Body Art: non solo superficiale. Il corpo umano come spazio espositivo

Le arti visive rivolgono sempre più la loro attenzione alla forma umana. Anche nel XXI secolo, numerose mostre dedicate alla body art e all'arte corporea, esplorando questo soggetto perennemente prediletto dalle belle arti e talvolta lasciandosi persino trasportare da esso.

le arti visive Nel corso della storia corpo umano . Per secoli, il corpo umano è stato un motivo centrale nell'arte ed è stato raffigurato in svariati modi.

nell'antica Grecia L' idealizzazione del corpo umano diffusa La scultura greca si caratterizzava per la rappresentazione realistica del corpo, ponendo l'accento soprattutto sulla ricerca della perfezione e dell'armonia.

Le celebri statue, come la Venere di Milo o il discoiardo, rimangono testimonianze impressionanti di quest'epoca.

Ma già molto prima degli antichi Greci, la rappresentazione degli attributi fisici aveva un ruolo importante in varie culture arcaiche.

In Egitto, ad esempio, i faraoni erano raffigurati come sovrani forti e potenti, mentre le donne erano spesso ritratte come simboli di fertilità. Nel corso della storia, diversi movimenti artistici esplorato intensamente il tema del corpo umano.

Mentre in alcune epoche prevalevano le forme idealizzate, altri periodi si concentravano sulla rappresentazione realistica delle caratteristiche e delle emozioni individuali.

Il corpo umano nell'arte contemporanea

Anche nel XXI secolo , questo fascino per il corpo fisico continua a trovare espressione in numerose mostre e opere di artisti contemporanei. Non si tratta solo di rappresentare il corpo, ma anche di riflettere sulle norme sociali e sull'identità.

Nella società odierna, ogni giorno ci viene presentato un corpo intatto e bello come la cosa più naturale del mondo.

Che si tratti di riviste, manifesti, televisione e, non ultimo, internet e social media, ovunque ci troviamo di fronte a corpi perfetti e impeccabili. Questo ideale di bellezza è onnipresente ed esercita su di noi un'enorme pressione.

Sembra quasi che conformarsi a questo ideale sia diventato un obbligo. Ci sforziamo con fervore di modellare e migliorare il nostro corpo. Diete, palestre e chirurgia estetica sono solo alcuni dei mezzi che utilizziamo per soddisfare il nostro desiderio di un aspetto attraente.

Non è quindi importante ricordare che la bellezza non è definita solo dall'aspetto fisico. Un corpo integro e bello può anche includere imperfezioni: le cicatrici raccontano storie, le rughe mostrano l'esperienza di vita e le curve simboleggiano la femminilità o la mascolinità.

Gli artisti si dedicano con passione all'esplorazione e alla rappresentazione del corpo umano in tutte le sue sfaccettature. Organizzano mostre per offrire al pubblico sempre nuove prospettive sull'argomento.

non solo l'uso di media tradizionali come la pittura o la scultura , ma anche nuove forme d'arte come la performance, l'action art, le installazioni, la concept art o i media digitali implica

Il corpo come concetto culturale

I corpi sono soggetti a cambiamenti, non solo dal punto di vista evolutivo e medico (parola chiave: invecchiamento), ma anche da quello estetico e culturale.

Ma il corpo umano era fondamentalmente diverso 500 anni fa rispetto a oggi? "Certamente no",afferma Philip J. Sampson, autore di "La rappresentazione del corpo".

Un corpo rimane un corpo, che si tratti del Leonardo da Vinci dei muscoli scolpiti di Arnold Schwarzenegger in un film d'azione. Il corpo non ha desiderio né capacità di cambiamento. Sembrava ovvio. Ma è ancora vero?

La concezione del corpo umano è rimasta invariata per diversi secoli. Si presumeva che il corpo fosse un oggetto naturale complesso ma non problematico che, per le sue proprietà fisiche e biologiche, necessitava di cibo, calore e ossigeno.

