Un piccolo regalo di Natale: conoscere gli artisti angelici (Parte 2)

Parte 2 – Dal 1476 al 2013

Hugo van der Goes

nacque intorno al 1440 a Gand e morì nel 1482 nel monastero di Rood vicino a Bruxelles.

Il pittore fiammingo Hugo van der Goes realizzò grandi cose, sebbene la sua vita sia durata poco più di quarant'anni: è considerato uno dei principali maestri della pittura fiamminga antica della seconda metà del XV secolo.

Hugo van der Goes viene menzionato per la prima volta dagli storici il 4 maggio 1467. In quel giorno, fu ammesso come maestro alla "Gilda dei pittori di Luca " di Gand, e Justus van Gent risulta essere stato suo testimone e garante.

Le Corporazioni di San Luca erano confraternite di arti e mestieri, simili a corporazioni, che si svilupparono principalmente nei Paesi Bassi durante il XV secolo. Chiunque desiderasse diventare maestro doveva dimostrare la cittadinanza della rispettiva città, talvolta la proprietà di beni immobili e solitamente anche il proprio stato civile; tuttavia, non si fa mai menzione di una donna di nome van der Goes.

È possibile che il pittore fosse già così profondamente coinvolto in una confraternita religiosa a quel tempo che il requisito del matrimonio divenne obsoleto; o forse aveva già una moglie, di cui non si hanno notizie fino a oggi. In ogni caso, l'iscrizione come maestro era un grande onore e anche un prerequisito per ricoprire le più alte cariche politiche ed economiche della corporazione.

Hugo van der Goes era quindi sicuramente già attivo come pittore prima della sua ammissione alla corporazione, ma non ci è stata tramandata alcuna prova di opere precedenti del neo-nominato maestro.

L'appartenenza alla corporazione diede rapidamente i suoi frutti: nel 1468 Hugo van der Goes ricevette l'incarico di decorare la città di Bruges in occasione delle nozze di Carlo il Temerario con Margherita di York, lavorando insieme al maestro della corporazione Jacques Daret di Tornai e ad altri artisti della corporazione.

Dal 1474 all'autunno del 1476, Hugo van der Goes ricoprì la carica di decano della corporazione dei pittori. Già nel 1475 entrò nel monastero agostiniano di Rood, vicino a Bruxelles, ma non abbandonò la sua attività di pittore come frate agostiniano ; è documentata una visita al monastero del futuro imperatore Massimiliano, che gli commissionò alcuni dipinti.

Sappiamo da questi resoconti che Hugo van der Goes divenne famoso durante la sua vita e che le sue opere erano molto apprezzate. Tutte le opere sopravvissute furono commissionate da cittadini facoltosi o membri della nobiltà.

Dal periodo di massimo splendore della carriera del maestro, gli anni Settanta del Quattrocento, sono sopravvissute diverse opere magnifiche: la "Pala di Monforte", la "Pala di Ippolito", una "Morte della Vergine" e una "Pala di Maria", il "Trittico Portinari", il "Dittico di Vienna" e un' "Adorazione dei pastori".

Ciononostante, il maestro si ritirò dal centro della società e si trasferì in monastero; è documentato un attentato suicida durante un viaggio a Colonia nel 1481; dopo essere tornato in monastero, rinunciò a tutti i privilegi e i vantaggi e morì nel 1482 per cause ignote; si sospetta che sia impazzito a causa del suo successo artistico.

Gli Angeli del 24 dicembre sono un particolare della Pala Portinari, realizzata tra il 1475 e il 1478; il trittico è oggi conservato nella Galleria degli Uffizi a Firenze.

Pietro Perugino

Nacque a Città della Pieve (Perugia) tra il 1446 e il 1452 e morì a Fontignano presso Città della Pieve nel 1523.

“Il Perugino” (“quello di Perugia”) in realtà si chiamava Pietro Vannucci; suo padre, Cristoforo Vannucci, era uno degli uomini più ricchi della zona.

iniziò probabilmente Pietro Perugino a studiare pittura nelle botteghe locali, forse sotto Bartolomeo Caporali o Fiorenzo di Lorenzo. Tra il 1466/1470 e il 1479 si recò a Firenze nella bottega di Andrea del Verrocchioaccanto a Leonardo da Vinci, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi, Filippino Lippi formò

Queste informazioni (prive di date più precise) si possono ricavare dal resoconto del suo biografo Giorgio Vasari, il quale afferma anche che Verrocchio studiò l'arte della prospettiva sotto la guida di Piero della Francesca . Si dice che il suo apprendistato con Verrocchio si sia concluso nel 1492, poiché risulta iscritto alla corporazione dei pittori a partire da quell'anno.

Perugino era già noto ai suoi contemporanei da molto tempo; nel 1481 realizzò “Consegna delle chiavi a Pietro”, una potente opera di 3,35 × 5,50 m che fa parte del ciclo di affreschi parietali della Cappella Sistina in Vaticano.

A questo ciclo di affreschi collaborarono i pittori più rinomati d'Italia dell'epoca "Cristo" è considerato il dipinto più famoso di Perugino. La profondità prospettica dell'opera impressionò profondamente i contemporanei di Perugino, e questo lavoro lo rese il pittore più celebre del paese.

