Marina Abramovic: Arte per società distruttive

L'articolo "Marina Abramović, ovvero 'L'artista e la sua storia'", ha descritto in dettaglio il contesto storico e personale che ha influenzato la riflessione sull'artista Marina Abramović e sulla sua opera (forse più che per altri artisti).

Ora l'attenzione è rivolta allo sviluppo di Abramović come artista e allo sviluppo della sua opera.

Come si è avvicinata Marina Abramović all'arte e alla sua arte?

L'articolo appena citato sull'artista Abramović ha mostrato che Marina Abramović proviene da una famiglia in cui l'arte e la creatività hanno avuto e continuano ad avere un ruolo di primaria importanza.

Di conseguenza, Marina Abramović ha dichiarato in un'intervista: "Ho sempre saputo che avrei vissuto da artista. Era una necessità [...] l'unico modo in cui potevo funzionare in questo mondo" (Lynn MacRitchie, 1996, 'Marina Abramović: Exchanging Energies', Performance Research, Volume 1, p. 29).

Abramović studiò pittura all'Accademia di Belle Arti di Belgrado subito dopo il diploma di scuola superiore, dal 1965 al 1970. I suoi compagni di corso la descrissero come una giovane donna straordinariamente bella, sicura del suo impatto sugli altri, straordinariamente dotata nella comunicazione e sempre entusiasticamente ottimista.

A quel tempo, Abramović dipingeva un'arte figurativa sofisticata e raffinata su tele più grandi di qualsiasi altro studente, creando dipinti potenti di oltre due metri quadrati. Dal 1968 in poi, Abramović iniziò a pubblicare testi, disegni e le sue prime opere concettuali.

Che si è inesorabilmente evoluto in performance art come espressione artistica di Abramović, anche se solo attraverso rifiuti e coincidenze:

Nel 1970, Abramović volle esibirsi per la prima volta in una famosa galleria di Belgrado, sostituendo gradualmente i suoi abiti di fronte al pubblico con quelli della sua giovinezza scelti dalla madre (gonna lunga fino al polpaccio, calze spesse, scarpe che ricordavano quelle ortopediche), poi puntandosi una pistola carica alla testa e premendo il grilletto.

O la proposta della Galleria Doma Omaldine era troppo azzardata, oppure la protesta giovanile contro i tentativi di alcune madri preoccupate di limitare l'attrattiva delle ragazze era troppo radicale per loro; in ogni caso, la proposta di Abramović si concretizzò in una mostra delle sue prime opere astratte, una serie di dipinti di nuvole.

La prima performance di Abramović non ebbe quindi luogo fino al 1971, quando lei e altri studenti esposero le loro opere allo SKC (Studentski kulturni centar Beograd = Centro Culturale Studentesco di Belgrado) in ottobre. Abramović si era sdraiata su un tavolo in una galleria vicina (a quanto pare era solo stanca), e il collega artista Era Milivojević avvolse la donna sdraiata con un po' di nastro adesivo che gli capitava tra le mani, finché non sembrò una mummia: si trattava di performance art, anche se il significato dell'opera d'arte doveva essere reinterpretato.

L'artista aveva evidentemente apprezzato l'esperienza; dal 1973 in poi iniziò a creare le sue prime performance, sia personali che pianificate.

Non si sono limitati a usare il nastro adesivo; Marina Abramović ha chiarito inequivocabilmente fin dalle sue prime esibizioni che accontentare l'arte istituzionale non faceva per lei.

Poco tempo dopo, nel 1975, lo rese chiaro a un pubblico più ampio partecipando a una performance di Hermann Nitsch . Il cofondatore dell'Azionismo viennese non era più viennese a quel tempo; aveva infastidito a lungo i "renani dell'Est" nei primi anni '60 con scandalose performance pittoriche, orge e rappresentazioni teatrali misteriose, al punto che le autorità lo avevano reso incapace di esibirsi e creare arte per settimane, incarcerandolo. Nitsch alla fine decise di trasferirsi in Germania.

Sia per Nitsch che per Abramović, la collaborazione con un altro artista non si rivelò un successo: Nitsch in seguito impiegò solo non professionisti, mentre Abramović commentò di non aver avuto la motivazione per lavorare all'interno di un concetto altrui; la performance fu complessivamente così insignificante che non ne esiste una descrizione dettagliata. Ciononostante, Hermann Nitsch e Marina Abramović riuscirono a entrare nella lista delle "10 performance artistiche più scioccanti di sempre"stilata dal quotidiano londinese "The Guardian" nel 2013.