La forma del corpo è cambiata relativamente poco dall'ultimo balzo evolutivo (a meno che non sia senza tempo) e non è significativamente influenzata da circostanze sociali o culturali. Tutti questi presupposti sono messi in discussione dai teorici postmoderni, che a volte appaiono piuttosto ingenui nelle loro argomentazioni.

Il corpo umano è un prodotto della cultura e la nostra comprensione di esso si è evoluta nel corso della storia

Il corpo umano – o meglio, la sua percezione – è il prodotto di uno sviluppo culturale e la nostra comprensione di esso si è costantemente evoluta nel corso della storia. Dagli antichi ideali di bellezza alle moderne nozioni estetiche odierne, abbiamo subito una trasformazione straordinaria.

Prendiamo il bodybuilding, in cui il già citato Arnold Schwarzenegger ha raggiunto la fama mondiale e ha rispecchiato lo spirito del tempo dell'epoca d'oro del bodybuilding.

Tuttavia, le radici del bodybuilding risalgono all'antica Grecia. Lì, oltre 2000 anni fa, il corpo umano era venerato come espressione di bellezza e forza. Gli atleti erano ammirati per il loro fisico muscoloso e la loro abilità atletica. Questa venerazione pose le basi per il bodybuilding successivo.

Lo sviluppo del bodybuilding come forma d'arte è stato principalmente guidato dai media. Film come "Pumping Iron" con Arnold Schwarzenegger e riviste come "Muscle & Fitness" hanno portato sempre più persone a essere ispirate dall'estetica del bodybuilding.

L'attenzione non era più focalizzata esclusivamente sulle competizioni individuali: attorno a questo tema si era sviluppata un'intera sottocultura. Oltre a una grande disciplina e a un allenamento rigoroso, anche gli integratori, come gli amminoacidi per lo sviluppo muscolare, un ruolo importante per gli atleti.

Ciò che è particolarmente interessante è quanto la cultura pop e la pervasività dei social media nelle nostre vite moderne stiano influenzando sempre di più la nostra percezione del corpo, la nostra identità e la definizione degli ideali di bellezza.

In un mondo in cui selfie e immagini ritoccate sono onnipresenti, la ricerca della perfezione sta diventando sempre più diffusa. Questo dilagante culto del corpo sembra quasi compulsivo, sia tra i giovani che tra le generazioni più anziane.

Le palestre sono in piena espansione, i programmi dietetici stanno diventando di moda e persino gli interventi chirurgici per migliorare il proprio aspetto stanno riscuotendo grande popolarità.

L'onnipresente culto del corpo è il risultato di una complessa interazione di vari fattori: pressione sociale, influenze dei media e motivazione personale giocano tutti un ruolo nella nostra percezione del nostro corpo e nella ricerca della bellezza.

Tuttavia, è importante notare che gli ideali di bellezza cambiano costantemente nel tempo. Ciò che è considerato bello oggi potrebbe essere obsoleto domani. Pertanto, anche il concetto di estetica, a continui aggiustamenti.

Una breve storia dell'arte del corpo nei tempi moderni

Il titolo della pubblicazione di Marina Schneede, "Con pelle e capelli", ci offre un'ottima base per considerare la body art e il corpo umano come tela, superficie di proiezione e materiale fin dagli anni Sessanta.

Si tratta del corpo e delle sue componenti più importanti nell'arte contemporanea. Ma questo titolo non solo chiarisce il tema, bensì anche la passione e la dedizione con cui gli artisti si dedicano a questo soggetto.

, la storica dell'arte tedesca Marina Schneede esplora vari aspetti del corpo nell'arte: dalle raffigurazioni classiche alle interpretazioni astratte, viene un'ampia gamma di posizioni artistiche .

Ciò che è particolarmente interessante è la varietà di materiali e tecniche che gli artisti utilizzano per affrontare il tema. Che si tratti di sculture in marmo o bronzo, dipinti su tela o installazioni in spazi pubblici, ogni forma possiede una propria forza espressiva e trasmette impressioni molto diverse allo spettatore.

