Art-o-Gram: ¿Qué es exactamente el arte conceptual?

Kunstplaza presenta regularmente en este blog a diversos artistas que se han labrado un nombre en nuestro mundo. Muchos de estos artistas son descritos como "artistas conceptuales ", lo que a menudo lleva a quienes se inician en el arte a preguntarse qué el arte conceptual .

Para principiantes, aquí tenéis un Art-o-Gram sobre arte conceptual, una introducción esquemática que proporciona conocimientos iniciales y pretende animar a explorar más a fondo esta apasionante forma de arte:

Los intentos de acercarse al arte conceptual a menudo terminan en una leve desesperación… 😉

A muchas personas les cuesta comprender el arte conceptual; incluso les cuesta reconocerlo como arte. Les resulta aún más difícil acercarse a un artista conceptual y hacer suposiciones (con sentido) sobre "lo que el artista intenta comunicarnos".

Así que tal vez los científicos deberían dar su opinión primero: como siempre, cuando comprender un campo no es completamente sencillo, un intento de clasificación podría ayudar.

Y por eso los historiadores del arte también han pasado mucho tiempo intentando forzar el arte conceptual dentro de un marco, con éxito por supuesto, ya que el arte conceptual se considera su propio estilo artístico (puede leer más sobre esto en el artículo de Art-o-Gram “Cómo la historia del arte pone orden en el arte”).

Entonces, ¿qué es exactamente el arte conceptual?

En el artículo que acabamos de mencionar, aprenderá que clasificar el arte es una de las tareas más difíciles que un verdadero científico, neutral, centrado en impartir conocimiento y no en méritos de ningún tipo, puede emprender.

Definición en cuatro frases cortas:

El arte conceptual es un estilo artístico en la década de 1960 gracias al artista estadounidense Sol LeWitt y al pintor y artista de objetos franco-estadounidense Marcel Duchamp se consolidó significativamenteArte Conceptual o Conceptualismo). El arte conceptual no constituye un movimiento o estilo artístico cohesionado, sino más bien un conjunto de estrategias. Los artistas conceptuales entienden el arte como una idea, no como la creación de un objeto artístico concreto y acabado.

Los orígenes del arte conceptual se encuentran en el arte minimalista (el minimalismo como forma de arte), y con él se desarrollan aún más las teorías y tendencias de la pintura abstracta .

Una clasificación más compleja del arte conceptual

La clasificación resulta particularmente problemática en el caso del arte conceptual; de hecho, todos los criterios comunes de clasificación "fallan" en el arte conceptual: no se adhiere ni a un género (a menudo se utiliza una amplia variedad de medios), ni a un género específico (muchas fotografías o paisajes se convierten en instalaciones, que a su vez son grandes retratos), ni a una forma de arte específica (la escultura de un artista conceptual ciertamente puede crearse a partir de escritura en papel).

Así, el arte conceptual sólo puede clasificarse según el estilo, y probablemente por esta razón, el arte conceptual es considerado casi sin discusión como uno de los estilos artísticos claramente distinguibles que el mundo de la apreciación del arte ha desarrollado.

Dependiendo de si el enfoque se limita a Europa o incluye todo el mundo del arte, si se consideran todas las épocas pasadas o solo las más cercanas al presente, si el enfoque se limita al llamado arte elevado o incluye el arte y la artesanía cotidianos, se distinguen varias docenas o incluso el doble de estilos artísticos, con ramificaciones más burdas y más finas y subdivisiones polémicas; sin embargo, el arte conceptual mantiene su propio lugar entre todos los modelos estilísticos.

En la estilística, columna vertebral reconocida de la apreciación del arte, se buscan las características comunes que exhiben diferentes obras de arte, para luego unirlas bajo una designación estilística.

en se considera , el arte conceptual en la década de 1960 por el artista estadounidense Sol LeWitt fue fundado

Fue el primero en definir la característica considerada crucial para esta clasificación, lo que dio como resultado la comprensión de que hoy en día el arte conceptual es aquel en el que el concepto de la obra cobra protagonismo. Se le da a la idea mucha más importancia que a la creación misma de la obra.