Lo sanno tutti! – Le opere più importanti di Marina Abramovic

Che l'arte istituzionale non faccia per lei è dimostrato anche dalle opere più importanti di Abramović, che la maggior parte delle persone (colte nell'Europa centrale) conoscono. E anche questa breve panoramica chiarisce quanto movimento ci sia nell'arte di Marina Abramović:

“Balkan Baroque” è un’installazione video-performativa che Abramović ha realizzato nel 1997 nel padiglione jugoslavo della 47ª Biennale di Venezia. Abramović ha commentato la sua terra d’origine e il conflitto nei Balcani strofinando per ore ogni giorno montagne di ossa fresche di bestiame con una spazzola, affiancata da un trittico di proiezioni video, mentre cantava canti funebri della sua terra.

"Seven Easy Pieces" al Solomon R. Guggenheim Museum di New York. La performance è durata sette giorni e ha riproposto sei performance storiche di altri artisti che avevano suscitato scalpore negli anni '60 e '70; la settima performance era una sua nuova opera.

Abramović ha fatto riferimento:

• "Seedbed" di Vito Acconci del 1972
• “Come spiegare le immagini a una lepre morta” di Joseph Beuys del 1965
• di VALIE EXPORT del 1969
• “Body Pressure” di Bruce Nauman del 1974
• Il “condizionamento” di Gina Pane del 1973
• La sua performance “Lips of Thomas” del 1975
• La nuova performance originale si chiamava "Entering the Other Side"

"The Artist is Present". Per tutta la durata della mostra, dal 14 marzo al 31 maggio 2010, Abramović è rimasta seduta a un tavolo nell'atrio del museo, con una sedia per i visitatori di fronte a lei.

Abramović è rimasto in silenzio. Nel video seguente potete vedere quanto fossero loquaci i visitatori…

…con il commovente momento in cui il suo compagno di lunga data, Ulay, si è seduto sulla sedia dei visitatori. Abramović è rimasta seduta lì per un totale di 721 ore. Alla fine della performance, era stata vista da 750.000 visitatori e "posseduta" da oltre 1.500 persone.

Questi non erano certo tutti gli esempi "che tutti conoscono". L'arte di Marina Abramović è di straordinaria ricchezza e diversità:

L'arte di Marina Abramović: dalle spettacolari performance soliste all'arte performativa senza tempo

La prima performance di Marina Abramović nel 1971, con il suo atteggiamento da mummia, era ancora piuttosto innocua, ma non dovette lavorare con lo scandaloso attivista Hermann Nitsch per scatenarsi davvero:

Nel 1973, Abramović si divertì in "Ritmo 10" pugnalandosi gli spazi tra le dita con 20 coltelli (un omaggio ad artiste del passato, si veda Art-o-Gramm: Picasso – L'artista, la vita e l'amore – Scene 2 e 5 su Dora Maar, che si abbandonava anch'essa a questa malsana abitudine). Abramović, in ogni caso, si taglia frequentemente e gravemente, eppure "Ritmo 10" è ancora (o forse proprio per questo) considerata la sua prima opera "da adulta".

In Rhythm 5 (1974), Abramović imbeve una struttura di legno a forma di stella a cinque punte (intesa a evocare la "Stella Rossa" comunista) con 100 litri di benzina, le dà fuoco e, dopo alcune acrobazie, salta dentro la struttura e si sdraia sul pavimento della galleria. Perde immediatamente conoscenza in questo spazio ormai privo di ossigeno.

Abramović è stata salvata da uno spettatore che si è appena reso conto che una Marina Abramović insolitamente immobile non si adattava a un'esibizione altrimenti ricca di azione; l'ambulanza è arrivata giusto in tempo e l'ha trasportata in ospedale. Qui potete vedere lo spettacolo in fiamme con la Abramović mezza morta al centro.

Abramović evidentemente sopravvisse di buon umore; nello stesso anno seguì "Rhythm 0": una performance di sei ore in cui Abramović rimase in silenzio in mezzo al pubblico. Vennero forniti 72 oggetti, con l'invito a farne ciò che desideravano all'artista. Tra questi oggetti c'erano rose e piume, profumo e miele, pane, uva e vino, forbici e un bisturi, lamette e chiodi, un'asta di metallo e una pistola carica.

Abramović voleva scoprire fin dove si sarebbe spinto il pubblico. Iniziò con delicatezza, accarezzandola, regalandole fiori, baciandola e nutrendola; ben presto, la imbrattarono di rossetto, le versarono acqua sulla testa, le infilarono spine di rosa nell'ombelico... a metà dello spettacolo, il pubblico le aveva già tagliato i vestiti con delle lamette; alla quarta ora, le esplorarono la pelle con le stesse lamette, e un ammiratore le tagliò persino la gola per berne il sangue.

