Lo studio d'arte e il suo significato come luogo di creazione creativa

Uno studio d'arte offre spesso uno scorcio sul mondo emotivo di un artista. Gli studi sono luoghi in cui le tracce dei processi creativi, dei metodi di lavoro, delle scoperte e persino degli errori si imprimono su muri, pavimenti, finestre e porte. Essi si ergono come testimoni silenziosi del percorso di scoperta e creazione dell'artista, fino all'opera d'arte.

Gli studi raccontano una storia di sviluppo creativo, ma anche degli ostacoli che si sono verificati nel corso degli anni nel perfezionamento di un'arte o di uno stile. Uno studio può essere uno spazio molto personale, ricco di emozioni, che offre spunti preziosi sia agli artisti che ai visitatori.

Lo studio d'arte come incubatore di progresso sociale

Numerosi studi suggeriscono che un contatto intenso con l'arte e la creazione artistica a qualsiasi età promuova il benessere fisico e mentale (vedi fonte Internet n. 1). Dare alle persone tempo, spazio e materiali per l'espressione creativa può ridurre lo stress, migliorare la memoria e rafforzare i legami sociali.

In un'epoca in cui il pensiero creativo è altamente apprezzato, la società trae indubbiamente beneficio dagli investimenti nelle arti e nell'educazione artistica. I luoghi in cui l'ambiente facilita e promuove la creatività tendono a sperimentare livelli più elevati di impegno civico, stabilità sociale e prosperità economica.

sono sempre stati Gli spazi creativi creati a sostenere la creazione artistica hanno contribuito in modo significativo

Lo studio d'arte nella considerazione teorica

Quando entriamo in uno studio d'arte, acquisiamo una conoscenza approfondita dei metodi di lavoro e delle conoscenze che gli artisti impiegano nel loro processo creativo. Gli storici dell'arte presuppongono che un'opera d'arte, e allo stesso modo l'artista, non nascano dal nulla.

L'arte e gli artisti si basano su pratiche di conoscenza complete e su una conoscenza spaziale specifica. La chiave di tutto questo è lo studio d'arte.

Sebbene ogni studio sia unico per l'artista e il suo progetto, viene spesso utilizzato come spazio in cui gli artisti possono riflettere, esporre, fare ricerca, conservare e creare arte. Avere un proprio studio permette agli artisti di mantenere la propria produzione e il proprio processo creativo individuali ed è fondamentale per stabilizzarsi e partecipare al dibattito professionale, nonché per sviluppare un'identità artistica (vedi riferimenti 1-3).

In studio, gli artisti hanno l'opportunità di sviluppare le proprie idee creative e di sperimentare, trovando attenzione e trasformazione in uno spazio dedicato alla riflessione e all'elaborazione artistica. Qui, opere di qualità estetica emergono attraverso un'azione sperimentale che apre nuovi orizzonti esperienziali e permette a scene e oggetti familiari di apparire sotto una nuova luce (vedi riferimenti bibliografici n. 4-6).

Lo studio funge da luogo in cui le idee degli artisti prendono forma concreta e costituisce un laboratorio artistico . Secondo il filosofo americano John Dewey, la sperimentazione riveste grande importanza non solo nel laboratorio scientifico, ma anche nella creazione artistica (vedi riferimento n. 7).

Lo studio contemporaneo unisce immaginazione, conoscenza e creazione artistica in uno spazio che coniuga privacy, produzione materiale, conoscenza e apprendimento. È un luogo di ricerca civile della conoscenza

Studi e spazi artistici: ieri e oggi

Oggigiorno, l'arte viene prodotta sia su computer portatili che in loft ricoperti di vernice. Ciononostante, lo studio conserva la sua aura unica di luogo creativo per eccellenza.

Come dimostrano dipinti quali l'autoritratto allegorico di Courbet del 1855 o le fotografie di metà secolo di luminari del modernismo scattate dal direttore artistico di Vogue, Alexander Liberman , lo studio è un luogo in cui l'esperienza si trasforma in oro attraverso la lotta di un genio, sia in senso metaforico che letterale (vedi fonte Internet n. 2).

Dalle botteghe (bottega) del Medioevo allo studioless

Nei secoli passati, la maggior parte degli artisti lavorava in botteghe, dove venivano formati da maestri artigiani, oppure negli scriptoria dei monasteri. Il basso status degli artisti artigiani nel Medioevo iniziò a cambiare con l'adozione degli standard accademici imposti dai loro mecenati aristocratici.

