Comment devenir un artiste: IN? Conseils provenant des autodidacts réussis et créatifs professionnels

Le cliché de « l'artiste fauché » est malheureusement trop souvent invoqué. Pourtant, de plus en plus d'artistes parviennent à bâtir des carrières florissantes et couronnées de succès dans le monde de l'art, même en étant autodidactes, sans formation académique ni parcours artistique conventionnel.

Aujourd'hui, la scène artistique compte de nombreux artistes autodidactes reconnus . Le fait qu'ils soient autodidactes ne pose plus de problème, car leur art, leurs connaissances, leur compréhension et leur contribution à l'art sont bien plus importants qu'un diplôme d'école d'art ou le nom d'un professeur.

Partons du principe que c'est notre objectif. Mais comment y parvenir ? Avant tout, il faut une forte motivation, de la discipline, de la persévérance et du dévouement. Le chemin sera peut-être semé d'embûches, mais avec de la passion et la détermination à vivre de sa passion, il est possible de réussir en tant qu'artiste autodidacte dans le monde de l'art.

Ne laissez pas vos doutes vous freiner et croyez en vous : avec un peu de talent naturel, vous avez le potentiel de réaliser de grandes choses. Le succès, même dans le monde de l’art, c’est 1 % d’inspiration et 99 % de transpiration.

Comment devenir artiste ? Apprenez avec nous auprès d'artistes reconnus et d'autodidactes à succès !

Cet article vous explique en quelques étapes comment optimiser vos chances de réussite en tant qu'artiste autodidacte . Nous y abordons l'apprentissage autonome des programmes d'une école d'art et par où commencer. Nous y traitons également du développement de votre pratique artistique, de la démarche à suivre en tant qu'autodidacte et des clés du succès dans le monde de l'art. Nous nous appuyons sur l'expérience, les réflexions et les conseils d'artistes reconnus.

« monde de l'art élitiste », il existe souvent une certaine stigmatisation liée au fait d'être un artiste autodidacte, ce qui engendre divers défis pour ceux qui n'ont pas la possibilité de fréquenter une école d'art.

Selon la situation socio-économique ou le système éducatif d'un pays, l'enseignement artistique

Aujourd'hui, les informations essentielles pour les artistes autodidactes sont plus accessibles que jamais, à condition de savoir où chercher. Devenir artiste professionnel, et a fortiori artiste autodidacte professionnel, est un véritable défi. Malgré tous les obstacles et les difficultés rencontrés, un artiste autodidacte ne doit pas se décourager et aspire à se faire un nom dans le monde de l'art.

Quelles sont les conditions de base pour devenir artiste ?

Avez-vous une créativité naturelle qui vous inspire chaque jour de nouvelles idées ? Aimez-vous peindre, dessiner et créer ? Avez-vous le sens des couleurs, des formes et de l’esthétique ? Et une vie émotionnelle riche ? Certains vous trouvent un peu anticonformiste

Si vous aussi n'avez que peu besoin de stabilité et de prévisibilité, la vie d'artiste pourrait vous convenir parfaitement. En tant qu'artiste, vous pouvez peindre, créer, construire, poncer, photographier et filmer, en donnant vie à vos œuvres selon votre propre vision.

Si vos œuvres plaisent à d'autres pour leur expressivité, leur émotion, leur esthétique ou leur sophistication, vous pouvez les exposer dans des galeries ou les vendre de manière privée.

Incroyable variété de domaines d'activité

Dans le domaine artistique, la diversité et l'abondance des champs d'activité et des formes d'expression sont telles que ce type de carrière est particulièrement attrayant pour les personnes créatives.

On pense souvent en premier lieu aux beaux-arts, comme la peinture, la sculpture, le dessin et l'illustration, ou encore aux arts du spectacle, notamment le théâtre, l'opéra, la musique et l'interprétation. Mais au-delà de ces domaines traditionnels, une incroyable variété d'opportunités s'est développée. Tatoueur, artiste de rue, concepteur de jeux vidéo, humoriste, artiste de cirque, art-thérapeute, clown, magicien, danseuse burlesque, pratiquant d'arts martiaux, animateur, youtubeur, maquilleur ou restaurateur, les possibilités pour les créatifs de gagner leur vie sont quasi infinies.

également trouver d'excellents aperçus de 34 de ces activités artistiques sous forme de reportages vidéo sur watchado .

Même en dehors du monde de l'art et du travail d'artiste indépendant, de nombreuses entreprises et institutions offrent des opportunités d'emploi aux personnes créatives. Les secteurs suivants sont en forte demande et recrutent des professionnels créatifs :

• Établissements d'enseignement (écoles, universités , instituts de formation continue)
• Soins de santé (cliniques, centres de thérapie, etc.)
• institutions sociales (centres de jeunesse/de soutien, etc.)
• constructeurs de stands d'exposition et entreprises événementielles
• cabinets d'architectes
• entreprises de médias et de publicité
• Opéras, théâtres, galeries et autres institutions culturelles
• départements de communication et de marketing d'entreprise
• développeurs de jeux
• Éditeurs et bureaux de rédaction
• Conception web et graphique
• Intelligence artificielle, mondes virtuels, mégadonnées, art numérique

Le profil d'activité des artistes

Le portail australien de l'emploi Seek une infographie intéressante sur le profil et le rôle d'un artiste . Elle utilise 10 indicateurs pour illustrer clairement les exigences et les avantages du métier de professionnel créatif. L'analyse repose sur les valeurs moyennes obtenues auprès de 30 artistes interrogés.

Le secteur d'activité des artistes en Allemagne étant probablement similaire à celui de l'Australie, ces résultats sont vraisemblablement largement applicables à notre pays. Les domaines de la « satisfaction professionnelle » (4,2 étoiles) et de la « variété » (4,3 étoiles) ont obtenu d'excellents résultats. En revanche, la « sécurité de l'emploi », le « potentiel de gains » et les « perspectives de carrière » ont obtenu des scores plus faibles.

Compétences importantes pour un artiste :

En tant qu'artiste, votre atout principal est bien sûr la créativité . Vous devez créer des œuvres inédites, auxquelles personne n'a jamais pensé ni qu'on n'a jamais vues auparavant, et réussir à inspirer le public grâce à votre travail.

