Dipinti ad olio famosi Parte 2 – Posti dal 26 al 50

Chi non vorrebbe possedere un capolavoro della storia dell'arte e un famoso dipinto a olio ? Per noi consumatori comuni, tuttavia, i prezzi, spesso a sette o otto cifre, sono semplicemente inaccessibili.

Tuttavia, la migliore alternativa è una riproduzione fedele e di alta qualità di un'opera di un maestro antico o moderno.

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La pittura a olio ha una lunga tradizione

Le prime pitture a olio risalgono al 650 d.C. i dipinti a olio più antichi ancora esistenti si trovano nell'antico insediamento storico di Bamiyan, in Afghanistan

Questa regione si trova lungo l'antica Via della Seta ed è famosa soprattutto per i suoi colossali Buddha di Bamiyan. Dietro le statue, in un ampio spazio scavato nella roccia, si possono ammirare i primi esempi di pittura a olio sulle pareti .

I dipinti a olio di quel tempo mostravano già un'ampia varietà di ingredienti e pigmenti e i dipinti murali erano addirittura ricoperti da uno strato di vernice.

Ciò suggerisce che la tecnologia fosse già piuttosto avanzata e che dovesse essere utilizzata in Asia prima del VII secolo.

L'invenzione della pittura a olio è stata a lungo attribuita al pittore europeo del XV secolo Jan van Eyck . Tuttavia, istruzioni scritte per la produzione della pittura a olio si trovano nei manoscritti di Teofilo, risalenti a un'epoca ancora più antica (intorno al 1125 d.C.).

A quel tempo probabilmente non si trattava di pittura a olio su tela, ma piuttosto di pittura a olio utilizzata per la decorazione di intagli, sculture e dipinti su legno, soprattutto per uso esterno.

Gli artisti olandesi furono i primi a diffondere dell'olio come tecnica pittorica , che poi si diffuse come tecnica contemporanea in tutta l'Europa settentrionale e poi in Italia.

I primi dipinti a olio furono realizzati su tavole di legno, ma alla fine del XV secolo l'uso della tela divenne sempre più diffuso. Era poco costosa e facile da trasportare.

Venezia fu pioniera nella fornitura di tela da vela, grazie all'abbondanza di questa materia prima in città. Nel 1540, la pittura a tempera su tavola era una tecnica rara e l'Italia si stava orientando sempre più verso la pittura a olio su tela .

Nei secoli successivi, la pittura a olio è stata utilizzata quasi ininterrottamente su tela come mezzo per esprimere molti stili e movimenti artistici diversi.

Quindi, se avete voglia di un tour virtuale attraverso i dipinti a olio più famosi e popolari degli ultimi secoli, potete trovare la nostra top 25 nella prima parte di questa serie di articoli .

In questo articolo presentiamo le nostre classifiche dal 26 al 50 .

I nostri migliori 26-50

Nonostante l'enorme quantità di dipinti ammirati nei musei e nelle gallerie d'arte di tutto il mondo, solo un numero relativamente esiguo è stato universalmente riconosciuto come classico. Senza tempo nella loro bellezza e nella loro esecuzione, queste opere d'arte hanno trasceso il tempo e i concetti artistici, lasciando il segno nella storia dell'arte.

Questi dipinti sono noti a persone di tutte le età e culture in quanto rappresentano le più grandi opere d'arte mai create e continueranno a risuonare nella mente degli amanti dell'arte per molti secoli a venire.

Nella nostra collezione dei 100 dipinti più famosi al mondo, troverete quei capolavori che hanno raggiunto il massimo impatto artistico e il massimo riconoscimento. Questa lista include opere di molti artisti famosi, ora conservate in alcuni dei più prestigiosi musei del mondo.

26. “Dama con l’ermellino” di Leonardo da Vinci

La Dama con l'ermellino è un dipinto di Leonardo da Vinci risalente al 1489-1490 circa. Questa splendida immagine misura 40,3 cm di larghezza e 54,8 cm di altezza. Sfortunatamente, lo sfondo originale fu probabilmente coperto nel XVII secolo.

Il soggetto del ritratto è identificato con Cecilia Gallerani e fu probabilmente dipinto in un periodo in cui era l'amante di Lodovico Sforza, duca di Milano, e Leonardo era al servizio del duca.

La dama in ermellino è stata pesantemente ritoccata. L'intero sfondo è stato oscurato, il suo abito sotto l'ermellino è stato ritoccato e il velo trasparente che indossa è stato ridipinto per abbinarlo al colore dei suoi capelli. Il risultato di questo ritocco finale è stato quello di creare l'illusione che i suoi capelli le arrivassero sotto il mento.

Un'altra modifica è stata l'aggiunta di ombre scure tra le dita della mano destra. Un'osservazione attenta delle due dita inferiori rivela che sono considerevolmente meno distinte dalle altre, dopo che un restauratore sconosciuto le ha ridipinte. Una radiografia di questo dipinto ha rivelato la presenza di una porta sullo sfondo originale.

La Dama con l'ermellino di Leonardo è una delle opere più importanti dell'arte occidentale. Solo una manciata di dipinti autentici su tavola di sua mano sono sopravvissuti. Leonardo era estremamente curioso e spesso dipingeva con materiali sperimentali o abbandonava progetti una volta superata la sfida formale che ciascuno di essi presentava.

