Roy Lichtenstein – La vida con el arte

El artículo «El camino a la fama de Roy Lichtenstein» describía precisamente este camino y también cómo terminó, es decir, con un aumento casi increíble del valor de sus obras. Lichtenstein tuvo que esperar mucho tiempo antes de que sus obras le proporcionaran un sustento económico.

¿Vida y arte, o vida para el arte? Lichtenstein lo intentó.

Roy Lichtenstein tenía casi 40 años cuando experimentó su gran avance artístico, y había razones para ello: Lichtenstein nunca había sido uno de esos artistas de pura cepa cuyas vidas consisten en estudiar arte, hacer arte, pasar tiempo con artistas y las industrias creativas , y nada más.

Lichtenstein era un artista y una persona normal: comenzó a formarse para una profesión completamente normal (la de profesor) y fue reclutado por el ejército; no pudo aprovechar el hecho de que el ejército lo hubiera llevado a París, como estaba previsto, para su desarrollo artístico (y su encuentro con Picasso) porque tuvo que regresar a casa debido a una grave enfermedad de su padre.

Tras la guerra, completó su formación docente en la Universidad Estatal de Ohio y, aunque había comenzado una maestría en Bellas Artes , en 1949 se puso otro obstáculo en el camino de su “libre desarrollo como artista” al casarse y tener dos hijos con su esposa Isabel Wilson en los años siguientes.

Por lo tanto, Lichtenstein era en parte responsable de mantener a su familia, y en la década de 1950 trabajó en todo tipo de empleos que servían menos para su desarrollo artístico y más para ganarse la vida.

En la primera parte de su vida, realmente no disponía de un tiempo ilimitado para dedicarse a experimentos artísticos y a encontrar su propio estilo; participaba en la vida real y vibrante hasta tal punto que incluso para una persona creativa no era fácil desarrollar ideas artísticas muy refinadas en paralelo.

¡Despierta, Lichtenstein! O: Lo que un nuevo trabajo puede hacer

Esta vida en Ohio, con viajes ocasionales relacionados con el arte a Nueva York, a 750 km de distancia, podría haber continuado indefinidamente si Lichtenstein no hubiera aceptado un puesto de profesor en la Universidad de Rutgers en Nueva Jersey en 1960. Porque fue allí donde se encontró en un ambiente altamente creativo y conoció a todos los artistas que ahora son considerados "padres del Pop Art".

Algunos de los artistas contemporáneos más importantes se habían reunido en la universidad de Ohio: Jim Dine y Claes Oldenburg, Lucas Samaras y George Segal, George Brecht y Geoffrey Hendricks, Dick Higgins y su esposa Allison Knowles, George Maciunas y Robert Whitman, todos ellos agrupados en torno a dos profesores campus de la Universidad de Rutgers Allan Kaprow , el “inventor del Happening” , Robert Watts , escultor y expresionista y amigo de Fluxus.

Tal creatividad inspiró una vez más a Lichtenstein y lo animó a explorar incluso sus ideas más extravagantes. Hasta ese momento, la expresión artística de Lichtenstein se había el expresionismo , la corriente artística dominante de la época, dentro de la cual Lichtenstein no lograba ubicarse del todo entre las dos escuelas predominantes: la pintura de acción o los expresionistas introvertidos , quienes, con sus aplicaciones de pintura a gran escala, «invitaban a la meditación».

Las obras que surgieron de estos intentos de posicionamiento ciertamente no habían atraído mucha atención en las exposiciones de Nueva York hasta el momento, especialmente a medida que él dudaba cada vez más de su estilo a finales de la década de 1950.

Lichtenstein ya había empezado a experimentar con representaciones de varios personajes de cómics y figuras de Disney , pero nunca expuso públicamente estas primeras imágenes de Disney. En lugar de eso, las repintó él mismo, admitiendo más tarde que las consideraba actos de desesperación. Una verdadera lástima, porque estas imágenes de Bugs Bunny, el Pato Donald y Mickey Mouse probablemente le habrían reportado una gran suma de dinero pocos años después.

Cuando Lichtenstein se dejó inspirar por las ideas de las personas creativas que lo rodeaban, el resultado de esta fase experimental fue que deliberadamente “olvidó” por completo sus habilidades artísticas adquiridas previamente y creó precisamente una “imagen cómica” como su primera obra sin influencia expresionista.

Así nació el estilo típico de Lichtenstein; a “Look Mickey” le siguieron en el mismo verano de 1961 varias otras imágenes de este nuevo estilo, en las que combinó imágenes claras delineadas por líneas fuertes con áreas monocromáticas, imitó elementos de la tecnología de impresión industrial (puntos Ben-Day) y el bocadillo de diálogo conocido de los cómics.