Bien entendu, vous devez également comprendre et maîtriser parfaitement votre art, qu'il s'agisse de peinture, de photographie, de sculpture ou de conception visuelle de jeux vidéo. Il n'est pas indispensable d'être un vendeur né, mais savoir se promouvoir et promouvoir son travail .

une bonne compréhension du marketing et une certaine connaissance des réseaux sociaux sont un atout précieux pour faire connaître son travail au plus grand nombre et toucher un maximum d'acheteurs potentiels. Il est également important d'être à l'aise avec les contacts : dans le monde de l'art, le réseau peut être un tremplin. L'idéal est de ne pas hésiter à se constituer un réseau .

La maîtrise des langues étrangères est également très utile dans votre profession, notamment l'anglais, car elle vous permet de communiquer avec la communauté artistique internationale et de participer plus facilement à des expositions et autres opportunités à l'étranger.

Enfin, en tant qu'artiste, il vous faut une bonne dose de courage et une volonté de prendre des risques . Les perspectives de vivre de votre art sont initialement minces, et vous pourriez chercher en vain la stabilité pendant les premières années (même si des surprises positives surviennent). Si vous ne pouvez accepter cela, vous devriez reconsidérer votre choix de carrière.

Formation en académie d'art vs. artiste autodidacte

Dans les écoles d'art, l'accent est mis principalement sur le développement artistique personnel, qu'il s'agisse d'acquérir une compétence spécifique ou de cultiver son propre style. Cependant, il s'avère que la plupart des établissements ne préparent pas suffisamment leurs étudiants à une carrière dans le monde de l'art.

Avant de franchir la première étape, nous devons donc découvrir ce qui fait un artiste à succès .

Le succès artistique peut avoir différentes significations pour chacun. L'objectif ultime est sans doute d'être reconnu dans le milieu artistique de haut niveau. D'autres, en revanche, souhaitent simplement vivre de leur art. L'expérience montre que le succès artistique mène souvent au succès commercial.

En matière de reconnaissance artistique , il n'y a pas de limites. On peut être représenté par des galeries de renom, vendre ses œuvres à prix d'or, voire figurer comme artiste reconnu dans les musées et les publications spécialisées.

Selon le temps investi, le talent naturel et l'influence de facteurs externes comme la chance, le temps nécessaire pour débuter en tant qu'artiste autodidacte peut varier. D'après une évaluation réaliste de CAI (Contemporary Art Issue) – plateforme hybride pour artistes et galerie d'art contemporain en Belgique – un artiste autodidacte peut connaître ses premiers succès après seulement deux ans .

C'est moins de temps que la plupart des cursus d'écoles d'art. Ne vous attendez pas à une reconnaissance immédiate, mais il est possible d'obtenir une reconnaissance sérieuse en tant qu'artiste et d'avoir un avenir prometteur en deux ans.

Cet article a pour but de vous fournir un point de départ et un guide de base, en révélant les notions fondamentales que vous devez connaître mais qui ne sont pas explicitement mentionnées, et en vous indiquant où trouver les informations nécessaires à votre réussite artistique. En fin de compte, cependant, le succès repose entièrement sur vous.

Donnez le meilleur de vous-même, restez patient et passionné, croyez en vous ! Vous aurez alors tous les atouts en main.

Conseils précieux de créatifs à succès – étape par étape vers le succès en tant qu'artiste

Jusqu'à présent, vous avez pu vous faire une idée générale de ce à quoi pourrait ressembler votre travail quotidien d'artiste et de ce que vous devriez apporter pour réussir dans ce domaine.

Passons maintenant, étape par étape, au chemin qui mène au succès en tant qu'artiste ! Que faut-il pour s'imposer dans le monde de l'art ? Quels sont les pièges à éviter et les leviers qui mènent au succès ? À quoi faut-il prêter attention ? Et quels conseils sont les plus précieux ?

Nous allons maintenant répondre à ces questions avec des artistes qui ont réussi et qui sont heureux de partager leurs recettes du succès.

Twist : Trois artistes femmes et un artiste homme racontent comment ils l'ont réalisé

Pour beaucoup, être artiste semble être un métier de rêve. Mais cela requiert-il uniquement du talent, ou également des compétences en matière d'autopromotion ?

Dans l'émission culturelle « Twist » sur arte, nous rencontrons différentes personnalités qui nous éclairent sur cette question. Nous faisons d'abord la connaissance de Leon Löwentraut . Malgré l'absence de formation artistique classique, il connaît un succès international en tant que peintre. Bien que la presse spécialisée l'ignore et que certaines critiques soient même acerbes à son égard, il séduit de nombreux admirateurs grâce à des apparitions remarquées et une forte présence sur les réseaux sociaux. Ses toiles atteignent désormais des prix élevés.

Est-il donc possible de lancer la carrière d'un artiste n'importe où, n'importe quand, grâce aux réseaux sociaux ? La sculptrice française Latifa Echakhch , lauréate du prix Marcel Duchamp et conceptrice du pavillon suisse à Venise, nous propose une autre vision de l'art comme moyen de comprendre le monde.

La professeure de peinture américaine Rajkamal Kahlon aborde des sujets graves tels que le colonialisme et le racisme dans ses œuvres en réinterprétant les représentations des peuples autochtones du XIXe siècle, restaurant ainsi leur dignité.

Annika Le Large , originaire de Leipzig, gagne quant à elle sa vie en illustrant des livres pour enfants, prouvant ainsi qu'on peut réussir en tant qu'artiste même sans diplôme d'une école d'art.

Ces différentes histoires montrent clairement que le chemin vers le succès en tant qu'artiste peut être très individuel et que le succès revêt de multiples facettes.

01 Motivation et passion : les débuts en tant qu'artiste

Chaque tableau créé par un artiste porte en lui une étincelle de son âme. C'est un lien entre l'artiste et la toile, qui prend vie grâce à la sincérité et au dévouement. Des artistes comme Gerhard Richter et Vincent van Gogh ont ému et inspiré le monde entier par leurs œuvres.

David Hockney et Marc Chagall également leurs toiles uniques . En tant qu'artiste, il est important d'explorer constamment de nouveaux thèmes et de se développer artistiquement.