La Dama con l'ermellino, oggetto di estrema rarità, è un'immagine accattivante di squisita eleganza e rivela il genio artistico dell'incomparabile mente creativa di Leonardo da Vinci

27. “Il ritratto di Giovanni Arnolfini e di sua moglie (Il matrimonio degli Arnolfini)” di Jan van Eyck

Uno dei dipinti più famosi e affascinanti al mondo. Un uomo e una donna riccamente vestiti sono ritratti in una stanza privata. Sono probabilmente Giovanni di Nicolao di Arnolfini, un mercante italiano che lavorava a Bruges, e sua moglie.

Sebbene la stanza sia perfettamente plausibile, come se Jan van Eyck avesse semplicemente rimosso un muro, uno sguardo più attento rivela delle incongruenze: non c'è abbastanza spazio per il lampadario e non c'è traccia di un camino.

Inoltre, ogni oggetto è stato accuratamente selezionato per proclamare la ricchezza e lo status sociale della coppia, senza rischiare di essere criticato per imitazione dell'aristocrazia.

La mano dell'uomo è alzata, apparentemente in segno di saluto. Sulla parete di fondo, un grande specchio convesso riflette due uomini che entrano nella stanza, uno dei quali alza anche lui il braccio. La firma di Van Eyck si trova proprio sopra.

L'uomo nello specchio potrebbe essere van Eyck stesso, in visita con il suo servitore?

28. “L’Ultima Cena” di Leonardo da Vinci

L'Ultima Cena di Leonardo da Vinci (Cenacolo Vinciano) è uno dei dipinti più famosi al mondo. L'opera fu dipinta tra il 1494 e il 1498 durante il regno di Ludovico il Moro e raffigura l'ultima cena tra Gesù e i suoi discepoli.

Per realizzare quest'opera unica, Leonardo condusse ricerche approfondite e realizzò innumerevoli schizzi preparatori. Abbandonando il metodo tradizionale dell'affresco, Leonardo dipinse la scena "a secco" sulla parete del refettorio.

Sono state rinvenute tracce di lamina d'oro e d'argento, a indicare la volontà dell'artista di rendere le figure in modo molto più realistico, includendo dettagli preziosi. Dopo il suo completamento, la tecnica e i fattori ambientali hanno contribuito al deterioramento dell'affresco, che ha subito numerosi restauri.

L'ultimo restauro è stato completato nel 1999, utilizzando vari metodi scientifici per ripristinare il più fedelmente possibile i colori originali e per rimuovere le tracce di vernice applicate nei precedenti tentativi di restauro dell'affresco.

29. “La cattura di Cristo” di Caravaggio

Caravaggio dipinse questa straordinaria opera nel 1602 per il marchese romano Ciriaco Mattei. Con un nuovo approccio visivo alla storia biblica, Caravaggio collocò le figure vicine al piano pittorico e utilizzò un forte contrasto di luci e ombre, che conferì alla scena un significato e una drammaticità eccezionali.

Giuda ha identificato Cristo con un bacio mentre le guardie del tempio arrivano per arrestarlo. Il discepolo in fuga e disordinato sulla sinistra è San Giovanni Evangelista. Solo la luna illumina la scena. Sebbene l'uomo all'estrema destra regga una lanterna, in realtà è una fonte di luce inefficace. Nei tratti di quest'uomo, Caravaggio si ritrasse all'età di 31 anni come osservatore degli eventi, un espediente che utilizzò frequentemente nei suoi dipinti.

Il dipinto fu una commissione ben documentata e fu spesso copiato da artisti contemporanei. Tuttavia, nel XX secolo, il dipinto scomparve dopo essere stato venduto dalla famiglia nel 1802 ed erroneamente attribuito a Gerrit van Honthorst, un seguace olandese di Caravaggio.

Gli studiosi ripresero la ricerca dell'originale negli anni '40, poiché molti di loro non accettavano più l'autenticità di un dipinto conservato al Museo d'Arte di Odessa. Oggi si sa che questo dipinto è una copia realizzata nel 1626 per un altro membro della famiglia Mattei.

Il dipinto è oggi considerato un'opera chiave di Caravaggio, realizzata durante il breve ma altamente produttivo periodo romano dell'artista. Presenta tutte le caratteristiche associate alle sue grandi opere: una narrazione drammatica, un'illuminazione chiaroscurale, figure espressive, unite a una dimensione spirituale e a magnifici dettagli superficiali.

30. “Notte stellata sul Rodano” di Vincent van Gogh

Notte stellata sul Rodano (settembre 1888) fu uno dei tre dipinti realizzati nello stesso mese che incorporavano il cielo notturno e le stelle come elementi simbolici fondamentali. Dipinse anche Terrazza del caffè di notte e un ritratto dell'amico Eugene Boch, forse il più simbolico dei tre.

"Notte stellata sul Rodano" fu dipinto in un punto della riva del fiume a solo un minuto o due a piedi dalla Casa Gialla in Place Lamartine, che Van Gogh aveva affittato all'epoca. Il cielo notturno e i suoi effetti di luce notturna fornirono il soggetto per alcuni dei suoi dipinti più famosi, tra cui "Notte stellata", il dipinto più famoso di Van Gogh dedicato al cielo notturno.

La sfida di dipingere di notte affascinava Van Gogh. Il punto di osservazione scelto per "Notte stellata sul Rodano" gli permise di catturare i riflessi dei lampioni a gas di Arles sulle scintillanti acque blu del Rodano. In primo piano, due amanti passeggiano lungo la riva del fiume.