Si dice che Pietro Perugino abbia successivamente aperto studi a Perugia e Firenze, dove si ritiene abbia avviato una sorta di produzione in serie, principalmente di immagini popolari della Vergine Maria. Tuttavia, ciò non gli impedì di creare opere d'arte indimenticabili

La “Crocifissione di Gesù” sopra l'ingresso interno della Cappella della Porziuncola (ufficialmente Santa Maria degli Angeli) ad Assisi. Questa cappella è famosa perché Francesco Bernardone (meglio conosciuto come San Francesco o Francesco d'Assisi) vi morì il 3 ottobre 1226; i suoi compagni fondarono in seguito l'Ordine Francescano.

Tra il 1489 e il 1493 Perugino realizzò la “Visione di San Bernardo”, dal 1493 al 1497 lavorò a una “Crocifissione” in Santa Maria Maddalena dei Pazzi a Firenze, tra il 1496 e il 1500 produsse un polittico in San Pietro a Perugia (oggi le parti sono distribuite tra i musei delle città francesi di Nantes, Rouen e Lione e in Vaticano), dal 1497 al 1500 affreschi nel Collegio del Cambio a Perugia.

Perugino è oggi considerato il più importante maestro della scuola umbra di pittura rinascimentale . Un risultato forse ancora più grande è quello di aver trasmesso le sue competenze al leggendario Raffaello , che fu considerato il più grande pittore di tutti i tempi fino al XIX secolo inoltrato.

L'influenza di Perugino è chiaramente evidente nelle prime opere del giovane Raffaello. L'angelo del 20 dicembre è l'Arcangelo Michele dell '"Assunzione della Vergine con quattro santi", realizzata nel 1500 per la chiesa del monastero di Vallombrosa, oggi conservata alla Galleria degli Uffizi di Firenze.

Maestro della leggenda di Colonia Orsola

(o Maestro di Colonia della leggenda di Orsola) è solo uno pseudonimo.

di questo pittore tardo gotico della Vecchia Scuola di Colonia, attivo a Colonia dal 1480 (1489/90) al 1510/15. Non tutte le raffigurazioni della leggenda di Sant'Orsola del ciclo di Orsola realizzato per la chiesa di San Severino a Colonia sono sopravvissute. Il maestro dedicò almeno 19 dipinti alla leggenda di Orsola, alcuni dei quali andarono distrutti durante la Seconda Guerra Mondiale e altri sono perduti. Quel che è sopravvissuto è ora disperso in vari musei europei.

Poiché la sua opera mostra una stretta connessione con la pittura olandese dell'epoca, è possibile che il maestro fosse originario di quei paesi o che, quantomeno, vi abbia lavorato per un periodo considerevole. La sua presenza a Colonia è certa, tuttavia, grazie alle opere conservate nella chiesa di San Severino, motivo per cui otto delle sue opere si trovano ora al Museo Wallraf-Richartz di Colonia. Inoltre, a questo maestro è attribuita anche una pala d'altare alata, parte di una pala d'altare mariana, che si trova ora nella Gemäldegalerie Alte Meister (Galleria dei Maestri Antichi) delle Staatliche Kunstsammlungen Dresden (Collezioni d'Arte Statali di Dresda) .

Il Maestro della Leggenda di Orsola di Colonia è così chiamato perché non è l'unico maestro ad aver dipinto scene superstiti e degne di essere conservate della Leggenda di Orsola, rimanendo sconosciuto. Anche un maestro di Bruges si dedicò al tema di Sant'Orsola, oggi noto come il Maestro di Bruges della Leggenda di Orsola, il Maestro della Leggenda di Orsola di Bruges o il Maestro fiammingo della Leggenda di Orsola.

Questo pittore tardogotico delle Fiandre dipinse pale d'altare raffiguranti la leggenda di Orsola per il convento delle Suore Nere di Bruges già nel 1485 (databili in base alle immagini dell'allora città di Bruges sullo sfondo).

Sebbene Sant'Orsola con Colonia che con Bruges: la principessa britannica aveva dedicato la sua vita a Cristo e, ciononostante, stava per essere data in sposa a un re pagano. Chiese una proroga di tre anni, si imbarcò per un viaggio per mare e a Colonia ebbe una visione in cui un angelo le ordinò di compiere un pellegrinaggio a Roma (e profetizzò il suo martirio).

Orsola obbedisce e, durante il viaggio di ritorno, riattraversa Colonia, che ora è sotto assedio da parte degli Unni. I compagni di Orsola vengono uccisi e Orsola stessa sta per diventare la moglie del capo unno. Al suo rifiuto, lui la uccide. Un grave errore: undicimila angeli appaiono e sconfiggono gli Unni. Per gratitudine, i cittadini di Colonia costruiscono una chiesa in onore di Sant'Orsola e la nominano patrona della città.

L'Angelo del 22 dicembre, l' “Apparizione dell'Angelo”, appartiene al ciclo di Orsola realizzato intorno al 1500 dal Maestro di Colonia ed è Museo Wallraf-Richartz visibile

Domenico Beccafumi

Nacque intorno al 1486 nei pressi di Siena, presumibilmente a Montaperti (oggi frazione di Castelnuovo Berardenga), e morì il 18 maggio 1551 a Siena.

Un altro artista con più nomi: Domenico nacque Domenico di Pace, figlio del contadino Giacomo di Pace. Il contadino lavorava per Lorenzo Beccafumi, e anche suo figlio entrò al suo servizio. Beccafumi riconobbe presto il talento artistico del ragazzo, adottò Domenico e lo mandò a Siena per la sua formazione.