En el arte conceptual, la ejecución de la obra de arte ni siquiera tiene que ser realizada por el propio artista, lo que significa que en el arte conceptual, además de la obra de arte terminada, también se consideran obras de arte las instrucciones y bocetos, las notas y los libros de artista.

El arte conceptual desmaterializa así la obra de arte y desarrolla rápidamente la consecuencia lógica de que el espectador debe ser incluido en la obra de arte.

Sus asociaciones y el contexto en el que se ve una obra desempeñarán un papel cada vez más importante en el desarrollo del arte conceptual, que culminará en de Dan Graham:

En su opinión, sus pabellones de arte sólo existen cuando el público entra en ellos, cuyas diversas reacciones, provocadas por Graham, dan vida a la obra de arte.

La importancia de esta característica también explica por qué formas de arte tan diversas como el arte objetual, los objetos efímeros, las instalaciones específicas para un lugar o los happenings pueden considerarse parte del arte conceptual.

Simplemente deben tener su origen en la idea de que el pensamiento, el concepto, es de importancia primordial para la obra. La ejecución de la idea no tiene por qué ser necesariamente realizada por el artista.

En lugar de la obra terminada, ahora cobran protagonismo bocetos, instrucciones, notas, etc. También se incluyen libros de artista que desarrollan sus propias cualidades estéticas.

Para el espectador de este arte, existe una característica crucial completamente diferente: para comprender una obra conceptual, siempre tendrá que interactuar con el artista y sus ideas; de lo contrario, nunca podrá reconocer un concepto.

El conceptualismo representa un aspecto importante del arte contemporáneo, pero no debe confundirse con todas las prácticas artísticas que rechazan los medios clásicos como la pintura y la escultura o que sitúan la intencionalidad del artista en el centro del proceso creativo.

Contribución en vídeo de la Schirn Kunsthalle como enfoque explicativo adicional

Otro enfoque para definir el arte se puede encontrar en el siguiente video “¿QUÉ ES EL ARTE CONCEPTUAL? | La forma más rápida de aprender más sobre arte”por la reconocida Schirn Kunsthalle de Frankfurt ofrecido

Las ideas clave de un vistazo

• «La idea se convierte en una máquina que crea arte» : esta era la autoimagen del artista Sol LeWitt, que expresó en su texto «Párrafos sobre arte conceptual» en 1969. Esta frase representa el concepto básico del movimiento, haciendo hincapié en el predominio de la idea.
• La obra no tiene por qué ser un objeto (terminado). Unas instrucciones del artista pueden ser suficientes.
• El arte conceptual abandona la belleza, la estética, la rareza y la habilidad como medios para evaluar una obra de arte.
• El arte conceptual debe ser intelectualmente interesante y estimulante para el espectador. Los artistas buscan que el arte conceptual sea provocativo.
• Las obras de arte conceptual también cuestionan el papel de los museos y el poderoso papel del mercado del arte como “dictador” sobre el arte y la producción artística.

¿Cómo se originó el estilo artístico “Arte Conceptual”?

Todo comenzó con el expresionismo, un movimiento artístico de pintura moderna que surgió en Norteamérica después de la Segunda Guerra Mundial y que hacía más hincapié en la espontaneidad y las emociones que en las reglas, la razón y la perfección.

también se desarrolló en Norteamérica a principios de la década de 1960 el Minimalismo en inglés Arte Minimalista, con el objetivo de lograr claridad esquemática, lógica y objetividad, así como la supresión de la expresión personal.

en particular, El expresionismo abstracto, estuvo decisivamente influenciado por los dadaístas y surrealistas Marcel Duchamp (que vivió en Nueva York durante las dos Guerras Mundiales) y su amigo René Magritte (que realizó su primera exposición en Nueva York en 1936), y algunos aspectos de estos estilos artísticos sin duda convirtieron a estos dos extraordinarios artistas en pioneros del arte conceptual.

consideraba El surrealismo que su principal tarea era sacudir los hábitos convencionales en la percepción del arte, y el dadaísmo se rebeló contra todo arte y forma artística convencional y contra todos los ideales burgueses.

