, FL; Boise Art Museum (BAM), ID; Cantor Arts Center de la Universidad de Stanford, CA; Columbia Museum of Art, SC; Dallas Museum of Art, TX; Des Moines Art Center, IA; Figge Art Museum, Davenport, IA; Fred Jones Jr. Museum of Art, Norman, OK; Gibbes Museum of Art, Charleston, SC; Glenstone Potomac, MD; Greenville County Museum of Art (GCMA), SC; Guild Hall Museum, East Hampton, NY; Harry Ransom Center, Austin, TX; Honolulu Museum of Art, HI; Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City, MO; Los Angeles County Museum of Art (LACMA), CA; Mary & Leigh Block Museum of Art, Evanston, IL; Marywood University Art Gallery, Scranton, PA; Museum of Fine Arts Houston (MFAH), TX; Middlebury College Museum of Art, VT; Milwaukee Art Museum (MAM), WI; MIT List Visual Arts Center, Cambridge, MA; MOCA Grand Ave, Los Ángeles, CA; Museum of Contemporary Art, Chicago (MCA) IL, Museo de Arte Contemporáneo de North Miami (MOCA) FL, Museo de Arte Contemporáneo de San Diego (MCASD) La Jolla CA, Museo de Arte Moderno (MoMA) Nueva York NY, Centro de Escultura Nasher Dallas TX, Museo de la Academia Nacional Nueva York NY, Museo de Arte de Palm Springs CA, Museo de Arte de Filadelfia PA, Museo de Arte Polk Lakeland FL, Museo de Arte del Pomona College Claremont CA, Museo de Arte de la Universidad de Princeton NJ, Museo de Arte Americano Reynolda House Winston-Salem NC, Museo de Arte de la Universidad de Saint Louis (SLUMA) MO, Museo de Arte Samek Lewisburg PA, Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMoMA) CA, Museo de Arte de Santa Bárbara CA, Museo de Arte de Savannah (SCAD) GA, Museo de Arte de Seattle WA, Centro de Artes Tarble Charleston IL, Museo de Arte Allen Memorial Oberlin OH, Instituto de Arte de Chicago IL, Museo de Arte de la Universidad de Kentucky Lexington KY, Museo de Arte de Baltimore MD, Museo de Arte de Cleveland OH, Instituto de Artes de Detroit MI, Museo de Arte McNay San Antonio TX, El Colección Menil, Houston, TX; Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, NY; Galería Nacional de Arte, Washington D. C.; Colección Phillips, Washington D. C.; Museo de Arte Rose, Waltham, MA; Museo de Arte de Tucson, AZ; Museo de Arte de la Universidad de Arizona (UAMA), Tucson, AZ; Museo de Bellas Artes de Utah, Salt Lake City, UT; Museo de Bellas Artes de Virginia, Richmond, VA; Centro de Arte Walker, Minneapolis, MN; Museo Whitney de Arte Estadounidense, Nueva York, NY; Galería de Arte de la Universidad de Yale, New Haven, CT.

La lista de colecciones públicas en EE. UU. es larga, y se reproduce deliberadamente en su totalidad: Un europeo amante del arte que viaje a EE. UU. simplemente debe ver a Jasper Johns en vivo y en su lugar de origen, porque el artista Jasper Johns pertenece a un círculo muy ilustre.

Entre los 100 artistas más famosos y exitosos del mundo, solo hay alrededor de dos docenas de artistas estadounidenses nacidos entre 1900 y 1950. Estos son los artistas que establecieron el arte moderno en los Estados Unidos, y Jasper Johns se encuentra entre la primera docena de ellos.

Finalmente, una razón para visitar los museos con más frecuencia : los museos de los países europeos y de Estados Unidos contienen lo que el mundo occidental considera la "historia del arte del mundo" (por cierto, la ciencia de la historia del arte se desarrolló en Alemania).

Los alemanes probablemente deberíamos apresurarnos más que nadie a comprender y asimilar los aspectos básicos de la historia del arte occidental. Porque tenemos el privilegio de acoger en nuestra sociedad a muchas personas que pueden, y con gusto, nos brindarán información sobre gran parte de la historia del arte fuera del mundo occidental si se lo solicitamos…