Ne seguì una serie di aggressioni sessuali, che l'artista, determinata a esplorare e denunciare il comportamento di gruppo umano, subì; quando il pubblico notò la sua risoluta resa di volontà, si formò un gruppo per proteggerla.

Quando la pistola carica venne puntata alla testa di Abramović e il suo dito venne posizionato sul grilletto, scoppiò una rissa tra il pubblico... Brutto, spaventoso, disilluso: quando Abramović si svegliò la mattina dopo, aveva una ciocca grigia tra i capelli.

Se solo avesse avuto accesso allora alle conoscenze disponibili oggi su internet! Bastano poche informazioni per capire che gruppi di persone seguono leader forti (che hanno ovviamente cattive intenzioni, anche verso se stessi) e inspiegabilmente accettano come vere anche affermazioni palesemente false non appena si sentono turbati, confrontati con qualcosa di nuovo o con dei cambiamenti (si potrebbe anche dire che gruppi di persone mostrano tendenze verso comportamenti di gruppo autodistruttivi non appena la vita non va come al solito, Pegida manda i suoi saluti).

Se Abramović avesse letto solo i resoconti su “The Wave”, l’esperimento di Milgram e l’esperimento di conformità di Solomon Asch, non sarebbe stata meno spaventata o disillusa, ma avrebbe potuto risparmiarsi l’esperienza fisica…

• "L'onda"
• esperimento di Milgram
• Esperimento di conformità

Abramović potrebbe essersi trovata in un momento emotivamente fragile, dato che il suo primo matrimonio si era appena concluso. Dal 1971 al 1976, Abramović era stata sposata con l'artista serbo Neša Paripović , un ex compagno di studi all'Accademia di Belgrado, con il quale aveva anche collaborato presso il centro culturale studentesco nei primi anni Settanta.

Entrambi lavoravano in un gruppo informale con altri artisti, nientemeno che sulla decostruzione del concetto modernista di arte. Anche questo lavoro non fu privo di conflitti: quando il gruppo dovette affrontare un incontro e una discussione con Joseph Beuys a un festival a Edimburgo, in Scozia, nel 1973, si sciolse poco dopo.

Il matrimonio potrebbe non essersi concluso in modo del tutto pacifico: quando, nei primi anni 2000, il biografo di Abramović, James Westcott, chiese a Neša Paripović di rilasciare un'intervista, si dice che lui abbia semplicemente riattaccato il telefono.

Nel 1975, Marina Abramović eseguì la performance "Le labbra di Tommaso" in una galleria in Austria: completamente nuda, mangiò un chilo di miele, bevve un litro di vino rosso, si incise un pentagramma sullo stomaco con delle lamette da barba e rimase sdraiata, sanguinante e barcollante, su una croce di ghiaccio; si dice che abbia resistito per mezz'ora.

Ecco un'immagine tratta dalla performance: Apri immagine (riproposta al Guggenheim Museum di New York nel 2005). Una sequenza di altre quattro performance del 1975 e del 1976 può essere visualizzata su www.youtube.com/watch?v=ihDy3dD-iUg.

Nel 1975, Abramović creò "L'arte deve essere bella, l'artista deve essere bello", una delle sue opere più innovative, in cui affronta in modo approfondito e pratico il tema dell'artista bello e dell'arte bella, concetti che si sono rivelati impossibili da sradicare nella borghesia conservatrice sin dal "Sistema di filosofia teoretica, Parte 3, Teoria del gusto" (1810) di Wilhelm Traugott Krug. Un estratto è riportato qui di seguito:

Nel 1975, Abramović si trasferì anche ad Amsterdam, dove incontrò e si innamorò dell'artista performativo tedesco Frank Uwe Laysiepen (Ulay). Vissero e lavorarono insieme dal 1979 al 1988, conducendo una vita artistica nomade, in continuo movimento, viaggiando persino tra gli aborigeni e in Tibet. Molte delle sue opere più famose e influenti risalgono a questo periodo.

“Charged Space”, del 1978, fa ora parte della collezione del Museum Ludwig di Colonia. Un'immagine fissa di questa stravagante performance di danza dedicata a Jane Crawford e Gordon Matta-Clark, ultima opera della loro serie “14 Performances”, è visibile su newmedia-art.org. La performance ebbe luogo nel maggio del 1978 durante l'“European Performance Series” al Brooklyn Museum di New York.

Nel 1980, "Rest Energy", una performance in cui Ulay teneva una freccia e Abramović l'arco; mentre entrambi si reclinavano all'indietro, la freccia puntava al cuore di Abramović. Le loro vite nelle sue mani, come spesso accadeva nelle loro performance congiunte.