La bottega si trasformò in studiolo, un luogo di raffinata ricerca, più adatto alla quiete contemplazione che al rumore e alla lavorazione artigianale. Artisti affermati come Tintoretto potevano permettersi sia una bottega che uno studiolo, il che consentiva una separazione spaziale tra ricerca e produzione.

Questo sviluppo andò di pari passo con la crescente divisione del lavoro, accelerata dall'avvento del capitalismo. Leonardo da Vinci rifiutò il principio di Bottega e sottolineò che lo studio di un artista doveva essere piccolo per disciplinare la mente (vedi fonte Internet n. 2).

Lo studio diventa il luogo centrale dell'identità dell'artista

, del XVII secolo lo studio divenne il luogo centrale dell'identità dell'artista, come si può notare nelle opere di Rembrandt e Vermeer, che immortalarono il loro ambiente di lavoro nei loro autoritratti.

Nel XVIII secolo, tuttavia, le scuole offrirono un'alternativa alla tradizionale bottega. Félix Duban l' École des Beaux-Arts in modo significativo la scuola di Mackintosh a Glasgow e il Bauhaus di Weimar : un approccio che ridefinì la produzione sia artistica che industriale.

La parete vetrata era anche il segno distintivo della fabbrica, una doppia codificazione ( Bauhaus di Dessau da Gropius espressa esplicitamente di William Morris di ricalibrare le forme della produzione artistica e industriale.

Pittura en plein air: una fuga nella natura

Il programma di Morris spinse alcuni pittori ad abbandonare lo studio per dedicarsi alla pittura all'aria aperta. Ciò avvenne in un periodo in cui i colori erano ormai prodotti industrialmente e quindi facilmente reperibili. Gli impressionisti rivelarono in seguito che persino la natura si stava industrializzando, ma continuarono la tradizione della pittura en plein air, che era ormai considerata più un passatempo borghese che un'attività agricola.

Questo percorso di sviluppo culminò nel grande studio all'aperto di Anselm Kiefer vicino a Nîmes.

lo scrittore americano Henry James Nel suo racconto "The Real Thing", uno studio in cui la luce gioca un ruolo cruciale , conferendo allo spazio un carattere particolare. Lo studio è ritratto come un luogo per artisti, un fatto esplicitamente sottolineato dalla finestra rivolta a nord.

Conciliare vita e creazione artistica in un unico luogo

Al contempo, l'urbanizzazione industriale sta fondendo città e campagna, aprendo nuove possibilità per la pittura en plein air nei sobborghi artistici. Mentre le accademie professionalizzano la disciplina, Morris cercò di superare la frammentazione istituzionale e spaziale. Ciononostante, l'unità tra vita e arte rimane spesso appannaggio dei ricchi.

Nel corso della storia, gli artisti si sono confrontati con ambienti di lavoro diversi. In passato, solo pochi potevano permettersi una casa con studio in un quartiere residenziale di pregio, mentre altri erano costretti a lavorare in zone urbane degradate. Fratissime colonie di artisti come Montmartre e Chelsea emersero come centri creativi alternativi. Sebbene spesso caratterizzati dalla povertà, questi luoghi favorirono anche un forte senso di comunità e offrirono uno spazio per l'attivismo politico.

Il passaggio dalle botteghe tradizionali agli studi d'avanguardia ha portato a una riprogettazione dello spazio urbano da parte di artisti come Andy Warhol, che traeva ispirazione dalle aree più povere. Lo sviluppo di questi spazi creativi ha rispecchiato i cambiamenti sociali e ha prodotto ripetutamente risultati inaspettati.

Stato post-studio oggi: ritorno al sistema Bottega e agli spazi di co-working

si sono uniti a Warhol nel suo ritorno al sistema della Bottega Veneta. Damien Hirst e Jeff KoonsHanno abbandonato ogni traccia di Morris e hanno invece imitato i processi industriali, meno romantici, del capitalismo.

Oggi prevale uno stato post-studio, in cui un precariato jet-set di produttori artistici si trascina i propri computer portatili avanti e indietro tra Londra, Lisbona e Berlino. Se se lo possono permettere, i loro spazi di lavoro si trovano in magazzini suddivisi alla periferia delle città, mentre nei "rivitalizzati" , dove tutti aspirano allo status di "creativi , gli spazi di coworking come Second Home fungono da modelli non convenzionali.