Le traitement d'images ne doit jamais se figer, mais toujours se renouveler et innover. Paul Klee et Karl Ernst Osthaus , pionniers dans leurs domaines respectifs, ont démontré que leur passion pour l'art était sans limites.

La meilleure condition pour être artiste est précisément cette passion et cette curiosité insatiable, qui constituent une force motrice infatigable de motivation et d'inspiration.

02 Découvrir, expérimenter et vivre l'expérience

Avant de pouvoir s'affirmer comme artistes, il est essentiel de définir clairement ses aspirations, conseille Julien Delagrange , historien de l'art, artiste contemporain et directeur du CAI et de la Galerie CAI . Auparavant, Delagrange a travaillé au Centre des Beaux-Arts (BOZAR) à Bruxelles, à la Fondation Jan Vercruysse et à la Bibliothèque universitaire de Gand. Sa pratique artistique et ses écrits critiques sont étroitement liés ; il explore l'art contemporain à la recherche de perspectives inédites au sein du monde de l'art.

Alors, au début de notre carrière, posons-nous les questions suivantes :

• Quel genre d'artiste veux-tu être ?
• Quelle discipline préférez-vous ?
• Quel style ou technique préférez-vous particulièrement ?

Avant de s'engager envers un médium, un style, une technique ou une vision particulière, nous avons besoin de liberté et d'opportunité pour explorer, expérimenter et vivre l'art. Il est essentiel d'explorer , d'expérimenter et de vivre l'art tout au long de notre vie et de notre carrière artistique afin d'y trouver l'inspiration

Cela peut se produire de manière radicale et intense au début de la carrière d'un artiste. Plus tard, il devient plus difficile d'opérer des changements aussi profonds. Pourtant, notre travail doit sans cesse évoluer pour rester intéressant et pertinent. Car, comme dans la vie, la seule constante en art est le changement.

Plus tard, nous pourrons introduire une nouvelle discipline ou modifier visuellement notre style, mais à ce stade, nous avons une liberté totale, sans avoir à nous soucier des conséquences possibles. Nous pouvons essayer tout ce qui nous plaît : expérimenter, explorer et vivre des expériences.

Delagrange met particulièrement l’accent sur le troisième « E » : Expérience .

L’art doit être vécu, à la fois en tant que spectateur et en tant qu’artiste

Ces expériences nous inspireront, et ce qui nous inspire nous encouragera à expérimenter et à absorber différentes influences, créant ainsi une nouvelle synthèse de notre identité artistique.

Ces expériences présenteront des défis techniques aux artistes autodidactes. Il est temps d'envisager de les accompagner par des tutoriels en ligne et éventuellement des cours (voir Skillshare , Udemy ou Domestika). Grâce à Internet, il est facile d'acquérir de nouvelles compétences en ligne, depuis chez soi. YouTube est probablement la meilleure plateforme pour trouver des tutoriels adaptés.

Delagrange recommande donc de faire des recherches approfondies et de choisir une chaîne animée par un artiste que vous appréciez, puis de commencer à regarder ses vidéos, à apprendre et à expérimenter au fur et à mesure.

Aujourd'hui, on trouve d'innombrables tutoriels en ligne pour la peinture et le dessin . Pour des formes d'art moins courantes comme la sculpture ou les installations, il est conseillé de rechercher des cours spécifiques, par exemple sur des plateformes comme Skillshare .

Il n'existe plus de règles fixes régissant le processus créatif artistique, ce qui permet aux artistes autodidactes de développer leur propre style. Il est important d'expérimenter et de mettre en pratique de nouvelles techniques afin de concrétiser une vision et une identité personnelles dans son œuvre.

03 Approfondissez vos études en art (histoire)

Cette étape est également cruciale pour votre développement artistique et votre crédibilité en tant qu'artiste autodidacte . Une question fréquemment posée par les artistes autodidactes est de savoir s'ils possèdent des connaissances suffisantes en art et en histoire de l'art. Cependant, rien ne vous empêche de devenir un expert en art même sans master en art ou en histoire de l'art.

Il est essentiel l'histoire de l'art pour appréhender pleinement l'art moderne et sa signification. Il serait naïf de croire qu'on puisse réussir dans le monde de l'art sans connaissances artistiques. Vos connaissances et votre intelligence seront mises à l'épreuve lorsque vous tenterez de vous faire une place sur la scène artistique.

Comment et où approfondir nos connaissances ? Delagrange recommande de commencer par se familiariser avec l’histoire de l’art et de lire des manuels universitaires. Cette étape peut être considérée comme une forme d’ enseignement formel , et la prise de notes est conseillée.

Non pas pour les examens, mais pour créer un résumé personnel de l'histoire de l'art et prendre des notes utiles pour sa propre pratique artistique.

Commençons par une introduction complète à l'histoire de l'art et examinons les ouvrages suivants, qui pourraient être idéaux pour la poursuite de vos études :

« L’histoire de l’art » par E.H. Gombrich

L'ouvrage d'Ernst H. Gombrich, « Histoire de l'art », demeure un chef-d'œuvre incontesté depuis cinquante ans et figure parmi les livres d'art les plus connus et les plus appréciés. L'auteur impressionne par sa capacité à présenter les contextes culturels et historiques ainsi que les problématiques artistiques avec clarté et force de conviction.

Grâce à sa compréhension de la psychologie des arts visuels, il parvient à présenter l'histoire de l'art comme une évolution constante des intentions artistiques. Chaque œuvre est envisagée dans son contexte historique, qu'elle se distingue ou imite son prédécesseur.

Gombrich démontre que l'art reste lié aux époques passées. Sous cette nouvelle forme, ce chef-d'œuvre continuera d'initier les jeunes générations au monde de l'art et d'inspirer les amateurs.

« L’art : une histoire visuelle » par Andrew Graham-Dixon

Cet ouvrage de référence visuel présente les 2 500 œuvres d'art les plus importantes de 30 000 ans d'histoire de l'art, toutes cultures confondues. Avec plus de 3 000 illustrations exceptionnelles, 700 profils d'artistes et des informations sur les périodes et les mouvements artistiques, il constitue une ressource remarquable pour l'étude et la compréhension de l'art.