Nel 1982, Abramović e Ulay, durante la loro performance "Like Luther", collocarono un cactus in una galleria, lo circondarono di filo spinato e chiesero ai galleristi di rivolgersi al cactus con gentilezza ogni giorno. Volevano vedere se, in un'atmosfera così protetta e amorevole, il cactus avrebbe perso le sue spine (cosa che non accadde).

E così continuò (con ampio spazio per le vostre personali scoperte di performance spettacolari) finché Abramović e Ulay si separarono nel 1988/1989. Naturalmente, non così all'improvviso, e non di cattivo umore, ma con una performance: una performance di tre mesi sulla Grande Muraglia cinese.

Ulay è partito da ovest, Abramović da est, poi hanno percorso a piedi 2.500 chilometri l'uno verso l'altro. Tuttavia, questo non era esattamente il piano originale; quando lo spettacolo iniziò, si intitolava "The Lovers" e aveva lo scopo di ravvivare la loro relazione già tesa.

Quando Ulay mise incinta la traduttrice cinese lungo il cammino, e Abramović lo confessò alla fine del cammino di riconciliazione di 2500 chilometri, non ci fu molto che si potesse fare per aiutarla... l'incontro in mezzo al muro fu l'ultimo incontro tra Ulay e Abramović per molto tempo.

Dal 1989, Abramović ha collaborato con il regista, artista performativo e videoartista Charles Atlas (noto per la sua lunga collaborazione con Merce Cunningham, che ha portato alla realizzazione di 10 film di danza) allo spettacolo teatrale "The Biography", che ripercorre la sua vita artistica fino a quel momento come opera solista. "The Biography" ha debuttato nel 1992 e, a ogni rappresentazione, mette in luce diverse sfaccettature della sua pratica artistica e del suo sviluppo personale.

Nel 1994, Abramović mise in scena lo spettacolo teatrale Delusional, in cui espresse la sua impotenza e rabbia per gli eventi accaduti durante le guerre jugoslave, un precursore dello spettacolo del 1997 "Balkan Baroque", incentrato sul dolore per le atrocità, le numerose vittime e l'ormai irreversibile stato di disintegrazione.

Nel 2001, per la sua opera "Human Nests", Abramović ha scavato sette grotte artificiali nelle pareti di una cava e ha dotato ciascuna di una scala di corda. Destinate alla contemplazione, ma "guarnite" con il rischio di cadere dalle piccole cavità, le grotte hanno creato un ambiente al tempo stesso protetto e inquietante.

Nel 2002, per la sua opera "The House with the Ocean View", l'artista trascorse dodici giorni e dodici notti in tre stanze aperte al pubblico presso la Sean Kelly Gallery di New York. Si nutrì esclusivamente di acqua minerale, non mangiò, non parlò, non scrisse né lesse, dormì non più di sette ore al giorno e fece la doccia tre volte al giorno: un ritiro di meditazione monastica pubblico nel cuore di New York.

Questo ricordo di Abramović dell'opera di suo fratello Velimir Abramović, professore di filosofia ed esperto di Tesla, risale al 2003: "Tesla Ball".

Nel 2005, Abramović ha eseguito i “Sette pezzi facili” sopra descritti , dando così inizio a una discussione fondamentale sulla permanenza e la durabilità dell'arte performativa .

Nello stesso anno, Abramović realizzò il film d'autore "Epopea erotica balcanica", che tratta dei riti sessuali e di fertilità nei Balcani: Abramović spiega vari riti in singole scene, mentre le donne si tenevano i seni al sole e le vulve sotto la pioggia, e gli uomini si masturbavano o penetravano il terreno (una descrizione un po' confusa, ma non sembra essere specificato perché le donne non si tenessero anche le vulve al sole o quanto fosse duro il terreno che gli uomini avrebbero dovuto penetrare).

Nel 2010, ad Abramović fu nuovamente richiesto di rimanere immobile per "alcune ore" nella performance già citata "L'artista è presente", questa volta da seduto. Alcuni estratti della performance, senza la partecipazione di Ex Ulay, possono essere visti nella parte 11 della serie di YouTube del documentario "Il futuro dell'arte" (Erik Niedling, Ingo Niermann, Germania, 2010).

(La serie, composta da 21 parti che riguardano molti importanti artisti contemporanei, merita di essere guardata per intero).

“La vita e la morte di Marina Abramović” ha debuttato nel 2011 al Manchester International Festival, presso il Lowry di Manchester, nel Regno Unito. Questo “crocevia tra teatro, opera e arti visive” è stato creato dal genio teatrale e artista poliedrico Robert Wilson in collaborazione con Marina Abramović e, dopo la prima, è stato portato in tournée in festival teatrali e spazi espositivi.

deSingel ad Anversa, Theater Carré ad Amsterdam, Theater Basel, Teatro Real a Madrid, Luminato Festival a Toronto e Park Avenue Armoury a New York; al termine della “serie di scene magistrali” il pubblico si è alzato in piedi e ha applaudito (The Independent, Regno Unito).