Ciò che accomuna queste opere è la loro intensità. Gli artisti si dedicano al soggetto con totale passione, immergendosi letteralmente anima e corpo . Non si limitano a esplorare gli aspetti esteriori del corpo umano, come le proporzioni o l'anatomia, ma vanno più in profondità: affrontano temi come le emozioni, l'identità e le norme sociali.

Non rifuggono da rappresentazioni provocatorie o controverse, ma ricercano consapevolmente nuove prospettive. Questo impegno nei confronti del corpo nell'arte è anche espressione dello spirito dei tempi.

In un mondo plasmato dal progresso tecnologico e dalle realtà virtuali, l'arte contemporanea lancia un messaggio: ci ricorda che, in quanto esseri umani, abbiamo ancora una presenza fisica, con tutti i nostri punti di forza e di debolezza."

Le opere presentate trasmettono una consapevolezza corporea che non mira a uno stile corporeo standardizzato, ma cerca piuttosto di esplorare i confini della psiche e del corpo. Considerano il corpo come mezzo di espressione e ne esaminano sia l'uso rituale che quello manipolativo.

Anni '60 e '70: la body art e l'era dell'autoaffermazione

Negli anni Sessanta, gli artisti iniziarono a utilizzare il corpo umano come mezzo di lavoro diretto . Inizialmente, ciò assunse la forma della Body Art, in cui il corpo stesso diventava l'opera d'arte.

La body art, nota anche come arte corporea, si è sviluppata come concetto artistico a partire dai movimenti Happening e Fluxus . In questa forma d'arte, il corpo umano viene utilizzato sia come mezzo espressivo che come opera d'arte stessa.

Tra gli artisti più noti del movimento della Body Art figurano Marina Abramović, Chris Burden, Günter Brus, Gina Pane, Pipilotti Rist, Carolee Schneemann, Vito Acconci, Valie Export e Timm Ulrichs. A questo movimento appartengono anche molti artisti dell'Azionismo Viennese degli anni '60.

Un elemento centrale della Body Art è la sfida che l'osservatore deve affrontare. Il valore di un'opera d'arte dipende da quanto i modelli di pensiero dell'osservatore vengono sconvolti e quanto viene scosso dal suo ruolo passivo.

Successivamente, negli anni Settanta, iniziarono a utilizzare il corpo come materiale per le loro opere. Questa evoluzione fu una reazione al predominio dell'arte astratta?

C'erano diverse ragioni per cui si sceglieva di utilizzare direttamente il proprio corpo. Certamente, era anche una reazione all'arte astratta, ma secondo la storica dell'arte Marina Schneede, si trattava principalmente di esperienze immediate creare

Questo rivestiva un'importanza cruciale per gli artisti dell'epoca. Un esempio è forse il più famoso artista performativo tedesco, Timm Ulrichs, che già nel 1961 si esibì come opera d'arte vivente.

Ma c'erano anche altre considerazioni: ad esempio, alcuni ricercatori volevano esplorare lo spazio in modo molto specifico, in particolare l'ambiente circostante il proprio corpo. Rebecca Horn, ad esempio, ha inventato delle dita-guanto – estensioni per le dita lunghe un metro – proprio per studiare più da vicino questo aspetto dello spazio.

Tra la fine degli anni '60 e l'inizio degli anni '70, un numero sempre maggiore di artisti iniziò a considerarsi politicamente attivo . Cercavano di attirare l'attenzione e di scuotere i seguaci di una società spensierata e benestante, così come il pubblico compiacente del miracolo economico. Ciò richiedeva forme di espressione e contenuti artistici drastici.

Si trattava di contenuti che dovevano essere rivelatori e scioccanti, il che spesso richiedeva il pieno impegno dell'individuo.

