Art-o-Gram: ¿Qué es exactamente el arte conceptual?

Kunstplaza presenta regularmente en este blog a diversos artistas que se han consolidado en nuestro mundo. Muchos de estos artistas se describen como "artistas conceptuales ", lo que a menudo lleva a quienes se inician en el arte a preguntarse qué el arte conceptual .

Para principiantes, aquí tenéis un Art-o-Gram sobre arte conceptual, una introducción básica que proporciona conocimientos iniciales y pretende fomentar una mayor exploración de esta apasionante forma de arte:

Los intentos de acercarse al arte conceptual a menudo terminan en una leve desesperación… 😉

A muchas personas les cuesta comprender el arte conceptual; incluso les cuesta reconocerlo como tal. Les resulta aún más difícil acercarse a un artista conceptual y formular suposiciones (significativas) sobre "lo que el artista intenta transmitirnos" .

Así pues, tal vez los científicos deberían dar su opinión primero; como siempre, cuando la comprensión de un campo no es del todo sencilla, un intento de clasificación podría resultar útil.

Y así, los historiadores del arte también han dedicado mucho tiempo a intentar encajar el arte conceptual en un marco, con éxito, por supuesto; el arte conceptual se considera un estilo artístico propio (puedes leer más sobre esto en el artículo de Art-o-Gram "Cómo la historia del arte pone orden en el arte").

¿Qué es exactamente el arte conceptual?

En el artículo que acabamos de mencionar, aprenderá que clasificar el arte es una de las tareas más difíciles que un verdadero científico —neutral, centrado en impartir conocimiento y no en el mérito de ningún tipo— puede emprender.

Definición en cuatro frases cortas:

El arte conceptual es un estilo artístico cobró forma significativa en la década de 1960 gracias al artista estadounidense Sol LeWitt y al pintor y artista de objetos franco-estadounidense Marcel Duchamp Arte Conceptual o Conceptualismo ). El arte conceptual no es un movimiento o estilo artístico coherente, sino más bien un conjunto de estrategias. Los artistas conceptuales entienden el arte como una idea, no como la creación de un objeto artístico concreto y terminado.

Los orígenes del arte conceptual se encuentran en el arte minimalista ( el minimalismo como forma de arte), y con él se desarrollan aún más las teorías y tendencias de la pintura abstracta .

Una clasificación más compleja del arte conceptual

La clasificación resulta particularmente problemática en el caso del arte conceptual; de hecho, todos los criterios comunes de clasificación "fallan" en el arte conceptual: no se adhiere ni a un género (a menudo se utiliza una amplia variedad de medios), ni a un género específico (muchas fotografías o paisajes se convierten en instalaciones, que a su vez son grandes retratos), ni a una forma de arte específica (la escultura de un artista conceptual ciertamente puede crearse a partir de escritura en papel).

Así pues, el arte conceptual solo puede clasificarse según su estilo , y probablemente por esta razón, el arte conceptual se considera casi sin discusión como uno de los estilos artísticos claramente distinguibles que ha desarrollado el mundo de la apreciación del arte.

Dependiendo de si el enfoque se limita a Europa o incluye todo el mundo del arte, de si se consideran todas las épocas pasadas o solo las más cercanas al presente, de si el enfoque se limita al llamado arte elevado o incluye el arte y la artesanía cotidianos, se distinguen varias docenas o incluso el doble de estilos artísticos, con ramificaciones más burdas y más sutiles y subdivisiones polémicas; sin embargo, el arte conceptual mantiene su propio lugar entre todos los modelos estilísticos.

En estilística, reconocida como columna vertebral de la apreciación artística, se buscan las características comunes que exhiben diferentes obras de arte, con el fin de luego unificarlas bajo una denominación estilística.

, el arte conceptual se considera en fue fundado en la década de 1960 por el artista estadounidense Sol LeWitt

Fue el primero en definir la característica considerada crucial para esta clasificación, lo que llevó a comprender que hoy en día el arte conceptual es aquel en el que el concepto de la obra ocupa un lugar central. Se le otorga a la idea mucha más importancia que a la creación artística en sí.