Ecco due estratti:

Nel 2013, Abramović ha disegnato le scenografie per la nuova produzione del "Boléro" di Maurice Ravel all'Opéra Garnier di Parigi. La regia è stata curata da Sidi Larbi Cherkaoui e Damien Jalet, mentre i costumi dei ballerini sono stati disegnati dallo stilista italiano Riccardo Tisci della casa di moda parigina Givenchy.

Dall'11 giugno al 25 agosto 2014, Abramović ha presentato l'opera performativa di lunga durata "512 Hours" alla Serpentine Gallery di Londra. Ha completamente rinunciato agli oggetti e ha costretto il pubblico a fare lo stesso: chiunque poteva entrare durante l'orario di apertura e trascorrere del tempo con lei, ma doveva lasciare giacca, bagagli e dispositivi elettronici al guardaroba.

Abramović pubblicava un riassunto quotidiano della giornata sotto forma di diario video personale. Un'intervista a Marina Abramović su questa e altre performance è disponibile sulla Süddeutsche Zeitung: "Bisogna essere pronti a cadere dalla terra ".

Con la sua performance “Seven Easy Pieces”, , Abramović ha innescato un dibattito che potrebbe cambiare radicalmente la performance art: se una performance possa essere riproposta, come la conoscenza culturale della performance art debba e possa essere preservata, cosa comporti la tutela dei diritti degli artisti in quanto produttori; tutte nuove domande che potrebbero ribaltare la concezione tradizionale della performance art.

Mentre in passato si dava per scontato che la performance fosse legata al corpo dell'interprete e non ripetibile, oggi interpreti, fruitori e valutatori devono confrontarsi con la ripetibilità e la ri-eseguibilità, nonché con lo scambio di conoscenze artistiche il cui significato culturale e storico si è perso nel tempo.

Abramović si fa quindi promotrice anche della stabilizzazione della performance art. Solo in questo modo, sostiene, gli artisti performativi possono riuscire ad affermare i diritti sulle proprie opere contro lo sfruttamento commerciale e la distorsione in un mondo caratterizzato da una crescente digitalizzazione e dall'intercambiabilità del sapere culturale.

Le opere di Abramović appena presentate non rappresentano certo la sua produzione completa. C'è ancora molto da scoprire nel lavoro di questo artista sensibile e straordinario per chi è interessato all'arte contemporanea.

Il lavoro di Marina Abramović nella sfera pubblica: mostre, arte negli spazi pubblici e nelle collezioni pubbliche

Le opere di Marina Abramović sono state esposte al pubblico in 79 mostre personali e 632 mostre collettive ; ciò fa un totale di circa 700 mostre pubbliche, di cui 122 negli Stati Uniti, 79 in Germania, 63 in Italia, circa 50 in Spagna, circa 40 in Francia e le restanti 350 sparse nel resto del mondo.

Ecco una selezione di eventi salienti, biennali e documentari:

• 1975 IX Biennale di Parigi
• 1982 documenta 7, Kassel
• 1982 4a Biennale di Sydney: Vision in Disbelief, Sydney, NSW
• 1985 18° Biennale di San Paolo, San Paolo, Brasile
• 1987 documenta 8, Kassel
• 1990 Biennale dell'immagine del movimento '90, Madrid
• 1992 documenta 9, Kassel
• 1995 4a Biennale Internazionale di Istanbul, Istanbul
• 1995 SITE Prima Biennale Internazionale di Santa Fe - Desiderio e Appartenenza: Dal Faraway Nearby, Santa Fe, NM
• 1997 47a Biennale di Venezia, Venezia
• 2000 Prima Triennale d'Arte Echigo-Tsumari 2000, Niigata-ken, Giappone
• 2001 Yokohama 2001 – Triennale Internazionale d’Arte Contemporanea, Yokohama, Tokyo
• 2003 50a Biennale di Venezia, Venezia
• 2003 II Biennale di Valencia – La Ciudad Ideal, Valencia
• 2004 Terza Biennale Internazionale di Media Art di Seul – Digital Homo Ludens (Gioco e Gioco), Seoul Musuem of Art (SeMA), Seul
• 2005 5a Biennale di Cetinje, Cetinje, Montenegro
• 2005 5a Biennale del Mercosul, Porto Alegre, Brasile
• 2007 52a Biennale di Venezia, Venezia
• Biennale di Praga 2007 3, Karlin Hall, Praga
• 2007 Biennale del cinema d'arte 2007, Museo d'arte di Bonn
• Triennale di Yokohama 2008 – Time Crevasse, Central and Waterfront Sites, Yokohama
• 2008 28° Biennale di San Paolo, San Paolo
• 2008 Biennale di Mediazione 08, Centrum Kultury Zamek, Poznan
• 2008 Xviii Biennale Internazionale di Scultura, Accademia di Belle Arti di Carrara
• 2009 5a Bienal VentoSul – o mundo todo aqui, vai mexer com voce, Instituto Paranaense de Arte, Curitiba, Brasile
• 2009 3a Biennale di Arte Contemporanea di Mosca, Mosca
• 2009 7a Biennale di Firenze, Firenze
• Biennale delle immagini in movimento 2009, Deventer
• 2011 54a Biennale di Venezia, Venezia
• 2011 3a Biennale delle immagini in movimento, Videoarte ispirata, Deventer
• 2012 11a Biennale dell'Avana, Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam, L'Avana
• 2012 7a Biennale Internazionale di Arte Mediatica di Seul, Seoul Museum of Art (SeMA), Seul
• 2013 4a Biennale di Arte Contemporanea di Salonicco – Le vecchie intersezioni lo rendono nuovo 2, Museo Statale di Arte Contemporanea, Salonicco
• 2013 2a Biennale del Mediterraneo a Sakhnin, Museo del patrimonio arabo di Sakhnin, Israele
• 2014 V Bienal De Arte Contemporáneo De La Fundación Once, CentroCentro Cibeles, Madrid
• 2015 1° Trio Bienal, Rio de Janeiro, Brasile

Marina Abramovic come personaggio pubblico: premi e riconoscimenti, attività didattica, ripercussioni

Una selezione dei premi ricevuti da Marina Abramovic:

• Premio ars viva 1982 per la videoarte, Circolo culturale dell'economia tedesca nel BDI e. V., insieme a Uwe Laysiepen
• 1997 Leone d’Oro alla XVIII Biennale di Venezia, per lo spettacolo “Balkan Baroque”
• Premio d'arte della Bassa Sassonia 2003
• Premio Bessie 2003, per "La casa con vista sull'oceano"
• 2004 Dottorato honoris causa dalla School of the Art Institute di Chicago
• 2008 Decorazione austriaca per la scienza e l'arte
• 2009 Dottorato onorario in Arti, Università di Plymouth, Inghilterra
• Premio per la leadership culturale 2011, American Federation of Arts, New York
• Premio alla carriera del 13 luglio 2012, Podgorica, Montenegro
• 2012 Nomina nella giuria del concorso della 69a Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia
• Orso di Berlino 2012, premio del quotidiano BZ Berlin
• Membro onorario della Royal Academy of Arts, Londra, 2012
• Membro del 2013 della National Academy of Design, New York
• Premio globale 2018
• Premio Principessa delle Asturie per l'arte 2021

Subito dopo aver completato gli studi, Marina Abramović iniziò a trasmettere le sue conoscenze e la sua esperienza: negli anni Settanta iniziò a insegnare all'Accademia di Belle Arti di Novi Sad.

Dal 1990 al 1991, Marina Abramović è stata professoressa ospite presso l'Académie des Beaux-Arts di Parigi e presso l'Università delle Arti di Berlino.

Dal 1992 al 1996 è stata professoressa presso l'Università di Belle Arti di Amburgo e dal 1997 al 2004 è stata professoressa di performance presso l'Università d'Arte di Braunschweig.

Nel 2005, ha fondato a New York l'Independent Performance Group (IPG), un forum per la performance art contemporanea, con l'obiettivo di collaborare con giovani artisti di talento. L'Independent Performance Group si è sciolto nel 2007 e Abramović ha fondato la Marina Abramović Foundation for the Preservation of Performance Art.

i preparativi per l'allestimento dell' “Istituto Marina Abramović” (MAI). L'istituto si propone di sostenere lo sviluppo di forme innovative di arte performativa e, in quanto “archivio vivente”, di preservare le performance storiche attraverso la loro rievocazione.

Nell'ambito di questo progetto a lungo termine, a partire dal 2013, un edificio a Hudson, New York, sarà convertito e ristrutturato per ospitare il Marina Abramović Institute. L'edificio, che ospita anche un "Office for Metropolitan Architecture" progettato dall'architetto Rem Koolhaas, si estende su una superficie di 3.000 metri quadrati.

Abramović intende utilizzare gli spazi come un "laboratorio per l'esplorazione dell'arte vincolata al tempo e dell'arte senza tempo" – performance art, ma anche cinema, musica, opera, danza, teatro, video – e collaborare con professionisti dei settori scientifico, tecnologico e dell'istruzione, presso l'OMA – Istituto Marina Abramović.