Lì studiò sotto la guida dell'artista Mechero, rinomato a livello regionale, motivo per cui i suoi contemporanei lo chiamavano presumibilmente "il Mecherino", il piccolo Mechero (altri credono che questo soprannome derivi dalla sua bassa statura).

Nel 1509/1510, Domenico Beccafumi si recò a Roma per studiare gli ultimi sviluppi della pittura, mentre a Siena erano più conservativi e lavoravano secondo i principi tradizionali.

A Roma, Domenico ebbe modo di studiare le innovazioni rivoluzionarie: Raffaello e i suoi allievi avevano iniziato nel 1508 con le “Stanze” , la decorazione pittorica dei quattro appartamenti papali al secondo piano del Palazzo Apostolico, commissionata da papa Giulio II e proseguita sotto papa Leone X fino al 1524.

Nello stesso periodo, Michelangelo agli affreschi della volta della Cappella Sistina a Roma pittori fiorentini del Rinascimento abbia studiato

Beccafumi tornò a Siena piuttosto rapidamente, dove ricevette numerose commissioni pubbliche; nel 1513, ad esempio, dipinse affreschi per la cappella dell'ospedale municipale di Siena, Santa Maria della Scala, raffiguranti l' «Incontro di Gioacchino e Anna».

Sono documentate anche numerose opere per committenti privati, come gli affreschi sulla facciata di Palazzo Borghesi. Tuttavia, per entrambe le commissioni ci sono pervenuti solo i disegni preparatori; altre opere giovanili di Beccafumi, risalenti ai suoi esordi a Siena o al periodo trascorso a Roma, non sono sopravvissute.

Solo verso la fine di questo decennio le commissioni di Beccafumi sono meglio documentate: nel 1519 Beccafumi ricevette "l'incarico della sua vita", la decorazione del pavimento marmoreo del duomo di Siena, a cui si dedicò fino alla morte.

Da allora, Beccafumi continuò a lavorare per il comune di Siena e per committenti privati, sempre principalmente senesi; non divenne mai un ricercato "pittore di celebrità" (pittore di corte presso una delle corti principesche italiane) e le commissioni provenienti da altre parti d'Italia, come nel 1540 per l'ammiraglio Andrea Doria a Genova, furono rare.

Gran parte delle opere di Beccafumi giunte fino a noi possono essere ammirate a Siena; una pala d'altare ("Mosè che spezza le tavole della legge") del 1537 si trova nel Duomo di Pisa; due delle sue "Sacre Famiglie" sono visibili a Firenze, agli Uffizi e a Palazzo Pitti; la "Madonna con il Bambino Gesù" adorna Palazzo Barberini a Roma.

Beccafumi è accusato di non aver tratto grande beneficio dal suo soggiorno a Roma, a differenza di altri artisti senesi. Mentre Il Sodoma e Baldassare Peruzzi , ad esempio, assorbirono tutte le sfumature dei principali artisti dell'epoca durante la loro permanenza nella capitale romana, lo stile pittorico di Beccafumi rimase provinciale.

Beccafumi sarà pure stato profondamente legato alla sua terra d'origine, ma fu certamente un artista che sviluppò una creatività indipendente e talvolta idiosincratica. Forse scelse consapevolmente di rimanere sostanzialmente estraneo all'influenza della corrente manierista allora prevalente, come testimoniano l'eccentricità unica e i dettagli talvolta onirici ed emozionali che caratterizzano la sua opera.

Anche le sue raffigurazioni differiscono per tono dalle opere, spesso piuttosto colorate, dei maestri classici romani. Beccafumi predilige colori delicati e molto naturali, impiega una linea non necessariamente lineare, ma piuttosto leggermente "frastagliata", ama avvolgere i suoi dipinti in una leggera nebbiolina e dipinge transizioni morbide, in contrasto con la nitidezza netta dei dipinti dei maestri in voga al suo tempo.

Inoltre, era un artista molto versatile: non solo dipingeva, ma sperimentava anche diverse tecniche di xilografia, lavorò come scultore (statua equestre dell'imperatore Carlo V, sculture di angeli nel Duomo di Siena) e fu attivo come illustratore di manoscritti.

L'angelo del 17 dicembre appartiene all' “Annunciazione”, realizzata da Domenico Beccafumi nel 1545/1546 per la chiesa di San Martino a Siena.

Tiziano

nacque probabilmente tra il 1488 e il 1490 (o intorno al 1477) a Pieve di Cadore presso Belluno (Repubblica di Venezia) e morì a Venezia nel 1576.

Tiziano si chiamava Tiziano Vecellio, oppure, durante la sua vita, era conosciuto come "Tiziano da Cadore" (dal nome del suo luogo di nascita), o anche "il sole tra le stelle": il suo talento gli valse la fama fin da subito.

Per le generazioni successive, il pittore è considerato uno dei principali rappresentanti della pittura veneziana del XVI secoloe uno dei maggiori maestri dell'Alto Rinascimento italiano in generale; "Tiziano" è sufficiente perché un appassionato d'arte sappia di chi si sta parlando.

Tiziano Vecellio era il maggiore di quattro figli di una ricca famiglia della piccola nobiltà; suo padre Gregorio era il prelato capo del castello di Pieve, e suo nonno ricopriva una posizione di rilievo nell'amministrazione cittadina.

È documentato che il talento del piccolo Tiziano e di suo fratello Francesco fu notato fin da piccolo: all'età di nove anni, Tiziano fu mandato a Venezia da uno zio che gli avrebbe trovato un apprendistato artistico.