Outre une présentation détaillée des œuvres majeures, cet ouvrage aborde des thèmes tels que l'amour, le paysage, le portrait et le nu. Des peintures rupestres à l'art numérique contemporain, toutes les époques et cultures sont explorées. Ce livre illustré de grande qualité offre un éclairage sur l'évolution de l'art de la préhistoire à nos jours, ainsi qu'un panorama des mouvements et artistes importants.

C'est un ouvrage de référence fortement recommandé à tous les amateurs d'art, convaincant et informatif.

« L’art moderne. De l’impressionnisme à nos jours », par Hans Werner Holzwarth

L'art moderne a vu le jour il y a environ 150 ans à Paris avec les impressionnistes , qui ont rompu avec l'art académique classique et révolutionné le monde de l'art. Ils ont choisi des thèmes du quotidien et organisé leurs propres expositions pour contester l'establishment artistique.

Cela a donné naissance à une multitude de styles modernistes tels que le symbolisme, l'expressionnisme, le futurisme, le dadaïsme, le surréalisme, et bien d'autres. Cet ouvrage retrace le développement de l'art moderne à travers des œuvres novatrices qui ont bouleversé les conventions établies et ouvert de nouvelles voies.

Les essais introductifs expliquent les principaux mouvements du modernisme et mettent en lumière les artistes importants et leurs œuvres.

« Entretiens en images : 100 chefs-d’œuvre en détail » par Rainer et Rose-Marie Hagen

Ce livre de Rose-Marie et Rainer Hagen nous offre un éclairage fascinant sur l'histoire de l'art. Il dévoile les histoires cachées de certains des tableaux les plus célèbres en s'attachant à des détails subtils qui en disent long sur les époques révolues. Les auteurs attirent notre attention sur des aspects apparemment insignifiants, jetant ainsi un jour nouveau même sur les œuvres les plus connues.

Au fil de nos lectures, nous nous immergeons dans différentes époques et cultures, rencontrons des héros grecs et des poètes allemands, explorons des cathédrales et des cabarets, et voyageons de l'Antiquité à l'Europe moderne. Nous analysons chaque image comme un puzzle, la reconstituons et, ce faisant, dévoilons des secrets sur les gens, la politique, la mode et les opinions d'antan.

Ce livre offre un aperçu fascinant du monde des œuvres d'art et nous aide à mieux les comprendre.

Ces magnifiques ouvrages de synthèse présentent le canon de l'histoire de l'art

Pour chaque mouvement artistique ou chapitre, consultez les notes afin de découvrir des ouvrages plus spécialisés sur une période ou un artiste particulier. Cependant, les ouvrages mentionnés sont déjà très complets et fournissent des informations suffisantes pour le moment.

Nous nous intéresserons ensuite à l'art contemporain , de l'art moderne à nos jours. Les ouvrages de référence recommandés sont « Art Since 1900 » (édition anglaise), « Modern Art – From Impressionism to the Present » ( et « A History of Modern Art » de H.H. Arnason et Elizabeth C. Mansfield (édition anglaise uniquement).

Ces trois ouvrages sont sans conteste les références les plus importantes en histoire de l'art moderne, et il est même recommandé de les lire tous les trois si possible. Si un seul ouvrage peut suffire en histoire de l'art, dans ce domaine, plus on en possède, mieux c'est.

Acquérir des connaissances artistiques spécifiques

Maintenant que nous avons établi un cadre solide pour le canon artistique, il est temps d'approfondir et de se concentrer sur des mouvements artistiques, des artistes et des disciplines spécifiques .

Le choix des publications doit se fonder sur vos intérêts et votre pratique, mais je tiens à vous signaler quelques points importants. Méfiez-vous des informations inexactes contenues dans les ouvrages autoédités. De nos jours, n'importe qui peut écrire et publier un livre. Même les petites maisons d'édition produisent parfois des livres d'art de qualité douteuse.

Par conséquent, je vous recommande de des livres publiés par des maisons d'édition d'art réputées telles que Taschen , Phaidon , Thames & Hudson , Skira , Prestel Publishing , Tate Publishing , Lund Humphries , ou d'autres institutions artistiques respectées qui font office d'éditeurs – pensez aux musées ou aux universités.

Ces maisons d'édition sont réputées pour la qualité de leurs recherches artistiques, la fiabilité de leurs informations et la renommée de leurs auteurs et éditeurs. Phaidon, par exemple, propose des publications exceptionnelles sur pratiquement tous les supports, de la peinture contemporaine à la sculpture. La collection « Art fondamental » de Taschen constitue également une excellente sélection d'ouvrages consacrés à des mouvements artistiques et des artistes spécifiques.

monographiques des musées, en lien avec les rétrospectives, constituent toujours une excellente source d'information. Ces exemples témoignent d'une recherche approfondie et d'une solide formation personnelle dans le domaine de l'art reconnu, mais qu'en est-il de l'art moins connu ?

Plusieurs éditeurs proposent désormais d'excellentes publications sur ce sujet. Citons par exemple la collection Phaidon consacrée aux nouvelles perspectives artistiques, comme Vitamin P (peinture), Vitamin D (art brut) ou Vitamin Photography. Les publications des galeries sur les artistes qu'elles représentent, auxquels vous pouvez vous identifier, méritent également d'être mentionnées.

Cela nous amène à explorer d'autres sources pour approfondir nos connaissances et rester informés sur l'art contemporain : plateformes artistiques reconnues, revues d'art, institutions de conservation et musées d'art contemporain. Des informations encore plus spécialisées se trouvent dans la littérature académique consacrée à l'art contemporain.

La collection « Documents on Contemporary Art » de Whitechapel est un excellent exemple d'éditeur rassemblant les écrits universitaires les plus critiques sur un sujet précis d'art contemporain. Elle inclut également des ouvrages académiques ayant un lien indirect avec l'art, comme ceux de Foucault et Lacan.

Ne vous laissez pas intimider par l'abondance de connaissances et d'informations sur l'art à l'échelle mondiale. Il n'est pas nécessaire d'être expert ou universitaire pour réussir. Il existe différents niveaux de connaissance, l'histoire de l'art général et moderne constituant les fondements nécessaires.

Ensuite, selon vos centres d'intérêt, vous pouvez approfondir des sujets plus spécifiques. Il existe de nombreuses façons de s'informer sur l'art contemporain, par exemple grâce à des chaînes YouTube . Toutefois, il est important de noter que toutes les informations ne se valent pas.