Qui, le stelle brillano di una luminosità che emana dal cielo notturno, scuro, blu e vellutato. Anche le case sparse lungo le rive del Rodano emettono una luce che si riflette nell'acqua, contribuendo all'atmosfera misteriosa del dipinto.

31. “Il giardino delle delizie” di Hieronymus Bosch

Tra tutte le opere finora menzionate, questa è forse quella in cui più cose accadono simultaneamente. Hieronymus Bosch , uno dei primi maestri della pittura olandese , realizzò il trittico a olio "Il Giardino delle Delizie" tra il 1490 e il 1510.

È esposto al Museo del Prado ed è un dipinto a olio su tre pannelli di quercia che, se letti da sinistra a destra, mostrano scene dell'Eden, del giardino delle delizie terrene (forse per mettere in guardia gli spettatori dalle tentazioni umane) e dell'Inferno.

All'esterno, quando i pannelli sono chiusi, si può osservare la raffigurazione della presunta creazione del mondo.

Il Giardino delle Delizie è stato studiato e interpretato in modi diversi dagli scienziati per anni, basandosi su sistemi simbolici tra cui quelli alchemici, eretici, astrologici, inconsci e folkloristici.

L'opera ispirò molti artisti successivi a citarne o incorporarne elementi, tra cui Pieter Bruegel il Vecchio, David Teniers il Giovane, i primi surrealisti come Joan Miró e Salvador Dalí e, più tardi, René Magritte e Max Ernst.

32. “La brigata di canottaggio” di Pierre Auguste Renoir

Nel 1880, Pierre-Auguste Renoir creò questo capolavoro in stile impressionista intitolato “La colazione dei vogatori” , noto anche come “La colazione dei rematori” .

È senza dubbio una delle opere più famose dell'artista e raffigura impressioni private provenienti dal suo ambiente. Tutti i personaggi del dipinto appartengono alla sua cerchia personale e sono stati immortalati dalla sua prospettiva.

In primo piano a destra, Angèle, una delle modelle più frequenti di Renoir, si volta verso il giornalista Maggiolo, in piedi. Il pittore Gustave Caillebotte è seduto all'indietro sulla sedia, fissando dall'altra parte del tavolo Aline Charigot, la futura moglie di Renoir, che fa le fusa al suo terrier, mentre il corpulento Alphonse Fournaise Jr., figlio del proprietario del ristorante, è appoggiato alla ringhiera del balcone, osservando la scena.

Al centro siede il barone Raoul Barbier, ex ufficiale di cavalleria, che dà le spalle allo spettatore e parla con la donna appoggiata sui gomiti alla ringhiera, presumibilmente Alphonsine Fournaise, figlia del proprietario.

Di fronte a Barbier siede l'attrice Ellen Andrée, intenta a bere da un bicchiere. Dietro di lei, Charles Ephrussi, con indosso un cilindro, banchiere ed editore della Gazette des beaux-arts, sta conversando con Jules Laforgue, poeta, critico e segretario personale di Ephrussi.

In alto a destra, Eugène Pierre Lestringuez, funzionario del Ministero degli Interni, ride con Jeanne Samary, celebre attrice della Comédie Française, mentre l'artista Paul Lhote, caro amico di Renoir, inclina la testa.

Il ristorante "Maison Fournaise" di Chatou, situato in posizione idilliaca sulla Senna, era un luogo d'incontro popolare per canottieri e impressionisti dell'epoca. Tuttavia, con il crescente interesse per il ciclismo, il ristorante dovette chiudere all'inizio del XX secolo.

Grazie alla fama degli artisti ospiti e a questa opera unica, il ristorante con annesso museo è stato riaperto negli anni '90.

33. “Il 28 luglio. La libertà che guida il popolo” di Ferdinand Victor Eugene Delacroix

Al Louvre si può ammirare un affascinante dipinto a olio su tela del 1830, ispirato Rivoluzione di Luglio la Gioconda di Leonardo da Vinci, è considerato uno dei capolavori più importanti del museo.

Questo dipinto è diventato un importante simbolo della Rivoluzione francese.

Nel luglio del 1830, in Francia scoppiò un grave conflitto, noto come Rivoluzione di Luglio. Nel giro di tre giorni, scoppiò un conflitto tra il popolo di Parigi e il re Carlo X, che alla fine portò alla sua fuga e all'abdicazione dalla capitale.

La causa della rivolta fu il disprezzo del re per le libertà concesse nel 1789. Luigi Filippo I sostituì Carlo X e instaurò la Monarchia di Luglio. La Rivoluzione di Luglio fu quindi la seconda grande rivoluzione in Francia, che portò cambiamenti politici duraturi nel paese.

Il dipinto "La Libertà che guida il popolo" raffigura una scena di barricate a Parigi. Sullo sfondo si vedono le torri di Notre Dame, che identificano chiaramente il luogo dei disordini.

Testimone oculare degli eventi, l'artista decise di realizzare questo capolavoro, che in seguito divenne uno dei simboli più importanti della Repubblica francese. L'opera servì da ispirazione per numerosi francobolli e persino per l'ex banconota da 100 franchi.

Il dipinto fu presentato per la prima volta al pubblico al Salon di Parigi nel 1831. All'epoca divenne noto "Scènes de barricades"

Dal 1863, l'opera fu esposta al Musée du Luxembourg. Sette anni dopo la morte di Eugène Delacroix, nel 1874, l'opera, ora intitolata "La Libertà che guida il popolo", fu presentata al Louvre.

Se volete ammirare il capolavoro dal vivo, potete trovarlo nel pianoforte a coda Denon, nella sala 77, al primo piano del museo.