Tiziano e Francesco furono inizialmente formati dal mosaicista Sebastiano Zuccato, che poi introdusse i fratelli nelle botteghe dei più rinomati pittori veneziani. Durante il suo apprendistato nelle botteghe di Gentile e Giovanni Bellini, Tiziano entrò in contatto con altri pittori, tra cui Giorgione.

Un colpo di fortuna per l'allora giovanissimo Tiziano: nel 1507 il già noto Giorgione ricevette dalla città di Venezia l'incarico di progettare gli affreschi esterni del Fondaco dei Tedeschi, appena ricostruito dopo un incendio.

qui realizzata, molto apprezzata dai suoi contemporanei, L'“Arte Moderna” rappresentò la svolta professionale per Tiziano; a circa 17 anni, era già un artista molto richiesto.

nel 1507 Gentile Bellini , Giorgione, che era diventato suo rivale, morì nel 1510, Tiziano aprì la propria bottega a Venezia nel 1513 e la morte di Giovanni Bellini nel 1516 liberò Tiziano dall'ultimo serio rivale della scuola veneziana. Da questa posizione favorevole, Tiziano si affermò come artista di fama mondiale, rimanendo per i successivi sessant'anni il maestro indiscusso della pittura veneziana nel panorama culturale dell'epoca.

All'inizio del suo secondo decennio, Tiziano ottenne diversi privilegi comunali che, tra le altre cose, gli consentirono di completare le opere dei suoi celebri maestri, come il dipinto di Bellini nella Sala del Maggior Consiglio di Venezia. Negoziò anche astuti contratti con la città di Venezia, ottenendo uno stipendio fisso e l'esenzione dalle tasse in cambio dell'obbligo di dipingere i ritratti di tutti i Dogi a un prezzo fisso.

La sua ascesa fu inarrestabile: Tiziano ritrasse i personaggi più importanti del suo tempo e realizzò opere su commissione per loro, si sposò nel 1525, si trasferì in quello che allora era probabilmente il quartiere più prestigioso di Venezia e nel 1533 fu nominato pittore di corte dall'imperatore Carlo V ed elevato alla nobiltà (si dice che Tiziano avesse precedentemente dipinto due ritratti molto lusinghieri dell'imperatore).

Fin dal 1542, Papa Paolo III desiderava vedere Tiziano a Roma, il quale aveva ormai raggiunto una tale fama da non ritenere necessario accettare l'invito fino al 1545; nel 1548 e nel 1550, Tiziano accompagnò l'imperatore Carlo V e suo figlio Filippo II alle Diete imperiali di Augusta e, negli ultimi anni della sua vita, fino al 1576, lavorò principalmente per l'imperatore Filippo II. Tiziano morì in età avanzata nel 1576 di peste, probabilmente il pittore di maggior successo che la storia veneziana abbia prodotto.

La "carriera" di Tiziano ricorda molto quella di un moderno protetto d'élite, con supporto fin dalla nascita, accesso alla giusta istruzione e alle giuste cerchie, perfino "metodi di marketing moderni" come la firma dei suoi dipinti che ne valorizzava il valore e la produzione in serie di incisioni, e anche la fortuna (se così si può chiamare la morte tempestiva dei rivali) ha certamente giocato un ruolo.

Ma il talento (indipendente dalla nascita) e l'ulteriore sviluppo delle proprie capacità contribuirono al successo di Tiziano: fu un pittore versatile, soprattutto per la sua epoca, spesso limitata a temi religiosi; dipinse anche ritratti, paesaggi e motivi mitologici, e affrontò persino temi legati all'amore terreno.

Inventò un uso caratteristico e distintivo del colore per le sue opere, fu uno dei primi pittori in Italia a utilizzare i moderni colori a olio e trovò un proprio stile scultoreo, plasmato dall'infanzia trascorsa sulle Dolomiti, attraverso diversi sconvolgimenti e crisi.

L'angelo del 1° dicembre è l' "Angelo dell'Annunciazione" , realizzato tra il 1520 e il 1522 "Resurrezione di Cristo" per la chiesa di San Nazzaro e Celso a Brescia.

Campione Bavarese

Si riferisce all'artista sconosciuto che dipinse l' “Annunciazione a Maria” su tavola intorno al 1500, in un'opera di 107 × 80,5 cm in stile tardo gotico.

Non sappiamo nulla dell'artista; non ci ha lasciato né il suo nome né le date di nascita e morte, ma molti simboli presenti sul suo dipinto ci dicono qualcosa: l'angelo che presenta a Maria il vaso di fiori è l'Arcangelo Gabriele, l'angelo della resurrezione, della grazia e dell'Annunciazione, quando nell'arte cristiana appare come essere femminile.

Quando Gabriele è raffigurato in forma maschile, è considerato un messaggero di Dio in grado di interpretare le visioni. Secondo la tradizione cristiana ed ebraica, è anche il capo dei Cherubini (creature alate, ibride di forma animale e umana che svolgono funzioni protettive o servono Dio) e dei Serafini (angeli con sei ali che volano intorno al trono di Dio, gridando "Santo, santo, santo"). Gabriele – noto anche come Gabriele, Jabrīl, Jabrāʾīl – svolge un ruolo importante nell'Islam come trasmettitore della rivelazione al profeta Maometto.

Il vaso offerto dall'angelo dell'Annunciazione contiene gigli bianchi, simbolo cristiano di amore puro e verginale. Il maestro non ha dipinto gigli bianchi qualsiasi, bensì la specie "Lilium candidum ", il giglio della Madonna.