Certaines chaînes, comme Art Assignment et Great Art Explained, proposent un contenu documenté et factuel, tandis que d'autres sont moins fiables. Vous pouvez également suivre des institutions, galeries et plateformes reconnues sur les réseaux sociaux ou vous abonner à leurs newsletters pour rester informé.

Des organisations comme Artforum , Cura , le MoMA et des personnalités influentes du monde de l'art comme Mary Lynn Buchanan constituent d'excellents points de départ. Il est important de rester curieux, de suivre ses propres intérêts et de s'intéresser régulièrement à l'art et à son histoire.

04 Apprenez à connaître le monde de l'art et ses règles non écrites de première main

À première vue, cette étape peut sembler moins importante que les précédentes. Pourtant, il n'en est rien. Le troisième « E » que nous avons souligné au chapitre précédent – ​​l'expérience – est ici essentiel.

Car la meilleure façon de découvrir le monde de l'art, c'est de le vivre soi-même

Vous pensez peut-être bien connaître le monde de l'art. Vous avez sans doute visité quelques musées et suivez des galeries et des artistes sur les réseaux sociaux. Mais cela ne suffit pas. L'art et le monde de l'art regorgent de subtilités qui, au final, font toute la différence.

Qu'il s'agisse de créer une œuvre d'art, de la finaliser et de la présenter dans une galerie, ou de tout ce qui touche aux expositions d'art – comme la création d'une série d'œuvres ou la manière dont les œuvres interagissent entre elles dans une exposition, le titre de l'exposition, la description des œuvres et leurs métadonnées, la manière d'en parler, l'installation, les inspirations pour la conception et la présentation, etc. – il faut être au fait de l'actualité du monde de l'art.

• Quelles sont les tendances actuelles dans les galeries ?
• À quoi ressemblent les œuvres, quel est leur aspect ?

Pour apprécier les subtilités de l'art qui font toute la différence, il est conseillé de visiter non seulement les musées, mais aussi les galeries d'art. Si les musées présentent principalement des œuvres d'artistes reconnus, les galeries exposent des œuvres d'artistes émergents ainsi que de nouvelles pièces d'artistes confirmés.

Les galeries d'art sont également essentielles pour une carrière dans le monde de l'art . Il est donc important d'être critique lors du choix d'une galerie et de se renseigner au préalable afin de s'assurer de se retrouver dans une galerie de grande renommée.

Les caractéristiques de qualité des galeries haut de gamme comprennent une programmation d'expositions soigneusement sélectionnées, une présentation professionnelle et élégante, un communiqué de presse pour chaque exposition, de nombreuses années d'expérience dans la gestion de galeries, la participation à des foires d'art et une présence sur des plateformes renommées telles que Artsy ou un site web de galerie professionnelle.

Certaines des galeries les plus prestigieuses au monde, celles qui parviennent à une mise en œuvre parfaite de ce concept, appartiennent à la catégorie des méga-galeries. Elles offrent un aperçu unique des règles et coutumes tacites du monde de l'art et des galeries d'art haut de gamme.

les exemples les plus marquants de méga-galeries, on peut citer :

• Gagosian
• Hauser & Wirth
• Galerie Pace
• David Zwirner
• Cube blanc
• Galerie Lisson
• Thaddée Ropac
• Perrotin
• Lehman Maupin
• Victoria Miro
• Marian Goodman
• et bien d'autres…

Une bonne stratégie consiste à privilégier les galeries émergentes plutôt que de contacter immédiatement les galeries établies. Le guide Artforum peut s'avérer utile à cet égard. Choisissez une ville d'art près de chez vous, explorez-la et partez à la découverte des galeries.

Cela vous incitera à découvrir les œuvres d'artistes émergents qui sont en passe de se faire un nom. Observez attentivement comment ces artistes se distinguent et comment ils présentent leur travail au sein d'une même exposition, voire dans le cadre de plusieurs expositions. Cela pourra vous inspirer et vous aider à développer votre propre démarche créative.

Bien qu'il soit possible de contactez-nouser les directeurs de galeries, je vous le déconseille – du moins pour le moment – ​​et de révéler que vous êtes artiste. Votre travail et vous-même n'êtes probablement pas encore prêts pour le regard critique d'un directeur de galerie, même si vous en êtes convaincu·e – et ces occasions sont rares.

Il est conseillé de manifester d'abord votre intérêt pour la galerie. Si le directeur engage la conversation, vous aurez peut-être l'occasion d'échanger sur ses activités artistiques. Expositions, conférences, festivals et événements comme la Biennale de Venise ou Art Basel offrent d'excellentes opportunités pour mieux comprendre la scène artistique et le monde de l'art contemporain.

Même si la participation à de tels événements implique des déplacements et un investissement en temps, elle peut avoir un impact significatif sur votre développement personnel, votre compréhension et vos perspectives de carrière futures, et ne doit donc pas être sous-estimée.

05 Trouver l'inspiration créative : Conseils et astuces pour le processus artistique

Lorsque l'inspiration jaillit et que la toile se dresse devant vous, le besoin d' inspiration . Comment donner vie à vos idées et faire rayonner votre art ? Des artistes comme Gerhard Richter ou Vincent van Gogh ont trouvé leur style unique en explorant des thèmes et des styles variés.

Osez expérimenter de nouvelles techniques et de nouveaux matériaux pour enrichir votre vision artistique. Explorez la diversité du monde de l'art et inspirez-vous d'autres artistes. Qu'il s'agisse d'œuvres abstraites ou de portraits réalistes, laissez la variété des styles vous stimuler pour trouver votre propre expression artistique.

En retouchant les images à votre façon, vous pouvez découvrir de nouvelles voies et libérer votre créativité.

Connaissez-vous cette situation ?

Vous trouvez enfin le temps d'aller à votre espace de travail, et là, ce sentiment terrible vous envahit : entouré d'une multitude de matériaux, vous n'avez plus aucune motivation pour créer quoi que ce soit. Trouver l'inspiration semble plus difficile que de traverser l'Atlantique à la rame.

Vous pouvez vous sentir complètement seul, mais chacun d'entre nous a déjà vécu cette expérience – une fois, plusieurs fois, souvent.