Creare il tuo studio d'arte o spazio creativo

Il passaggio da uno studio domestico a uno studio d'arte professionale è un sogno comune per gli artisti. Una volta che la stanza degli ospiti o il capanno degli attrezzi sono diventati troppo piccoli, allestire uno studio professionale è il passo logico successivo.

Tuttavia, prima contratto di locazione per uno spazio di firmare conversione di un immobile esistente (ad esempio, ex stabilimenti o capannoni), è necessario considerare molti aspetti.

Spesso, spazi o interi edifici si rendono disponibili quando gli artisti si trasferiscono o chiudono i loro studi. Poiché un allestimento adeguato può contribuire in modo significativo al successo artistico, gli immobili esistenti scegliere con cura

In alcuni casi, una ristrutturazione completa (a volte comprensiva di rimodellamento) è la soluzione ideale per adattare al meglio i locali esistenti alle proprie esigenze. È possibile trovare fornitori di servizi affidabili in tutte le principali città (ad esempio, Welsch Bausanierung, consultabile all'indirizzo https://welsch-bausanierung.de/dienstleistung/komplettsanierung/ per Ulm e dintorni).

La questione dei costi

I costi giocano un ruolo cruciale nel determinare se un artista può permettersi uno studio. Come qualsiasi individuo o azienda, gli artisti devono considerare le spese di costruzione – tra cui l'affitto (o il pagamento del mutuo in caso di acquisto), le utenze e le spese per assicurazione, connessione internet, contratto telefonico, ecc. – nel calcolo del profitto.

È importante affrontare questa decisione come qualsiasi altra iniziativa imprenditoriale. Bisogna valutare la fattibilità finanziaria (in relazione al proprio reddito) e l'importanza di avere uno spazio proprio. Lo spazio non deve necessariamente essere progettato specificamente per gli artisti, ma di solito facilita notevolmente il lavoro. Se necessario e se si dispone dei fondi necessari, è possibile anche intraprendere (o far intraprendere) lavori di ristrutturazione e ammodernamento, come accennato in precedenza.

Scultori e ceramisti necessitano di attrezzature costose e di accesso ad aree esterne. Anche i pittori devono verificare se possono usare colori a olio e materiali infiammabili come la trementina. Se aprite un'attività in una zona industriale, dovreste considerare come reagiranno le altre attività all'odore di vernice fresca nei corridoi.

I prezzi dei terreni vengono solitamente calcolati al metro quadro, il che consente un facile confronto dei costi.

A cosa dovresti prestare attenzione

di base I servizi includono funzionalità come l'accesso a Internet e le utenze standard. Successivamente, è opportuno informarsi sugli orari di apertura (alcuni potrebbero offrire accesso 24 ore su 24), sulla sicurezza e sulla disponibilità di parcheggio .

Altrettanto importanti sono la disponibilità di servizi igienici, lavandini, l'accesso ad aree esterne e i requisiti assicurativi dell'immobile utilizzato.

Un altro punto importante è l'illuminazione. I pittori dovrebbero evitare stanze senza finestre, poiché queste non offrono luce naturale. Gli studi d'arte professionali di solito ne tengono conto e garantiscono una buona illuminazione indipendentemente dalle dimensioni della stanza.

Lo studio dovrebbe anche facilmente accessibile , quindi non scegliete una posizione troppo lontana. Spesso gli artisti sono tentati di lavorare da casa perché la stanza libera è più vicina.

In un contratto di locazione, un contratto a breve termine generalmente una buona idea.

Dovresti unirti a uno studio già esistente?

Gli studi professionali esistenti sono edifici dedicati, progettati o arredati per gli artisti. È possibile affittare studi individuali in un edificio condiviso, che offrono tutti i comfort necessari, come una buona luce naturale per dipingere, lavandini e attrezzature specializzate.

Il grande vantaggio di entrare a far parte di uno studio già esistente è che molte considerazioni sono già state fatte e tutti i servizi possono essere inclusi in un'unica quota. Tutto ciò che serve è firmare il contratto e poi puoi iniziare il tuo lavoro creativo.