Quando Gabriele annuncia la nascita di Gesù a Maria, il giglio della Madonna è il suo attributo, che porta con sé o tra le mani, come si vede qui nel dipinto del maestro bavarese. Può anche avere con sé – come in questo caso – un cartiglio, o una tromba, oppure il suo indice alzato può indicare l'Annunciazione.

Un altro simbolo che il maestro bavarese ci presenta è l' uccello in gabbia. Simboleggia il potere del pensiero, che eleva l'anima all'interno del corpo, permettendole di espandersi e consentendo all'umanità di esprimersi con consapevolezza. L'angelo del 16 dicembre annuncia la nascita di Gesù alla Madre di Dio nell'"Annunciazione a Maria", un dipinto che si può ammirare oggi alla Kunsthaus Zürich.

Rembrandt

nacque il 15 luglio 1606 a Leida e morì il 4 ottobre 1669 ad Amsterdam.

Rembrandt è il nome di uno dei più famosi e importanti artisti barocchi olandesi, Rembrandt Harmenszoon van Rijn, nato nel 1606 come ottavo di nove figli del mugnaio Harmen Gerritszoon van Rijn e della figlia del fornaio Neeltgen Willemsdochter van Zuytbrouck e vissuto all'epoca della famosa pittrice barocca italiana Artemisia Gentileschi .

Dopo la scuola elementare e la scuola latina, con lezioni di storia biblica, lettura dei classici e retorica, Rembrandt si iscrisse alla facoltà di filosofia dell'Università di Leida nel 1620, ma interruppe gli studi dopo poco tempo per diventare pittore.

Rembrandt divenne allievo del pittore storico di Leida Jacob Isaacsz van Swanenburgh, che, formatosi in Italia, gli insegnò i fondamenti della pittura e le sue specializzazioni dal 1620 al 1624: pittura architettonica e raffigurazioni sceniche dell'inferno; si dice che le fiamme infernali dipinte durante questo periodo di formazione siano responsabili della maestria di Rembrandt nella rappresentazione della luce e dell'ombra nei suoi dipinti.

In seguito, Rembrandt intraprese un apprendistato di sei mesi presso il famoso pittore di soggetti storici Pieter Lastman ad Amsterdam, esperienza che si dice lo abbia influenzato più profondamente degli anni trascorsi con van Swanenburgh. La pittura storica era allora considerata il genere pittorico più elevato e Lastman introdusse a fondo il suo allievo a questo soggetto.

Con un successo duraturo, Rembrandt aprì il suo primo studio a Leida nel 1625 e ben presto attirò l'attenzione con la sua pittura. Tanta attenzione, infatti, che alla fine del 1628 il segretario dello Statolder delle Province Unite (precursore dei moderni Paesi Bassi) iniziò a sostenere l'artista e a garantirgli commissioni. Nel 1629 e nel 1630, Rembrandt riuscì persino a vendere dipinti al re d'Inghilterra.

Successivamente, nel 1631, Rembrandt abbandonò il suo studio di Leida e si trasferì ad Amsterdam, dove utilizzò i proventi dei ritratti reali per entrare nella grande e importante bottega del mercante d'arte Hendrick van Uylenburgh. In questa bottega, che prosperò principalmente grazie alla copia e al restauro, Rembrandt riuscì rapidamente ad assicurarsi commissioni di ritratti da ricchi mercanti. Il governatore Federico Enrico, tramite il suo segretario, acquistò dipinti e commissionò un ciclo della Passione. Nel 1632, Rembrandt aveva dipinto 30 quadri ed era finanziariamente sicuro, all'età di 26 anni.

A Rembrandt mancavano ancora alcuni prerequisiti per l'ammissione alla Gilda di Amsterdam (condizione per l'indipendenza in città), che vennero soddisfatti negli anni successivi, dal lavoro nella bottega di un altro maestro al matrimonio; Rembrandt realizzò quest'ultimo nel 1634, opportunamente con la nipote del suo mercante d'arte e figlia di un ricco patrizio, e nello stesso anno si unì alla Gilda di San Luca.

L'angelo del 12 dicembre fu creato da Rembrandt, nel dipinto "Giacobbe lotta con l'angelo" del 1659; il destino successivo di Rembrandt è descritto nel testo relativo all'angelo del 15 dicembre.

Rembrandt

Era stato ammesso alla Gilda di San Luca nel 1634 e sembrava quindi essersi assicurato un futuro; la sua ascesa è descritta nel testo che accompagna l'immagine del calendario del 12 dicembre, e continua come segue:

In qualità di maestro indipendente, Rembrandt poté finalmente prendere allievi e apprendisti, formarli e farli lavorare per lui. Continuò a dipingere e vendere le sue opere e poco dopo si trasferì nella sua casa con la moglie. Era il 1635. Oltre alla sua attività artistica, Rembrandt iniziò anche a commerciare opere d'arte e a collezionare una vasta gamma di tesori storici e scientifici, piante rare, animali e oggetti esotici (oggetti costosi provenienti da terre lontane).

Quella che inizialmente sembra la carriera da manuale di un nuovo ricco che non ne ha mai abbastanza, continuò in un modo abbastanza tipico per una persona del genere: nel 1638, Rembrandt aveva sperperato l'eredità della moglie, pari a circa 40.000 fiorini.

Forse entrambi i coniugi erano prodighi; in ogni caso, fu Saskia Rembrandt a essere rimproverata dai suoi parenti per la sua stravaganza, al che Rembrandt fece causa ai parenti della moglie per diffamazione.