Cosa avrebbe potuto dimostrare un impegno più forte e incondizionato in quel periodo se non del proprio corpo come mezzo per esprimere un messaggio artistico l'utilizzo

"Il mio corpo è l'intenzione, il mio corpo è l'evento, il mio corpo è il risultato."

una volta proclamò Günter Brusche, a partire dal 1967, trasformò i suoi iniziali autoritratti in analisi corporee pubbliche che coinvolgevano lamette da barba, prodotti digestivi, sangue e sofferenza fisica.

In che modo la rappresentazione del corpo nell'arte moderna differisce da quella delle epoche passate?

La consapevolezza nei confronti del corpo è cambiata?

Gli esempi citati da Marina Schneede dimostrano che il coinvolgimento artistico diretto con il corpo – che nella maggior parte dei casi significava: con il proprio corpo – continua ancora oggi.

Anni '80 e '90: alienazione, modificazione corporea e biotecnologia

Negli anni Ottanta, l'epidemia di AIDS divenne una nuova minaccia per il corpo e Mona Hatoum, artista presente a documenta 11 nel 2002, sottolineò la vulnerabilità del corpo come punto centrale del suo lavoro poco dopo l'inizio del nuovo secolo.

Gli anni '90 hanno visto rapidi sviluppi nell'ingegneria genetica, nelle biotecnologie e nelle tecnologie dell'informazione, aumentando sia le opportunità che i rischi.

In un'epoca in cui fiorivano nuovi culti del corpo che esploravano intensamente le funzioni e i limiti del corpo umano, e al contempo si trovava ad affrontare la minaccia della dissoluzione nel cyberspazio, si dibatteva sul ruolo dell'individuo di fronte alla progettazione del corpo, ai trapianti di cervello e alla manipolazione genetica. Questa discussione oscillava tra sovraccarico sensoriale e imitazione virtuale.

Sebbene gli artisti non possano intervenire direttamente nei discorsi biotecnologici, possono rappresentare la stranezza attraverso manipolazioni di immagini ed esprimere così l'incertezza causata da questi progetti.

Mona Hatoum

La estraneità al proprio corpo, la sensazione di alienazione riguardo alla sua fruibilità e la potenziale minaccia di non essere più in grado di percepirsi come un'unità di corpo e mente: tutti questi aspetti di una possibile scissione della coscienza nel XXI secolo sono stati Mona Hatoum presentati in modo efficace

Lo ha visualizzato attraverso un viaggio endoscopico attraverso il suo interno.

Orlan

Intorno al 1990, l'artista performativa e femminista francese Orlan una decisione straordinaria: si sottopose a una serie di interventi di chirurgia facciale. Tuttavia, questi interventi non erano di natura puramente estetica, bensì furono messi in scena come una performance artistica in una rinomata galleria di New York.

Con questa azione spettacolare, non voleva fare altro che mettere in discussione gli ideali di bellezza dominanti del nostro tempo.

Orlan ha documentato l'intero processo della sua ripugnante trasformazione attraverso un'affascinante serie di fotografie, che ha poi presentato al pubblico. Ciò ha permesso a ogni spettatore di assistere in prima persona a come il suo viso cambiava dopo ogni intervento chirurgico.

Queste immagini scioccanti hanno rivelato chiaramente cosa succede dietro le quinte dell'industria della bellezza e hanno spinto a riflettere sulla nostra idea di estetica.

Con la sua performance, Orlan ha gettato una luce completamente nuova sul tema delle modifiche corporee . Invece di soccombere alla pressione del perfezionismo e del conformismo, ha consapevolmente messo in mostra la propria individualità e unicità.

Attraverso il suo atto radicale di resistenza alle norme prevalenti, ci ha sfidato tutti a mettere in discussione la nostra definizione di bellezza.

Marina Abramovic e Jenny Holzer

La scena della body art è una comunità affascinante che spazia dai primi artisti del body painting ad artisti impegnati socialmente e politicamente e con motivazioni etiche, come Marina Abramović e Jenny Holzer.