34. “L’altalena” di Jean Honoré Fragonard

Il Rococò incarna la leggerezza, la sensualità e la giocosa decadenza in un'epoca di sconvolgimenti.

Fragonard , pittore ed erotico , padroneggiò questo stile e le sue opere non furono sempre ben accolte sotto Luigi XV, poiché considerate troppo audaci. Un esempio è una scena in cui una giovane nobildonna si dondola su un'altalena in una foresta selvaggia.

Il vecchio albero nodoso simboleggia l'aristocrazia francese in piena maturazione poco prima della Rivoluzione. Gli abiti raffinati della dama contrastano con l'ambiente selvaggio circostante, riconoscibile come un parco dalle statue.

Mentre lancia coraggiosamente in aria la scarpa destra e allarga le gambe, intravede, sotto il fruscio del suo abito, un uomo di nobile nascita che giace incantato tra i cespugli, con il cappello alzato, rapito dal fascino di questo gioco.

Sullo sfondo, un cameriere un po' più anziano, probabilmente il marito o l'amante, si dondola sull'altalena.

Allo scoppio della Rivoluzione francese, Fragonard dovette impacchettare i suoi dipinti e fuggire nella sua città natale, Grasse, dove nacque nel 1732, figlio di un povero mercante di profumi. Morì nel 1806. La maggior parte delle sue opere può oggi essere ammirata nella Frick Collection di New York.

35. “Le Déjeuner sur l'herbe” di Édouard Manet

Nel 1863 l'artista francese Édouard Manet l'imponente opera d'arte “Le Déjeuner sur l'herbe”.

Il dipinto raffigura quattro persone sedute pacificamente su una coperta da picnic in un bosco. Due uomini sembrano impegnati in una vivace conversazione, mentre una donna siede nuda accanto a loro. Un'altra donna nuda è visibile sullo sfondo.

Nel 1863, l'opera di Manet fu considerata altamente provocatoria e scandalosa, poiché all'epoca nell'Impero tedesco vigevano rigide normative sulla pittura. Queste normative miravano a promuovere gli artisti conformisti ed escludere i "liberi pensatori", prescrivendo tecniche, temi e altre specifiche.

Il Salon annuale, un'esposizione supervisionata da una giuria severa, era il massimo riconoscimento degli artisti conformisti. Tuttavia, più della metà delle opere presentate fu respinta nel 1863.

Per gli artisti le cui opere venivano rifiutate, ciò rappresentava un peso enorme, poiché l'accesso al mercato dell'arte diventava quasi impossibile. Manet, tuttavia, poteva permettersi la provocazione grazie a una cospicua eredità.

La sua prima foto scandalosa non offese solo il pubblico, ma anche la sua famiglia.

Le critiche al sistema artistico allora in vigore furono così forti che l'allora imperatore Napoleone III decise di creare una mostra parallela in cui esporre le opere rifiutate.

Dopo che il dipinto di Manet intitolato "Il bagno" fu rifiutato, l'artista lo espose al Salon des Refusés.

Il capolavoro può essere ammirato oggi al Musée d'Orsay di Parigi.

Édouard Manet nacque a Parigi il 23 gennaio 1832 e vi morì il 30 aprile 1883. Le sue opere sono molto ricercate sul mercato dell'arte e alcuni dei suoi dipinti sono stati venduti per milioni di euro.

In riconoscimento delle sue opere, diverse strade in Francia sono state intitolate a lui, tra cui Rue Éduard Manet a Parigi e in altre città.

36. “Composizione VIII” di Wassily Kandinsky

Il capolavoro astratto Wassily Kandinsky , "Composizione VIII" , è semplicemente mozzafiato. Tutti gli elementi appaiono sulla tela come oggetti fluttuanti nello spazio.

La forma circolare, che si trova tranquillamente nell'angolo sinistro, è riscaldata dal rosso circostante e crea un contrasto con le forme geometriche, conferendo all'opera d'arte un aspetto statico.

Kandinsky fu affascinato dal colore fin da giovane e gli attribuì qualità trascendenti. La sua ricerca si concentrò sull'interazione tra suono e colore, con l'obiettivo di creare un'opera d'arte simile a una canzone composta.

All'epoca in cui venne creata l'opera, durante l' era Bauhaus , Kandinsky si trasferì dall'Unione Sovietica alla Repubblica di Weimar a causa delle restrizioni artistiche imposte dal sistema di governo marxista-leninista.

Durante gli anni trascorsi in Russia e nel suo Stato successore, dedicati principalmente alla riforma museale e all'avanzamento delle sue teorie artistiche, non fu produttivo in termini di creazione di opere d'arte. Ciononostante, tornò rafforzato e pronto a dipingere.

Il dipinto Composizione VIII, l'ottavo di una serie del 1911, fu la prima opera d'arte realizzata da Kandinsky dopo lo scoppio della Prima Guerra Mondiale. A differenza di un'improvvisazione, fu eseguita secondo un piano specifico. Fu realizzata nella Germania di Weimar nei primi anni '20, dopo la transizione dalla monarchia alla repubblica democratica.

37. “Le spigolatrici, 1857” di Jean-Francois Millet

L'opera di gran lunga più famosa di Millet: "Le spigolatrici" mostra tre donne che raccolgono gli ultimi chicchi di grano da un campo.

Millet ha ritenuto che il tema delle donne che raccolgono gli ultimi chicchi di grano fosse un tema eterno, legato alle storie dell'Antico Testamento.