En el arte conceptual, la ejecución de la obra ni siquiera tiene que ser realizada por el propio artista, lo que significa que, en el arte conceptual, además de la obra terminada, las instrucciones y los bocetos, las notas y los cuadernos de artista también se consideran obras de arte.

El arte conceptual desmaterializa así la obra de arte y rápidamente desarrolla la consecuencia lógica de que el espectador debe ser incluido en la obra.

Sus asociaciones y el contexto en el que se contempla una obra desempeñarán un papel cada vez más importante en el desarrollo del arte conceptual, culminando en de Dan Graham :

En su opinión, sus pabellones de arte solo existen cuando el público entra en ellos, cuyas diversas reacciones, provocadas por Graham, dan vida a la obra de arte.

La importancia de esta característica también explica por qué formas de arte tan diversas como el arte objetual, los objetos efímeros, las instalaciones específicas del lugar o los happenings pueden considerarse parte del arte conceptual.

Simplemente deben partir de la idea de que el pensamiento, el concepto, es de vital importancia para la obra de arte. La ejecución de la idea no tiene por qué ser realizada necesariamente por el artista.

En lugar de la obra terminada, los bocetos, los textos de instrucciones, las notas, etc., ahora ocupan un lugar central. También se incluyen libros de artista que desarrollan sus propias cualidades estéticas.

Para el espectador de este arte, existe una característica crucial completamente diferente: para comprender una obra de arte conceptual, siempre tendrá que interactuar con el artista y sus ideas; de lo contrario, nunca podrá reconocer un concepto.

El arte conceptual representa un aspecto importante del arte contemporáneo, pero no debe confundirse con todas las prácticas artísticas que rechazan los medios clásicos como la pintura y la escultura o que sitúan la intencionalidad del artista en el centro del proceso creativo.

Contribución en vídeo de la Schirn Kunsthalle como enfoque explicativo adicional

Otro enfoque para definir el arte se puede encontrar en el siguiente vídeo “¿QUÉ ES EL ARTE CONCEPTUAL? | La forma más corta de obtener más conocimientos sobre arte” ofrece la reconocida Schirn Kunsthalle de Frankfurt

Las ideas clave de un vistazo

• «La idea se convierte en una máquina que crea arte» : esta era la autopercepción del artista Sol LeWitt, que expresó en su texto «Párrafos sobre arte conceptual» en 1969. Esta frase representa el concepto básico del movimiento, enfatizando el predominio de la idea.
• La obra no tiene por qué ser un objeto terminado. Un conjunto de instrucciones del artista puede ser suficiente.
• El arte conceptual abandona la belleza, la estética, la rareza y la habilidad como medios para evaluar una obra de arte.
• El arte conceptual debe resultar intelectualmente interesante y estimulante para el espectador. Los artistas pretenden que el arte conceptual sea provocativo.
• Las obras de arte conceptual también cuestionan el papel de los museos y el poderoso rol del mercado del arte como "dictador" del arte y la producción artística.

¿Cómo se originó el estilo artístico "Arte Conceptual"?

Todo comenzó con el expresionismo , un movimiento artístico de la pintura moderna que surgió en Norteamérica después de la Segunda Guerra Mundial, y que puso más énfasis en la espontaneidad y las emociones que en las reglas, la razón y la perfección.

el Minimalismo Arte Minimalista en inglés también se desarrolló en Norteamérica a principios de la década de 1960 , buscando la claridad esquemática, la lógica y la objetividad, y la supresión de la expresión personal.

El expresionismo abstracto, en particular, estuvo decisivamente influenciado por los dadaístas y surrealistas Marcel Duchamp (que vivió en Nueva York durante ambas guerras mundiales) y su amigo René Magritte (que tuvo su primera exposición en Nueva York en 1936), y algunos aspectos de estos estilos artísticos ciertamente convirtieron a estos dos extraordinarios artistas en pioneros del arte conceptual.

El surrealismo consideraba que su principal tarea era sacudir los hábitos convencionales en la percepción del arte, y el dadaísmo se rebeló contra todo arte y forma artística convencional y contra todos los ideales burgueses.

De este modo, el ideal de Magritte de una realización de la realidad inherente a la obra de arte se convirtió en un pilar programático del arte conceptual, al igual que la idea de Duchamp de que "retiniano" (arte perceptible solo por el ojo) era sensacionalista y no debía tomarse en serio, y que el verdadero arte surge cuando la obra de arte tiene un efecto en el pensamiento.