Forse chiedendo un risarcimento per il dolore e le sofferenze, Rembrandt acquistò comunque una nuova casa il 5 gennaio 1639, una vera e propria grande casa di città, per la quale contrasse anche un prestito che avrebbe dovuto estinguersi in cinque o sei anni.

Il cammino verso la rovina, iniziato con la prodigalità e i prestiti per l'ingente proprietà, fu ora accelerato da una tragedia dopo l'altra: il primo figlio di Rembrandt era già sopravvissuto solo per pochi mesi nel 1635; nell'anno della causa per diffamazione, la sua prima figlia morì poco dopo la nascita; nel 1640, non solo la seconda figlia di Rembrandt morì poco dopo il battesimo, ma un mese dopo morì anche la madre di Rembrandt. Nel 1641 nacque suo figlio Titus, ma nel giugno del 1642 morì anche sua madre, la moglie di Rembrandt, Saskia.

Nel periodo precedente la morte di Saskia, Rembrandt era riuscito a mantenere un alto livello di produttività nonostante tutte le perdite; la morte della moglie era ormai un colpo troppo profondo e la sua attività artistica subì un significativo declino. A ciò si aggiunse la preoccupazione per il figlioletto, che lo portò ad assumere due tate, le relazioni sentimentali di Rembrandt con loro, i successivi litigi tra le donne e le procedure legali relative agli alimenti e ai testamenti.

Alla fine Rembrandt non fu più in grado di pagare i suoi prestiti e dovette chiedere in prestito ancora più denaro; poco prima di dichiarare insolvenza nel 1656, cedette la sua casa al figlio, ma nemmeno l'asta della sua casa e delle sue collezioni fu sufficiente a saldare i debiti.

Rembrandt dovette trasferirsi in un quartiere povero, dove condusse una vita appartata per quattro anni. La sua vita fu brevemente rivitalizzata nel 1660, quando suo figlio e la madre adottiva lo assunsero come dipendente nella loro attività artistica. Rembrandt poté coltivare contatti commerciali, accettare commissioni e insegnare agli studenti. La madre adottiva morì nel 1663 e nel 1668 suo figlio Titus morì alla giovane età di 27 anni. Rembrandt lo seguì poco più di un anno dopo.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn fu un artista brillante, celebrato e ben pagato dai suoi contemporanei e venerato dai posteri come uno degli artisti più importanti di tutti i tempi. Visse in un'età dell'oro, un periodo di prosperità economica, artistica e politica. Lavorò diligentemente per gran parte della sua vita, creando centinaia di dipinti che raggiungono prezzi elevati, eppure riuscì a impoverirsi attraverso consumi sconsiderati e un prestito garantito solo da guadagni futuri.

L'Angelo del 15 dicembre fu creato da Rembrandt nel 1626; si tratta dell'angelo presente nel dipinto "Il profeta Balaam e l'asino".

Semyon Fedorovich Ushakov

Nacque a Mosca intorno al 1626 e vi morì il 25 giugno 1686.

Ssemyon o Simon Ushakov fu un rinomato pittore di icone russo. Non si sa nulla della sua vita fino a quando non assunse una posizione di autorità. Ssemyon Fedorovich Ushakov servì lo Stato russo come artista e, in qualità di capo del laboratorio di icone dell'Armeria del Cremlino, fu un artista molto conosciuto e stimato.

Gli artisti che creavano opere d'arte per gli zar e i sovrani russi non godevano di fama personale: realizzavano icone (immagini religiose delle Chiese orientali, in particolare quelle ortodosse) in nome dei loro sovrani, che dovevano ricevere sostegno religioso, e opere d'arte profana per la gloria dei loro governanti.

Molte delle opere di Ssemyon Ushakov ci sono quindi sconosciute; tuttavia, si dice che il suo principale ambito di lavoro e la sua maestria riguardassero la creazione di icone.

Ssemyon Ushakov, ad esempio, fu coinvolto nella magnifica decorazione della Cattedrale Uspenskij (Cattedrale dell'Assunzione) nel Monastero della Trinità di San Sergio a Sergiev Posad (1930-1991 Zagorsk). Lo zar Ivan il Terribile iniziò la costruzione di questa cattedrale in onore della Madre di Dio nel 1559 e la completò entro il 1585 sotto il regno di suo figlio Fëdor.

Fu costruita seguendo il modello della Cattedrale Uspenskij del Cremlino di Mosca, la chiesa più grande del Cremlino (e oggi l'edificio più antico completamente conservato di Mosca); la Lavra della Trinità, situata a circa 70 km a nord-est di Mosca, fu fondata intorno al 1340 da San Sergio di Radonež e da allora è uno dei centri religiosi più importanti della Chiesa ortodossa russa.

La magistrale decorazione degli interni della cattedrale iniziò nel 1684; il pittore di corte Simon Ushakov partecipò ai lavori sull'iconostasi a cinque livelli . Un'iconostasi è una parete ornata di icone e dotata di porte tra la navata e il presbiterio; l'iconostasi della Cattedrale di Uspensky doveva essere composta, in definitiva, da 76 icone.

Anche le due magnifiche icone di un'iconostasi in legno dorato, conservate nella chiesa della Trinità di Nikitniki nel quartiere Kitai-Gorod di Mosca, sono attribuite a Simon Fyodorovich Ushakov.