Il dipinto fu accolto con aperto disprezzo dal pubblico. Rappresentava, in una luce benevola, gli strati più bassi della società dell'epoca, che sfruttavano l'antico diritto di raccogliere gli ultimi resti del raccolto di grano.

Durante la sua vita, questo dipinto attirò la fama solo tra l'alta borghesia francese, che temeva una glorificazione delle classi inferiori, e ottenne maggiore popolarità solo dopo la morte dell'artista.

38. “Il Trionfo di Galatea”, affresco di Raffaello

Raffaello, uno straordinario pittore dell'Alto Rinascimento, in alcune delle sue opere si concentrò sulle donne.

particolarmente evidente nel dipinto "Il trionfo di Galatea ". Questo affresco fu realizzato appositamente per la Villa Farnesina a Roma, un tempo di proprietà di Agostino Chigi, uno degli uomini più ricchi del suo tempo.

L'opera è basata su un mito greco in cui Galatea era parte di un triangolo amoroso. Si innamorò del pastore Aci, suscitando la gelosia del gigante Polifemo.

Uccise Aci con una colonna gigante. Sebbene l'affresco facesse parte di una serie, non fu mai completato.

Raffaello scelse deliberatamente la scena in cui Galatea viene trasformata in una divinità dopo la sua morte e può quindi rimanere eternamente tra gli dei.

Questa trasformazione fu la ricompensa per il dolore e le prove sopportate per tutta la vita. Spinto da una profonda emozione, Raffaello dipinse il Trionfo di Galatea come risposta ai suoi sentimenti riguardo alle "Stanze per la giostra" .

Angelo Poliziano, un altro artista, scrisse le "Stanze per la giostra". Questa poesia è considerata un capolavoro del suo genere per quel periodo. Il torneo a cui partecipò Giuliano de' Medici era l'ambientazione della storia.

Galatea cavalca una conchiglia portata da due delfini ed è accompagnata da due apparenti amorini che le scagliano deliberatamente frecce d'amore alla testa.

Raffaello scelse deliberatamente di non dipingere nessuno dei personaggi principali della storia mitologica, affinché non distraessero dall'apoteosi di Galatea.

39. “La signora di Shalott” di John William Waterhouse

Il dipinto a olio "La signora di Shalott" fu realizzato nel 1888 da John William Waterhouse (1849-1917) e raffigura una scena tratta dall'omonima poesia di Lord Alfred Tennyson (1809-1892).

La tela misura 182 x 230 cm e fu esposta per la prima volta alla Royal Academy Exhibition. Dopo essere appartenuta a Sir Henry Tate (1819–1899), fu donata alla Tate Britain nel 1894, entrando così a far parte di una collezione pubblica. Attualmente il dipinto può essere ammirato alla Tate Britain.

La tonalità calma e delicata dell'opera continua ad incantare gli spettatori di tutto il mondo.

Le sue opere successive dimostrano chiaramente la rinascita dello stile preraffaellita nel mondo dell'arte. Sebbene Waterhouse fosse attivo decenni dopo i primi Preraffaelliti, ne seguì molti degli stessi richiami all'azione.

I suoi dipinti sono influenzati dall'arte italiana del Quattrocento e dall'arte medievale . Le opere successive di Waterhouse sono caratterizzate da un forte interesse per la rappresentazione precisa della natura e si armonizzano perfettamente con il preraffaellitismo attraverso i colori saturi e la ricchezza dei dettagli.

La Dama di Shalott incarna l'amore non corrisposto , intensificato da numerosi simboli di morte, come rondini e foglie morte. Sulla barca, il crocifisso simboleggia il sacrificio che la Dama è pronta a compiere.

Alcuni esperti interpretano l'azione autodeterminata della donna come un commento sulla limitata o inesistente capacità di azione delle donne nell'Inghilterra vittoriana.

le donne erano per lo più confinate alla sfera domestica e, come Elaine, desideravano ardentemente libertà e indipendenza.

40. “La lezione di danza” di Edgar Degas

Quando Degas visitò l'Opéra de Paris, il suo interesse non si limitò alle esibizioni dei ballerini sul palco.

Cercò di conoscere i ballerini dietro le quinte, di ammirare la loro disciplina e grazia e di osservare il loro allenamento visitando gli studi di danza.

Grazie al suo caro amico, ebbe la fortuna di accedere a questi momenti privati. In uno dei suoi dipinti, ritrae l'insegnante Jules Perrot, un ometto dai capelli grigi che, durante la lezione, batte il ritmo sul pavimento con il suo bastone.

Mentre gli altri ballerini si stanno già allungando e la lezione sta per finire, l'insegnante sta parlando con la ballerina di fronte a lui, che ascolta attentamente.

Degas era un osservatore estremamente attento, come si evince immediatamente a prima vista dal dipinto. Oltre all'evidente comunicazione nel secondo piano, scopriamo numerosi gesti più sottili.

Ad esempio, una giovane donna sulla sinistra si gratta discretamente la schiena, mentre la sua vicina le sistema l'orecchino. La donna davanti a lei appoggia il braccio sul fianco e si fa vento.

Una seconda versione dell'immagine mostra una scena più vivace. Riconosciamo immediatamente Jules Perrot sulla destra, che oggi indossa una camicia rossa.

Insieme alle ballerine e alle loro madri, osserva l'atteggiamento, una posa in cui la ballerina sta in piedi su una gamba e allunga con grazia l'altra all'indietro.