De este modo, el ideal de Magritte de una clarificación de la realidad inherente a la obra de arte se convirtió en un pilar programático del arte conceptual, al igual que la idea de Duchamp de que "retiniano" (arte perceptible solo a simple vista) era sensacionalista y no debía tomarse en serio, y que el verdadero arte surge cuando la obra de arte influye en el pensamiento.

El origen del término arte conceptual se remonta a un texto de Henry Flint de 1961, Ensayo: Arte conceptual , en el que el artista y filósofo del grupo Fluxus describió sus performances y su obra artística como obra conceptual.

también Marcel Broodthaers se convirtió, a lo largo de su trayectoria artística, en un importante teórico del arte conceptual, llegando a ser prácticamente un artista conceptual. Por ejemplo, fue el primero en convertir la teoría del arte, el mercado del arte y el funcionamiento de los museos en el tema central de su obra, o traspasó los límites de la pintura ya a finales de la década de 1960 para presentar instalaciones, libros de artista, esculturas, películas y fotografías como obras de arte.

precisamente en esta época «arte conceptual» , al escribir «Párrafos sobre arte conceptual» en 1967, donde definió su arte como «conceptual» y relevante para el espectador principalmente en un sentido intelectual, en contraste con el «arte perceptual»,. Por primera vez en esta obra, la idea de la obra, el concepto, ocupa un lugar central.

Sin embargo, se considera que la primera exposición de arte conceptual fue la del artista estadounidense Mel Bochner en 1966, que tuvo lugar en la galería de la Escuela de Artes Visuales de Nueva York .

Fue la primera exposición de Bochner, titulada "Dibujos de trabajo y otras cosas visibles en papel que no necesariamente deben considerarse arte". Para ello, fotografió dibujos de diseño, notas, bocetos y otros materiales de artistas minimalistas amigos, como por ejemplo una factura de Donald Judd por 3051,16 dólares, recopiló las copias en cuatro carpetas negras y las exhibió sobre cuatro pedestales.

culminó "arte conceptual" en cuatro importantes exposiciones en 1969 y en el ensayo de Lucy Lippard " Seis años: la desmaterialización del objeto artístico de 1966 a 1972" , en el que la historiadora de arte estadounidense describe con precisión el movimiento del arte conceptual de aquella época.

Desde entonces, muchos artistas conceptuales de renombre internacional han presentado sus obras. Para comprender cómo se ajustan a la definición recién presentada y la gran importancia que tiene el arte conceptual en el panorama artístico actual, lea el artículo de Art-o-Gram titulado «Artistas conceptuales y la importancia del arte conceptual».

El arte conceptual hoy

El movimiento del arte conceptual se asocia formalmente con los artistas conceptuales de las décadas de 1960 y 1970. Sin embargo, sigue estando presente en la producción artística de muchos artistas contemporáneos.

Incluso en el siglo XXI, artistas que no se definen a sí mismos como conceptuales crean arte conceptual. La influencia del conceptualismo se manifiesta tanto en la tendencia hacia una crítica sociopolítica o institucional de la obra de arte, como en el uso de ideas e información como medios para definir el arte.

Su lenguaje artístico se puede encontrar en el arte de instalación moderno, el arte de performance, el arte de la tierra o el arte digital y el videoarte.

Artistas conceptuales importantes y sus obras más importantes

Entre las obras más importantes del arte conceptual se encuentra sin duda "Wall Drawing #46" de Sol LeWitt. La obra consiste en instrucciones escritas del artista: "Líneas verticales, no rectas, que no se toquen, que cubran la pared de manera uniforme", que el espectador puede ejecutar.

El artista no participa directamente en la creación ni en la realización física de la obra.

"Una y tres sillas" de Joseph Kosuth es otra obra innovadora de arte conceptual. Esta obra consta de una silla, una fotografía de la silla a tamaño real y la definición de la palabra "silla" según el diccionario.

Este concepto pretende animar al espectador a preguntarse: ¿Qué constituye la "silla"? ¿Es el objeto, la definición, la fotografía o las tres cosas a la vez? Kosuth también se refiere a cómo se construye el lenguaje y cómo las palabras adquieren significado al aplicarse a los objetos.

Entre los pioneros más influyentes del arte conceptual se encontraban también el artista de performance Allan Kaprow (1927-2006), conocido por sus "Happenings", y Andy Warhol (1928-1987). Ambos artistas utilizaron el conceptualismo en diversas formas (véase Gallerix).