Ssemyon Ushakov è tornato di recente alla ribalta a Mosca quando, nella primavera/estate del 2012, il Palazzo sfaccettato del Cremlino di Mosca (la parte più antica del Gran Palazzo del Cremlino, il più antico edificio secolare di Mosca) è stato restaurato riportandolo alla sua forma originale: l'interno è stato restaurato sulla base delle descrizioni fatte dal pittore di icone nel XVII secolo.

Ssemyon Fedorovich Ushakov creò l'Angelo del 19 dicembre, l' Arcangelo Gabriele, come icona russa; è datato al secondo terzo del XVII secolo.

Un artista russo sconosciuto

ci ha lasciato un'icona di San Nicola.

Non sappiamo assolutamente nulla di questo artista, poiché è raffigurato un San Nicola e, trattandosi di un'icona, è chiaramente la raffigurazione di un santo della Chiesa ortodossa. Questa particolare forma di venerazione attraverso immagini di santi dipinte su pannelli di legno è una forma di culto unica della Chiesa ortodossa. Anche la scelta di San Nicola come soggetto di un'icona è tipica della Chiesa ortodossa

Nella storia della Chiesa, ci sono due San Nicola. Il vescovo Nicola di Myra nacque intorno al 270/280 nei pressi di Myra, a est di Rodi (l'odierna Demre, Antalya, Turchia), e vi morì nel 345/351. Il vescovo Nicola di Pinara fu abate del monastero di Sion, vicino a Myra, e servì come vescovo a Pinara per gli ultimi cinque anni della sua vita; la sua data di nascita è sconosciuta e morì nel 564.

Entrambi i San Nicola sono quindi strettamente associati alla città di Myra e furono venerati come santi dalla Chiesa greco-ortodossa già nel VI secolo. Da allora, Myra è diventata un luogo di pellegrinaggio per la Chiesa ortodossa e San Nicola è un motivo popolare anche nelle chiese ortodosse orientali; è probabilmente raffigurato più frequentemente di qualsiasi altro santo sulle icone.

San Nicola è riconoscibile dai suoi attributi. Indossa le vesti di un vescovo ortodosso, una striscia di broccato ornata di croci chiamata omoforion sulle spalle e tiene un libro in mano. Lo stile dell'opera – tempera all'uovo applicata su legno, ornata da un'aureola argentata e con cornice e sfondo in lamina d'argento – indica che questa icona fu creata circa 350 anni fa, intorno al 1665.

Anche in Occidente San Nicola è venerato, soprattutto come vescovo di Myra, tanto che le sue reliquie furono trafugate da mercanti italiani. Questo accadde nel 1078 e, a partire dal 1087, intorno alle "reliquie rubate" fu costruita una chiesa, la Basilica di San Nicola a Bari, che oggi attira circa 200.000 pellegrini all'anno.

San Nicola non è venerato come santo solo perché era un vescovo, ma molte leggende circondano Nicola di Myra: si dice che abbia salvato persone innocenti dalla morte, che abbia salvato le figlie di un debitore dalla prostituzione e che abbia dato loro tre pepite d'oro in dote, che abbia riportato in vita giovani uomini uccisi e salati da locandieri arrabbiati, che abbia moltiplicato magicamente il grano per salvare la popolazione di Myra dalla fame, che abbia guarito i malati, che abbia salvato i ragazzi dall'annegamento e che abbia scacciato i demoni dai pozzi avvelenati.

Si diceva semplicemente che Nicola di Sion/Pinara fosse una persona amichevole e caritatevole; entrambi i santi si fondevano nella figura di un grande benefattore.

San Nicola di Myra morì il 6 dicembre del 343; in seguito la sua festa divenne il nostro giorno di San Nicola, in cui San Nicola, in ricordo delle pepite d'oro donate alle figlie povere, riempie le loro scarpe di regali .

L'artista russo sconosciuto ha creato l'Angelo del 6 dicembre, icona di San Nicola.

Guglielmo Blake

nacque a Londra il 28 novembre 1757 e vi morì il 12 agosto 1827.

William Blake nacque in una famiglia benestante di commercianti di calze e fu educato a casa dalla madre, Catherine Wright Armitage Blake. Si dice che dimostrasse un temperamento così testardo che i suoi genitori non osarono mandarlo a scuola.

Sembrava ugualmente inadatto a una normale professione di tipo servile, motivo per cui fu iscritto a una scuola di disegno all'età di dieci anni. Si trattava di una delle scuole di disegno più prestigiose di Londra, evidentemente la scelta ideale per William Blake; dal 1772 fece apprendistato come incisore e dal 1779 divenne studente alla Royal Academy of Arts.

L'ammissione alla Royal Academy avrebbe dovuto garantire una brillante carriera come pittore storico, ma Blake entrò in conflitto con il presidente dell'Accademia, Sir Joshua Reynolds, un ritrattista più legato alla tradizione che all'originalità. Le sue speranze di una brillante carriera andarono così in fumo.

Trovò la donna giusta per questo, Catherine Boucher, di umili origini, che sposò nel 1783. Catherine non sapeva nemmeno leggere, ma era dotata di una forte curiosità, imparò dal marito e si istruì autonomamente.

Dopo qualche tempo, divenne un prezioso aiuto per Blake, che aprì una tipografia nel 1784; alcune difficoltà legate alla sterilità della coppia furono superate. Il matrimonio, che durò fino alla morte di Blake (oltre 40 anni), si dice sia stato un'unione eccezionalmente felice e fruttuosa.