Degas non voleva congelare il movimento, ma piuttosto viverlo appieno con gli occhi della mente. Per lui, la vividezza che ne risultava era fonte di conforto.

In una lettera al suo amico Henri Rouart del 1886, descrisse quanto sarebbe stato triste se le foglie degli alberi non si fossero mosse.

41. “Nudo disteso” di Amedeo Modigliani

Nel 1917, Modigliani iniziò la sua magnifica serie di dipinti di nudi . Le donne sulle sue tele sono raffigurate da una prospettiva ravvicinata e per lo più dall'alto, con i loro corpi stilizzati che occupano l'intera larghezza della composizione.

Il lenzuolo scuro su cui giacciono accentua la luminosità della loro pelle. I loro piedi e le loro mani, tuttavia, sono sempre fuori dall'inquadratura. Alcune modelle sembrano addormentate, ma la maggior parte, come in questo caso, guarda direttamente l'osservatore.

Queste opere continuano la tradizione di raffigurare la Venere nuda , che persistette dal Rinascimento fino al XIX secolo.

Il dipinto a olio "Nudo disteso" ("Nu couché") del 1917-1918 è stato uno dei dipinti più scandalosi. Forse il dipinto più famoso di Amedeo Modigliani è stato battuto all'asta da Christie's per la cifra record di circa 170,4 milioni di dollari (circa 158 milioni di euro) a un collezionista privato cinese.

Ciò rende il dipinto la seconda opera d'arte più costosa mai messa all'asta.

42. “Strada di Parigi, giorno di pioggia” di Gustave Caillebotte

Ispirato dall'arte accademica e formatosi presso la rinomata Ecole des Beaux-Arts sotto la direzione di Léon Bonnat (1833-1922), Gustave Caillebotte all'ala realista del movimento impressionista.

Il suo stile pittorico realistico gli conferì una naturale sensibilità per l'arte contemporanea. Come i suoi predecessori Jean-François Millet (1814-1875) e Gustave Courbet (1819-1877), si sforzò di rappresentare il mondo così com'era, non come avrebbe dovuto essere. Con toni delicati, creò opere uniche che riflettevano la sua visione artistica e il suo talento.

In questo capolavoro, Caillebotte dà prova di una straordinaria monumentalità e di un virtuosismo compositivo, riprendendo la tipica scena quotidiana degli impressionisti.

Si concentra sugli audaci viali introdotti dal Barone Haussmann (1809-1891) che trasformarono il paesaggio urbano di Parigi. Il risultato è un mix di realtà e finzione, sapientemente coreografato ma di un'eleganza naturale.

Le figure distanti che raffigura riflettono l'anonimato dei viali, mentre la vista scelta enfatizza l'enorme scala dello sviluppo architettonico e mette in ombra le figure umane che lo circondano.

Molte delle figure raffigurate appaiono isolate e immerse nei propri pensieri. Le loro espressioni sono sommesse e sembrano affrettarsi piuttosto che passeggiare. Il taglio netto e l'effetto fotorealistico dell'immagine contribuiscono a un'estetica moderna.

43. “Due donne di Tahiti” di Paul Gauguin

Paul Gauguin (1848-1903) si concentrò veramente sulla sua arte solo dopo il suo matrimonio, avvenuto nel 1773. Purtroppo, la sua nuova passione lo portò al divorzio più di un decennio dopo.

Irritato dalla società occidentale, viaggiò per il mondo e alla fine si stabilì nella Polinesia francese. Qui realizzò alcuni dei suoi dipinti più famosi.

Le tele che Gauguin rimandò in Francia dai Mari del Sud riflettono la libertà da lui esercitata nel creare immagini di donne indigene.

Qui si orientò verso le rappresentazioni classiche di nudi e si affidò ai gesti e alle espressioni facciali per evocare l'ideale di "Eva tahitiana" , che invocò nei suoi scritti: "molto sottile, molto consapevole nella sua ingenuità" e invidiabile "capace di camminare nuda senza vergogna" .

Le donne sussurrano segreti, offrono fiori esotici o frutti (proibiti) e abitano l'Eden tropicale inventato da Gauguin, in cui prevalgono la sua visione artistica e il suo sguardo maschile.

Queste due figure compaiono anche nelle sue opere monumentali Faa Iheihe (Pastorale tahitiana), 1898; (Tate, Londra) e Rupe Rupe (La raccolta della frutta), 1899; (Museo di belle arti Puškin, Mosca).

44. “Le esecuzioni del 3 maggio 1808” di Francisco de Goya

Con implacabile durezza e profonda malinconia, Goya illustra vividamente i volti delle persone tormentate dalla morte e dalla disperazione.

Il celebre artista spagnolo Goya si ispirò ai violenti eventi dell'occupazione francese della Spagna (1808-1813) quando creò questa imponente opera d'arte.

In questa scena, le figure maschili simboleggiano l'esecuzione arbitraria di una parte della popolazione di Madrid. Di fronte a loro si erge una falange di soldati in uniforme, un contrasto reso evidente dall'abile uso della luce da parte di Goya.

In particolare, la lanterna posta tra i due gruppi li separa e conferisce quasi un'aura sacra all'uomo disarmato con la camicia bianca.

Non si può negare che Goya abbia intrecciato l'iconografia cristiana in quest'opera. Ciò rimanda alle discutibili azioni etiche e morali di un anonimo "esercito ombra" attribuito a Napoleone.