El origen del término arte conceptual se remonta a un texto de Henry Flint de 1961, Ensayo: Arte conceptual , en el que el artista y filósofo del grupo Fluxus describió sus performances y obra artística como trabajo conceptual.

Marcel Broodthaers también en un importante teórico del arte conceptual a lo largo de su trayectoria artística, llegando incluso a ser prácticamente un artista conceptual. Por ejemplo, al ser el primero en abordar la teoría del arte, el mercado del arte y el funcionamiento de los museos en su obra, o al trascender los límites de la pintura ya a finales de la década de 1960 para presentar instalaciones, libros de artista, esculturas, películas y fotografías como obras de arte.

Sin embargo, fue el minimalista estadounidense Sol LeWitt quien acuñó el término «Arte Conceptual» , al escribir «Párrafos sobre el Arte Conceptual» en 1967, donde definió su arte como «conceptual» y relevante para el espectador principalmente en un sentido intelectual, en contraste con el «arte perceptual», . Por primera vez en esta obra, la idea de la obra de arte, el concepto, cobra protagonismo.

Sin embargo, se considera que la primera exposición de arte conceptual fue la del artista estadounidense Mel Bochner en 1966, que tuvo lugar en la galería de la Escuela de Artes Visuales de Nueva York .

Fue la primera exposición de Bochner; para "Dibujos de trabajo y otras cosas visibles en papel que no necesariamente deben ser vistas como arte" había fotografiado dibujos de diseño, notas, bocetos y otro material de artistas minimalistas amigos, por ejemplo, una factura de Donald Judd por 3.051,16 dólares, recogió las impresiones en cuatro carpetas negras y las exhibió en cuatro pedestales.

"arte conceptual" culminó en cuatro importantes exposiciones en 1969 y en el ensayo de Lucy Lippard " Seis años: la desmaterialización del objeto artístico de 1966 a 1972" , en el que la historiadora del arte estadounidense describe con precisión el movimiento de arte conceptual de aquella época.

Desde entonces, numerosos artistas conceptuales de renombre internacional han presentado sus obras. Para comprender cómo se ajustan a la definición presentada y la gran importancia del arte conceptual en el panorama artístico actual, lea el artículo de Art-o-Gram titulado «Artistas conceptuales y la importancia del arte conceptual» .

El arte conceptual hoy

El movimiento del arte conceptual se asocia formalmente con los artistas conceptuales de las décadas de 1960 y 1970. Sin embargo, sigue presente en la producción artística de muchos artistas contemporáneos.

Incluso en el siglo XXI, artistas que tal vez no se definan como conceptuales crean Arte Conceptual . La influencia del Conceptualismo se encuentra tanto en las tendencias hacia una crítica sociopolítica o institucional de la obra de arte, como en el uso de ideas e información como medios para definir el arte.

Su lenguaje artístico se puede encontrar en el arte de instalación moderno, el arte de performance, el arte de la tierra o el arte digital y de video.

Artistas conceptuales importantes y sus obras más importantes

Entre las obras más importantes del Arte Conceptual se encuentra sin duda "Wall Drawing #46" de Sol LeWitt . La obra consiste en instrucciones escritas del artista: "Líneas verticales, no rectas, que no se toquen, cubran la pared uniformemente" , que luego puede ser ejecutadas por el espectador.

El artista no participa directamente en la creación y materialización física de la obra.

«Una y tres sillas» de Joseph Kosuth es otra obra innovadora de arte conceptual. Esta obra consta de una silla, una fotografía de la silla a tamaño natural y la definición de la palabra «silla» según el diccionario.

Este concepto pretende animar a los espectadores a preguntarse: ¿Qué constituye la "silla"? ¿Es el objeto, la definición, la fotografía o las tres cosas? Kosuth también alude a la forma en que se construye el lenguaje y cómo las palabras adquieren significado al aplicarse a los objetos.

Entre los pioneros más influyentes del arte conceptual se encontraban también el artista de performance Allan Kaprow (1927-2006), conocido por sus "happenings", y Andy Warhol  (1928-1987). Ambos artistas utilizaron el conceptualismo en diversas formas (véase Gallerix ).