Tuttavia, questa comodità potrebbe avere un prezzo più alto. È possibile iniziare con uno spazio più piccolo o condiviso e passare gradualmente a locali più grandi, a seconda del successo.

Un aspetto importante da considerare quando si decide di lavorare in uno studio professionale affermato è la facilità di accesso ad altri artisti. Il lavoro creativo può spesso essere solitario, quindi poter scambiare idee con i colleghi in cucine condivise o durante eventi rappresenta un vantaggio significativo.

Quando si entra in uno studio di questo tipo, è importante tenere d'occhio anche gli altri artisti. Per motivi pratici, ceramisti, vetrai, ceramisti e scultori spesso condividono i loro spazi e possono quindi utilizzare insieme le attrezzature necessarie e i relativi costi.

Allestire il proprio studio

Se hai trovato uno spazio adatto o desideri fondare una colonia di artisti, ci sono alcune cose importanti da chiarire prima di fare finalmente il grande passo.

Possiedi le competenze e l'esperienza necessarie?

È fondamentale aver già lavorato in uno spazio di lavoro condiviso e averlo anche gestito per comprenderne tutte le responsabilità.

Molti studi professionali si avvalgono di un responsabileche si occupa di aspetti organizzativi come il pagamento dell'affitto, le normative edilizie, le assicurazioni e il marketing, consentendo agli artisti di concentrarsi interamente sulla propria arte. È comprensibile il motivo per cui molti studi scelgano di assumere un responsabile .

È disponibile un sostegno finanziario?

A livello locale, statale e federale, ingenti somme di denaro circolano per sostenere gli artisti. Finanziamenti specifici vengono erogati per specifici media, temi, aree geografiche e artisti.

Una parte di questi finanziamenti spesso non viene utilizzata perché gli artisti idonei non si candidano. Un buon punto di partenza è il National Endowment for the Arts, che ha stanziato quasi 230 milioni di dollari nel 2023.

In Germania, numerose istituzioni, tra cui il governo federale, i governi statali e le fondazioni, sostengono progetti culturali e artistici attraverso diversi programmi di finanziamento. I professionisti del settore creativo possono richiedere questi contributi per realizzare i propri progetti artistici.

Questi finanziamenti per progetti possono assumere diverse forme. I beneficiari possono essere singoli individui, gruppi o istituzioni, e la portata creativa è spesso limitata dagli obiettivi dell'ente finanziatore. La Fondazione culturale federale si concentra sul sostegno a programmi e progetti innovativi in ​​un contesto internazionale, nonché sullo scambio culturale.

inoltre Fondazione culturale federale due volte l'anno progetti da finanziare nell'ambito del suo programma di finanziamento interdisciplinare e aperto a tutti.

Oltre a queste, esistono molte altre istituzioni di finanziamento a livello nazionale ed europeo che sostengono specificamente gli artisti.

Consigli per fondatori e lavoratori autonomi nei settori culturali e creativi sono offerti sia dal servizio di consulenza finanziaria BMWK , sia dalla guida "Tutto tranne un imprenditore?" per le industrie culturali e creative del governo federale.

Oltre ai programmi federali, è consigliabile cercare opportunità di finanziamento anche a livello statale. Per esempio, per il mio stato, la Baviera, è possibile trovare informazioni utili su programmi, procedure di candidatura e requisiti nella pagina informativa sui finanziamenti per artisti del Ministero bavarese della Scienza e delle Arti .

Scopri le diverse opportunità di finanziamento e sovvenzione e la procedura di richiesta. Sono disponibili sia generose sovvenzioni che programmi di finanziamento specifici per determinate categorie di artisti. Tuttavia, la maggior parte dei fondi è destinata a progetti che portano l'arte nella comunità.

Integrando dei workshop nel tuo programma, potresti ottenere un sostegno finanziario per il tuo studio d'arte professionale. Dopo aver familiarizzato con le procedure nazionali e statali, dovresti anche le opportunità di finanziamento locali esplorare

Esiste la possibilità di una sponsorizzazione finanziaria?

Gestire uno studio è indubbiamente costoso. Ma esistono soluzioni commerciali alla difficile questione del finanziamento. Le aziende locali, ad esempio, potrebbero essere disposte a fornire finanziamenti o attrezzature in cambio di un po' di pubblicità. Questo potrebbe assumere la forma di una presenza sul sito web dello studio, di iniziative di marketing o di mostre.