William Blake ebbe meno fortuna nella sua vita professionale, non ricevendo il sostegno degli ambienti giusti. Lavorò come tipografo, incisore e illustratore, povero e sconosciuto all'élite del mondo dell'arte. Tuttavia, ebbe amici e benefattori che lo aiutarono a superare i periodi finanziari più difficili, commissionandogli delle opere.

Solo troppo tardi nella sua vita Blake sperimentò una nuova generazione di artisti che cominciavano ad apprezzare il suo lavoro: dal 1818 circa in poi, la carriera da manuale di un uomo di grande talento, scomodo e incompreso da pensatori ponderosi, prese lentamente una piega positiva.

Questi giovani artisti avevano un buon fiuto per il talento, anche se era avanti rispetto ai tempi, e queste erano le opere altamente innovative di William Blake, che furono scoperte dai Preraffaelliti verso la metà del XIX secolo e che ora trovarono ampio riconoscimento: il pittore era quasi un secolo avanti rispetto ai suoi tempi.

Da allora, è rimasto una figura di spicco sia nell'alta cultura che in quella popolare. I dipinti e le incisioni di questo artista eccezionale, la sua opera poetica e la sua visione di mistico della natura sono state continuamente riscoperte. William Blake possedeva molti talenti straordinari; ad esempio, inventò l'incisione a rilievo e diede libero sfogo alla sua sconfinata immaginazione, trasformando visioni in poesie e dipinti.

L'elenco di scrittori, compositori classici, compositori jazz, musicisti rock, musicisti pop e registi che sono stati influenzati in modo decisivo da William Blake nel loro lavoro è leggendario e non sembra destinato a finire tanto presto.

William Blake creò l'angelo del 21 dicembre, l' "Arcangelo Raffaele con Adamo ed Eva".

Inga Schnekenburger

Nacque il 28 giugno 1949 a Winsen an der Luhe con il nome di Ingrid Hübler e morì il 20 novembre 2013 a Tenerife.

Inga Schnekenburger è l'artista che, insieme al marito Willi Schnekenburger, www.onlinekunst.de/engel, ha regalato

Inga Schnekenburger (allora Ingrid Hübler) vinse premi in concorsi creativi fin da giovane, studiò alla Scuola di Arti Applicate di Amburgo dal 1967 al 1968; la sua prima mostra personale si tenne a Geesthacht nel 1969 e completò la sua formazione come graphic designer entro il 1971.

Nel 1969 sposò Artur Kaesmacher e i loro figli nacquero nel 1971 e nel 1973; dal 1976 al 1980 studiò arte, artigianato, pedagogia, psicologia e filosofia presso l'Università di scienze applicate di Lüneburg e superò il suo primo esame di Stato per l'insegnamento di arte e artigianato nel 1980.

Nel 1977 divorziò da Artur Kaesmacher e iniziò a lavorare come docente d'arte presso il centro di formazione per adulti di Lüneburg, a cui seguirono corsi di formazione e esami per insegnanti, dal 1986 insegnò come insegnante d'arte al liceo e dal 1989 ottenne un incarico di insegnamento presso l'Università di scienze applicate della Bassa Sassonia nord-orientale per la formazione alla creatività.

Durante questo periodo, Ingrid Hübler organizzò cinque mostre personali, due collettive e una retrospettiva, e fondò una scuola d'arte. Nel 1991, salutò la Bassa Sassonia con una mostra allo Städtisches Glockenhaus di Lüneburg e si trasferì a Donaueschingen, nel Baden-Württemberg.

Lì, fino alla fine di gennaio 1992, diresse la Scuola d'Arte Comunale per i Giovani e sposò l'artista Willi Schnekenburger. Seguirono incarichi di docenza per la formazione creativa presso l'Università di Scienze Applicate di Furtwangen fino al 1997 e numerose partecipazioni a mostre fino al 2001

Molteplici apparizioni alle Settimane Internazionali della Ceramica a Hüfingen, una “croce specchiante” a Monaco, acquerelli, oggetti e ceramiche, alcuni in collaborazione con Willi Schnekenburger, alla Mostra dei Giardini Statali di Bad Dürrheim, a Coblenza, Asbach, Furtwangen, Lohmar, Schwerin, Düsseldorf, Meiningen, Berlino e Hochfelden in Alsazia, Francia.

Nel frattempo, la pittura, l'arte oggettuale e la ceramica di Inga Schnekenburger si erano integrate nel mondo digitale: nel 1995, con "Pictures about I Ching – Bilder zum I Ching" , ebbe luogo la prima presentazione su Internet; dal 1997 al 1998 l'artista si formò come sviluppatrice multimediale; nel 1998 Willi e Inga Schnekenburger fondarono onlinekunst.de, piattaforma online dedicata all'arte e alla cultura, che da allora ha ospitato numerose mostre e progetti artistici.

Anche se il sito non è attualmente in manutenzione (a partire da dicembre 2014) dopo la morte di Inga Schnekenburger nel 2013, una visita vale sicuramente la pena; ad esempio, il progetto artistico computergarten.de è stato avviato anch'esso nel 1998 e si è sviluppato nel corso degli anni, fino a contenere oggi una vasta gamma di computer art e fotografie artistiche digitali.

Inga Schnekenburger ci ha lasciato gli angeli del 2, 4 e 9 dicembre, l' "Angelo di Giovanni", "Il tempo scorre" e l'"Angelo custode", splendide opere realizzate con grafica computerizzata e acquerelli.