Aucun créatif ne peut travailler sans inspiration. Pour certains, trouver l'inspiration est facile et naturel, tandis que pour d'autres, cela peut s'avérer plus difficile.

Aucun créatif n'est à l'abri des blocages créatifs ; ils surviennent constamment dans toute pratique créative

Il est important de savoir se motiver, et parfois, il suffit de quelques idées et suggestions pour se remettre sur les rails.

La courte liste de livres suivante propose une approche utile lorsque l'inspiration tarde à venir :

Recommandations de livres pour stimuler la créativité

« Créatif : L’art d’être » de Rick Rubin

Le best-seller « Creative : L’art d’être » dévoile les secrets du producteur de musique à succès qui a travaillé avec des stars comme Johnny Cash, Adele, Run-DMC, Jay-Z et U2. L’ouvrage met en lumière son œuvre de manière claire et inspirante, traçant le parcours d’un artiste dont nous pouvons tous nous inspirer.

Au fil des ans, Rubin a compris que pour les artistes, l'essentiel ne réside pas seulement dans leur production, mais avant tout dans leur relation au monde. La créativité est essentielle pour tous et peut être cultivée par chacun. Chaque personne possède un pouvoir créatif inné ; il nous appartient de le libérer. « Créatif. L'art d'être » (2023) est un message vibrant qui célèbre la joie de la création artistique et l'expérimentation ludique. Il encourage à essayer, à se tromper et à recommencer, simplement pour le plaisir de créer.

Ce livre s'adresse aux mélomanes et aux musiciens en quête d'inspiration, aux créatifs souffrant du syndrome de la page blanche et désireux de surmonter leurs peurs, ainsi qu'à ceux qui recherchent un sens à leur vie et souhaitent percevoir consciemment les merveilles du monde.

« FLUX et créativité » par Mihaly Csikszentmihalyi

Dans son ouvrage « FLOW et Créativité », Mihaly Csikszentmihalyi explore le processus qui nous conduit à des idées nouvelles et à des intuitions novatrices, libérant ainsi tout notre potentiel artistique. Il y répond aux questions suivantes : où et comment la créativité émerge-t-elle ? Comment chacun peut-il découvrir et cultiver sa propre source d’inspiration ?

S’appuyant sur de nombreux entretiens avec des personnalités créatives de renom, il montre comment nous pouvons promouvoir concrètement notre propre créativité afin non seulement d’améliorer notre travail artistique, mais aussi d’enrichir notre vie dans son ensemble.

Ce livre s'adresse aux artistes et à tous les esprits créatifs en quête d'inspiration. Grâce à des réflexions pertinentes et des conseils pratiques, « Créativité » un guide précieux à quiconque souhaite libérer et développer son potentiel créatif.

« Libérez votre créativité » de Julia Cameron

Ce livre, empreint de spiritualité, invite le lecteur à découvrir le potentiel artistique qui sommeille en chacun de nous. Il montre comment éveiller notre créativité pour accomplir de grandes choses. Souvent, les doutes, les expériences négatives ou le regard des autres nous empêchent de libérer notre énergie créative.

Ce livre nous guide pour renouer avec l'artiste qui sommeille en nous et éveiller notre créativité. Grâce à des exercices et des conseils précieux, nous pouvons renforcer notre présence artistique et nous engager sur la voie d'une vie artistique épanouissante.

Ce livre est particulièrement adapté à tous ceux qui doutent de leurs propres capacités créatives et qui recherchent l'inspiration pour libérer tout leur potentiel.

« N’abandonnez pas ! : 10 façons d’accroître sa créativité, les bons comme les mauvais jours », par Austin Kleon

« N’abandonnez pas » est un livre inspirant pour les créatifs qui cultivent régulièrement leur créativité. Il propose de nombreux conseils et méthodes utiles pour rester motivé, même en période de manque d’inspiration. , auteur à succès du New York Times, présente dix stratégies pour rester non seulement créatif, mais aussi fidèle à soi-même.

Ces suggestions s'adressent principalement aux créatifs professionnels et aux artistes amateurs, mais peuvent également aider toute personne souhaitant exprimer sa créativité de temps à autre.

06 Développez votre œuvre complète – créez une œuvre cohérente

Nous voici à la sixième étape ; nous nous trouvons à un tournant crucial dans la carrière de l'artiste, où l'œuvre mûrit et où émerge une œuvre d'art totale – une unité caractérisée par une vision claire, une reconnaissabilité visuelle et un développement continu et fascinant.

Après une phase d'expérimentation, de construction d'un cadre solide servant de base au développement de sa propre vision et identité artistiques, et d'inspiration puisée dans l'art contemporain, on atteint progressivement le point où tout se rejoint.

Vous avez trouvé un médium avec lequel vous vous sentez à l'aise, des objectifs clairs et une vision que vous souhaitez concrétiser à travers votre travail.

Le moment est venu de perfectionner et de professionnaliser votre production artistique et de créer des œuvres que vous considérerez à jamais comme faisant partie intégrante de votre parcours. La cohérence est essentielle en art. Un exercice crucial pour parvenir à une œuvre cohérente et à une évolution constante et significative consiste à rédiger une déclaration d'artiste .

Dans cette section, vous explorerez votre vision, vos objectifs, votre philosophie, votre méthodologie et votre technique. Tous les éléments des étapes précédentes se combinent pour créer une synthèse très personnelle de votre identité artistique, de ce qui définit votre art et de son sens. Cette déclaration, ou vision artistique, guidera votre développement et assurera la continuité de votre démarche, à mesure que vous expérimenterez, évoluerez et progresserez.

La déclaration d'artiste ne sert pas uniquement à exposer votre travail en galerie ou à le publier sur votre site web. C'est un outil personnel, un guide pour un développement personnel continu et cohérent . Maintenant que vous avez clairement défini vos caractéristiques artistiques, il est temps de passer à l'action.

Explorez comment développer davantage votre vision artistique pour vous démarquer et accroître votre notoriété. La vie d'artiste est sans conteste l'une des professions les plus fascinantes. Le monde de l'art regorge d'artistes, bien plus que ce que les galeries, les collectionneurs et les conservateurs recherchent.

Il est donc essentiel de se démarquer, que l'on soit autodidacte ou titulaire d'un doctorat en arts. Soyez cohérent, authentique et reconnaissable. Affirmez votre singularité et restez fidèle à votre vision. Maintenir cette cohérence peut parfois s'avérer complexe.