Molte persone amano l'arte e desiderano essere coinvolte nel mondo dell'arte.

Integrare spazio espositivo/galleria

professionale studio d'arte è la possibilità di operare senza l'intermediazione di una galleria e di stabilire un canale di vendita diretto con i propri acquirenti.

Fino al 50% delle vendite di opere d'arte avviene tramite gallerie. gli eventi a porte aperte negli studi degli artisti o le visite individuali possono generare entrate significative.

Se fate parte di uno studio collettivo professionale , dovreste valutare la possibilità di allestire uno spazio espositivo permanente per le opere di tutti gli artisti.

Ecco alcuni punti da considerare per ottenere un maggiore successo:

• Assicurarsi che tutte le opere siano disponibili per la vendita.
• Offrono diversi livelli di prezzo.
• Si può iniziare con piccole stampe o ceramiche sotto i 100 euro e aumentare gradualmente il prezzo con dipinti, ceramiche o sculture più grandi, il cui prezzo è proporzionalmente più alto.
• Mantenere orari di apertura regolari e assicurarsi che il personale sia presente durante tali orari (gli artisti possono alternarsi).
• Cambiare regolarmente le opere esposte e pianificare eventi di apertura speciali.
• Concordate le condizioni di pagamento. Questo può includere il pagamento tramite fattura o, al giorno d'oggi, tramite numerosi fornitori di servizi di pagamento digitale (online o tramite app per smartphone). Se accettate pagamenti elettronici, dovrete aprire un conto corrente presso lo studio o un conto PayPal su cui verrà trasferito il denaro prima di essere pagato all'artista.

Osservazioni conclusive

Una volta allestito il tuo studio d'arte, non esitare a iniziare subito il tuo lavoro creativo. Pensa a come vuoi immaginarti in questo spazio. Niente è più frustrante per un artista che sentire che lo spazio in cui lavora limita la sua creatività anziché stimolarla.

Ricordate le parole di Pablo Picasso:

Ci sono pittori che trasformano il sole in una macchia gialla, e ce ne sono altri che, con la loro arte e intelligenza, trasformano una macchia gialla in un sole

Il tuo spazio ti offre questa libertà di crescita artistica?

Potresti trovare ispirazione nei nostri due articoli sull'argomento:

• Fusione artistica negli spazi di coworking: 5 esempi stimolanti di ambienti di lavoro creativi
• Come allestire il proprio studio: gli artisti svelano i loro consigli professionali per lo spazio creativo

Fonti e riferimenti:

Letteratura:

1. Bain, A. (2005): Costruire un'identità artistica Lavoro, occupazione e società, pp. 25-46
2. Bain, A. (2004): Identità artistica femminile in atto: lo studio. Geografia sociale e culturale, pp. 171-193
3. Buren, D. (2007): In The Studio (Dublin Gallery, 2007 pp. 104-106) Una conversazione tra Buren e Jens Hoffman, Christina Kennedy e Georgina Jackson
4. Jacob, MJ (2010): Prefazione in Jacob, MJ e Grabner, M eds. 2010 The Studio Reader: On the Space of Artists, Chicago University of Chicago Press
5. O'Doherty, B. (2007): Studio e cubo sul rapporto tra il luogo in cui l'arte viene creata e il luogo in cui viene esposta, Princeton Architectural Press
6. Wainright, L. (2010): Prefazione in Jacob MJ e Grabner M eds 2010 The Studio Reader: On the Space of Artists, Chicago University of Chicago Press
7. Dewey, J. (1934): L'arte come esperienza, New York Penguin Group

Internet:

1. Samantha Frew su Architizer: Art House: l'architettura ispiratrice degli studi d'arte, https://architizer.com/blog/inspiration/collections/art-house-the-architecture-of-art-studios/
2. Tom Wilkinson in The Architectural Review: Tipologia: Studio d'artista, https://www.architectural-review.com/essays/typology-artist-studio
3. Gallerie MAC ART: come allestire il tuo studio di belle arti, https://macfineart.com/how-to-set-up-your-fine-art-studio/
4. ART WEB Blog: Come aprire uno studio d'arte professionale, https://blog.artweb.com/how-to/set-up-a-professional-art-studio/
5. Fondazione culturale federale: finanziamenti, https://www.kulturstiftung-des-bundes.de/de/foerderung.html