L'incidente a cui si fa riferimento si verificò sei anni prima della creazione dell'opera. All'epoca, le truppe spagnole resistettero alla sottomissione di Napoleone, provocando un'escalation della situazione e numerose esecuzioni di cittadini spagnoli. Nella notte raffigurata nell'illustrazione, circa 45 insorti persero la vita.

Realizzato nel 1814, il dipinto è stato dipinto con colori a olio su tela ed è largo ben tre metri e mezzo.

45. “Breezing Up” di Winslow Homer

Homer sviluppò questo dipinto basandosi su schizzi e acquerelli realizzati durante una visita a Gloucester, nel Massachusetts, nel 1873. Lo completò nel 1876, proprio mentre la nazione celebrava il suo centenario.

Nel corso di tre anni, Omero perfezionò la composizione e ne rafforzò il simbolismo ottimistico, affidando a uno dei ragazzi (al posto dell'uomo) il controllo del timone e posizionando un'ancora a prua, a simboleggiare sicurezza e speranza.

Quando il dipinto fu presentato per la prima volta alla National Academy of Design di New York nel 1876, fu riconosciuto come un'espressione positiva del futuro del Paese, un'idea sottolineata dal titolo originale "A Fair Wind", che suggerisce un percorso agevole verso il futuro.

"Breezing Up" è uno dei primi esempi di un motivo che avrebbe affascinato Omero per tutta la sua carriera: quello degli uomini in mare , dai suoi allegri inizi negli anni '70 del XIX secolo fino a scene più cupe come "La corrente del Golfo" decenni dopo.

L'opera finita indica che la significativa influenza dell'arte giapponese sui pittori occidentali del XIX secolo influenzò anche Omero, in particolare nell'equilibrio compositivo tra la metà sinistra (attiva) e quella destra (sparsa). Omero aveva visitato la Francia nel 1866 e nel 1867, e l'influenza dei paesaggi marini dei pittori francesi Gustave Courbet e Claude Monet è chiaramente evidente.

46. ​​​​“Olimpia” di Édouard Manet

La modella nuda Victorine Meurent è sdraiata su sontuose coperte, con lo sguardo diretto e provocatorio rivolto allo spettatore. Manet aveva incontrato la giovane donna solo un anno prima e ne aveva fatto subito una delle sue modelle preferite.

Anche altri artisti si ispirarono a lei. Ma si sa poco della sua misteriosa bellezza. Lei stessa si cimentò nella pittura, imparò a suonare la chitarra e in seguito cedette all'alcolismo.

Manet, invece, la mostra in tutto il suo splendore, come una musa in fiore che cattura lo sguardo dell'osservatore.

Manet proveniva da una famiglia benestante ed era considerato affascinante, colto e talentuoso. Il suo dipinto "La colazione sull'erba" aveva già suscitato scandalo, ma continuò la tradizione con "Olympia".

Il motivo della donna sdraiata ricorda opere come la Venere di Tiziano o di Goya, ma anche la celebre opera di Giorgione "La Venere dormiente" .

Tuttavia, la donna raffigurata qui non è una dea, bensì una prostituta. Il nome "Olimpia" non ha alcun significato iconografico, ma suona foneticamente simile ai miti antichi.

Manet aspirava a entrare a far parte dei grandi maestri del passato e reinterpretò un tema classico in modo innovativo. Purtroppo, la sua visione creativa non fu compresa né apprezzata da tutti. Questo continuo rifiuto lo portò infine a un crollo nervoso nel 1871.

Non riuscì a vendere l'opera durante la sua vita, e nemmeno dopo la sua morte trovò acquirenti. Solo grazie all'aiuto di Sargent e Monet, che lanciarono appelli pubblici per donazioni, l'opera fu finalmente acquisita Louvre

47. “La lattaia” di Jan Vermeer van Delft

Quasi tutti conoscono la scena: una ragazza è in piedi al tavolo con una brocca di latte in mano.

Dietro di lei si trova la famosa finestra di Vermeer, i cui tipici colori blu e giallo dominano la stanza. È anche noto che Jan Vermeer van Delft avesse scarso interesse nel dipingere personaggi di spicco della sua città natale, poiché esercitavano su di lui scarso fascino artistico.

Ma per sfamare la sua famiglia, alla fine dovette accontentarne le esigenze. Lottò duramente per il suo stile, le proporzioni e la composizione delle sue opere. In mesi di lavoro scrupoloso, riuscì a completare solo due dipinti all'anno.

Fortunatamente, fu ispirato a creare un capolavoro come "La Lattaia". La composizione è magistrale e l'osservatore può scoprire una moltitudine di oggetti all'interno del dipinto.

Pieghe su maniche e gonne, piastrelle di Delft blu e bianche sullo zoccolo, riflessi di luce sul pane e un gioco di colori dalla brocca di argilla: c'è così tanto da ammirare.

48. “La valorosa Téméraire” di Joseph Mallord William Turner

La nave da 98 cannoni Temeraire ebbe un ruolo importante nel trionfo britannico su Napoleone nella battaglia di Trafalgar del 1805.

Il dipinto intendeva simboleggiare il declino della potenza navale britannica. Poiché alcuni dei dipinti di Turner furono fraintesi dai suoi contemporanei, i critici moderni considerano "La valorosa Téméraire" una delle sue opere d'arte più straordinarie.

"Témeraire in Battle" è un capolavoro che cattura l'osservatore. Turner cattura in modo impressionante l'atmosfera e il sentimento della battaglia di Trafalgar. Il dipinto emana una certa malinconia, celebrando al contempo la vittoria su Napoleone.