En otoño de 1961, el profesor Kaprow le concertó una reunión con Ivan Karp, director de la prestigiosa galería Leo Castelli de Nueva York , a quien Lichtenstein presentó algunas de sus pinturas de su nuevo estilo. Karp consideró prometedoras las obras y se las mostró a su jefe, Leo Castelli. Se dice que Castelli decidió representar a Lichtenstein «Niña con pelota», pero Karp no le enseñó «Mira a Mickey»,

Lichtenstein está en boca de todos; casi impensable sin Castelli.

Quizás fue esta omisión la que propició la carrera de Lichtenstein, ya que Andy Warhol había comenzado a incorporar personajes de cómics a su arte casi al mismo tiempo. Se dice que también expuso estas imágenes en la Galería Castelli, donde fueron rechazadas. Por otro lado, el rechazo de Castelli y la apropiación de los cómics por parte de Lichtenstein supuestamente llevaron a Warhol a alejarse de los cómics y a centrarse en los bienes de consumo, lo que lo sitúa ahora en el primer puesto del ranking histórico del arte, mientras que Roy Lichtenstein ocupa el puesto número 23.

Pero todo eso viene mucho después; en 1961, Lichtenstein logró entrar por primera vez en una de las galerías más codiciadas de Nueva York en aquel momento, y a partir de ahí las cosas fueron viento en popa: los primeros cuadros se vendieron rápidamente, su primera exposición individual agotó las entradas incluso antes de inaugurarse, y Lichtenstein ya podía vivir de sus pinturas.

Posteriormente, reorganizó por completo su vida: las décadas de inviernos compartidos en el interior del país, los años de lucha por la supervivencia y su ya de por sí tenso matrimonio con Isabel Wilson terminaron en divorcio; Lichtenstein se mudó al centro artístico de Nueva York, conoció a otras figuras destacadas del Pop Art como Robert Rauschenberg y Jasper Johns , y se dedicó exclusivamente a la pintura. Castelli tenía buenos contactos en Europa, y gracias a su exesposa, Ileana Sonnabend, Lichtenstein también obtuvo reconocimiento allí.

Producción enérgica al estilo de Lichtenstein

Eso fue todo: en la década de 1960, Lichtenstein se hizo cada vez más famoso, y en 1963 creó la que probablemente sea su pintura más famosa "¡Whaam!" , que ya colgaba en la Tate Modern de Londres en 1966. En los años siguientes, creó multitud de obras de arte, dedicándose a una amplia variedad de temas, esculturas e instalaciones de objetos artísticos, y a menudo pintando en series.

Tal vez en contraste consciente con Andy Warhol , Lichtenstein nunca utilizó fotografías como plantillas, sino que siguió recurriendo a tiras cómicas o materiales impresos comerciales como el directorio comercial del que "Niña con pelota" , y siempre produjo visiblemente con el estilo distintivo de Lichtenstein.

En sus primeras obras, experimentó con diversos temas, utilizando a veces modelos reconocibles e incorporando objetos muy simples. Al igual que Warhol, se vio influenciado por la nueva ola de publicidad comercial de productos de consumo innovadores. Esto dio como resultado pinturas como , « Roto Broil» y «Lavadora», todas de 1961, que fueron condenadas por la crítica de arte, pero recibidas con entusiasmo por los clientes de Castelli debido a su representación novedosa y sutil.

Lichtenstein buscó deliberadamente la conexión entre el arte y el comercio , alcanzando su primer gran hito con la pintura "Arte " de 1962, que no representaba más que la palabra misma en casi dos metros cuadrados. A esta obra le siguieron abstracciones de estilo cómic que recuerdan a las pinturas de Picasso, esculturas de cerámica y metal, paisajes y series de pinceladas; la composición de áreas de color con marcados contornos negros y zonas punteadas se mantuvo constante.

Esta producción marcó el inicio de importantes exposiciones: en 1964, Lichtenstein se convirtió en el primer estadounidense en exponer en la Tate Gallery ; en 1967, el Museo de Arte de Pasadena , en California, acogió la primera retrospectiva de su obra y su primera exposición individual en Europa, que itineró por Ámsterdam, Londres, Berna y Hannover. En 1968, Lichtenstein participó por primera vez en la documenta (IV) de Kassel , seguida en 1969 por su primera retrospectiva en el Museo Guggenheim de Nueva York.

La época de honores, exposiciones y colecciones

Gunter Sachs le encargó a Lichtenstein pintar "Leda y el cisne" para la Suite Pop Art de su Palace Hotel en St. Moritz Academia Estadounidense de Artes y Ciencias y compró una casa de carruajes en Southampton, Long Island, donde construyó un estudio y pasó un período de relativo aislamiento.