Les galeries et les collectionneurs n'apprécient guère les changements radicaux dans le processus créatif d'un artiste, car cela pourrait donner l'impression que ce dernier se lance soudainement dans quelque chose de complètement nouveau après avoir investi du temps ou de l'argent. Cependant, cela ne signifie pas qu'il faille se répéter constamment.

Au contraire, si vous n'évoluez pas, votre travail stagnera et deviendra ennuyeux, et vous risquerez d'être catalogué comme un artiste éphémère. Nous retrouvons ici une des subtilités du monde de l'art, déjà abordée dans la section précédente : l'équilibre subtil entre constance et changement, ou plutôt, entre développement.

L'essentiel, c'est que tant que vous restez fidèle à votre vision initiale – ou que vous suivez des visions et des priorités en constante évolution – la variété est toujours un avantage.

Delagrange illustre cela par les exemples suivants :

La cohérence illustrée par Luc Tuymans

Luc Tuymans est l'un des peintres les plus importants et les plus constants de sa génération. Son œuvre, qui embrasse des scènes de l'Holocauste, une fresque de Mickey Mouse, des natures mortes et des représentations de nombres, conserve néanmoins une vision cohérente dans toutes ses créations.

Il explore la théorie de l'image dans le contexte de la peinture, abordant des thèmes tels que les simulacres, la surcharge d'images, l'histoire et les complexités morales. Ce qui relie visuellement ces thèmes divers, ce sont ses coups de pinceau tremblants caractéristiques et sa palette de couleurs subtile. Ces éléments assurent la cohérence et la reconnaissabilité de l'œuvre, permettant à l'artiste belge de se consacrer pleinement à n'importe quel sujet ou motif.

Tracey Emin – Autobiographie et controverses : un fil conducteur

Tracey Emin en est un parfait exemple : elle passe avec aisance des installations aux sculptures en passant par la peinture figurative. Elle puise son inspiration dans des éléments autobiographiques et des controverses pour nourrir sa vision artistique.

Dans l'interview qui suit, elle partage six leçons importantes à maîtriser pour réussir en tant qu'artiste :

D'autres exemples…

Tout aussi impressionnants sont les artistes qui s'approprient certains motifs et en font leur signature, comme les pois et les citrouilles de Yayoi Kusama ou les cages, les araignées et les spirales de Louise Bourgeois . Il est important de souligner que ces motifs sont choisis consciemment et sont le fruit direct de leur vision et de leur histoire personnelles.

Certains artistes consacrent leur vie entière à une seule chose, perfectionnant une idée ou une technique – pensons à Mark Rothko ou Carmen Herrera . D'autres ont une vision qui intègre les changements radicaux comme partie intégrante de leur démarche – sans eux, il n'y a pas de cohérence.

Pensons à l' approche délibérément dénuée de style de Maurizio Cattelan et Ryan Gander . Ou encore à Gerhard Richter, dont l'œuvre picturale se caractérise par une recherche incessante des possibilités de la peinture, du photoréalisme à l'abstraction pure, en passant par la figuration conceptuelle minimale et les peintures aux contours nets.

Les nuances de ces visions et l'interaction entre continuité et évolution soulignent une fois de plus l'importance de nos étapes précédentes. Il est donc conseillé d'étudier l'œuvre d'autres artistes pour comprendre comment créer sa propre œuvre. Un point de départ pertinent peut être une vision claire, une philosophie, une technique ou une sélection de motifs.

Par conséquent, notez votre vision et poursuivez-la avec constance dans votre atelier. Commencez à professionnaliser votre pratique artistique en utilisant des matériaux de haute qualité et en soignant chaque œuvre. Chaque pièce doit être d'une qualité constante, des expérimentations aux œuvres finies prêtes à être présentées au public.

Il est temps de faire vous aussi partie du monde de l'art !

07 Créer un profil d'artiste professionnel

Pour réussir dans le monde de l'art, il est essentiel de veiller à ce que tout soit précis, professionnel et conforme aux exigences d'un artiste sérieux, surtout pour les autodidactes. Cette étape prend en compte tous les détails pertinents afin de garantir un profil d'artiste convaincant et professionnel.

Cela montrera à un collectionneur ou galeriste potentiel intéressé par votre travail que tout est réalisé avec méticulosité. Cela renforce considérablement votre crédibilité en tant qu'artiste sérieux et améliore vos chances de succès dans le monde de l'art.

De l'avis de Delagrange, de nombreux artistes – qu'ils soient autodidactes ou formés – échouent à ce stade et se perdent, même s'ils possèdent un grand talent et un fort potentiel.

Passons maintenant en revue les points importants à prendre en compte. Il est essentiel de respecter scrupuleusement les points mentionnés ici. Votre image d'artiste, en ligne comme dans la vie réelle, doit être claire, formelle, professionnelle et même empreinte d'un certain mystère.

Tout autre élément non mentionné ici pourrait nuire à votre crédibilité d'artiste. Alors, comment préparer au mieux notre profil d'artiste ?

7.1. Documentez votre art

Il est essentiel de de photographies professionnelles de vos œuvres. Veuillez prendre des photos de haute qualité et vous assurer de posséder des fichiers haute résolution. Il peut également être utile de réaliser des mises en scène ou des vues d'atelier de vos œuvres dans un espace approprié.

Évitez de simuler votre travail avec des applications dans des galeries ou des espaces (ce qu'on appelle des maquettes). Aménagez votre salon ou votre studio en conséquence, louez un espace ou profitez d'une exposition pour prendre des photos de haute qualité. Cela renforcera sans aucun doute votre crédibilité.

Documentez votre œuvre d'art de manière exhaustive et consignez toutes les informations importantes : signification, titre, année, technique et dimensions.

Créez un catalogue exhaustif contenant toutes les données pertinentes que vous pourrez présenter à vos clients potentiels et aux galeries.

7.2. CV d'artiste – Curriculum Vitae – Résumé d'artiste

L'étape suivante consiste à créer un CV d'artiste . Celui-ci contient toutes les informations pertinentes et sert de guide aux galeries, aux collectionneurs et aux conservateurs pour comprendre où vous en êtes actuellement dans votre carrière.