Nell'attuale fase di sviluppo del progetto, gli architetti Rem Koolhaas e Shohei Shigematsu coinvolti come partner. Rem Koolhaas è un architetto olandese di fama internazionale che, nel 1975 a Rotterdam, ha fondato quello che è diventato il prestigioso studio di architettura OMA (Office for Metropolitan Architecture), insieme a Elia e Zoe Zenghelis e Madelon Vriesendorp.

L'OMA e il suo think tank affiliato AMO, che si concentra su progetti che vanno oltre l'architettura e l'urbanistica, sono attivi e rinomati a livello internazionale. L'OMA è responsabile di un impressionante portfolio di progetti di architettura contemporanea d'avanguardia, tra cui, in Germania, la Koolhaas House al Checkpoint Charlie, l'Axel Springer Campus, l'Ambasciata olandese a Berlino e l'ampliamento del sito patrimonio mondiale dell'umanità Zollverein a Essen; e in altri paesi, la Kunsthal Rotterdam, il Nexus Housing a Fukuoka, in Giappone, i negozi Prada Epicenter a Beverly Hills e New York, il Guggenheim Hermitage a Las Vegas, la Casa da Música a Porto e il National University Museum of Art di Seul; l'elenco include altri 295 edifici.

Nel 2000, Rem Koolhaas ha ricevuto il Pritzker Architecture Prize, un premio di fama mondiale per l'architettura, un anno dopo Norman Foster e un anno prima di Herzog & de Meuron. Nel 2014 è stato nominato direttore della 14a Mostra Internazionale di Architettura della Biennale di Venezia ("Fundamentals"). Come professore ad Harvard, Koolhaas si concentra sulla ricerca fondamentale in architettura.

Shohei Shigematsu lavora presso OMA dal 1998 ed è socio dal 2008. Dal 2006 dirige la sede di New York dello studio. Oltre a numerosi edifici urbani, Shigematsu ha progettato spazi culturali come il Museo Nazionale di Belle Arti del Quebec e il Faena Arts Center di Miami Beach, e ama collaborare direttamente con artisti (ad esempio, Cai Guo Qiang, Marina Abramović, Kanye West). Presso la Harvard Graduate School of Design, dirige un istituto di ricerca chiamato "Alimentary Design", che indaga l'intersezione tra cibo, architettura e urbanistica.

Il motto del MAI è combattivo: "L'arte può essere realizzata solo in società distruttive che devono essere ricostruite" – al momento sembrano essercene molte, quindi il MAI ha molto da fare; proprio come il "barocco balcanico" sta tristemente acquisendo rilevanza nella parte leggermente più meridionale del mondo.

Un'altra attività lungimirante di Marina Abramović è la diffusione del Metodo Abramović, una serie di esercizi olistici per corpo e mente che Abramović ha sviluppato negli ultimi 40 anni per sperimentare e superare i limiti del corpo e della mente.

In completa sintonia con la medicina moderna, che supera in ogni momento i limiti della medicina tradizionale, Abramović ha sviluppato esercizi meditativi e fisici in grado di proteggere gli artisti performativi dai danni fisici causati dallo stress tipico associato all'arte performativa.

Insegna questo metodo principalmente ai giovani artisti performativi; insieme alle idee trasmesse attraverso il MAI, è un altro modo per rendere l'arte performativa e le generazioni successive di artisti performativi "adatte al futuro".

Marina Abramović ha compiuto 75 anni nel 2021 e, nel corso della sua lunga vita, è diventata la controversa ma al tempo stesso stimatissima regina della performance art . Ha svolto un ruolo fondamentale nel rendere popolare questo genere. Per raggiungere tale obiettivo, a volte si sedeva in silenzio su una sedia per oltre 700 ore, si scagliava contro i muri e si tagliava fino a sanguinare con lamette da barba.

Accesso attuale a Marina Abramovic

È possibile visualizzare qui un incontro di un'ora con l'artista Sam Keller, direttore del museo d'arte svizzero e della Fondation Beyeler: https://www.fondationbeyeler.ch/programm/artist-talks/ (in inglese).

intitolato "Balkan Baroque". La sceneggiatura è stata scritta dal regista Pierre Coulibeuf insieme all'artista. Marina Abramović interpreta se stessa nel film. Ubu Film: Pierre Coulibeuf.