Entre los ejemplos recientes de conceptualismo se incluyen el arte verbal de Barbara Kruger y Christopher Wool , así como el conmovedor arte corporal de Marina Abramovic (nacida en 1946).

Artistas famosos asociados con el conceptualismo:

Yves Klein, cuyas obras Escultura aerostática (1957, París), en la que la galería Iris Clert lanzó al cielo 1001 globos azules. Al año siguiente, Klein afirmó que sus pinturas eran ahora invisibles y lo demostró exhibiendo un espacio vacío (Le Vide, el Vacío), un ejemplo temprano de arte de instalación.

Stanley Brouwn, famoso por su declaración artística de 1960 en la que afirmaba que todas las zapaterías de Ámsterdam debían albergar una exposición de su obra.

Piero Manzoniescandalizó al mundo del arte en 1961 al exhibir sus propios recipientes de excremento. También exhibió globos llenos de su aliento. Otra de sus técnicas poco convencionales consistía en firmar los cuerpos de sus clientes, convirtiéndolos así en obras de arte vivientes.

Christo y Jeanne -Claude Javacheff, escultor y artista conceptual búlgaro, se hizo famoso por su obra de 1962, "Cortina Se de Hierro trataba de una barrera hecha de barriles de petróleo erigida en una estrecha calle parisina, que provocaba atascos de tráfico. Javacheff explicó que el "arte" no residía en la barricada en sí, sino en la congestión vehicular resultante.

Yoko Onoen 1964 "Grapefruit"libro con instrucciones y dibujosque describían cómo lograr una experiencia estética cortando y comiendo pomelos.

John Baldessari, conocido por su película de 1970, en la que una serie de observaciones intelectualmente importantes sobre el arte conceptual de Sol LeWitt de piezas populares como "Some Enchanted Evening" y "Camptown Races" .

Douglas Huebler, conocido por su exposición de los años 70 de 12 fotografías tomadas cada dos minutos mientras conducía su coche por una carretera durante 24 minutos.

Judy Chicago, la artista feminista más destacada de la década de 1970, creó la instalación conceptual "The Dinner Party". Esta obra consistía en una mesa de banquete triangular con 39 lugares para figuras femeninas importantes de la historia. Los nombres de otras 999 mujeres estaban grabados en las baldosas del suelo debajo de la mesa.

Walter De Maria, quien en 1977 hundió una varilla de latón de un kilómetro de largo en el suelo del norte de Alemania y llamó al resultado el Kilómetro Terrestre Vertical. Por lo tanto, el “arte” existe en la mente de las personas.

Christopher Williams, conocido por su obra de 1989. Esta consistía en una serie de fotografías monocromáticas de especímenes conservados en vitrinas del Museo Botánico de Harvard, seleccionados de una lista de los treinta y seis países que registraron desapariciones políticas en 1985.

Tracey Emincreó un ejemplo popular de arte posmoderno con su instalación "My Bed" cuya exposición de 1999 fue nominada al Premio Turner. Consistía en una cama deshecha llena de objetos personales como condones, bragas manchadas de sangre, botellas y zapatillas.

Martin Creed, el artista posmoderno escocés, ganó el Premio Turner en 2001 por su obra conceptual «227: Las luces se encienden y se apagan». Nueve años después, el creador donó esta singular obra, que consiste en una habitación vacía con una bombilla parpadeante y sus instrucciones, al país. A pesar de haber sido ridiculizada por varios críticos de arte y atacada por uno de sus rivales artísticos, esta obra maestra conceptual se ha exhibido desde entonces en algunas de las galerías más importantes del mundo, la más reciente en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York.

Otros artistas posmodernos que han utilizado el conceptualismo en su obra son: Giovanni Anselmo (nacido en 1934), Daniel Buren (nacido en 1938), Michael Craig-Martin (nacido en 1941), Gilbert & George (nacidos en 1943; nacidos en 1942), On Kawara (nacido en 1932), Giuseppe Penone (nacido en 1947), Cindy Sherman (nacida en 1954) y Martin Creed (nacido en 1968).