Entre los ejemplos recientes de conceptualismo se incluyen los artistas de arte verbal Barbara Kruger y Christopher Wool , así como el conmovedor arte corporal de Marina Abramovic (nacida en 1946).

Artistas famosos asociados al Conceptualismo:

Yves Klein , autor de obras Aerostatic Sculpture  (1957, París), en la que la galería Iris Clert lanzó al cielo 1001 globos azules. Al año siguiente, Klein afirmó que sus pinturas eran ahora invisibles y lo demostró exponiendo un espacio vacío (Le Vide, El Vacío), un ejemplo temprano de arte de instalación.

Stanley Brouwn , famoso por su declaración artística de 1960 de que todas las zapaterías de Ámsterdam albergaban una exposición de su obra.

Piero Manzoni escandalizó al mundo del arte en 1961 al exhibir sus propios excrementos. También exhibió globos inflados con su aliento. Otra de sus técnicas poco convencionales consistía en firmar los cuerpos de sus clientes, convirtiéndolos así en obras de arte vivientes.

Christo y Jeanne -Claude Javacheff , escultor y artista conceptual búlgaro, se hicieron famosos por su obra de 1962 « Telón de Acero » Se  trataba de una barrera hecha con barriles de petróleo erigida en una estrecha calle parisina, que provocaba atascos de tráfico. Explicó que el «arte» no radicaba en la barricada en sí, sino en la congestión de tráfico resultante.

Yoko Ono " Grapefruit" en 1964 libro con instrucciones y dibujos que describen cómo lograr una experiencia estética cortando y comiendo pomelos.

John Baldessari , conocido por su película de 1970, en la que una serie de observaciones intelectualmente importantes sobre el arte conceptual de Sol LeWitt de piezas populares como "Some Enchanted Evening" y "Camptown Races" .

Douglas Huebler , conocido por su exposición de los años 70 de 12 fotografías tomadas cada dos minutos mientras conducía su coche por una carretera durante 24 minutos.

Judy Chicago , la artista feminista más destacada de la década de 1970, creó la instalación conceptual «La Cena ». Esta obra consistía en una mesa triangular con 39 cubiertos en honor a importantes figuras femeninas de la historia. Los nombres de otras 999 mujeres estaban grabados en las baldosas del suelo bajo la mesa.

Walter De Maria , quien en 1977 hundió una varilla de latón de un kilómetro de longitud en el suelo del norte de Alemania y denominó al resultado Kilómetro Vertical de Tierra. El «arte», por lo tanto, existe en la mente de las personas.

Christopher Williams , conocido por su obra de 1989. Esta consistía en una serie de fotografías monocromáticas de especímenes encapsulados en vidrio del Museo Botánico de Harvard, seleccionados de una lista de los treinta y seis países que registraron desaparición política en 1985.

Tracey Emin creó un ejemplo popular de arte posmoderno con su instalación " Mi cama " cuya exposición de 1999 fue nominada al Premio Turner. Consistía en una cama sin hacer llena de objetos personales como condones, bragas manchadas de sangre, botellas y zapatillas.

Martin Creed , el artista posmoderno escocés, ganó el Premio Turner en 2001 con su obra conceptual « 227: Las luces se encienden y se apagan ». Nueve años después, el creador donó esta singular obra, que consiste en una habitación vacía con una bombilla parpadeante e instrucciones adjuntas, a la nación. A pesar de haber sido ridiculizada por varios críticos de arte y objeto de burlas por parte de uno de sus rivales artísticos, esta obra maestra conceptual se ha exhibido desde entonces en algunas de las galerías más importantes del mundo, la más reciente en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York.

Otros artistas posmodernos que han utilizado el conceptualismo en su trabajo incluyen: Giovanni Anselmo (nacido en 1934), Daniel Buren (nacido en 1938), Michael Craig-Martin (nacido en 1941), Gilbert & George (nacidos en 1943; nacidos en 1942), On Kawara (nacido en 1932), Giuseppe Penone (nacido en 1947), Cindy Sherman (nacida en 1954) y Martin Creed (nacido en 1968).