Votre CV doit inclure des informations sur votre année et pays de naissance, votre lieu de résidence actuel, votre formation et vos qualifications, votre expérience professionnelle, votre parcours d'expositions, une sélection de vos publications, votre couverture médiatique, vos prix, vos collections et vos résidences artistiques. Étant moi-même autodidacte, je déconseille d'inclure des personnes autodidactes dans votre CV.

N'indiquez votre formation que si elle est pertinente ; sinon, laissez ce champ vide. Utilisez cette structure comme guide et analysez les CV d'artistes reconnus ou les sites web de galeries. Adoptez la même mise en page, la même structure et la même approche professionnelle.

Ne vous inquiétez pas si votre CV d'artiste est actuellement peu fourni. Nous l'enrichirons progressivement, année après année. Il est tout à fait normal de n'avoir participé qu'à peu ou pas d'expositions jusqu'à présent ; tout le monde débute modestement.

L'équipe du CAI a d'ailleurs rédigé un article détaillé sur la création d'un CV pour les artistes débutants ou ayant peu d'expérience. Vous trouverez un guide complet ici , incluant des exemples et un modèle de CV.

7.3. Site web de l'artiste / portfolio en ligne

Le site web de l'artiste fait office de et de portfolio numériques , et doit refléter son professionnalisme.

Un design minimaliste et de haute qualité est essentiel pour se faire connaître dans le monde de l'art. Inspirez-vous des sites web d'artistes renommés et présentez votre propre site avec une page d'accueil claire et concise , une sélection de vos meilleures œuvres (portfolio), votre CV et, éventuellement, une courte biographie.

Une étape cruciale pour devenir un artiste reconnu est la présentation soignée de son travail. Un portfolio bien conçu, qu'il soit numérique ou imprimé, offre aux clients potentiels et aux galeries un aperçu complet de votre vision artistique et de votre diversité.

Une page de contactez-nous complète l'offre. Cependant, des éléments comme un blog, une boutique en ligne ou des produits dérivés sont superflus pour un artiste professionnel. Dans le monde de l'art, il est courant que les acheteurs potentiels se renseignent directement par courriel sur les prix et la disponibilité des œuvres. Il est donc inutile de publier les prix en ligne ou de créer une boutique en ligne.

7.4. Autopromotion en tant qu'artiste : Comment trouver mon public cible ?

Trouver son public cible peut être une aventure passionnante qui propulsera votre carrière artistique vers de nouveaux sommets. Il est essentiel de comprendre sérieusement et avec précision les besoins et les intérêts de votre public. En prenant en compte les retours et en présentant votre travail de manière stratégique, vous pouvez tisser un lien authentique avec vos potentiels soutiens.

Exploitez la diversité des plateformes numériques et des réseaux sociaux pour rendre votre art accessible à un public plus large. Damien Hirst , Takashi Murakami , Wolfgang Tillmans, Nan Goldin et Cindy Sherman ont tous trouvé leur public cible et ont su le captiver.

Osez, expérimentez différentes stratégies marketing pour trouver votre propre voie. Votre art mérite d'être apprécié et soutenu par les bonnes personnes. Trouvez votre niche et rayonnez de confiance : votre public cible n'attend que vous pour le découvrir.

Cependant, trouver le juste équilibre est tout aussi important dans le domaine des médias sociaux . De manière générale, il convient de privilégier Instagram . Il est impressionnant de constater combien de galeristes et de collectionneurs découvrent et contactent de nouveaux artistes grâce à Instagram.

Une présence en ligne permet de se constituer une communauté de fans et, par conséquent, d'accroître sa crédibilité. YouTube le vlogging par les artistes reste mal vu , même si toutes les grandes institutions artistiques y sont représentées. Julien Delagrange, directeur de la galerie CAI, conseille néanmoins de se concentrer pour l'instant sur Instagram et d'adopter un ton professionnel dans ses publications.

08 Développez votre carrière de manière organique et pensez à long terme

Instagram est déjà reconnu comme une excellente plateforme pour découvrir des artistes. Cependant, pour vraiment réussir, les artistes doivent franchir quelques étapes supplémentaires. Avant d'aborder les actions concrètes à entreprendre, parlons des erreurs à éviter .

L'autopromotion agressive est mal vue dans le monde de l'art

Le succès ne se force pas. Il est donc conseillé de ne pas trop se mettre en avant : évitez de démarcher à froid les galeries, les magazines, les collectionneurs et les institutions. Ne considérez pas votre art comme un simple produit commercial à vendre par la publicité, des prospectus ou des réductions. Restez professionnel et ne forcez rien.

L'objectif est plutôt de poursuivre une carrière organique et de penser à long terme en laissant son empreinte sur le monde de l'art , ce qui finira par vous amener à être contacté par des galeries, des collectionneurs et des magazines.

Immergez-vous activement dans le milieu artistique en visitant des expositions et des galeries, comme suggéré à l'étape précédente. Tissez des liens authentiques en discutant d'art par intérêt sincère, et non par intérêt personnel. Échangez avec des personnes partageant les mêmes centres d'intérêt et impliquez-vous dans le monde de l'art pour favoriser votre réussite.

Même en tant qu'introverti ne se considérant pas comme un expert en réseautage, vous pouvez activement améliorer vos chances de faire carrière dans le monde de l'art en recherchant des opportunités dans ce domaine. Pensez aux appels à candidatures pour des expositions, des résidences d'artistes , des concours artistiques , des bourses , des appels à projets pour l'art public et autres opportunités similaires.

Un excellent moyen de découvrir ces opportunités est de passer par la plateforme Artenda.net , qui vous tient informé(e) des opportunités artistiques les plus intéressantes. Il est important pour un artiste d'être présent et bien préparé. Faites confiance au processus.

Si votre art est de grande qualité et que votre profil d'artiste est conçu de manière professionnelle, discrète et harmonieuse, votre travail attirera l'attention. Et si votre profil est attrayant et professionnel, on vous contactez-nousera, que vous soyez autodidacte ou non.

À partir de là, les choses se mettent en marche. Dès que vous participez à une exposition – que ce soit par le biais d'un appel à candidatures, d'une invitation d'une galerie ou en collaborant avec d'autres artistes – de nouvelles opportunités s'offrent à vous.