Pretendono molto da se stessi e dal pubblico, lavorando in modo meditativo o con metodi stimolanti.

Jenny Holzer, rinomata artista e artista concettuale statunitense, ha progettato una rivista per la Süddeutsche Zeitung nel 1993. Ha aggiunto un elemento provocatorio e scioccante mescolando il sangue alle lettere della copertina.

Questo insolito progetto aveva uno scopo ben preciso: attirare l'attenzione sul violento spargimento di sangue nel mondo. Attraverso il suo lavoro artistico, ha cercato di evidenziare in modo efficace gli effetti orribili della violenza e della guerra.

L'inclusione del sangue nel design della rivista ebbe un impatto enorme sui lettori, scatenando emozioni forti come orrore, disgusto e indignazione.

Utilizzando questa forma d'arte radicale, Jenny Holzer ha affrontato direttamente la nostra responsabilità umana di fronte alla sofferenza mondiale causata da atti di violenza. Il suo scopo non era semplicemente quello di sottolineare che tali eventi sanguinosi accadono; piuttosto, le sue opere intendevano incoraggiarci ad affrontare questo problema e a cercare attivamente soluzioni.

100a Biennale di Venezia

Il corpo umano è stato anche il tema centrale della 100ª Biennale di Venezia del 1995. In una mostra imponente e affascinante per la ricchezza dei materiali, la storia dell'arte degli ultimi 100 anni è stata presentata da questa prospettiva, e sono stati effettuati anche confronti con studi scientifici.

La mostra ha colpito per la sua diversità e la qualità delle opere esposte. Dai dipinti classici alle installazioni moderne, ha offerto una panoramica completa di vari movimenti e stili artistici che hanno scelto il corpo umano come soggetto principale.

Body art nel XXI secolo: Rinascimento della Body Art?

L'artista visiva Käthe Wenzel, docente di Pratica Estetica presso l'Università Europea di Flensburg dal giugno 2016, ha dedicato un libro, pubblicato a inizio secolo, a tre straordinari artisti che corpo umano come oggetto espositivo scelsero

Gunther von Hagens, rinomato anatomista e plastinatore, ha raggiunto fama mondiale grazie alle sue tecniche innovative di preparazione e rappresentazione plastica del corpo umano.

I suoi affascinanti plastinati permettono all'osservatore di sperimentare in modo unico la complessa interazione tra organi e tessuti.

Un altro protagonista del libro è il fotografo Michael Brendel. Con il suo approccio artistico, mette in risalto con maestria il corpo umano, creando immagini suggestive, ricche di estetica e profondità. Grazie alla sua attenzione per i dettagli, riesce a catturare la bellezza del corpo umano in tutte le sue sfaccettature.

L'artista britannico Damien Hirst, , è una delle figure chiave di questo progetto. Conosciuto per le sue opere provocatorie sul tema della vita e della morte, anche in questo caso Hirst pone l'umanità al centro dell'attenzione. Con le sue spettacolari installazioni, invita alla riflessione sulla mortalità, la transitorietà e l'esistenza.

Questo libro offre uno sguardo approfondito sull'opera di tre artisti eccezionali e sulla loro esplorazione del corpo umano come espressione della vita e della sua transitorietà. Una recensione dettagliata del libro è disponibile qui: Deutschlandfunk Kultur – Il corpo nell'arte.

Tuttavia, esistono anche artisti più radicali che utilizzano tutto il corpo, a volte persino in modo violento. Ne è un esempio la Centre d'art contemporain di Brétigny, dell'artista spagnolo Santiago Sierra, in Francia

La mostra presentava le fotografie di un'azione estremamente provocatoria e controversa, in cui la schiuma di poliuretano e varie prostitute avevano un ruolo centrale.

Questa messa in scena mostrava le donne avvolte in pellicola di plastica nera mentre assumevano posizioni inequivocabili ed esplicite, decisamente non adatte a occhi giovani.