È possibile ammirare le opere di Marina Abramović nelle seguenti gallerie:

• Brasile: Luciana Brito Galeria São Paulo
• Grecia: Galleria Kappatos, Atene
• Italia: Galleria Lisson Milano, Galleria Lia Rumma Napoli
• Paesi Bassi: PARC Editions Lent
• Norvegia: Galleria Brandstrup Oslo
• Austria: Galerie Krinzinger, Vienna
• Spagna: Bernal Espacio Galería Madrid, La Fabrica Galeria Madrid
• Svizzera: Art Bärtschi & Cie Ginevra
• USA: Kathryn Miriam Greenwich CT, Kunzt.gallery Miami FL, Sean Kelly Gallery New York City NY
• Regno Unito: Lisson Gallery London

Marina Abramovic nelle collezioni pubbliche:

• Australia: Galleria d'arte del Nuovo Galles del Sud Sydney NSW, Museo di arte contemporanea di Sydney (MCA) Sydney NSW
• Belgio: Museo d'Arte Contemporanea di Anversa (MuHKA) Anversa, Stedelijk Museum for Actual Art (SMAK) Gand
• Germania: Collezione Wemhöner Berlino, Kunsthalle Bielefeld, Museo Ludwig Colonia, Collezione Julia Stoschek Düsseldorf, Kunstpalais Erlangen, Kunsthalle zu Kiel
• Finlandia: Museo d'Arte Contemporanea Kiasma Helsinki
• Francia: Centre d'Art le LAIT Albi, FRAC Franche-Comté Besançon, Musée d'Art Contemporain Lyon, 49 NORD 6 EST Frac Lorraine Metz
• Grecia: Museo Nazionale d'Arte Contemporanea (EMST) Atene
• India: Museo d'Arte Kiran Nadar (KNMA) Nuova Delhi
• Italia: Studio Stefania Miscetti e Fondazione Nomas Roma
• Canada: Galleria Nazionale del Canada Museo delle belle arti del Canada Ottawa ON
• Croazia: Museo d'arte contemporanea (MSU) Zagabria
• Lussemburgo: Museo d'Arte Moderna Grand-Duc Jean (MUDAM) Lussemburgo
• Macedonia: Museo orientale del disegno di Skopje
• Paesi Bassi: Stedelijk Van Abbemuseum Eindhoven
• Polonia: Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Niepołomicach (MOMA) Niepolomice
• Serbia: Museo d'arte contemporanea di Belgrado (MoCAB)
• Slovenia: Moderna Galerija Lubiana
• Spagna: Centro de Artes Visuales Helga de Alvear Cáceres, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) Léon, Collezione ARCO e Fundación Telefónica Madrid, Es Baluard Museu d'Art Modern Palma de Mallorca, Fundación Montenmedio Arte Contemporáneo (NMAC) Vejer de la Frontera Cádiz
• Svezia: Fondazione Wanas Knislinge
• Svizzera: Kunstmuseum Bern, Kunstmuseum Wallis Sion, Kunstmuseum des Kantons Thurgau Warth
• USA: Museum of Contemporary Photography (MoCP) Chicago IL, Eileen S. Kaminsky Family Foundation (ESKFF) Jersey City NJ, The Progressive Art Collection Mayfield Village OH, Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO) Miami FL, Solomon R. Guggenheim Museum e Museum of Modern Art (MoMA) New York City NY, The Fabric Workshop and Museum Philadelphia PA, San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA) San Francisco CA

Su pippinbarr.com/games/dmai troverete il "Digital Marina Abramović Institute", dove potrete svolgere diverse attività... e sostenere il vero Marina Abramović Institute: "Se apprezzate la vostra esperienza digitale dell'Istituto, vi preghiamo di contribuire a rendere MAI una realtà supportandolo qui."

Nel 2010 è stata pubblicata la biografia "Quando Marina Abramović muore" ; un'intervista con il biografo e autore James Westcott è disponibile su ARTFCITY: Quando Marina Abramović muore, un'intervista con il biografo e autore James Westcott .

Nel 2012 è uscito il documentario "The Artist Is Present" di Matthew Akers e Jeff Dupre, che mostra i preparativi per la retrospettiva e la performance, nonché gli eventi al MoMA

Uno dei suoi progetti più recenti, "7 Deaths of Maria Callas", è stato presentato a Monaco e Parigi qualche mese fa. In quest'opera che unisce musica, canto e film, l'artista, insieme all'attore statunitense Willem Dafoe, mette in scena la propria morte.

Durante la pandemia di Coronavirus, Abramovic ha trascorso la maggior parte del tempo nella campagna vicino a New York, dedicandosi al giardinaggio, nuotando, osservando gli animali e facendo yoga.

“Sento di aver raggiunto la fase migliore della mia vita. Non bevo, non fumo, non mi drogo e faccio cinquanta minuti di yoga ogni mattina, ha affermato l'artista pluripremiata, che quest'anno è stata insignita, tra gli altri riconoscimenti, del Premio Principessa delle Asturie di Spagna.