Turner scelse deliberatamente il momento successivo alla battaglia per la sua opera. La Temeraire è in primo piano nel dipinto, maestosa e fiera nonostante i gravi danni. Sullo sfondo, il sole sorge dietro una formazione di nuvole, simbolo di speranza e di un nuovo giorno.

L'artista gioca abilmente con effetti di luce e ombra e con contrasti cromatici per creare profondità e drammaticità. I ​​caldi toni arancioni dell'orizzonte contrastano con il freddo blu dell'acqua, intensificando così la tensione tra vita e morte.

Un altro elemento affascinante sono le colonne di fumo all'orizzonte, resti della feroce battaglia navale, che ravvivano ulteriormente il dipinto. Lo spettatore può quasi sentire l'odore della polvere da sparo.

Ma quest'opera non è solo tecnicamente eccezionale: trasmette anche un profondo impatto emotivo sull'osservatore. Si può quasi percepire lo spirito eroico di quell'epoca: uomini coraggiosi in alto mare che combattono contro ogni previsione per il loro Paese.

"La valorosa Téméraire" mette in mostra lo straordinario talento di Turner e la sua capacità di dare vita alla storia attraverso le immagini.

Il dipinto è una pietra miliare del Romanticismo ed è ancora oggi considerato una delle opere più importanti dell'artista.

49. “Il Boulevard Montmartre in una mattina d’inverno” di Camille Jacob Pissarro

mondo di Parigi da quest'opera d'arte quasi quadrata, che misura circa 65 per 81 centimetri.

Camille Jacob Pissarro è associato sia all'Impressionismo che al Puntinismo . Sebbene inizialmente controverso, l'Impressionismo perso nulla del suo fascino fino ad oggi, come dimostra in modo impressionante la pittura di Pissarro.

I suoi dipinti riescono a catturare appieno il fascino della metropoli parigina di fine Ottocento. Persino l'inverno è chiaramente palpabile; una nebbia delicata e fredda sembra aleggiare nell'aria.

Le singole persone, gli alberi e gli edifici sono abbozzati anziché dipinti con cura, con l'intento di creare un'atmosfera speciale nel quadro piuttosto che fornire una rappresentazione fotografica.

I colori sono vibranti ma sfumati, conferendo al dipinto una certa ambiguità. È quasi come se il tempo stesso fosse passato sul quadro, lasciando il suo segno.

Lo spettatore può quasi percepire il ritmo della città: la frenetica attività per le strade, le persone nei loro abiti eleganti, le carrozze e i veicoli trainati da cavalli. Eppure, allo stesso tempo, ci si rende conto che tutto questo è transitorio. La tecnologia avanza e, con essa, il paesaggio urbano di Parigi sta cambiando.

Pissarro cattura questa transitorietà attraverso la scelta del soggetto: un vivace incrocio nel cuore di Parigi. Qui, le antiche tradizioni incontrano le conquiste moderne, come la luce elettrica e le locomotive a vapore.

L'interazione di questi elementi crea una tensione nell'immagine: da un lato il progresso e dall'altro la malinconia del passato .

È proprio questa ambivalenza tra movimento e immobilità , tra vecchio e nuovo, a conferire al dipinto il suo fascino. Il passare del tempo è reso visibile qui, non solo in relazione all'architettura o alla tecnologia, ma anche in relazione ai cambiamenti sociali.

L'opera invita a riflettere su quanto sia diventato frenetico il nostro mondo, su come ci evolviamo costantemente ma spesso dimentichiamo di fermarci e riflettere sulle nostre origini.

50. “Le due Frida” di Frida Kahlo

Titolo originale: Le due Frida | Anno: 1939 | Tecnica: Olio su tela | Dimensioni: 173,5 cm × 173 cm | Movimento artistico: Arte naif , Surrealismo | Ubicazione: Museo de Arte Moderno, Città del Messico

Il dipinto "Le due Frida" fu realizzato nel 1939, poco dopo il divorzio di Frida Kahlo e Diego Rivera. Il dipinto a olio raffigura i due lati della sua personalità.

Da una parte siede una versione con il cuore spezzato, vestita con abiti tradizionali, mentre la versione seduta accanto a lei è ritratta come moderna e indipendente.

L'origine dell'ispirazione per il dipinto può essere fatta risalire alla sua infanzia, quando Frida scrisse nel suo diario che il quadro era basato sui suoi ricordi di un amico immaginario.

Tuttavia, in seguito avrebbe rivelato che ciò che la turbava era la solitudine e il senso di separazione che provava dopo la rottura.

In questo ritratto a olio, le due figure sono sedute e si tengono per mano. Entrambi i cuori sono chiaramente visibili, con la versione tradizionale di Frida Kahlo che raffigura il cuore sinistro squarciato.

Tiene in grembo l'estremità di un lato dell'aorta, chiusa con una pinza, eppure sanguina copiosamente. Il suo tumulto interiore si riflette nel cielo tempestoso.

L'Istituto Nazionale di Belle Arti di Città del Messico acquistò il dipinto nel 1947 per 4.000 pesos, la cifra più alta mai raggiunta dall'artista per la sua opera.

“Le due Frida” è un’opera potente che non solo esprime il dolore personale dell’artista, ma tocca anche temi universali come l’amore , la separazione e l’identità.

Dimostra la capacità dell'arte di toccarci profondamente ed esprimere le nostre emozioni, una qualità che rende le opere di Frida Kahlo così senza tempo.