L'artista Sierra ha scelto di ingaggiare diversi uomini per spruzzare deliberatamente schiuma sui genitali femminili: una decisione audace, intesa a superare i limiti e stimolare il dibattito sulla sessualità e sulla gestione dei tabù sessuali. La serie di immagini risultante crea un potente impatto visivo e, allo stesso tempo, provoca intense reazioni.

Negli ultimi anni, diverse mostre d'arte hanno affrontato i nuovi adattamenti e le forme di espressione del corpo umano nell'era della manipolazione genetica, della modificazione corporea e della riproduzione capitalistica (come riportato da SZ).

La mostra “Body Extensions” al Museum für Gestaltung di Zurigo, ad esempio, ha esaminato la crescente importanza della forma fisica e della bellezza nella nostra società, perfezionate attraverso la chirurgia plastica e le protesi corporee artificiali.

la Secessione viennese presentò, nella mostra "Body Display".

L'arte si occupa spesso del corpo umano, ma soprattutto della sua impotenza. Nella di Teresa Margolles mostra "En el aire", si entrava in una stanza che ricordava una lavanderia. Due umidificatori aumentavano notevolmente l'umidità nella stanza, e uno di essi era contaminato dalle emanazioni di cadaveri lavati in precedenza.

Si presume che questi corpi siano vittime anonime della guerra alla droga a Città del Messico. La mostra ha chiesto indagini più approfondite e il riconoscimento della realtà della guerra alla droga.

Cosa rimane?

Le opere di Margolles e Sierra ricordano il movimento della Body Art degli anni '60 e '70, quando gli artisti usavano il proprio corpo come una tela e si trafiggevano con le armi. L'obiettivo era quello di incidere direttamente sul corpo esperienze come piacere, sofferenza e morte.

Anche Chris Burden, Gina Pane e Marina Abramovic si sono sottoposti a notevoli dolori per dimostrare in modo impressionante come la body art serva a superare sentimenti insensibili e oppressione sociale.

La Scuola viennese di arte radicale d'azione, incentrata su Otto Mühl, Günter Brus e Hermann Nitsch, è stata riscoperta nei musei di Vienna e Graz nel XXI secolo. Tuttavia, il suo potenziale un tempo distruttivo appare oggi più giocoso e umoristico che scandaloso. La sua fede nell'autenticità del corpo individuale sembra ingenua e superata nell'era della manipolazione genetica e dell'omologazione di massa dei corpi imposta dal capitalismo.

La body art degli anni '60 e '70, in cui gli artisti utilizzavano i propri corpi come tele per rappresentare esperienze quali piacere, sofferenza e morte, sta venendo ora sostituita da una forma di body art più sofisticata e cinica.

Questa nuova forma di body art porta veri e propri campi di battaglia all'interno del museo e ha un orientamento postumano. Ciononostante, non è immune al kitsch e al patetismo.

Elenco delle fonti e bibliografia

Libri e riviste

• ART FORUM: Vol. 132 – Il futuro del corpo I (1995)
• Marina Schneede: Con pelle e capelli: Il corpo nell'arte contemporanea, Casa editrice di letteratura e arte DUMONT (2002)

Internet

• Philip J. Sampson: La rappresentazione del corpo: https://www.kunstforum.de/artikel/die-reprasentation-des-korpers/
• Deutschlandfunk: Pelle e capelli. Il corpo nell'arte contemporanea, https://www.deutschlandfunk.de/mit-haut-und-haaren-der-koerper-in-der-zeitgenoessischen-100.html
• Susanne Nessler: Il corpo nell'arte, Deutschlandfunk Kultur, https://www.deutschlandfunkkultur.de/der-koerper-in-der-kunst-100.html
• Holger Liebs (Süddeutsche Zeitung): Il corpo umano nell'arte: I nudi e il caos, https://www.sueddeutsche.de/kultur/der-menschliche-koerper-in-der-kunst-die-nackten-und-die-chaoten-1.415429