En la década siguiente, no se añadieron muchas novedades a su estilo; descubrió las ilusiones ópticas y produjo una amplia variedad de bodegones, también volvió a estudiar historia del arte y pintó cuadros basados ​​en la obra de artistas famosos, como el "Jinete Rojo" inspirado en Carlo Carrà, y el "Paisaje del Bosque" en 1980, inspirado en Claude Monet.

Ya en la década de 1960, Lichtenstein había reproducido obras maestras de Cézanne, Picasso y Mondrian; en total, realizó más de cien interpretaciones de pinturas conocidas de famosos colegas. La exposición «Roy Lichtenstein. El arte como motivo», celebrada en el Museo Ludwig de Colonia en 2010, se centró en esta faceta del artista.

Este recorrido por la obra de Lichtenstein abarca el cubismo y el expresionismo, el futurismo y el modernismo, desde el estilo de los años treinta hasta el arte minimalista y la pintura abstracta . Lichtenstein no se limita a copiar, sino que encuentra interpretaciones personales tan interesantes en sus reinterpretaciones de los clásicos que su reducción exclusiva al arte pop de estilo cómic resulta quizás lamentable.

Durante este periodo, Lichtenstein también comenzó a reelaborar sus propias obras; en la serie «Estudio del Artista», creó «Estudio del Artista, Mira a Mickey» y otras reediciones en 1973 y 1974. Asimismo, realizó nuevos encargos, entre ellos un Art Car para BMW en 1977, una lámpara escultórica para la iglesia de Santa María en Georgia en 1978 y «Sirena» , un encargo público que actualmente se encuentra frente al Fillmore Miami Beach en el Teatro Jackie Gleason. Lichtenstein también recibió su primer doctorado honoris causa en 1977 del Instituto de Artes de California, y en 1980 fue galardonado con un doctorado honoris causa del Southampton College.

En la década de 1980, Lichtenstein evidentemente se cansó de los cómics y volvió a sus raíces, creando paisajes como "Amanecer" de 1984 y "Paisaje con tejado rojo" de 1985, así como toda una serie de "Bocetos de paisajes ". Le siguieron otros encargos públicos: en 1984, creó la escultura "Pinceladas ", que ahora se encuentra en el Aeropuerto Internacional Port Columbus; al año siguiente, el "Mural con pinceladas azules" "El Capitán" para los Juegos Olímpicos ; y en 1994, el enorme mural en la estación de metro de Times Square en Nueva York.

Y otros honores: En 1987 recibió un doctorado honoris causa de la Universidad Estatal de Ohio, en 1993 recibió un doctorado honoris causa del Royal College of Art, en 1995 fue galardonado con el Premio Kyoto y la "Medalla Nacional de las Artes" de Estados Unidos, en 1996 recibió un doctorado honoris causa de la Universidad George Washington de Washington D.C., y en total recibió varios premios más.

La última obra de Lichtenstein fue, irónicamente, el logotipo de la compañía DreamWorks Records, realizado con su estilo característico, a pesar de que para entonces ya se había alejado considerablemente de sus ilustraciones de cómics. Si algún espectador percibe una contradicción, sin duda no le habría preocupado al artista, quien falleció en 1997. Lichtenstein nunca se tomó demasiado en serio a sí mismo: «No creo que lo que signifique sea importante para el arte» es una cita suya muy conocida (que se encuentra en el libro «Roy Lichtenstein» de John Coplans, publicado en 1972 por Praeger en Nueva York, pág. 54).

En algunos casos, las críticas fueron bastante duras; por ejemplo, la revista "Life" publicó un artículo preguntando si Lichtenstein "el peor artista de Estados Unidos ". También es legendaria la declaración del famoso autor de cómics y ganador del premio Pulitzer Art Spiegelman , quien dijo : "Lichtenstein no hizo ni más ni menos por los cómics que Andy Warhol por la sopa".

Aunque Lichtenstein admitió en ocasiones que las críticas a veces le dolían, generalmente se le describe como un conversador amigable y, en lo que respecta a su evaluación, extremadamente relajado.

Obras de arte de Roy Lichtenstein en Pinterest

regusto desagradable

Teniendo en cuenta los precios que se pagan hoy por un "Lichtenstein", realmente tenía motivos de sobra para tanta serenidad: los millones pagados durante su vida se han multiplicado aproximadamente por diez desde entonces.

Resulta aún más lamentable, por tanto, que incluso en 2013, más de quince años después de la muerte del artista, aparezcan supuestas "musas" que, sin ningún respeto por el segundo matrimonio de Lichtenstein, que duró casi tres décadas, quieran sacar provecho de su relación con el artista en vísperas de una importante retrospectiva de sus obras.

O cuando el galerista que representó a Lichtenstein hacia el final de su vida y que desde entonces ha comercializado su legado acapara titulares principalmente por disputas legales en torno al arte de Lichtenstein…

sobre este galerista , pero ese es otro tema del que podrán leer pronto.